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Rem Koolhaas
Antes de dedicarse a proyectar edificios, Koolhaas,
nacido en Rotterdam en 1944, trabajó como guionista
de cine y ejerció de periodista. Aunque en España es
menos popular que Foster, Richard Meier, Alvaro Siza o
Philip Johnson, reconocidos también con el Pritzker, el
máximo galardón para los arquitectos, Koolhaas es una
figura fundamental para entender el desarrollo de la
arquitectura contemporánea. Antes de esbozar sobre
el tablero de dibujo su primer proyecto, Rem Koolhaas,
que estudió en la Architectual of Association de
Londres, se dedicó a impartir teoría. Su libro La delirante
Nueva York lo situó en la línea de salida para una
carrera que dura ya dos décadas. En 1975, después de
analizar el impacto de la cultura metropolitana sobre la
arquitectura fundó, junto a Elia y Zoe Zenghelis y
Madelon Vriesendorp, la Office for Metropolitan
Architecture (OMA), cuyos objetivos son la definición de nuevos tipos de relaciones, tanto
teóricas como prácticas, entre la arquitectura y la situación cultural contemporánea. La
arquitectura que realiza Koolhaas es, quizá, más difícil de identificar que la que practican
muchos de sus colegas contemporáneos. El holandés, al que le interesan sobre todo los
proyectos a gran escala, siempre ha defendido la libertad de modelos. Su arquitectura es
una arquitectura de lo esencial; ideas a las que se da una forma constructiva. Es un
profesional que se siente manifiestamente a gusto con el
futuro y en estrecha comunicación con su ritmo acelerado y
sus cambiantes configuraciones. En sus proyectos se deja
sentir la intensidad de un pensamiento que da cuerpo al
armazón que termina por ser una casa, un centro de
congresos, el proyecto de un campus o un libro. El
Netherlands Dance Theater, en La Haya, fue uno de los
primeros proyectos que Rem Koolhaas consiguió
materializar. A partir de ahí le llovieron los encargos. Sus
clientes le demandaron desde una casa hasta un plan
director para un área concreta de una ciudad. Una
sofisticada vivienda en Burdeos, construida sobre una colina
por encargo de una persona que había sufrido un
accidente, lo introdujo en el Olimpo destinado a los
arquitectos más innovadores. Rem Koolhaas ha sido
galardonado con el Pritzker del año 2000.
Obra
Koolhaas es un arquitecto que proyecta edificios de clara
consistencia física, en los que la masa adquiere un carácter
predominante.
En 2000 Koolhaas recibió el premio Pritzker, el galardón
internacional más importante de arquitectura.
Actualmente el estudio OMA emplea a 100 arquitectos
y diseñadores, que trabajan en numerosos proyectos en
todo el mundo. El más importante que se ha
desarrollado recientemente es la nueva sede de la
televisión China junto a un centro cultural, que suman
en total 550.000 metros cuadrados, y que se ha
construido coincidiendo con los Juegos Olímpicos de
Pekín 2008.
Koolhaas es también un teórico de la arquitectura y ha
publicado varios libros. Entre los más importantes se
encuentran: "S, M, L, XL", "Mutaciones", "Content" y
"Delirious New York: A Retroactive Manifesto for
Manhattan".
Otra de las facetas de Koolhaas y de las que quizás sea
más importante y es su labor como urbanista, entre los
que predomina su especial predilección por el uso de
la congestión en sus obras, como en los proyectos para
Lille o para Melun Senart, y su gusto hoy día por las
ciudades asiáticas.
Ha impartido clases en varias escuelas y universidades.
Desde 2000 es profesor invitado en la Universidad
Harvard, probablemente sea en estos momentos el
arquitecto más influyente y contundente del panorama
internacional.
Obras representativas
1988 - Edificio Grand Palais (Lille, Francia) (puede
verse en la Wikipedia en francés en: Lille Grand Palais);
Plan maestro de desarrollo urbanístico (Lille,
Francia);
Centro Euralille (Lille, Francia);
1988 - Teatro de la Danza de Holanda (La Haya,
Holanda) (puede verse en la Wikipedia en inglés en:
Netherlands Dance Theater;
1991 - Villa Dall'Ava (Saint-Cloud, París) (puede
verse en: Villa dall’Ava);
1991 - Viviendas Nexus (Fukuoka, Japón);
1993 - Museo de Arte Kunsthal (Rotterdam);
1993-97 - Edificio multifuncional Educatorium, Universidad de Ultrecht (Ultrecht,
Holanda);
1997-2003 - McCormick Tribune Campus Center (IIT , Chicago, EEUU) (puede verse
en la Wikipedia en inglés en: en:McCormick Tribune Campus Center;
1998 - Casa unifamiliar en Burdeos (Burdeos, Francia) (puede verse en: Maison à
Bordeaux);
1999 - Second Stage Theatre (Nueva York);
2001-02 - Museo Guggenheim de Las Vegas (Las Vegas, EE.UU.);
2001-05 - Casa da Música (Oporto, Portugal);
2004–09 - Sede de la Televisión Central de China (Pekín, China) (Edificio CCTV);
2003 - Embajada de los Países Bajos en Berlín (Berlín, Alemania) (puede verse en la
Wikipedia en inglés en: en: Netherlands Embassy Berlin)
2003-05 - Museo de Arte de la Universidad Nacional de Seúl (Seoul) (puede verse
en la Wikipedia en inglés en: Seoul National University Museum of Art);
2004-09 - Teatro Dee y Charles Wyly (Dallas, Texas) (puede verse en la Wikipedia en
inglés en: en:Dee and Charles Wyly Theatre)
2004 - Biblioteca Central de Seattle (Seattle);
2006 - Pabellón de la Serpentine Gallery (Londres);
2006 - Shenzhen Stock Exchange (Shenzhen, China);
2006-09 - Milstein Hall, (Cornell) ([1]);
2007 - Proyecto Torre Bicentenario (México, D.F). Cancelado;1
Centro de Congresos de Córdoba (Palacio del Sur) (Córdoba, España).
Cancelado;
2008–10 - Edificio del 23 East 22nd Street (Nueva York);2
2008–10 - Bryghusprojektet, (Copenhagen);3
2009 - Riga Port City (Riga);
2009-13 - De Rotterdam, (Róterdam);
2010 - New Court, St. Swithin's Lane (Londres).
Diseño de las tiendas de Prada para todo el mundo (Nueva York: 2003, Los
Ángeles: 2004)
Obra y biografía de Santiago Calatrava
Introducción a la figura del arquitecto Santiago Calatrava
El arquitecto español, Santiago Calatrava, nació en
1951 en Valencia, en el barrio de Benimamet. A los
ocho años, ingresó en una escuela de arte para
aprender dibujo y pintura, actividad que compaginó
con sus estudios escolares. Después, se matriculó en la
Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Valencia,
donde también realizó un curso de post-graduado en
urbanismo.
En 1975 se trasladó a Zúrich para
ampliar su formación. Allí estudió
durante cuatro años ingeniería civil en
el Instituto Federal de Tecnología y
trabajó como profesor auxiliar en el
Instituto Federal de Tecnología.
Comenzó a trabajar en pequeños
encargos y poco a poco fue
participando en concursos de nuevos proyectos. En 1983 le fue adjudicado uno de sus
primeros proyectos importantes, la Estación de Ferrocarril de Stadelhofen, situada junto al
centro de Zúrich.
Santiago Calatrava concibe cada proyecto como
una obra viva donde todas las partes que la
componen están relacionadas. Da gran importancia
a al efecto dinámico, al hormigón y al acero como
materiales de construcción. Se inspira en la
naturaleza y en los esqueletos humanos. Arquitectura
e ingeniería se funden en sus obras hasta tal punto
que resulta imposible dividirlas.
Principales obras de Santiago Calatrava
La Estación de Ferrocarril de Stadelhofen (1983-1990)
La construyó en colaboración con Arnold Amsler y
Wener Rüeger. Los elementos más significativos de la
obra son el paseo-mirador, la marquesina de las vías
y la galería comercial subterránea, que se encuentra
bajo las vías.
Exposición Universal de Sevilla ´92
Para la Exposición Universal de Sevilla ´92, Calatrava
levanta el Puente del Alamillo. Se trata de un mástil o torre inclinada hacia atrás de la que
parten los tirantes que sujetan la plataforma.
En el mismo recinto de La Cartuja realiza el Pabellón de Kuwait, un edificio de gran
limpieza espacial y estructural. Se divide en una planta inferior para exposiciones, una
superior, que es la plaza pública y una simbólica cubierta móvil que se abre al Universo.
El Puente Peatonal del Campo de Volantín
El Puente Peatonal del Campo de Volantín se
encuentra en Bilbao, sobre la ría del Nervión.
También se le conoce como El Zubizuri, que
en euskera significa puente blanco, ya que
está pintado de blanco, rasgo característico
de Calatrava. Consiste en un arco inclinado
que une dos plataformas, con rampas de
acceso y escaleras en ambas orillas y que
sostiene la estructura peatonal con cables
de hierro.
Otros puentes son el Puente Bac de Roda en
Barcelona, La Peineta en Valencia o el
Puente Lusitania en Mérida.
Aeropuerto de Bilbao
Calatrava también dirigió en Bilbao el proyecto de la renovación
del Aeropuerto. Predomina el color blanco, el vidrio y el hormigón
y su aspecto exterior se asemeja a un ave emprendiendo el
vuelo. Por este motivo, se le ha llamado popularmente con el
nombre de La Paloma.
La nueva torre de control la diseñó con forma de halcón.
Torre de Montjuïc
Es una de sus obras más originales. Se encuentra en Montjuïc,
Barcelona. Está realizada en acero blanqueado con forma de
antorcha olímpica. Sus 120 metros de altura la convierten en el
elemento señalizador clave del Anillo Olímpico.
Otras obras a destacar son:
El Centro Internacional de Ferias y Congresos en
Santa Cruz de Tenerife, concebido como un edificio
polivalente que permite acoger los principales
acontecimientos que tienen lugar en la isla. En esta misma
ciudad también proyectó el Auditorio. La Ciudad de las Artes y las Ciencias, en Valencia,
que es un complejo cultural y de entretenimiento. La estación de metro "Alameda" en Valencia. El Museo de Arte de Milwaukee, Wisconsin. Edificio BCE en Toronto, Canadá.
Estilo
Se le considera un arquitecto especializado en grandes estructuras. Calatrava ha recibido
numerosos premios y reconocimientos por su trabajo. Entre ellos destaca el Premio Príncipe
de Asturias de las Artes que recibió en 1999.4 También ha sido nombrado Doctor honoris
causa en veinte ocasiones.1
Posee influencias de Fernando Higueras, Jørn Utzon, Antonio Gaudí, y las arquitecturas
gótica y romana.
Frank Owen Gehry
Frank Owen Gehry nació en Toronto,
Ontario, Canadá en 1929. Nació con el
nombre de Ephraim Goldberg pero
adoptó más tarde la nacionalidad
norteamericana. Se graduó en 1954 de
sus estudios de arquitectura y comenzó
a trabajar en el estudio de Victor Gruen
y Asociados en Los Ángeles. Fue a
servicio militar durante un año y a su
regreso fue admitido en la Escuela de
Diseño de la Universidad de Harvard
para estudiar urbanismo.
Él estudió también en la universidad de
Southern, antes de que estableciera su primera firma, Frank O. Gehry y Asociados en 1963.
En 1979 esta firma fue fusionada y se convirtió en Gehry & Krueger Inc. Sobre los años,
Gehry se ha movido lejos de una práctica comercial convencional a un taller artístico
dirigido. Su estilo arquitectónico deconstructivo comenzó a emerger en los últimos años 70
en que Gehry, dirigido por una visión personal de la arquitectura, creaba composiciones
collage con los materiales encontrados.
En vez de crear edificios, Gehry crea pedazos de escultura funcional. La arquitectura de
Gehry ha experimentado una evolución marcada desde sus primeros trabajos en
concreto retorcido hasta el chapeado y metal acanalado de sus trabajos más recientes.
Su estilo es impactante, realizado frecuentemente con materiales inacabados. En un
mismo edificio incorpora varias formas geométricas simples, que crean una corriente visual
entre ellas. Sin embargo, los trabajos conservan una estética deconstructiva que ajusta
bien con la cultura cada vez más desunida a la cual pertenecen.
En las comisiones públicas a gran escala, desde que se convirtió en un estético
deconstructivo, Gehry ha explorado los temas de la arquitectura clásica. En estos trabajos
él combina las composiciones formales con una estética estallada. Más recientemente
posible, Gehry ha combinado formas curvadas con formaciones deconstructivas
complejas, alcanzando nuevos resultados significativos.
Es uno de los arquitectos contemporáneos que considera que la arquitectura es un arte,
en el sentido de que una vez terminado un edificio, éste debe ser una obra de arte, como
si fuese una escultura. El ha ido trabajando en sus sucesivos proyectos de esta manera, sin
abandonar otros aspectos primordiales de la arquitectura, como la funcionalidad del
edifico o la integración de éste en el entorno. En reconocimiento a su incansable labor,
Gehry recibió en 1989 el prestigioso premio de arquitectura Pritzker, comparable con el
premio Nobel.
Algunas de sus obras más importantes son: ·Casa Frank Gehry (California) ·Museo
Guggenheim de Bilbao, Bilbao, España. ·Hotel Marqués de Riscal, Elciego, España ·Casa
Danzante, Praga, República Checa. ·Edificio del Banco DG, Berlín, Alemania. ·Centro de
Exposiciones, Columbia, Maryland, EE.UU. ·Centro Maggie’s Dundee, Dundee, Escocia.
·Torre Gehry, Hannover, Alemania. ·Sala de Conciertos Walt Disney, Los Ángeles, EE.UU.
La arquitectura clásica de Frank Gehry
Mientras el área bilbaína de Abandoibarra va alcanzando su forma definitiva tras largos años de obras, una no menos larga lista de grandes nombres de la arquitectura ha ido dejando sus edificios en ese lugar, pero sin lugar a dudas es el museo de Frank Gehry el que parece aún generar ese lugar. El 18 de octubre de 1997 se inauguró el museo Guggenheim de Bilbao, catorce años después mantiene inalterado su espíritu comprometido con el lugar. A Frank Gehry le gusta contar que su arquitectura tiene su origen en el lugar, en un lugar entendido de forma amplia, un lugar que comprende desde la situación anímica del país
en el que se sitúan sus edificios hasta los vecinos que lo rodean, pasando por el paisaje, la cultura y las arquitecturas cercanas. Sin lugar a dudas el arquitecto canadiense se encuentra entre los más influyentes, más conocidos y más mediáticos del mundo y en gran medida se debe a su museo, que de alguna manera a eclipsado el resto de su obra. Gehry recibió el premio Pritzker, considerado el Nobel de la arquitectura, en 1989 por lo que no hay dudas de que su obra era ya muy importante antes de la llegada del Guggenheim Bilbao.
Hoy Gehry es considerado un arquitecto artista, un constructor de formas, de artificios estéticos. Y su obra parece estar dominada por la repetición continuada de un lenguaje de gestos ya aprendidos, de pieles de metal retorcidas que sirven igual para revestir un museo o una bodega y que se exportan de un proyecto a otro casi sin ningún criterio. Esta visión es totalmente errónea, y curiosamente es también un producto del edificio que le consagró como uno de los mejores arquitectos del siglo XX. De este modo el increíble poder mediático del Museo Guggenheim ha sido un arma de doble filo, por un lado capaz de lanzar al estrellato una trayectoria como por otro capaz de aplastar bajo su imponencia todo el trabajo anteriormente
desarrollado, hasta brindar una imagen irreal de su propio autor. Frank Gehry es un arquitecto tremendamente culto que al ser preguntado sobre sus intereses arquitectónicos recurre al maestro del renacimiento italiano Francesco Borromini. Y es que más allá de un escultor de la forma Gehry es un arquitecto obsesionado por poseer el lugar, transformarlo y definir un nuevo escenario en el que representar una nueva realidad. Una condición que habla de la arquitectura como soporte y no como objeto artístico al servicio de la contemplación. Es por esta condición por la que si despojamos a la arquitectura de Gehry de sus voluptuosas formas y observamos sus fundamentos, encontraremos esquemas clásicos, renacentistas o barrocos, argumentos sobre el lugar, el paisaje o la escala urbanas, en definitiva motivaciones propias de la disciplina arquitectónica alejadas de esa aparente irracionalidad que algunos pretenden achacar a su obra. En las obras de su estudio, afincado en Los Angeles, la forma de desarrollar el acceso, el esquema de funcionamiento de la planta , las circulaciones, las relaciones con el espacio público o con la llegada de los visitantes son temas fundamentales que tal vez el desarrollo volumétrico del proyecto coloque en un segundo plano, pero son puntos de partida que ayudan a racionalizar la arquitectura.
Es por esto, por lo que su obra no cuenta con una determinada caducidad, sino que más bien permanece inalterable a lo largo del tiempo ya que se asienta sobre principios invariables revestidos, eso si, de un lenguaje concreto y característico que evoluciona lentamente de obra en obra. Son precisamente estas razones las que han mantenido vivo el museo Guggenheim de Bilbao en lo que a arquitectura se refiere. A pesar del cambio urbano experimentado por el área de Abandoibarra en los últimos años, con la llegada de magníficos edificios realizados además por grandes arquitectos, como es el caso del edificio del rectorado de la EHU del portugués Alvaro Siza,
la biblioteca de la Universidad de Deusto de Rafael Moneo o la torre Iberdrola, el Museo Guggenheim permanece fiel a los valores que lo consagraron como un referente urbano. La adaptación del edificio a su entorno, resolviendo perfectamente el desnivel entre la calle y el paseo de la ría, integrando perfectamente el puente de la Salve pero manteniendo una escala adecuada tanto en la cara más urbana en relación a los bloques de viviendas como en la fachada más expuesta respondiendo a la escala paisajística del Nervión. El museo Guggenheim nos muestra al mejor Frank Gehry, a la vez innovador , con ganas de experimentar y aportar nuevas lecturas; mientras se mantienen reflexivo y disciplinar construyendo un lugar, escultórico en su lenguaje pero arquitectónico en su contexto. Una arquitectura proyectada en el siempre difícil equilibrio entre la experimentación y el conocimiento de la disciplina.
Richard Rogers
(Richard George Roberts Rogers; Florencia, 1933) Arquitecto británico, responsable de
algunos de los edificios más emblemáticos de las últimas décadas, como el Centro
Nacional de Arte y de Cultura Georges Pompidou en París, que diseñó con Renzo Piano, y
el Lloyd’s en Londres. Conocido por sus edificaciones pioneras junto a Norman Foster y
Renzo Piano, al frente de su propio estudio, Richard Rogers Partnership, ha mantenido
durante toda su carrera profesional un compromiso con la relación entre arquitectura y
medio ambiente, cultura y sociedad.
Richard Rogers
Hijo de padres angloitalianos, su primo era el célebre arquitecto italiano Ernesto Rogers. Al
estallar la II Guerra Mundial su familia se trasladó a Inglaterra, donde Richard pasó la
infancia de internado en internado. Disléxico, según ha contado él mismo en más de una
ocasión, no le fue fácil salir adelante. Tras diplomarse en arquitectura en la Architectural
Association de Londres (1954-1959), donde tuvo como profesores a James Stirling y Peter
Smithson, en 1962 obtuvo una maestría por la Universidad de Yale; allí entablaría amistad
con Norman Foster.
A su regreso a Londres, Rogers y su entonces esposa, Sue Brumwell, se asociaron con el
matrimonio formado por Norman y Wendy Foster y crearon su primer estudio, Team 4. El
primer proyecto del grupo consistió en diseñar la casa familiar de los padres de Sue en
Cornualles, pero su construcción más ambiciosa resultó, sin duda, la fábrica Reliance
Controls Ltd. en Swindon, Wiltshire, en la que se combinaban los preceptos heredados de
Charles Eames con nuevos intereses sociales inusuales en aquellos años. Team 4 logró
notoriedad por sus diseños de alta tecnología, pese a lo cual el grupo decidió disolverse
en 1968.
En 1967 Rogers representó a los arquitectos británicos en la Bienal de París con la Dr.
Rogers House (Wimbledon), y un año más tarde obtuvo el premio House for Today de
Dupont Company por el prototipo Zip-Up House, un importante hito histórico dentro del
desarrollo de la vivienda industrial. A finales de la década de 1970, Rogers estableció
estrecho contacto con el arquitecto italiano Renzo Piano, a quien conoció cuando
ambos impartían cursos en la Architectural Association. Ambos decidieron asociarse y
fundaron el estudio Piano & Rogers.
El estudio proyectó obras como el Pabellón Italiano para la Exposición Universal de Osaka
(1970), el centro comercial de Fitzroy Street (1970), el Centro PATS (1975) en Cambridge o
el Instituto de Investigación y Coordinación Acústica de Pierre Boulez (1977). Sin embargo,
la obra que les daría mayor renombre internacional sería el Centro Georges Pompidou, en
París. En 1971 Piano & Rogers ganaron el concurso para la construcción del Centro
Nacional de Arte y de Cultura Georges Pompidou, en la capital francesa. La construcción
del edificio, en el centro histórico de París, se convirtió en un acontecimiento internacional
por su estética industrial y por redefinir el papel del centro cultural tradicional.
El Centro Pompidou (París), de Rogers y
Piano
Los arquitectos concibieron el edificio
como un “diagrama espacial
evolutivo”. Pensado como una
superestructura de acero y vidrio, una
de las prioridades más importantes
fue dotarlo de la mayor movilidad
funcional posible, para lo cual
liberaron el espacio interior de
conductos técnicos y órganos de
circulación (escaleras, ascensores,
etc.), que son exteriores y se
diferencian por colores: azul para el
aire (climatización), verde para los
fluidos (circuitos de agua), amarillo
para los revestimientos eléctricos, y
rojo para las comunicaciones (ascensores) y la seguridad (bombas contra incendios).
Precisamente este aspecto, tan innovador y chocante en la década de 1970, hizo que
fuese muy criticado al chocar enormemente con la estética clásica y romántica de las
calles y edificios de la capital francesa, aunque actualmente es uno de los edificios más
queridos por los parisienses. El Centro Pompidou fue inaugurado por el presidente de la
República, Valéry Giscard d’Estaing, en 1977. Lo visitan anualmente cerca de seis millones
de personas y está considerado uno de los edificios más emblemáticos del siglo XX.
Acabado el Centro Pompidou, en 1977 Rogers fundó su propia empresa, Richard Rogers
Partnership, que integran en la actualidad 130 personas. Su estilo, enérgico y alegre, nos
muestra estructuras que poseen algo de revival gótico o estilo Tudor, concibiendo al final
lo que se podría llamar un “diseño británico” que ha hecho de Rogers el arquitecto más
involucrado con la construcción de obras gubernamentales británicas de los últimos
cincuenta años. Es responsable de obras como la expansión del aeropuerto de Heathrow
(1989-2008) y la Asamblea Nacional de Gales en Cardiff (1998-2005), y en sus manos puso
Tony Blair la ejecución de la Cúpula del Milenio (1996-2000). Hablar de Richard Rogers es
hablar de un hombre comprometido con su país.
Philip Johnson
Philip Johnson (8 de julio de 1906 - 25 de enero de 2005) fue
un arquitecto estadounidense.
Biografía
Sony Building (originariamente AT&T building), situado en
Manhattan, Nueva York. Considerado como uno de los máximos
exponentes delposmodernismo arquitectónico y uno de los edificios
más controvertidos de la década de 1980.1
Nació en Cleveland, Ohio. Estudió arquitectura e hizo
después un máster de historia de la arquitectura en
la Universidad Harvard. Una vez terminados los estudios
Johnson aceptó el cargo de director del departamento
de arquitectura del Museo de Arte Moderno de Nueva
York, que se acababa de crear.
En los años siguientes se dedicó a muchas actividades,
excepto a la práctica de la arquitectura. Fue crítico,
autor, historiador y director de museo, hasta que
finalmente, a la edad de 36 años, se concentró en la
arquitectura y diseñó su primer edificio. A partir de
entonces empezó su trayectoria como arquitecto.
En 1967 se unió a John Burgee, con el que mantuvo una asociación durante 20 años. En
este tiempo, ambos arquitectos realizaron un número muy elevado de proyectos.
Johnson organizó las primeras visitas arquitectónicas a Ludwig Mies van der Rohe, y
también a Le Corbusier, cuando éstos viajaron a los Estados Unidos. Con Mies tuvo una
estrecha relación y colaboró más tarde con él en el diseño y la construcción del
famoso edificio Seagram en Nueva York.
Johnson ha sido distinguido por el Instituto Americano de Arquitectos con la Medalla de
Oro, y en 1979recibió la primera edición del Premio Pritzker, máximo galardón en
arquitectura.
Desde 1989 Johnson vivió en un semi-retiro. Dedicó su tiempo sobre todo a proyectos
propios, aunque siguió como consejero del antiguo despacho. Uno de sus últimos diseños
fue para una nueva escuela deBellas Artes en el estado de Pennsylvania.
La obra más famosa de Johnson es probablemente la Casa de Cristal (Glass House), en
New Canaan,Connecticut. Es un edificio cuya estructura metálica muy esbelta que no
oculta la visión. Todas las paredes son enteramente de vidrio, de forma que la casa se
hace transparente, permitiendo ver desde un lado lo que ocurre en el otro, mirando a
través del edificio. Johnson diseñó la casa para sí mismo y al mismo tiempo
como tesis para su graduación. Desde entonces Johnson vivió siempre en ella, por lo que
también se la denomina Casa Johnson.
Obras representativas
Crystal Cathedral. New York State Theater.
Casa de Cristal
Torre International Place (Boston)
Torre Tycon (Vienna, Virginia)
Torre Momentum (Dallas, Texas)
Torre NCNB (Houston)
Torre PPG (Pittsburgh)
Torre United Bank (Denver)
Torre Bank of Amerika (Houston)
Edificio Penzoil Place (Houston
Sede principal de AT&T (Nueva York) 2
Centro Nacional de Artes Dramáticas (Bombay, India)
Centro Century (South Bend, Indiana)
Jardines de agua (Fort Worth, Texas)
Centro Cívico (Peoria, Illinois)
Centro Cultural del Condad de Dade (Miami)
Catedral de Cristal (Garden Grove, California)
Museo de Arte Neuberger (Suny)
Restaurante Four Seasons en el edificio Seagram (Nueva York)
Teatro del estado de Nueva York en el Lincoln Center (Nueva York)
Torres Puerta de Europa (Madrid, España))
Centro Banaven (Caracas, Venezuela) Siendo la única obra de Philip Johnson en Latinoamerica.
ROBERT VENTURI
Robert Venturi (* 25 de junio de 1925) es
un arquitecto estadounidense.
Biografía
Nació en Filadelfia como Robert Charles
Venturi. Estudió arquitectura en la
Universidad de Princeton, en Nueva
Jersey, y pasó después tres años como
becario en la Academia Americana
en Roma.
A continuación Venturi trabajó
hasta 1958 en el estudio de Eero
Saarinen y Louis Kahn. En esa época
también fue profesor de arquitectura
teórica en la Universidad de
Pennsylvania, en Philadelphia. A partir
de 1964 trabajó con John Rauch, y más
tarde se incorporaron al despacho
Denise Scott Brown y otros dos socios. El
nombre de la sociedad fue Venturi,
Rauch and Scott Brown, y se realizaron
numerosos proyectos.
Guild House.
Los diseños de sus edificios urbanos
tienen un aspecto característico, que
recuerda a dibujos o pinturas, tanto por
el empleo de colores, como por la
ubicación de las ventanas y demás
elementos en las fachadas. Venturi
pretende con ello dar un aire alegre a los
edificios situados en un medio urbano,
por lo general monótono. En cambio, es
muy respetuoso con el entorno cuando
diseña edificios situados en la naturaleza,
como las casas de vacaciones que ha
realizado en diversos lugares de los
Estados Unidos.
Venturi es considerado como uno de los
arquitectos más originales de finales
del siglo XX, y es apreciado por haber
introducido conceptos diferentes en sus
obras, que se apartan de todo lo que se
acostumbra a ver en arquitectura. Al
mismo tiempo ha expresado sus
pensamientos en numerosas
conferencias y clases, y también en
varios libros y artículos. Escribió sus libros
principalmente con su socia y
esposa Denise Scott Brown, en los que
realza el hecho de que también la
arquitectura moderna se basa en las
referencias históricas. Según manifiesta,
él como arquitecto intenta no dejarse
llevar por el hábito, sino por un sentido
consciente del pasado, evaluando
detenidamente lo que significa y la
conveniencia y forma de tenerlo en
cuenta en sus proyectos.
Publicó un manifiesto, Complejidad y
contradicción en arquitectura en 1966;
en la introducción, Vincent Scully lo
considera "acaso el escrito más
importante en arquitectura desde la
publicación de 'Vers Une Architecture'
por Le Corbusier en 1923."
Durante los 30 años de su carrera, Venturi
ha sido profesor, entre otras, en las
universidades de Harvard, Yale y
Princeton. En 1991 Venturi fue distinguido
con el premio Pritzker, el galardón
internacional más importante de
arquitectura, comparable al
premio Nobel.
Obras representativas
Separación del movimiento moderno
En su “Complejidad y contradicción en la
arquitectura” de 1966 defiende una
posición contraria a la arquitectura
moderna, contra su pretención de
buscar sólo la diferencia y la novedad.
Quiere mostrar la complejidad de la
forma arquitectónica que no puede ser
reducida a un solo sistema lógico y
estético (como defendían los modernos).
Argumenta que esta arquitectura no es
adecuada para un período de cambio
como es de los 60’, haciendo de esta
voluntad de cambio su objetivo
entonces se separa de ellos
autodenominándose postmoderno. La
postmodernidad significa la superación
del movimiento moderno. Un aceptar las
complicaciones del hombre común en
vez de ignorarlas y plantear un empezar
de cero como hacían sus predecesores.
Influencias
Algunas de las más importantes son su
admiración por Kahn con quien estudió
en la universidad de Yale. De él rescata
el haber establecido una conexión con
el pasado y haber dado a la
arquitectura un desarrollo autónomo.
Además es vital el viaje que realiza a
Roma en el cual puede estudiar
el barroco, período que lo apasiona por
su capacidad de articular los elementos,
subordinándolos a una unidad
geométrica global y desarrollando todo
tipo de ambigüedades. Finalmente hay
que destacar su contemporaneidad con
el pop art, cuyos valores, la admiración
por el vernáculo comercial y los objetos
de consumo se ven reflejados en su obra.
Las fuentes fundamentales para Venturi
serán las tradiciones eclécticas y
clasicistas (Barroco, Manierismo,
Rococó) y la arquitectura popular. Es
además admirador de Le Corbusier,
Aalto, Van Eyck (por su defensa de las
culturas primitivas y sus saberes). Critica
arduamente a Mies, principalmente por
su reduccionismo, y a Wright.
Toda esta complejidad debe resolverse
comprometiéndose con el conjunto. Esta
unidad mantiene un control sobre los
elementos en conflicto que las compone
como un todo. Valora la tradición que
considera que los artistas tienen
completo significado en cuanto son
valorados en relación con sus
predecesores. Proclamaba en su libro la
dualidad, la riqueza de significado, que
oponía a una arquitectura aburrida,
intuyendo que con atender solamente
los requerimientos funcionales no se
cumplía con la misión arquitectónica,
sino que se conducía a la desolación y el
agotamiento del habitante. Se basa
para su obra en la cultura americana de
consumo por excelencia. Estas
características emergentes de una
sociedad desordenada, difícil de
entender por el ciudadano, no son
compatibles con el racionalismo. Es
necesario expresar estas contradicciones
e incertidumbres también en el plano
artístico.
Concluye que el arquitecto debe saber
como interpretar con nuevos criterios de
gusto y composición los elementos de la
metrópolis moderna y los elementos de
mala reputación, como puede ser el
equipamiento urbano. Se refiere al pop
art con quien comparte el gusto por los
elementos vulgares de la cultura urbana,
que combinan para mostrarla variedad y
vitalidad. En este sentido la propuesta de
Venturi es un reflejo de la sociedad
norteamericana de los 50’ y 60’. Lo que
más destaca de los edificios que analiza
en su libro (más de 200 obras) es explorar
temas como las contradicciones en las
composiciones así como el poder de
expresar varios significados
simultáneamente, o tener una dualidad
funcional. Reduce la arquitectura a un
fenómeno perceptivo, a un juego de
formas que transmiten mensajes a
nuestros sentidos. Destaca entonces su
capacidad expresiva.
Casa Vanna Venturi
Se realizan previamente varios proyectos
previos y maquetas. Considera al edificio
sustancialmente clásico en su planta y
forma y su ornamentación y elevación.
Sin embargo especifica que a pesar de
ser clásica no es pura, se adhiere más a
las características manieristas que admite
contradicción con la idea de orden.
Venturi considera que para apreciar esto
se debe ser consciente de la
contradicción en la arquitectura clásica,
como en las obras de Palladio a quien
considera su guía. De su Villa Master es
que toma la fachada en pendiente. En
esta casa vemos expresados varios de los
elementos de contradicción y
complejidad explicados en el libro:
La planta y el frente y la parte
posterior son simétricas con un
eje ventral pero en el perímetro de la
planta las extremidades varían para
acomodarse a excepciones en la
planta.
Escala doméstica que es a la vez
monumental conseguida con las
cubiertas inclinadas que rememoran
el frontón.
Orden y simetría generales que se
ponen en crisis en los pequeños
detalles como el cuerpo que
sobresale por detrás o las ventanas
que se abren de forma asimétrica. La
abertura para revelar el volumen
posterior y la chimenea son formas
de mostrar el efecto manierista de las
capas espaciales y de esa forma
separar a la fachada de la casa.
Entrada parece enorme por la
sombra que proyecta pero es en
realidad modesta
El cuerpo central de la casa es sólido,
a diferencia de los espacios centrales
del plan Palladiniano.
La simetría evidente al principio es
entonces modificada por pequeñas
excepciones. Vale destacar que, aunque
en parte critica a Wright, el interior se
encuentra en esta casa articulado en
torno a la chimenea, una estufa a leña y
una escalera, en similitud a las casas
inglesas del SXVII. Sorprende en la época
que las ventanas parecen efectivamente
ventanas, y no son simplemente huecos
como había promulgado el Movimiento
Moderno.
Además es importante decir que se ve
una recuperación de la ornamentación,
finalizando la obra de su
maestro Kahn en la ruptura con todos los
ideales modernos. Su decoración
aplicada de carácter clásico, es inusual
para la época (mediados del S. XX).
Existe un arco en la fachada que se
compone de las mismas molduras y es
aplicado para enriquecer la abertura.
Este combinado con el dintel hacen
parecer mayor aún la escala del edificio.
Además se ve decoración en las paredes
circundantes, casi similar a un dibujo. Hay
elementos decorativos que no son
clásicos, como la “banda” industrial o la
ventana de la cocina. Pero esto se
enmarca en la voluntad manierista de
contradicción. Finalmente se remite a un
historicismo simbolista del estilo que
busca la esencia del estilo.
“Algunos han dicho que la casa de mi
madre parece un dibujo de niños -
representando los elementos básicos de
refugio- (…). Me gusta pensar que es
algo que alcanza otra esencia, esa del
género de que es una casa y es
elemental”.
“La casa de mi madre fue diseñada
cuando ella ya era una viuda anciana,
con su dormitorio en la planta baja, sin
garaje porque ella no conducía, y con
habitaciones para una sirvienta y la
posibilidad de tener una enfermera -
además de ser también adecuada para
sus bellos muebles con los que yo me
había criado. Por lo demás, ella no
realizó otras demandas al arquitecto, su
hijo, relacionadas con el programa o su
estética -ella era maravillosamente
confiada.”
Guild House
Es una residencia de ancianos en
Filadelfia.
Su planta es funcional e ingenieril
Recurso de la cartelería aplicado por
primera vez deliberadamente
Composición clásica en la fachada
Antena dorada como símbolo de la
vida de los ancianos y de la cultura
(pop art).
En su libro “Aprendiendo de las Vegas”
plantea dos caminos para que un
edificio sea comunicativo. Que en su
forma exprese una función o que sea un
edificio funcional con un rótulo gigante.
La segunda opción es la que considera
más contemporánea. Esto implica una
independización de la fachada como
hecho autónomo del contenido
funcional. Un ejemplo del edificio
anuncio es el “National College Hall of
Fame”, un edificio con forma similar a la
de una galería que es totalmente
independiente de la fachada, siendo
esta una anuncio gigante con pantalla
electrónica. Así se opone
a Loos considerando al edificio como
una máquina funcional por dentro y una
obra singular por fuera. Los que pasará a
caracterizar su obra será una muestra de
posibilidad de adaptabilidad y
prevalencia de la arquitectura
basándose en el uso de elementos
convencionales. Se ubica entonces en el
polo opuesto de su maestro Kahn.
El concepto de aplique.
Lo que empezó por se una búsqueda de
un máximo efecto con los mínimos
medios (como en la Guild House en la
que se usan elementos de producción en
serie para reducir los costos económicos)
se termina transformando en una caída
en la trivialidad y el decorativismo.
Tomando como modelo los papeles
pintado de Morris, aplicará diseños a
objetos y espacios tratándolos
epidérmicamente. Considerará que lo
que caracteriza cada edificio es el
vestuario, la ornamentación, el
tratamiento, la estructura interior que lo
constituye es entonces meramente un
hecho constructivo y funcional.
Museo National Gallery de Londres.
Enlace entre el Ala Sainsbury (Venturi) y el
Edificio Wilkins visto desde la parte trasera.
Casa Vanna Venturi (Filadelfia)
Modelo de Ciudad Celebration
para Disney World (Orlando, Florida)
Pabellón de Estados Unidos para la
Exposición Universal 1992 (Sevilla)
Museo de Arte (Seattle, Washington)
Ampliación del Museo National
Gallery (Londres)
Laboratorio Lerwis
Thomas, Universidad de
Princeton (Princeton, Nueva Jersey)
Auditorio de la Orquesta de
Philadelphia (Filadelfia)
Museo de las Artes Manufactureras
(Fráncfort del Meno)
Sala de Exposición de Basco
(Philadelphia)
Edificio de Investigaciones Clínicas,
Universidad de Pennsylvania
(Philadelphia)
Casa de Vacaciones Trubek y
Wislocki (Nantucket
Island, Massachusetts)
Edificio de Juzgados Franklin
(Philadelphia)
Edificio Gordon Wu, Universidad de
Princeton (Princeton, New Jersey)
Facultad de Estudios Humanísticos,
Universidad del Estado (Nueva York)
Guild House (Philadelphia)
Museo del Niño en Houston.