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LA NOCHE TRANSFIGURADA
Bosque I, 5 acuarelas para La Noche Transfigurada © Juan Vallejo Aroca, 3º ESO
Verklärte Nacht
ARNOLD SHÖNBERG 1874-1951
Marga Aroca y Polo Vallejo, LA NOCHE TRANSFIGURADA. A.Schönberg.
Didácticos del Teatro Real. Noviembre 2011 2
ÍNDICE 1. El poema de Richard Dehmel Pág. 3 2. El bosque, la noche y la luna como símbolos Pág. 4 3. La noche transfigurada Pág. 5 4. Schönberg: el revolucionario de mirada retrospectiva Pág. 11 5. Contexto histórico y cultural Pág. 21 6. Propuesta didáctica Pág. 24 7. Zona Alumno/as Pág. 26
Marga Aroca y Polo Vallejo, LA NOCHE TRANSFIGURADA. A.Schönberg.
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1. El poema de Richard Dehmel: La noche transfigurada
Una pareja camina por la desnuda y fría arboleda; la luna los acompaña mientras ellos contemplan cómo su luz recorre la silueta de los espigados robles. Ni una sola nube oscurece el firmamento sobre el que se prolongan las negras copas de los árboles. La voz de ella revela: llevo un niño dentro de mi, y no es tuyo; camino junto a ti, condenada por haber traicionado profundamente mi propio ser. Yo ya no creía en la felicidad, pero mantenía el deseo de engendrar una vida solo por la dicha y el anhelo de ser madre. Pero, frágil, permití que mi cuerpo lo abrazara un extraño quedando embarazada de él. Y ahora la vida se ha vengado, justo cuando te he encontrado a ti. Ella avanza abatida, con los ojos perdidos en una luna que inunda de luz su oscura mirada. La voz le él dice: ese niño que llevas dentro no ha de ser una carga para tu alma. ¡Mira con qué brillo se ilumina el universo! En todo hay un resplandor, y mientras tú y yo surcamos a la deriva este frío océano una llama fluye de ti hacia mí, y de mí hacia ti. La misma que transfigurará a ese hijo que llevas dentro. Te inundará mi luz, para que nazca de ti y de mi. Él pasa una mano abrazando sus caderas, mientras sus alientos se entremezclan con el aire. Dos personas caminan por la elevada y límpida noche.
(Adaptación al castellano: Polo Vallejo)
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2. El bosque, la noche y la luna como símbolos
Un símbolo siempre representa algo más que su significado evidente e inmediato... insinúa algo no conocido aún... Aparece solamente cuando hay necesidad de expresar lo que el pensamiento no puede reflejar, o lo que solo se adivina o siente... ("El Hombre y sus Símbolos" - C.G. Jung)
Dentro del simbolismo, el bosque se corresponde con el principio materno y
femenino, y es por tanto fuente de vida y de regeneración. Sinónimo de lo
inconsciente, por su oscuridad y su misterio, alude a lo desconocido, a lo que yace
latente en las profundidades de la mente. Por un lado genera angustia y opresión,
pero también alegría y serenidad, siendo allí donde las personas se refugian. En
ocasiones, se relaciona con la desorientación que provoca ubicarse ante un
terreno amenazador que se duda en pisar; y ante ese desconcierto, es la luz que
aparece en un claro o entre los troncos (en nuestro caso la luna), la que se
transforma en esperanza. La noche es también para los griegos un símbolo
femenino, el comienzo de todo, porque precedió a la formación de todas las cosas.
La luna, además de dar la medida del tiempo desde la más remota antigüedad, es
por una parte ese ser mutable que no permanece nunca idéntica así misma, pero
por otra, la que a su vez regula las mareas y el ciclo fisiológico de la mujer,….
(“Diccionario de símbolos” Juan Eduardo Cirlot. Ediciones Siruela)
Bosque II © Juan Vallejo Aroca, 3º ESO
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3. La Noche Transfigurada (Verklärte Nacht Op.4) La primera versión de La Noche Transfigurada está pensada para sexteto de
cuerdas en un solo movimiento y dividido a su
vez en cinco secciones. Considerada como la
primera obra importante de Schönberg, fue
terminada en diciembre de 1899 y estrenada el
18 de marzo de 1902 en la Sociedad Musical
de Viena por el cuarteto Rosé y otros músicos
invitados. Schönberg realizó un arreglo de la
partitura para orquesta de cuerdas en 1917 y
volvió a revisarla en 1943; esta última versión,
que conocería también una adaptación al ballet en 1942 con coreografía de
Anthony Tudor, es la que se interpretará en el Teatro Real.
La obra surge de la confluencia de dos factores determinantes: el impacto
que produjo en Schönberg la lectura del
poema homónimo de Richard Dehmel (pág.
3), y el encuentro con Mathilde von
Zemlinsky, hermana de su profesor y amigo
Alexander von Zemlinsky, con la que
posteriormente se casó y tuvo hijos, y a quien
está dedicada la partitura. Ambas impresiones
dieron lugar a esta bellísima partitura escrita
en tan solo sólo tres semanas cuando el
compositor tenía 25 años.
El joven Schönberg, influido por Richard Strauss, se atrevió a escribir en la
Noche transfigurada “un poema sinfónico con formato de cámara, en un solo
movimiento, pero con las dimensiones de las obras de Mahler y de Strauss como
modelo...”. El propio Mahler tuvo la oportunidad de escuchar algunos de los
ensayos y se sintió profundamente impresionado por la pieza. Fue un gran
defensor de la obra de Schönberg durante toda su vida, incluso cuando las
partituras posteriores, le resultaban difíciles de comprender.
El beso 1907–1908.Gustav Klimt
Amor.Gustav Klimt 1895
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El árbol de la vida. 1905-09 Gustav Klimt
Pero la Noche transfigurada tiene en realidad un vínculo mucho más
profundo con otras dos grandes figuras. La primera, y más importante, es la de
Wagner que se aprecia en la fuerza de las relaciones armónicas. La segunda, la
de Brahms, que podemos apreciar en el carácter unificador del trabajo temático,
en la solidez polifónica de la escritura instrumental y en la propia formación
instrumental (Brahms fue autor de dos sextetos de cuerda).
Con relación al texto de Dehmel,
Schönberg se sintió atraído instintivamente no
tanto por el sentido de las palabras, sino por el
sonido de las mismas, haciendo surgir nuevos
sonidos musicales y, en definitiva, una nueva
manera de expresar emociones.
El estreno de esta obra no fue acogido
favorablemente por el público vienés, y el
hermano del compositor tuvo que terminar
expulsando de la sala a unos cuantos exaltados; según Schönberg, “fue tan
desconcertante como la naturaleza erótica del texto”. Es probable que, para la
conservadora sociedad vienesa de la época, tanto su origen como la sordidez de
la temática tuvieran mucho que ver con los abucheos.
Esperanza II Gustav Klimt
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Pero otro de los motivos que seguramente provocó el rechazo, debió ser la
inestabilidad armónica a la que, aún tratándose de una pieza tonal, recurrió el
compositor para intentar llegar a los límites de la expresión y, por tanto, de la
forma.
Se cuenta que siendo ya mayor, se le preguntó a Schönberg por qué no
escribía ya música como la Noche Transfigurada, a lo que él replicó: "Lo sigo
haciendo, pero nadie se da cuenta."
Manuscrito con los primeros compases de La Noche Transfigurada
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LA MÚSICA
La versión de 1943 para orquesta de cuerda está pensada para violines I y
II, violas I y II, violoncello y contrabajo. Consta de un único movimiento dividido en
cinco partes encadenadas que se corresponden con la estructura del poema en el
cual está basado, y cuyos temas constituyen una verdadera metamorfosis musical
de la narrativa y el discurso del poema.
La música va describiendo los sentimientos expresados entre el hombre y
la mujer, sumergiéndonos paulatinamente en atmósferas emocionales de una gran
intensidad que, aunque siguen puntualmente la forma del poema, no
necesariamente ilustran momentos determinados de la acción. Para lograrlo,
desde el arranque de la obra, Schönberg utiliza una tonalidad predilecta (también
la de sus discípulos Webern y Berg, y que recuerda al inicio del Requiem de
Mozart), re menor, que nos situa desde el incicio en un clima de premonición que
permanece latente durante el desarrollo de la obra.
1. Primera sección Sehr Langsam (Grave).
La introducción nos adentra en la atmósfera que describe el poema: el bosque, la
noche, una pareja caminando bajo el claro de luna… y presenta un primer tema
que volverá a escucharse en la tercera y quinta sección, como partes estructurales
en las que sin embargo, hay una evolución. Todo transmite oscuridad y misterio,
pero también tranquilidad.
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2. Segunda sección Etwas bewegter (Poco più mosso)
Se corresponde con la confesión de la mujer cuya voz es representada por
los violines, que reflejan sus sentimientos profundos y constituyen el tema principal
con una evidente carga de expresión dramática. Este tema da lugar a un largo
desarrollo cuyo clímax corresponde a un diálogo atormentado entre las cuerdas
graves y las agudas.
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Bosque III © Juan Vallejo Aroca, 3º ESO
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3.Tercera sección Pesante Grave (Schwer Betont)
Se trata de un interludio que prepara al oyente a la cuarta parte,
introduciéndonos en la mente de los personajes y a la espera de la reacción del
hombre, con la tensión inicial que se respira. Se trata de un corto período de
transición basado en la vuelta del tema del inicio pero con evidente gravedad.
Termina simbólicamente en la alejada tonalidad de mi bemol menor.
4. Cuarta sección Adagio (Sehr breit und langsam)
Esta cuarta parte corresponde a la respuesta del hombre (violoncellos) cuyo
amor rebosa triunfante del reto afrontado y nos muestra la gran profundidad
humana y la calidez de su comprensión. Un cambio hacia un Re Mayor desde Mi
bemol menor, acompañado de una textura de gran transparencia (murmullos de
las cuerdas con sordina) confiere cierta luminosidad al pasaje que refleja este
cambio emotivo: de la frialdad de la noche y los tormentos interiores de la mujer a
la actitud amorosa y tranquilizadora del hombre.
Prosigue en un largo dúo que desembocará en un nuevo clímax, con el retorno del
primer tema “transfigurado” al modo mayor.
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5. Quinta sección Sehr ruhig
Finalmente, una larga coda constituye la quinta sección, este último episodio tiene
función de epílogo y da fin a este himno a la naturaleza y a la redención por el
amor y se caracteriza por unas texturas más luminosas. Hay esperanza y felicidad,
los amantes caminan bajo la maravillosa luz de la luna y se escucha el eco lejano
del tema del comienzo.
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4. Schönberg (1874-1951): El revolucionario de mirada retrospectiva
Infancia y adolescencia
Schönberg fue un compositor autodidacta (además de pintor, poeta,
pensador, inventor y profesor) que creó la Segunda Escuela de Viena, ciudad
donde nació en 1874 y a la cual se trasladaron sus padres procedentes de
Pressburg (Bratislava).
Su familia era judía, religión en la que fueron educados sus tres hijos, y
aunque no hubo ambiente musical en su entorno familiar, fue un tío suyo quien le
proporcionó la principal influencia cultural de su infancia. Razón por la que empezó
a tocar el violín a los ocho años.
Solía pasear por el famosísimo parque de atracciones de Viena el “Prater”,
donde acostumbraba a escuchar
pequeñas bandas musicales que
interpretaban marchas, polkas e
incluso obras de Wagner. Esta
música, le produjo tal impacto que
le hizo sentir muy pronto la
necesidad de componer de
manera intuitiva; al principio,
duetos para violín inspirados en las piezas que aprendía de Pleyel o Viotti.
Más tarde conoció a un compañero de escuela que tocaba la viola y
comenzó a componer tríos para este instrumento y dos violines. Por cuestiones
económicas, después de la muerte de su padre (cuando él contaba 16 años), tuvo
que trabajar como contable en un pequeño banco. Mientras, continuaba
cultivando su pasión por la literatura, la filosofía y la música junto a dos amigos,
David Josef Bach y Oskar Adler. De hecho, este último fue su primer profesor de
música, le enseñó las bases de la armonía y educó su oído a través de la
interpretación. Juntos formaron un grupo amateur con el que exploraban el
repertorio clásico de música de cámara y tocaban sus propias composiciones.
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Juventud (1896-1915)
En 1896, con 22 años, conoció a Alexander von
Zemlinsky, quien le introdujo en el ambiente
musical vienés y de quien recibió clases de
composición. Su amistad y la cercanía con su
familia, dieron como fruto el matrimonio con su
hermana Mathilde Zemlinsky
en 1901 y una permanente
colaboración profesional
entre ambos (Schönberg le
consultaba dudas técnicas y
de él recibió ayuda para
estrenar en 1897 el cuarteto en Re Mayor).
LA BÚSQUEDA DE UNA FORMA AUTÓNOMA
Las obras de juventud de Schönberg están
influenciadas por el romanticismo tardío y se nutren de la
herencia recibida de Wagner y Brahms. Con la muerte de
éste último en 1897, y por el contexto histórico y cultural del momento, los
compositores sienten que el mundo antiguo termina con él y que hay que renovar
el lenguaje. Schönberg empieza entonces a componer de otra manera, utilizando
armonías más complejas que generan diferentes puntos de tensión.
Paralelamente, entre 1875 y 1905, se crea un movimiento de artistas
plásticos La Sezessión en el que los creadores se apartan y se liberan de los
grupos financiados oficialmente por el estado y sus administradores. De esta
manera pasan a producir sus propias obras marcadas por una gran libertad
artística y organizan exposiciones y conciertos en un edificio construido para tal
fin. Entre los creadores del movimiento en Viena están los pintores Gustav Klimt
(que fue su fundador y primer presidente), Egon Schiele, Oskar Kokoshka y en
sus primeros años, Richard Gerstl, muy amigo del compositor durante esa época.
Retrato de Matilde Zemlinsky
Schönberg con A. Zemlinsky
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Otro factor determinante en el ambiente de libertad expresiva de este
periodo, es la llegada de Mahler como director de la Staatsoper de Viena. Con él
hubo una innovación tanto en lo musical -gracias a sus propias composiciones y a
las de R.Strauss la orquesta crece, la tonalidad se amplía- como en la escena. Las
emociones son extremas. En este caldo de cultivo, Schönberg estrena en 1899,
con solo 25 años, La noche transfigurada (Verklärte Nacht) en medio de grandes
protestas. Desde este momento el escándalo en torno a él y su música no cesaría.
EXPRESIONISMO
En los primeros catorce años del siglo XX, Schönberg muestra una gran
evolución: mientras estudia composición y da clases particulares a alumnos de la
talla de Webern y Berg (Escuela de Viena), compone obras progresivamente más
disonantes hasta convertirse en el primer compositor que abandona la tonalidad.
De esta manera, acepta la sucesión de sonidos de la escala cromática -doce notas
que cubren una octava a distancia de semitono una de otra- estableciéndolas
como iguales, sin privilegios ni jerarquías, huyendo del concepto tónica, dominante
y sensible, hasta adquirir una libertad expresiva desconocida hasta entonces. La
melodía halla una fuerza elástica indefinida y la armonía tiene a su disposición
todos lo acordes posibles a modo de racimos de notas. Él mismo, encontró en el
término pantonal una mejor definición para su música que el de atonal.
En medio de una crisis compositiva y personal -en el verano de 1908, su
mujer se marcha a vivir con su amigo el pintor Richard Gerstl-, Scönberg se dedica
con ímpetu a otra de sus pasiones, la pintura, llegando a realizar al menos diez
exposiciones. Entre su obra pictórica que consta de 361 cuadros, podemos
encontrar retratos, autorretratos, la colección “Visiones” y “Miradas”, así como
paisajes y bocetos de decorados para algunas de sus composiciones.
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En 1910 conoce al pintor ruso Kandinsky, cuya admiración por la obra de
Schönberg era total, desde su música a su pintura. Iniciaron un periodo de
colaboración profesional y de amistad que se refleja en el libro escrito por
Schönberg, Cartas, cuadros y documentos de un encuentro extraordinario. El
compositor pasa a formar parte de Der Blaue Reiter (El jinete azul) grupo de
artistas expresionistas creado por
Kandinsky y realiza exposiciones
con su obra.
Entre 1910 y 1911, su
búsqueda permanente no cesa y
continua desarrollando sus ideas
musicales que quedan reflejadas
en varias obras importantes como
las Piezas para piano Op. 11, las
Cinco piezas orquestales op.16 y Erwartung;
también realiza su Tratado de armonía y la
orquestación de Gurrelieder. Pero los tiempos y
su suerte empiezan a cambiar, le rechazan -por
motivos raciales- en la Academia de Arte
Dramático y Música de Viena, por lo que decide
irse a Berlín, donde su llegada es precedida por
comentarios
adversos en la
prensa, lo que
genera un desinterés progresivo por su trabajo,
así como por sus clases y conferencias. Sin
embargo su nombre por entonces es
suficientemente conocido y el público va
encontrando poco a poco más accesibles sus primeras obras. Estrena y dirige con
notable éxito el Pierrot lunaire en 1912, composición que es considerada como
una de las obras clave de la historia de la música occidental.
V. Kandinsky Impresion 3 (concierto), 1911
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En definitiva, todo el esfuerzo de Schönberg se centraba en una búsqueda
permanente de la expresión, para lo cual necesitaba encontrar una forma nueva y
autónoma de componer. Por ello pudo constatar que la ausencia de armonía
funcional exigía repensar todo el edificio sonoro hasta encontrar un universo
musical que tuviera su propia lógica.
Años en torno a la Primera Guerra mundial (1916-1933)
La guerra puso fin a todos los proyectos: conciertos, clases, alumnos
(fueron llamados a filas). Él mismo, debido a su
asma, quedó en la reserva tras una revisión
médica, aunque después de una segunda
revisión, se alistó como voluntario. Cuando
retornó a la vida civil e impulsado por la
experiencia de la guerra y por sus creencias
religiosas, compuso La Escala de Jacob, obra
que marcó sus posteriores composiciones.
Con grandes esfuerzos y dificultades, fue
completando la obra en varias fases alternando
de nuevo el trabajo con sus clases. En los años
comprendidos entre 1919 y 1921 dirigió varios
conciertos con sus obras y arreglos para piano o pocos instrumentos. Mientras, la
paz iba normalizando poco a poco las actividades
musicales y sus giras le llevaron hasta Ámsterdam, donde
fue nombrado presidente de la
Asociación Internacional Mahler.
En 1923 muere su esposa
Mathilde y al año siguiente se
casa con Gertrude Kolish, con
quien tuvo tres hijos.
Man Ray, Arnold Schönberg, 1926
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ÉPOCA DODECAFÓNICA
Schönberg sistematizó la técnica dodecafónica en 1921, a partir de la cual
se ordenan los doce sonidos de la escala cromática -denominada serie- en la que
todos ellos tienen la misma importancia.
Al poder ser leída a partir de cada uno de los grados que la componen y
transponerla hasta doce veces, las posibilidades se multiplican. Además, el
método permite que la serie sea leída al revés, de manera retrogradada.
Aplicando los principios de construcción del contrapunto y de la fuga, los
intervalos ascendentes pueden adoptarse como descendentes, pudiendo de
nuevo transponer estas retrogradaciones e inversiones otras doce veces.
En consecuencia, una serie de doce sonidos permite innumerables
posibilidades de expansión expresiva, y si se incluyen además otras reglas
complementarias relacionadas con la repetición -o la no repetición- de sonidos que
eviten la creación de falsas polaridades, el alcance del método es aún mayor.
El dodecafonismo, tal como lo entendió Schönberg y aunque no lo parezca,
tiene bastante de espíritu neoclásico sobre todo si se le compara con el periodo de
mayor libertad de antes de la Gran Guerra. Al fin y al cabo es un sistema con
reglas muy claras que se puede enseñar y aprender. Desde este momento hasta
su muerte en 1951, sus composiciones fluctúan entre el compromiso con el
pasado de su periodo pantonal, el dodecafonismo y guiños al postromanticismo.
Schönberg publicó en su libro Estilo e idea: “Al final, siempre se regresa”.
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Una de las obras más destacables de
esta época fue Moisés y Aaron, obra con la que
continuó innovando a partir del material serial.
Todo en esta obra es nuevo, desde las ideas de
partida, hasta el material musical o la utilización
de los medios instrumentales y vocales. A pesar
de que quedó inacabada, es considerada como
la obra maestra de Schönberg. A modo de
anécdota, decir que el compositor padecía de
Triscaidecafobia (fobia al número 13) y quitó una
“a” del nombre de Aarón para que el título no
tuviera trece letras.
Entre octubre de 1931 y junio de 1932, y
siguiendo la recomendación de su alumno Robert Gerard, Shönberg trasladó su
residencia a Barcelona donde trabajó en la ópera mencionada y conoció a Pau
Casals, para quien compuso un concierto para violonchelo. También en estos
meses nació su hija a la que puso de nombre Nuria.
Camino del exilio (1934-1945) y Estados Unidos
En 1933 Hittler subió al poder en Alemania, Schönberg, judío y cabeza
visible de un arte que recibió el apelativo de
“degenerado” por las autoridades nazis, tuvo
que abandonar Alemania. Él, que en su
juventud se había convertido al catolicismo,
volvió a abrazar el judaísmo como símbolo
de oposición a la intolerancia reinante.
Finalmente tuvo que abandonar el país y
emigrar a Estados Unidos, donde impartió
conferencias y clases en Boston y Nueva
York.
Schönberg con sus alumnos en Los Angeles 1947
Arnonld Schönberg 1924. Oskar Kokoschka
K
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El clima desfavorable de esta ciudad agravó su asma, por lo que decidió
instalarse en Los Ángeles, primero en Hollywood y finalmente en Brentwood Park
donde vivió hasta su muerte en 1951.
Son años de docencia en universidades, de conferencias, de investigación
(compiló, ordenó y redactó artículos) de publicaciones como Modelos para
principiantes en composición y Funciones estructurales de la armonía. Siguió
dando clases particulares y componiendo diversas obras que, durante sus últimos
años, tuvieron una inspiración o sentimiento religioso.
INVENTOS, ARTILUGIOS Y CURIOSIDADES CREADOS POR SCHÖNBERG
Mira en este enlace TODOS LOS INVENTOS de Schönberg
Baraja de cartas pintada a mano. 1909
Ajedrez a 4
Baraja de cartas pintada a mano.
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5. Contexto histórico y cultural
El tiempo que le tocó vivir a Schönberg fue una época dominada por las
transformaciones y el progreso científico y tecnológico: la aparición del motor de
explosión, la publicación de la Teoría de la Relatividad de Albert Einstein, la
Interpretación de los sueños de Sigmund Freud, la popularización de la fotografía,
el nacimiento del Cine…son solo algunos de los acontecimientos que indicaban
que el mundo estaba cambiando.
Artísticamente es el periodo de las “vanguardias históricas”, fraguadas por
grupos reducidos de intelectuales y artistas que se rebelaron contra el orden
establecido. Es sinónimo de ruptura y de transformación pero no solo del arte si no
de la sociedad misma. Por eso, el periodo comprendido entre los últimos años del
siglo XIX y primeros del siglo XX, en el ambiente previo a la Primera hasta el final
de la Segunda Guerra Mundial (1945), es también conocido por el tiempo de los
“ismos” debido a la cantidad de corrientes artísticas que se generaron.
Impresionismo (1874) y Postimpresionismo (1910). No todos los historiadores
consideran a estos movimientos dentro de las Vanguardias, pero ya se
constituyeron como grupo, pues sus cuadros fueron rechazados en los concursos
de la época.
Fauvismo 1905-1907. Violencia cromática y contrastes agresivos es la definición
del crítico de arte que le dio nombre a esta corriente (fauve es el término francés
para “fiera”). Cuestiona el Arte como representación de la realidad y expresa
sentimientos por medio del color y ausencia del claroscuro (Matisse y Braque).
Cubismo 1907-1914. Es el nombre que se le dio al movimiento desarrollado
principalmente por Picasso, Juan Gris y Braque. Es capaz de representar varios
puntos de vista a la vez en una misma imagen, superando así a la fotografía.
Expresionismo 1905-1913. Estilo surgido en Alemania que trata de dar al
espectador una visión de los sentimientos del artista. Forma, color y textura están
al servicio de esa transmisión de los estados de ánimo del autor. Los dos grandes
grupos de artistas del movimiento fueron los llamados “Die Brücke” (el puente) y
“Der blauer Reiter” (el jinete azul) compuesto por Vasily Kandinsky, Franz Marc y
Paul Klee.
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Futurismo 1909-1914. La frase “un automóvil rugiente, es más bello que la
Victoria de Samotracia” refleja el espíritu de esta corriente que exaltaba la
modernidad, lo tecnológico y lo mecánico.
Dadaísmo 1915-1922. El más radical de los “ismos” Fue una vanguardia
anarquista que se mostró rotundamente en contra de cualquier norma social,
moral o estética. Su máxima: elevar a la categoría de arte los objetos cotidianos,
sin ninguna transformación. Marcel Duchamp y el fotógrafo Man Ray fueron sus
máximos exponentes.
Surrealismo 1924-1939. Comienza con un manifiesto escrito por el poeta André
Breton. Los intelectuales tratan de comprender la profundidad psíquica del
hombre, los sueños y el inconsciente. Los escritos y teorías del psicoanálisis de
Sigmund Freud aportaron la base científica e ideológica. Hubo dos tipos:
Figurativo: Max Ernst, René Magritte, Dalí y Chagall, que nunca
abandonaron la referencia real de los objetos
Abstracto; Giacometti, Henry Moore, Alex Calder, M. Ernst y Man Ray.
Suprematismo 1915-1919.
Vanguardia de origen ruso que comienza con el manifiesto de Casimir Malevitch.
Evita cualquier referencia de imitación a la naturaleza recurriendo a módulos
geométricos de formas puras y perfectas de color austero.
Constructivismo 1913-1920.
“¡Arte para el pueblo! ¡Arte para la vida!”, pregonaban en Moscú en 1917 los
seguidores del constructivista Vladímir Tatlin.
El constructivismo contiene la carga política e ideológica de la revolución rusa,
pretende la unión entre las artes, pintura, escultura y arquitectura, como la
Bauhaus.
Neoplasticismo. Fue una prolongación de los valores estéticos del
constructivismo pero sin su compromiso político. También pretendían una huída
de las referencias naturales y recurrieron a las formas geométricas puras y a los
colores saturados, especialmente los primarios y el negro para dar contraste. Piet
Mondrian es su representante.
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Bosque IV © Juan Vallejo Aroca, 3º ESO
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Didácticos del Teatro Real. Noviembre 2011 24
6. Propuesta didáctica.
Dado el genio creativo de Schönberg y el poder evocador de esta obra, la
circunstancia se presta a realizar diversos acercamientos: desde el análisis
exhaustivo de partes de la obra, hasta una aproximación al plano emocional y
simbólico.
Con esta guía queremos favorecer el trabajo de preparación a la audición dotando
de las herramientas necesarias tanto a vosotros profesores, para que podáis
transformar, modificar o adaptar las propuestas a los grupos que tenéis, como a
los alumnos a través de la ZONA ALUMNOS/AS.
Además de la asistencia al concierto, las actividades planteadas en esta guía
pretenden ayudar a establecer puntos de contacto entre el mundo exterior y la
música que se aprende en las aulas, contribuyendo en la medida de lo posible al
desarrollo de la percepción y de la sensibilidad estética, pero especialmente al de
la expresión creativa y la reflexión crítica.
Las actividades aspiran a potenciar la autonomía en el alumnado y la participación
activa, tanto en las tareas de audición, como en las de interpretación y de creación
musical.
Proponemos actividades relacionadas con los objetivos y los bloques de
contenidos del área de música en Secundaria y Bachillerato.
Audición activa, audición comparada, discriminación auditiva y memoria
comprensiva de la música, tanto durante el desarrollo de actividades de
interpretación y creación musical como en la audición en vivo o las músicas
grabadas en el aula.
Interpretación de piezas instrumentales creadas en grupo o de las
propuestas en esta guía, donde caben la expresión vocal y el movimiento.
Creación individual y colectiva con elementos propios del lenguaje musical,
combinación de los sonidos a través de la improvisación o la elaboración de
pequeños arreglos.
Música y tecnología. Búsquedas en Internet y propuesta de actividades
relacionadas con las herramientas tecnológicas.
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ACTIVIDADES
En la “Zona Alumnos/as” hay 4 propuestas con variaciones.
Están pensadas para formar parte de un proyecto multidisciplinar, y también para
trabajarse por separado, estando algunas de ellas vinculadas entre sí. La elección
dependerá del estilo docente de cada profesor y de las características y edades de
los grupos.
Aunque están dirigidas a los alumnos/as y se podrían organizar y desarrollar de
forma autónoma, el lugar idóneo es evidentemente el aula. Por tanto, las
indicaciones que aparecen están también dirigidas a los profesores/as.
Autoretrato de Arnold Schönberg paseando
Marga Aroca y Polo Vallejo, LA NOCHE TRANSFIGURADA. A.Schönberg.
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7. Zona alumnos/as
Marga Aroca y Polo Vallejo, LA NOCHE TRANSFIGURADA. A.Schönberg.
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ACTIVIDAD 1: Investigar, buscar, descubrir, ampliar información... Realizar un cronograma con la vida y obra de Schönberg, los hechos y obras más
significativos del contexto y los encuentros con los artistas y literatos
contemporáneos.
Te proponemos realizarla mediante la aplicación Dipity o Simile en las que
además se pueden incluir imágenes.
Aquí hay un ejemplo para completar con otros datos que sean significativos:
En estos enlaces tienes toda la información que necesitas: Centro Shönberg
Biografía Vanguardias 1 Vanguardias 2 Expresionismo
CRONOLOGIA de Arnold Schönberg y sus OBRAS PRINCIPALES 1874 Nace el 13 de septiembre en Viena. 1886 Estudia violín. 1897 Primer Cuarteto en Re Mayor (desaparecido). 1899 La Noche Transfigurada 1901 Se casa con Mathilde von Zemlinsky. 1903 Regresa de Berlín a Viena para dedicarse a la composición y a la enseñanza. 1905 Dirige el estreno de su poema sinfónico Pelleas und Melisande. 1906 Sinfonía de cámara Nº l. 1911 Gurrelieder (para solistas, coro y orquesta). 1912 Pierrot Lunaire (melodrama con recitador y orquesta de cámara). 1923 Comienza a componer en el estilo dodecafónico. 1923 Cinco piezas para piano. 1924 Se casa con Gertrude Kolish 1933 Se exilia en los Estados Unidos huyendo del nazismo. 1936 Concierto para violín y orquesta. 1941 Recibe la ciudadanía norteamericana. 1942 Oda a Napoleón (recitador, piano y cuerdas). 1951 Muere el 13 de julio en Brentwood, Los Ángeles, California.
Marga Aroca y Polo Vallejo, LA NOCHE TRANSFIGURADA. A.Schönberg.
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ACTIVIDAD 2. Escuchar, comparar versiones, debatir. Laura pérez Sonia dirigiendo una orquesta de mujeres Montaje con cuadros de Gustav Klimt Filarmónica de Berlín
ACTIVIDAD 3. Lectura, análisis musical y reflexión en gran grupo. Escuchar la obra siguiendo la partitura general en you tube.
1. http://www.youtube.com/watch?v=_Ic3ZLj5RPw&feature=related 2. http://www.youtube.com/watch?v=RfAT86aClC4&feature=related 3. http://www.youtube.com/watch?v=d4XGEmms4vM&feature=related
4. Leer el poema y reflexionar sobre los recursos que utiliza Schönberg para
conseguir la atmósfera del bosque por la noche (I), la tensión de la espera a la
respuesta del hombre en (III), la transformación y la luminosidad interior (V).
5. Analizar y comparar las secciones I, III y V de la obra siguiendo la partitura
general en papel: Descargar PDF
PISTAS La intensidad del sonido, sus grados (de fff a ppp).
Los cambios de tempo: lento, andante, allegro…
El timbre de los distintos instrumentos; el de la cuerda al completo.
“Efectos especiales” de los instrumentos: sordinas, trémolos, glissandi, pizzicato, staccatto, … acciones que ayuden a descubrirlos y diferenciarlos.
Temas, acompañamientos, diálogos entre voces, acordes…
Marga Aroca y Polo Vallejo, LA NOCHE TRANSFIGURADA. A.Schönberg.
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ACTIVIDAD 4. Creación literaria y composición
1. Después de una observación detallada, crear un poema o un texto descriptivo
sobre el cuadro elegido. Se puede atender a lo colores, a las líneas o las formas,
así como a las sensaciones que se experimentan al observarlo.
Kandinsky, Improvisation 7 1910
Kandinsky, Composition VIII 1923
Kandinsky, Contrasting Sounds 1924
Kandinsky, Impression III (Concert) 1911
Marga Aroca y Polo Vallejo, LA NOCHE TRANSFIGURADA. A.Schönberg.
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Se trata de acercarnos al fenómeno perceptivo denominado sinestesia.
2. En grupos, crear una pequeña composición que tenga en cuenta el texto como
un elemento musical más, no solo por su sentido semántico sino por la sonoridad
intrínseca de las palabras. A la hora de la instrumentación, reflexionar sobre la
elección de los instrumentos que sean más adecuados (propios o del aula) y la
selección de recursos compositivos idóneos para la finalidad expresiva. Tocarla,
grabarla y comentar con el resto de los compañeros/as, los criterios de partida y el
proceso de trabajo en equipo.
TABLA DE SINESTESIA SONIDO-COLOR según Scriabin
Nota . Color.
DO ROJO
DO # VIOLETA
RE AMARILLO
RE # RESPLANDOR DE ACERO
MI BLANCO NACARADO Y RESPLANDOR DE LUNA
FA ROJO INTENSO
FA # AZUL BRILLANTE
SOL ROSA ANARANJADO
SOL # PÚRPURA
LA VERDE
LA # RESPLANDOR DE ACERO
SI AZUL NACARADO
PISTAS:
¿Qué peso tiene cada color en la obra, según tu criterio?
¿Qué altura o sonido le adjudicarías?
¿Qué instrumento puede representar mejor ese color?
¿Qué estructura sugiere la composición del cuadro?
¿Qué estructura o forma podrías otorgarle a vuestra pieza?
Pensad en alguna de estas ideas para componer en equipo.
Debate, organiza y pon en común con los miembros de tu grupo.
La palabra “sinestesia” significa, unión de sensaciones; lo cual se
traduce en la propiedad de algunas personas experimentan para
mezclar los sentidos: por ejemplo, ver colores mientras se escucha
una música, y viceversa, o apreciar sabores cuando alguien te habla.
Las características principales son:
Es subjetiva: opera a nivel intrapersonal.
Es irracional e instantánea: generalmente se presenta de
forma incontrolable y no se piensa, simplemente se siente.
Es hereditaria, es decir, existen familias sinestésicas.
Es más común en artistas o personas creativas en general.
Son conocidos algunos artistas con esta cualidad como son
Kandinsky (pintor), Alexander Scriabin (compositor), Vladimir
Nabokov (escritor), o Arthur Rimbaud (poeta).
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FICHA DEL CONCIERTO
Orquesta Escuela de la Orquesta Sinfónica de Madrid
Director: Arnaud Arbet
Guión y presentación: Polo Vallejo
Guía didáctica: Marga Aroca
Iluminación: José Luis Canales
Teatro Real: 14, 15 y 16 de noviembre de 2011
Bosque V © Juan Vallejo Aroca, 3º ESO