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Indice: Introducción 3 El Pictorialismo versus Photo- Seseccion 4 Vanguardias del Siglo XX: renovación del campo artístico 7 Grupo f/64: su formación y obra 7 Análisis de tres fotografías de artistas del Grupo f/64 9 Conclusiones 12 Bibliografía 14
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Trabajo Práctico Final
Fotografía: La realidad transformada en arte
Grupo f/64: fotografía directa y belleza
Introducción
Desde la invención de la fotografía, una imagen cristalizada de la vista desde la
casa de verano de Niepce, en 1826, el lenguaje fotográfico fue desarrollándose
y evolucionando al compás de los avances tecnológicos que el medio iba
alcanzando.
Immanuel Kant sostenía que: ” En todas las bellas artes, lo esencial es la
forma, una forma que concierte con la admiración y el juicio, produciendo un
placer”. (Kant, 1977). Así entendemos por estético, aquello que responde al
paradigma kantiano de representación armoniosa, de orden de las partes, de
belleza asociada a la coherencia.
Susan Sontag sostiene que la fotografía, nace con la intención de embellecer lo
cotidiano. Entre 1920 y 1935, el objeto a fotografiar se aisló del medio que lo
contenía y de esta manera: “Lo bello pasó a ser simplemente lo que el ojo no
ve o no puede ver: la visión fracturada, desconcertante, que solo brinda una
cámara” (Sontag, 1996, p. 101).
Los caminos trazados por la pintura y la fotografía se cruzaron en varias
oportunidades, nutriéndose ambas disciplinas, entre sí. Tanto los pintores
románticos, como los realistas o los impresionistas se valieron de las tomas
fotográficas para enriquecer sus composiciones, o conseguir mayor realismo en
sus dibujos.
A su vez el pictorialismo, movimiento fotográfico iniciado en 1891 , intentó
disfrazar las imágenes captadas por la cámara, con diferentes recursos, como
el difuminado, la distorsión, la visión nublada, para lograr efectos más plásticos,
semejantes a la pintura de caballete.
Recién en la primera década del siglo XX, Alfred Stieglitz (1864-1946) propone
volver a la fotografía directa, despojándola de cualquier intervención o
manipulación, tanto del proceso de laboratorio como en la impresión. Así, la
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fotografía se independiza de la pintura, eleva su condición a arte y empieza a
transitar el camino de generar un lenguaje propio.
Fontcuberta cita a Jakobson, en su teoría de las funciones del lenguaje,
diciendo que en la fotografía: “la acción artística correspondería a un uso
poético del lenguaje, concentrando la atención en la forma de los enunciados, o
a un uso metalingüístico, para referirse a sí misma”. ( 1996, p.29)
Por lo tanto, partiendo de la existencia de un lenguaje propio fotográfico, este
ensayo se propone, demostrar como la fotografía directa que utilizaron los
artistas del Grupo f/64 llevó a este arte, a explotar sus posibilidades estéticas a
partir de la combinación del uso poético y bello de los recursos técnicos y la
sensibilidad de cada artista.
El Pictorialismo versus Photo-secession
La fotografía artística que impulsaron los fotógrafos de la época victoriana,
como Oscar Reijlander (1813-1875) o Henry Robinson (1830-1901), a
diferencia de la fotografía documental o la de denuncia social, proponía temas
que se vinculaban con la literatura, las alegorías clásicas, o los paisajes
románticos. Este género fotográfico, aparece nuevamente cerca del final del
siglo XIX, pero con ciertos cambios, el interés artístico, viró hacia las formas y
efectos que se podían lograr en la obra y no tanto en los contenidos de las
mismas.
Fig. Nº1: Oscar Gustave Reijlander, “Las dos sendas de la vida”, 1857.
Fuente: Flickr, recuperado 27/06/2013
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Fig. Nº2: Henry Peach Robinson, “Desapareciendo”, 1858
Fuente: Xatakafoto, recuperado 27/06/2013
Surge el pictorialismo, en 1891, como un movimiento heredero de la fotografía
artística, y genera una gran polémica, que centraba su foco de discusión en si
la fotografía, merecía el status de arte o no. Las obras presentadas en la
exposición del Club de los Fotografos Amateurs, en Viena, presentaban
manipulaciones donde se variaba el foco, o la exposición, o el mismo revelado
para lograr efectos de difuminado. El llamado soft-focus, o las copias a la goma
asemejaban la fotografía tanto a la pintura al óleo, como a los aguafuertes,
litografías y demás técnicas del dominio de la pintura. Gisele Freund explica
desde un contexto social, esta permeabilidad entre los estilos fotográficos y
artísticos: “Hacia 1900, se consumó la decadencia del retrato fotográfico, y el
fotógrafo dependía más que nunca del gusto del gran público poco cultivado,
que buscaba en la fotografía un sustituto de la pintura”. (1974, p.82).
Los pintores impresionistas, que fueron sus inspiradores, buscaban la mancha,
la visión borrosa, producto de sus estudios sobre la incidencia de la luz en los
objetos.
Aunque el pictorialismo tuvo influencia entre sectores sociales aristocráticos, y
se formaron asociaciones que los representaron, en las grandes capitales del
mundo, no logró sus intenciones básicas: el reconocimiento de la fotografía
como un arte, justamente por no haber conseguido desarrollar un lenguaje
propio y optar por la copia de formas plásticas afines a la pintura.
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Alfred Stieglitz , fotógrafo norteamericano, fue el promotor de una nueva
morfología fotográfica, que trataría de diferenciarse del pictorialismo. Desde los
comienzos de su carrera, se dedicó a estudiar los aspectos científicos y
funcionales de la fotografía, inventando nuevos métodos de exposición y
procedimientos de revelado. Stieglitz se interesó especialmente por los efectos
lumínicos, y a nivel compositivo fue influenciado por los pintores de género
alemanes.
En 1902 fundó con Edward Steichen (1879-1973) y Alvin Coburn (1882-1966)
la “Photo Secession”, título elegido como homenaje al simbolismo y la secesión
vienesa.
Los fotógrafos de esta asociación, veían en la fotografía, no tanto su capacidad
de mimetismo, sino más bien la expresividad espiritual de cada artista.
Ubicado en una posición central en la fotografía artística de comienzos de los
años ’20, marcó nuevos hitos en el campo del retrato, como los que le realizó a
su esposa , la pintora Georgia O’Keefe, por su proximidad sin falseamientos y
por la búsqueda de una verdad objetiva a través de la “fotografía directa”.
Fig. Nº3: Alfred Stieglitz. “Georgia O’Keefe”, 1922
Fuente: Concreteplayground, recuperado 27/06/2013
Como señala Sontag: “las cámaras no se limitaron a posibilitar nuevas
aprehensiones visuales, cambiaron la visión misma, pues fomentaron la idea
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de la visión por la visión misma”. (1996, p.100). De esta manera, los lenguajes
formales de cada disciplina artística iban adquiriendo aquello inherente a cada
una.
Vanguardias del siglo XX: renovación del campo artístico
Las vanguardias artísticas, que se desarrollaron a partir de los primeros años
del siglo XX, revolucionaron tanto formal, como conceptualmente el campo de
las artes. La fotografía, absorbió muchas de estas nuevas corrientes, que al
ampliar la noción de arte, le permitieron el desarrollo de una estética propia.
El futurismo, el dadaísmo y el surrealismo fueron los movimientos que más
incidieron en las experimentaciones fotográficas.
Se trató de buscar la conciliación, hasta ese momento irreconciliable, de la
doble articulación gnoseológica que Fontcuberta encuentra en los postulados
de Emerson, quien en 1889, razonaba que la fotografía: “como cualquier otro
tipo de imagen, puede servir para suministrar información (función científica) o
para suministrar placer estético (función artística)”. (1990, p. 28).
Sin embargo, los contenidos ideológicos de las vanguardias darían un giro a
este planteamiento. Las nuevas tecnologías se convirtieron en estigma de la
modernidad. En un mundo nuevo, caracterizado por el progreso técnico y
científico, el arte debería ser igualmente tecnológico, lo que proyectó el trabajo
tanto del fotógrafo como del cineasta, apareciendo bajo estos parámetros como
los artistas por excelencia.
Fotógrafos como Man Ray (1890-1976),Lazlo Moholy-Nagy (1894-1989) o
Alexander Rodtchenko (1891-1956) desarrollaron innovaciones formales y
técnicas explotando las posibilidades que el medio les brindaba, creativamente,
pero con un espíritu mas cercano a lo racional, que a lo poético.
Grupo f/64: su formación y obra
Luego del abandono definitivo de la estética pictorialista, y la valoración y el
reconocimiento de la fotografía por las vanguardias, surge una nueva
tendencia, que descarta el uso de procedimientos que ornamenten la fotografía
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pura. Se buscaba una mayor nitidez en la toma y el uso de temáticas
cotidianas, especialmente aquellas que brindaba la naturaleza.
Tanto Edward Steichen, como Alfred Stieglitz y Paul Strand (1890-1976),
aunque éste último no perteneció directamente a Photo Seseccion, fueron los
antecedentes directos del Grupo f/64 y la “fotografía directa”, que habrían de
ganar en auge , durante los años siguientes a la Gran Guerra. En 1917 Strand
escribe: “el problema del fotógrafo es ver la limitaciones de su medio y al
mismo tiempo sus cualidades potenciales. La honestidad y la intensidad de
visión suponen un respeto al objeto, su más plena realización se obtiene sin
trucos, mediante la fotografía directa”.(1917, p. 524-525)
Edward Weston (1886-1958) fue un fotógrafo californiano, pionero en el uso de
la straight photography, denominación que aludía al uso de la toma directa sin
intervenciones en el proceso ni de laboratorio, ni de revelado, ni compositivo.
Para Weston el artista debía visualizar de antemano el resultado final. Su
virtuosismo técnico, exigía la claridad en la forma, la perfecta delineación de la
superficie de la imagen, para poder apreciar sustancias y texturas hasta llegar
a la ilusión.
Sus temáticas siempre asociadas a la naturaleza, rescataban la belleza de la
realidad, en palabras de Sontag: “Weston entiende a la fotografía como una
manera genuinamente nueva de ver”. (1996, p. 109)
En 1932 un grupo de jóvenes fotografos impresionados con su trabajo
formaron una sociedad a la que llamaron “Grupo f/64”. Eligieron este término
óptico porque generalmente, fijaban sus lentes en esa abertura, para
asegurarse una máxima nitidez de imagen, tanto para el primer plano como
para la lejanía.
Los miembros fundadores fueron Ansel Adams (1902-1984), Imogen
Cunningham (1883-1958), John Paul Edwards (1884-1968), Sonya Noskowiak
(1900-1975), Henry Swift (1891-1962), Willard Van Dyke (1906-1986) y Edward
Weston.
Formularon una estética, que se basó en una serie de dogmas: la fotografía
debe ser nítida enfocada para cada detalle, impresa por contacto en papel
brillante blanco y negro, montada sobre una superficie blanca, no debe ser
manipulada y su temática será alusiva a la realidad exclusivamente.
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Esta estética, reaccionaba contra el estilo débil y sentimental que era habitual
entre los fotógrafos artísticos de California en esa época.
La exposición inaugural del nuevo grupo, se realizó en 1932, en el M. H. Del
Young Memorial Museum, de San Francisco. Durante los años que existió esta
sociedad informal fue la más progresista de Estados Unidos, e incluso una vez
disuelta su influencia persistió siendo el Grupo f/64 sinónimo de la fotografía
directa.
Análisis de tres fotografías de artistas del Grupo f/64
Fig. Nº4: Edward Weston Desnudo. 1925
Fuente: Thequietform, recuperado, 27/06/2013
En la obra de Weston, se conjugan la estética común a todos los miembros del
Grupo f/64, más las características propias, del arte del fotógrafo californiano.
El uso de la fotografía directa, sin aditivos, permite que la forma pura, emerja
en su real belleza. Los contrastes de luces y sombras, fueron generados antes
de capturar la toma, que resulta de una nitidez extrema, pudiéndose apreciar la
carnación del cuerpo de la modelo, como si fuera posible palparla. La imagen
visual trasciende su esencia, para despertar sensaciones táctiles. La elección
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del encuadre, logra un reconocimiento del objeto en cuanto a su significado,
pero jerarquiza la forma pura para que el resultado, se perciba como una
abstracción.
Weston juega con las ambigüedades formales para hacerlas más interesantes,
utilizando el recurso del closed up. En este desnudo, el torso femenino, se
reconoce, no está disfrazado, ni disimulado, la composición resulta atractiva,
debido al recorte que el artista hizo de la realidad. Edward Weston, exprime las
posibilidades que la cámara fotográfica, le ofrece, para presentar una realidad
indistinguible a simple vista, una realidad bañada de una estética bella que sólo
un artista de la imagen puede capturar.
Fig. Nº5: Imogen Cunningham “Dos Calas”. 1929
Fuente: Espaciopatico, recuperado, 27/06/2013
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Imogen fue miembro fundadora del Grupo f/64, y por lo tanto, su fotografía se
inscribe en la straight photography. Prefirió las temáticas relacionadas con la
naturaleza, que abarcan desde el cuerpo humano, flores, capullos, cactus,
estambres y todo aquel material que le pudiera brindar su jardín. En esta
fotografía las calas se presentan con una nitidez casi palpable. Para esta
artista el ciclo de la fertilidad era un tema muy importante, tanto asociada al
hombre como a la naturaleza. La morfología de las calas podrían remitir a los
órganos reproductores humanos, el estambre al masculino, la corola al
femenino. Hay en Cunningham, una mirada de mujer, delicada y sutil.
Los contrastes lumínicos, junto con la simpleza de la composición, influencia
del grabador japonés Utamaro, y la poesía de las formas, hacen de esta toma
un ejemplo de lo que el conjunto de fotografos que participaron del Grupo f/64
quería transmitir: la belleza de la cotidianidad.
Fig. Nº 6: Ansel Adams. “The tetons and the snake river”. 1942
Fuente: dgpfotografia, recuperado, 27/06/2013
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Ansel Adams, además de trabajar la fotografía directa, al igual que el resto de
los fotógrafos del Grupo f/64, va a emplear en sus tomas el llamado “sistema
zonal” o graduación de grises, dominando las características de la emulsión
fotográfica, no por prueba de laboratorio, sino con el propio equipo de trabajo
del fotógrafo. Gracias a esto, adquirió un gran virtuosismo en el uso de la luz,
logrando una amplia gama de matices, que hicieron de su fotografía de
paisajes, un registro único y poético de la naturaleza pura. Compartió con sus
colegas, el rechazo a la manipulación de las tomas, y la obsesión por la nitidez
en todos los detalles de la imagen. La búsqueda de una estética fotográfica
propia, valiéndose de la técnica a su disposición y de su sensibilidad, le
permitieron plasmar paisajes de numerosos parques nacionales
norteamericanos como ningún otro artista hasta ese momento.
Conclusiones
Así, como el pincel, la tela, los pigmentos, la trementina, el barniz, son las
herramientas de las que se vale el pintor para volcar su expresividad creativa
dentro de un género artístico, el fotógrafo también posee una serie de
elementos constitutivos de su oficio, principalmente, ellos forman parte del
equipo tecnológico que posee, pero además, maneja otra serie de auxiliares
que le son propios.
La luz, el encuadre, la composición, el ángulo de enfoque, el momento de la
toma, son decisiones que debe asumir el artista y en las que vuelca su
interioridad, transformando un acto mecánico, el de sacar la fotografía con su
cámara, en una obra de arte.
Susan Sontag señala: “El triunfo más perdurable de la fotografía ha sido su
aptitud para descubrir belleza en lo humilde, lo inane lo decrépito. Lo real tiene
un pathos. Y ese pathos es la belleza”. (1996 p. 112).
Para los fotógrafos del Grupo f/64 la realidad era la fuente inacabable para sus
temas de composición. La virtud que los distinguió en su obra, es la capacidad
de vislumbrar la belleza y la poética en la cotidianidad que los rodeaba,
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explotando las posibilidades técnicas de la cámara fotográfica, sin intervención
de manipulaciones ajenas al medio, combinándolas con sus propias
sensibilidades y gustos.
El fotógrafo alemán, Albert Renger- Patzsch, seguidor de la fotografía directa,
señala con simpleza, citado por Newhall, las posibilidades que emanan del uso
exclusivo del lenguaje propio del medio, al decir : ”Procuremos con medios
fotográficos crear fotos que se sostengan por si solas, debido a su carácter
fotográfico, sin pedir nada a otras artes”. ( 2009, p.195)
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Bibliografía:
Fontcuberta, J. “Fotografía: conceptos y procedimientos, una propuesta
metodológica”. Barcelona. Gili. (1990)
Freund, G. “La fotografía como documento social”. Barcelona. Gili. (1996)
Incorvaia, M: “La fotografía un invento con historia”. Buenos Aires. Aula
Taller. (2008)
Jeffrey, I. “Como leer la fotografía. Entender y disfrutar los grandes fotógrafos,
de Stieglietz a Doisneau”. Barcelona. Electa. (2009)
Kant, I. “Crítica del juicio”. Madrid. Espasa-Calpe. (1997)
Museum Ludwing Colonia. “La fotografía del siglo XX”. Alemania. Taschen.
(1997)
Newhall, B. “Historia de la Fotografía”. Barcelona. Gili. (2002)
Sontag, S. “Sobre la Fotografía”. Barcelona. Edhasa. (1996)
Sougez, M. L. “Historia de la Fotografía”. Madrid. Cátedra. (2004)