10 Barroco
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BARROCO Páginas: 418-481
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BARROCO
Páginas: 418-481
Características generales CRONOLOGÍA: arte del siglo XVII, aún cuando había
hecho su aparición a finales del siglo XVI y perdurará en muchos países (España) durante la primera mitad del siglo XVIII.
Origen etimológico del término barroco: Del portugués barrueco (perla irregular) Del francés barôque (extravagante) Del griego baros (pesadez En cualquier caso designa algo desmesurado, confuso y
dinámico.
Se trata de un estilo recargado, donde las formas adquieren movimiento y predomina el sentido de lo teatral.
Arte al servicio del poder: papal, monárquico o burgués.
En el desarrollo de este estilo tuvo gran influencia la labor de la Iglesia. Tras el Concilio de Trento (1545-1563) se inició la Contrarreforma católica para luchar contra la Reforma protestante.
Los Papas fomentaron la creación de edificios donde el lujo y la ostentación se convirtieron en un medio de propaganda religiosa.
Todo esto tuvo su reflejo en la ciudad de Roma, sede del Papado, que experimentó una gran transformación urbana, convirtiéndose en la ciudad más moderna y bella de la cristiandad.
Para las Monarquías servirá de vehículo para exaltar su origen divino y el poder absoluto.
El establecimiento de la Corte y de una inmensa administración centralizada hará aparecer un nuevo tipo de ciudad: la capital del Estado, y como consecuencia, se desarrollará el urbanismo.
El auge del capitalismo comercial explicará el resurgimiento del arte ligado a la burguesía.
Vídeo (ver blog y hacer ejercicio)
Entre la arquitectura renacentista y la nueva arquitectura barroca existe una serie de diferencias visibles tanto en los elementos arquitectónicos como en los decorativos. Así en el Barroco: Los edificios se llenan de movimiento. Para
ello se utilizan elementos como los frontones curvos o los frontones partidos.
El gusto por la línea curva afecta también a las columnas y la columna salomónica se convierte en uno de los elementos más característicos del Barroco.
La arquitectura
Las fachadas de los edificios tienen múltiples planos que introducen efectos de luz y juegos de perspectiva.
Se usan efectos ilusionistas que agrandan el espacio. Se emplean con profusión las cúpulas de enormes
dimensiones. Se usa el orden gigante, que sustituye la
superposición de órdenes clásica por el empleo de columnas de enorme tamaño.
Se utiliza una decoración muy abundante, formada principalmente por temas vegetales.
Hay una preocupación por que el edificio destaque en el espacio. Para ello, se diseñan enormes avenidas y plazas, que conducen hacia los principales edificios.
San Ivo (Borromini)
La arquitectura italiana: Bernini y BorrominiBERNINI (1598-1680)
Durante el segundo y el último tercios del siglo XVII, el arte italiano estuvo dominado por la excelencia creativa de Bernini. Este no solo fue un genial arquitecto, sino también un gran urbanista, escultor y pintor.
Nació en Nápoles en el seno de una familia de escultores. En 1605 se trasladó a Roma.
En 1624 asumió el encargo del Baldaquino para San Pedro del Vaticano.
Cinco años después fue nombrado «arquitecto de San Pedro»; bajo este cargo realizó su obra urbana de mayor envergadura y de gran dificultad topográfica y litúrgica: la plaza de San Pedro.
Plaza de San Pedro del Vaticano (Bernini)Pág. 421
Autor: Bernini Cronología: 1656-1667 (siglo XVII) Localización: Roma Partiendo de la fachada de la basílica de San
Pedro, planteó un espacio trapezoidal (piazza retta) que quedaba delimitada por dos brazos rectos que tienden a converger.
Estas prolongaciones acaban en un espacio elíptico en cuyo interior hay dos fuentes y un obelisco.
La zona elíptica está rodeada por un pórtico de columnas y pilares toscanos rematada por una balaustrada con imágenes de santos.
Era la zona de reunión de los fieles.
La forma oval simbolizaba el abrazo de la Iglesia a sus fieles.
Bernini resolvió con éxito varios problemas: Desnivel del terreno Plaza que servía de antesala a la iglesia más
importante y simbólica de la cristiandad. Lugar de celebración de actos litúrgicos y por
tanto de reunión de mucha gente que quería ver la ceremonia y al Papa.
Manifestar la unión de la Iglesia con sus fieles. Además la columnata era muy efectista ya que
los fieles al atravesarla se encontraban de pronto con la basílica de San Pedro.
San Andrés del Quirinal Autor: Bernini Cronología: 1658-1670
(siglo XVII) Localización: Roma
Fue un encargo del cardenal Pamphili para los Jesuitas.
Su enclave dentro del convento obligó a Bernini a crear una planta oval.
El color y la luz se consiguen gracias a la linterna superior y a los mármoles que la decoran.
La entrada de la iglesia queda enmarcada por dos gigantescas pilastras corintias, rematadas por un entablamento sobre el que descansa un tímpano triangular.
La puerta de acceso es un pórtico semicircular rematado por dos grandes volutas.
La fachada tiene un movimiento envolvente.
Baldaquino de San Pedro.Pág. 425 Autor: Bernini Localización:
Basílica de San Pedro (Roma)
Cronología: 1624 Mecenas: el papa
Urbano VIII
Similar al palio utilizado en las procesiones pero de tamaño gigante (casi 30 m. de altura)
Sobre la base de mármol se asientan cuatro columnas salomónicas de bronce.
El dosel se remata con el globo terrestre y la cruz, símbolos del triunfo universal de cristo.
El baldaquino simboliza la continuidad de la Jerusalén bíblica en la Roma papal que triunfa sobre la Reforma.
BORROMINI (1599-1667) A diferencia de sus contemporáneos, fieles a la
tradición renacentista, Borromini descartó la concepción antropomórfica de la arquitectura.
Su obra fue considerada en vida como extravagante y fantástica.
Quizás los dos edificios más destacados de su creación sean las iglesias romanas de San Carlos de las cuatro fuentes (San Carlo alle Quattro
Fontane) San Ivo alla Sapienza.
Además, intervino en muchas otras obras, como la reconstrucción del templo de San Giovanni in Laterano, en el Colegio de Propaganda Fide, en el Oratorio de San Felipe Neri o el palacio Falconieri.
San Carlos de las cuatro fuentes.(Pág. 426)
Autor: Borromini Cronología: 1638-1641 (s. XVII) Localización: Roma Templo de planta romboidal.
Gigantescas columnas se disponen en intervalos de cuatro. Entre ellas hay nichos y molduras que buscan un efecto escultórico.
Un entablamento de gran plasticidad sirve como barrera horizontal y unifica el espacio.
Pechinas y arcos de medio punto sostienen la cúpula ovalada.
Cúpula decorada con casetones hexagonales, octogonales y en forma de cruz. A mayor altura, menor tamaño.
La fachada se compone de tres vanos, los laterales cóncavos y el central convexo. Horizontalmente los vanos están divididos en dos
cuerpos: Inferior: rematado con un entablamento ondulante
Superior: entablamento fragmentado en tres partes y con un gran medallón central.
El resto de la fachada tiene ventanas ovales, nichos escultóricos, columnas…
Borromini consiguió integrar la ondulación inferior con las pechinas propias de una planta de cruz griega y una cúpula oval.
FRANCIA. Palacio de VersallesPág. 444
Autores: Le Vau y Hardouin-Marsart. Cronología:
1661-1670, ampliación de Le Vau 1679-1717, ampliación de Hardouin-Mansart.
Localización: Versalles Fue pabellón de caza de Luis XIII, pero Luis
XIV encargará su ampliación y vivirá su época de esplendor.
Concebido como gran ciudad cortesana con una doble función: Residencia real Sede de Gobierno
Función propagandística: sus enormes dimensiones y su suntuosidad mostraban el poder del rey.
Situado a las afueras de París, tiene dos fachadas: Principal abierta a la ciudad
Fachada principal, combina entrantes y salientes. Se divide en tres niveles: basamento, cuerpo de
columnas jónicas y ático. Posterior abierta a los jardines
En el interior las dependencias se ordenan según el recorrido diario del rey. Destacan dos estancias:
Capilla real: construida por Hardouin-Mansart, es una capilla palatina rematada por una cabecera semicircular.
Galería de los espejos: sala de fiestas profusamente decorada. En las paredes hay espejos que crean un espacio ilusorio, pues parece que aumentan el tamaño de la habitación.
Capilla
Cámara de la reina/cámara del rey
Como complemento al conjunto de edificios, Le Nôtre diseñó unos fastuosos jardines.
Son un espectacular decorado en el que podemos encontrar fuentes, cascadas, estatuas, cuevas y abundante vegetación.
ESPAÑA En España, no podemos hablar de arquitectura
plenamente barroca hasta mediados del siglo XVII , ya que los comienzos de este siglo seguirán el mismo rumbo que en el siglo XVI.
Principios del siglo XVII. La tendencia clasicista La influencia de El Escorial, sigue estando vigente en
los primeros años de la arquitectura barroca española y, por tanto, podemos hablar de una arquitectura con tendencia al clasicismo.
Valladolid y Toledo serán importantes focos clasicistas. Este primer período de pervivencia de la influencia
herreriana se mantendrá durante los dos primeros tercios del siglo XVII.
El representante principal de este primer período clasicista fue Juan Gómez de Mora.
Juan Gómez de Mora (1586-1648) Este arquitecto se formó en la obra de El
Escorial, hecho que marcará su trayectoria futura.
Su clasicismo desornamentado y su formación anclada en el siglo XVI serán una constante en su producción.
Gómez de Mora realizó gran parte de su labor artística en Madrid. La Plaza Mayor fue la obra más conocida
Plaza mayor Madrid
Mediados del siglo XVII. La llegada del Barroco. A mediados del siglo XVII la arquitectura española
se vuelve más barroca. La decoración, el mayor rasgo de barroquismo, comienza a extenderse por los edificios.
Muchos y diversos fueron los focos que se dieron en este período, por ejemplo: En Galicia tenemos que destacar la labor de Domingo de
Andrade, que trabajó en la catedral de Santiago de Compostela.
En Andalucía sobresale la figura del polifacético Alonso Cano, que diseñó la fachada de la catedral de Granada.
Finales del XVII y principios del XVIII. El Barroco pleno
En este momento, la decoración barroca que se empieza a entrever en el período anterior cobra importancia, llena las fachadas y los interiores de los edificios.
Autores significativos son: Pedro de Rivera Narciso Tomé Hermanos Churriguera
Plaza mayor de Salamanca
Autor: Alberto Churriguera Cronología: 1728-1755 Planta irregular, ya que es un cuadrilátero en
el que cada lado tiene una medida distinta. Los lados se cierran mediante fachadas de
viviendas que tienen tres alturas. En la planta baja hay soportales sostenidos
con arcos de medio punto y en el resto ventanales y balcones.
Una balaustrada coronada con pináculos cierra el espacio superior.
En la plaza se integran dos grandes edificios: Pabellón real: ocupa el lado este, cuenta con
medallones colocados entre los arcos decorados con bustos de reyes españoles.
Ayuntamiento
Palacio Real de Madrid (pág. 459)
Autor: Sacchetti Cronología: 1736-1764 Encargado por Felipe V es un ejemplo de
arquitectura cortesana borbónica. Basado en el esquema tradicional de los
alcázares españoles. Planta rectangular en torno a un patio central
flanqueado por torreones en las esquinas que no sobresalen en altura, pero que se marcan en planta.
La fachada se estructura en un zócalo de sillería que abarca entresuelo y planta baja.
Sobre el zócalo se articulan tres plantas unidas por columnas y pilastras.
Entablamento coronado por una balaustrada que cierra el edificio.
Al igual que Versalles alrededor del palacio hay zonas ajardinadas.
ESCULTURA La cuna de la escultura barroca se encuentra
en Italia. Sus características fundamentales son: Interés por expresar el movimiento, que se refleja
en el tratamiento de los ropajes, las texturas, la piel, etc
Las figuras forma diagonales y escorzos para marcar aún más el dinamismo.
Juegos de luces y sombras. Sentido de la teatralidad, que hace que las
esculturas se conciban dentro de un marco. Unión de escultura y arquitectura.
La expresión humana se plasma con dramatismo, buscando conmover al espectador.
Se desarrolla el gusto por el desnudo. Se representan distintos temas: religiosos,
mitológicos, retratos. El autor más significativo es Lorenzo Bernini.
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BERNINI (1598-1680) Bernini consideraba la escultura su
verdadera vocación, a pesar de cultivar otras facetas artísticas.
Llegó a tener tanto trabajo que tuvo que rodearse de un numeroso número de colaboradores.
Su estilo se convirtió en el modelo a seguir durante un siglo.
Su obra se caracteriza por: El dramatismo y la plasmación de emociones
intensas. El gusto por captar el instante. El movimiento El realismo y el detallismo a la hora de
representar la anatomía, los rostros, la piel y los ropajes.
Su labor escultórica se divide en varias fases (obras de juventud y obras de madurez): Primeras obras (1615-1617). Pese a su
dependencia manierista, estas obras poseen una libertad, energía y perfección que nada tienen que ver con las esculturas de sus coetáneos. La cabra Amaltea con el niño Júpiter San Lorenzo
Obras de juventud (1618-1624). A pesar de inspirarse en la línea serpentinata de raíz manierista, la fuerza y la firmeza de sus obras rompen con el manierismo y muestran la verdadera personalidad de Bernini. El rapto de Proserpina El David Apolo y Dafne
Apolo y Dafne(obras juventud)
Autor: Bernini Cronología: 1622-1625 Localización: galería Borghese (Roma) Material: mármol Escultura de tamaño natural. La escena
recoge el momento en que Apolo alcanza a la ninfa Dafne que huía de sus requerimientos amorosos. Dafne pide ayuda a su padre, que la convierte en laurel.
La obra recoge justo el momento de la conversión, mezcla partes humanas y vegetales.
Personajes idealizados dentro de los cánones de belleza clásica.
Sensación de movimiento: las manos de Dafne se alzan al cielo y la pierna de Apolo se lanza hacia atrás.
Expresión en los rostros: Dafne/terror, Apolo/sorpresa ante la conversión.
En función del ángulo desde el que se mire, las imágenes y la perspectiva varía (se ve más humana o más vegetal)
Llama la atención por su dramatismo, su movimiento y por el tratamiento de las texturas.
David (obras juventud)
Autor: Bernini Cronología: 1623 Escultura concebida para colocar ante una
pared, de manera que el punto de vista único permitiera percibir la intensidad, la violencia del movimiento.
Muestra la tensión previa a la acción, tanto en el movimiento del cuerpo como en el rostro.
Contrasta con el de Miguel Ángel (clásico, contenido, meditabundo) pues rompe con el estatismo renacentista y se concentra en la acción, la tensión y el movimiento.
Obras de madurez (1640-1650). Desarrolló las obras más personales de su trayectoria. Tumba de Urbano VIII Éxtasis de Santa Teresa
Éxtasis de Santa Teresa(obras de madurez)
Autor: Bernini Cronología: 1645-1652 Localización: Iglesia de Santa María della
Vittoria (Roma) Representa a Santa Teresa turbada ante uno
de sus episodios místicos, en el que un ángel traspasa su corazón con un dardo.
La obra forma parte de una gran escenografía.
La familia Cornaro (mecenas) representada en dos palcos asiste asombrada al milagro, como si estuviera en un teatro.
Dentro de la capilla donde se localiza la obra, el color de los mármoles, los dorados, las pinturas… agudizan el sentido teatral de la composición.
La santa refleja en su rostro el trance, mientras sus brazos cuelgan desmayados y los ropajes se pliegan y mueven.
Es una de las obras maestras del Barroco por su concepción escenográfica y la emoción que transmite.
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La imaginería española: Gregorio Fernández. La escultura barroca española se caracteriza
por: La búsqueda del realismo que llega a utilizar
postizos (vestidos, pelucas, ojos de vidrio, lágrimas de cristal, etc) en las figuras.
Movimiento conseguido con escorzos y composiciones en diagonal (sin llegar al virtuosismo italiano)
Materiales: madera policromada. Temática religiosa. Las mejores esculturas son
pasos procesionales.
Gregorio Fernández (1576-1636)
Cristo yacente del Convento del Pardo
Autor: Gregorio Fernández Cronología: 1615 Material: madera policromada Destaca por la perfección anatómica y el
naturalismo. Cristo muestra las huellas de su martirio
mediante su rostro dolorido y la abundancia de sangre en la composición.
PINTURA
ESCUELAS PICTÓRICAS Pintura italiana: Caravaggio
Baco La conversión de San Pablo
Pintura flamenca: Rubens Las tres gracias El jardín del amor
Pintura holandesa: Rembrandt y Vermeer. Lección de anatomía (Rembrant)
Pintura española: Velázquez y Murillo
VELÁZQUEZ El aguador de Sevilla La fragua de Vulcano La rendición de Breda Las meninas Las hilanderas
MURILLO Inmaculada
Características generales: Naturalismo y realismo. Se rompe con el
canon de belleza renacentista. Pintan lo que ven, sea hermoso o feo. (Pueden pintar una Venus o un cadáver).
Libertad a la hora de utilizar las técnicas pictóricas.
Predominio del color sobre el dibujo. Profundidad (búsqueda de la 3ª dimensión) Composiciones asimétricas, escorzos
violentos, diagonales, búsqueda de movimiento, etc.
Importancia de la luz en las composiciones. Temática variada:
Religiosa: vinculada a la Contrarreforma Paisajes Retratos Mitológica Naturalezas muertas y bodegones Escenas de interiores y de vida cotidiana.
Escuela italiana: Caravaggio Miguel Ángel Merisi Caravaggio (1571-1610) Personalidad controvertida (bohemio,
juerguista, llega a ser acusado de homicidio…)
En lo pictórico destaca por: Realismo: representa a los personajes tal cual
son, sin idealizarlos. Llega a representar temas religiosos como cotidianos.
Tenebrismo: lleva al extremo la técnica del claroscuro. Los fondos son oscuros, sólo ilumina las figuras que quiere destacar.
Distinguimos dos etapas en su obra:
Obras de juventud: Cuadros de pequeño tamaño, con pocas figuras
que aparecen de medio cuerpo. Todavía no hay tenebrismo, los fondos son claros
y las figuras iluminadas. Baco (probablemente un autorretrato)
Obras de madurez: Su mecenas fue el cardenal Del Monte El tenebrismo alcanza su plenitud. El color se subordina a la luz, que surge de un
único foco. Acentúa el dramatismo y el realismo.
Cena de Emaús Entierro de Cristo Conversión de San Pablo
Baco
Naturalidad y la captación espontánea de los modelos. Probablemente nos encontramos ante un autorretrato,
con la pose frontal típica del pintor que se mira en el espejo para pintar sus propios rasgos.
El modo de representar al dios del vino es un tanto irreverente, con unos rasgos que distan mucho de la idealización de pinturas del siglo anterior.
Por su sensación de realidad son prodigiosos los objetos representados; el cesto de frutas maduras recuerda otras composiciones del autor, como el Muchacho con cesto de frutas, o el Cesto de la Ambrosiana.
El joven Baco nos ofrece una copa de vino, que casi se vuelca sobre nosotros, haciendo temblar y rizarse la superficie del líquido.
Sólo Caravaggio puede ofrecer tal grado de maestría a la hora de retratar la realidad.
La conversión de San Pablo
Rasgo típico de su pintura: representar una escena religiosa desde un punto de vista trivial y cotidiano.
Los rasgos divinos se hacen presentes a través de: La serenidad del rostro de Pablo La luz ilumina a Pablo pero no al criado que
permanece en penumbra.
Cena en Emaús, 1600-01 / CaravaggioÓleo sobre lienzo 141 x 196 cm.
Cristo atado a la columna, 1606-07 / Caravaggioóleo sobre lienzo 134,5 x 174,5 cm.
Sacrificio de Isaac, 1603 / Caravaggioóleo sobre lienzo 104 x 135 cm.
Escuela flamenca: Rubens Vídeo: ver blog
Pedro Pablo Rubens (1577-1640) Trató todos los géneros pictóricos del
barroco: retrato, pintura religiosa, mitológica, histórica…
Trabajo tanto para la Iglesia como para los reyes.
Se formó artísticamente en Italia (sentido de la tridimensionalidad, composiciones dramáticas, colores de la pintura veneciana…)
En 1608 marchó a Amberes. A partir de entonces sus composiciones se caracterizan por: Líneas diagonales Contrastes de luz (influencia de Caravaggio) Figuras musculosas y dramáticas (influencia de
Miguel Ángel) Grupos asimétricos Actitudes expresivas Obra: Sansón y Dalila
A partir de 1621 su obra se hizo más equilibrada, organizada y simétrica. Utiliza colores más fríos Figuras más plásticas, a imitación de la escultura
helenística. Temática mitológica
Hacia 1628 su pintura cambió: Comenzó a utilizar tonalidades plateadas para
representar el cielo y un paisaje más cálido. A esta última etapa pertenece su obra Las tres
Gracias
Las tres Gracias
Autor: Rubens Cronología: 1638-1640 Técnica: pintura al óleo sobre tabla Localización: museo del Prado (Madrid) Temática: mitológica Las tres gracias eran hijas de Zeus,
encargadas de repartir alegría y belleza por el mundo. Trabajaban al servicio de Afrodita.
Suelen representarse desnudas, simbolizando que la belleza no necesita artificios externos
El centro de la composición es el grupo de las tres mujeres.
Varios planos de perspectiva consiguen dar a la escena un sentido circular.
Las mujeres se miran unas a otras dando la sensación de comunicación entre ellas.
Usa colores cálidos. El fondo del cuadro es un paisaje donde se
ve una fuente, vegetación y animales. Sirve de marco a las Gracias que están en primer plano.
Las Gracias representan la belleza femenina. Aparecen idealizadas, siguiendo los modelos
femeninos de su época: formas redondeadas y exuberantes.
Marca las siluetas con líneas sinuosas y suaves.
La luz incide sobre el grupo y resalta el blanco de la piel dando un aspecto escultórico a las figuras.
El jardín del amor
Autor: Rubens Cronología: 1630 Técnica: oleo sobre lienzo Lo pinta tras casarse con una joven de 16 años Parece presentar a su esposa y al conjunto de damas y
caballeros que participan en una fiesta junto a un palacete barroco, que supuestamente se trata de la casa de campo que tenía el maestro a las afueras de Amberes.
Pero esa escena amorosa, totalmente real, con figuras ricamente vestidas y en posturas muy forzadas, se anima con la presencia de varios amorcillos, mezclando así lo real con lo fantástico.
Resulta una obra de gran encanto por la riqueza y belleza del colorido, la gracia de los amorcillos, las calidades de las telas de los vestidos y la expresividad de los personajes.
Escuela holandesa: Rembrandt y Vermeer Vídeo
Rembrandt (1606-1669) Pintor y grabador, destacó como retratista. Utiliza el claroscuro para resaltar las
expresiones faciales de los retratados. Retratos realistas Estudió su fisionomía y su estado de ánimo,
tiene casi un centenar de autorretratos. Como grabador destacó en el uso de la
técnica del aguafuerte (solución de ácido nítrico en agua)
Su obra se divide en cuatro etapas: Primer periodo (1625-1631):
Taller en Leyden Influencia de Caravaggio Retratos ataviados con ropajes orientales, lejos
de los ideales de belleza clásica. Segundo periodo (1632-1639)
Se traslada a Amsterdam, conoció la obra de Rubens y cambió el formato de sus obras.
Como retratista alcanzó un nivel altísimo. Destacó como retratista grupal (Lección de
anatomía del doctor Tulp)
Recibió el encargo de pintar una serie de cuadros sobre la pasión de Cristo.
También realiza cuadros de temática mitológica como El rapto de Ganímedes.
Comienza a pintar paisajes que destacan por su romanticismo (grandes valles, árboles gigantescos, ruinas y edificios fantásticos)
Tercer periodo (1640-1647) La ronda de noche es la obra más representativa
del periodo. Rompió con la forma tradicional de representar
una compañía militar. Profundizó en el estudio del paisaje
Época de madurez (1648-1669) Trata de destacar en sus obras la espiritualidad
del ser humano. Intenta transmitir emociones, sentimientos.
Lección de anatomía
Autor: Rembrandt Cronología: 1632 Técnica: óleo sobre lienzo La pintura recoge un hecho real. Se cree que
el pintor estuvo presente en esta lección pública de anatomía, dada por el doctor Tulp
Utiliza el claroscuro, que destaca el cadáver y los rostros de los asistentes.
Representación piramidal
La ronda de noche
Escuela española: Velázquez
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Diego de Silva Velázquez (1599-1660) Nacido en Sevilla, es posiblemente el más
grande de los pintores españoles. Pintor al servicio de Felipe IV, en sus obras
destaca por su gran realismo y sobriedad, con un magistral uso de la luz que sitúa los cuerpos en el espacio, rodeándolos de una atmósfera real.
En “ Las Meninas” encuentra la culminación de su obra, siendo considerada como la obra pictórica más importante de todos los tiempos.
ETAPA SEVILLANA Aprendiz en el taller de Francisco Pacheco. Cuadros tenebristas, colores oscuros. Interés por representar las calidades de los
tejidos y los objetos. Obras:
El aguador de Sevilla Vieja friendo huevos Cristo en casa de Marta Retrato de Góngora
Vieja friendo huevos (1618)
Cristo en casa de Marta
Góngora (1622)
El aguador de Sevilla (1620-23)
Posiblemente sea la obra maestra de la etapa sevillana.
Aparecen dos figuras en primer plano: un aguador y un niño. Al fondo un hombre bebiendo en un jarro, por lo que se ha sugerido que podría representar las tres edades del hombre.
Destaca por su vibrante realismo: mancha de agua que aparece en el cántaro de primer
plano copa de cristal, en la que vemos un higo para dar
sabor al agua los golpes del jarro de la izquierda
Las figuras principales se recortan sobre un fondo neutro, interesándose el pintor por los efectos de luz y sombra.
El colorido que utiliza sigue una gama oscura de colores terrosos, ocres y marrones.
La influencia de Caravaggio en este tipo de obras se hace notar, posiblemente por grabados y copias que llegaban a Sevilla procedentes de Italia.
PRIMERA ETAPA MADRILEÑA En 1623 se instaló en la corte madrileña, de la
mano de Felipe IV Trabajó como retratista para la familia real En sus retratos se ve la influencia de Tiziano Abandona los colores oscuros, su paleta tiende a
los rosas y blancos. Se familiariza con las colecciones reales (pintura
veneciana, principalmente) lo que influirá en su obra Conoce a Rubens, que llega a Madrid. Obras:
Los borrachos Retratos de Felipe IV y la familia real
Felipe IV
Los borrachos (1628)
PRIMER VIAJE A ITALIA (1629-1631) Animado por Rubens, viaja a Italia. Recorre los principales focos pictóricos
italianos. Abandonó los colores oscuros Interés por el paisaje y la captación de la
atmósfera Pincelada más fluida. Obras:
La fragua de Vulcano
La fragua de Vulcano (1630)
Pintado en su primer viaje a Italia, fue posteriormente comprado por Felipe IV en 1634.
Inspirado en las Metamorfosis de Ovidio: Apolo se acerca a la fragua de Vulcano para contarle la infidelidad de Venus, con Marte. Al escuchar la noticia toda la fragua se queda petrificada: esta sensación la ha conseguido perfectamente el artista.
Influencia del arte italiano como se observa en las anatomías de los ayudantes de Vulcano, situados en diferentes posturas para demostrar el dominio de las figuras.
Interés por conseguir el efecto espacial, recurriendo a disponer figuras en diferentes planos, ocupando todo el espacio, relacionándose a través de líneas en zig-zag.
La luz también ha experimentado un sensible cambio al modelar con ella las formas de los cuerpos que revelan la estructura de los huesos y músculos bajo la piel. Se advierte que estamos, sin duda, ante una nueva fase del arte velazqueño.
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REGRESO A LA CORTE MADRILEÑA Retrata a la familia real y participa en la
decoración del Palacio del Buen Retiro. Retratos ecuestres:
Felipe IV Isabel de Borbón Príncipe Baltasar Carlos Conde duque de Olivares
La obra más significativa de este periodo es: La rendición de Breda (Las lanzas)
Retratos ecuestres
La rendición de Breda
Episodio de la Guerra de Flandes ocurrido en 1625. Tras un año de sitio por parte de las tropas españolas, la ciudad holandesa de Breda cayó, lo que provocó que su gobernador, entregara las llaves de la ciudad al general vencedor, Ambrosio de Spínola.
Velázquez no representa una rendición normal sino que Spínola levanta al vencido para evitar una humillación del derrotado.
El centro de la composición es la llave y los dos generales.
Las tropas españolas aparecen a la derecha, tras el caballo, representadas como hombres experimentados, con sus picas ascendentes que consideradas lanzas por error dan título al cuadro.
A la izquierda se sitúan los holandeses, hombres jóvenes e inexpertos, cuyo grupo cierra el otro caballo.
Todas las figuras parecen auténticos retratos aunque no se ha podido identificar a ninguno de ellos, a excepción del posible autorretrato de Velázquez, que sería el último hombre de la derecha
Al fondo aparecen las humaredas de la batalla y una vista en perspectiva de la zona de Breda.
La composición está estructurada a través de dos rectángulos: uno para las figuras y otro para el paisaje.
Los hombres se articulan en profundidad, cerrando dicho rectángulo con los caballos de los generales.
La técnica pictórica que utiliza aquí el artista no es siempre la misma sino que se adapta a la calidad de los materiales que representa, pudiendo ser bien compacta, como en la capa de la figura de la izquierda, bien suelta, como en la banda y armadura de Spínola.
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SEGUNDO VIAJE A ITALIA
Viaja con la intención de comprar cuadros para decorar dependencias reales.
Aprovechando el viaje, el papa Inocencio X le encarga un retrato.
Pinta también La Venus del espejo
REGRESO A LA CORTE, ÚLTIMA ETAPA.
Pintó alguna de sus obras maestras: Las hilanderas Las Meninas
Las hilanderas
Una de las obras más interesantes y enigmáticas del pintor sevillano, sobre todo en cuanto al tema: La fábula de Aracné.
Fue pintado casi con total seguridad en 1657 para D. Pedro de Arce, aunque en el siglo XVIII ya figura en las colecciones reales.
En primer plano vemos cinco mujeres que preparan las lanas para la fabricación de tapices.
Al fondo, detrás de ellas, aparecen otras cinco mujeres ricamente vestidas, sobre un fondo de tapices. Esta última escena sería la que da título al cuadro ya que recoge la fábula en la que la joven Aracné, al presumir de tejer como las diosas, es retada por Atenea a la confección de un tapiz. El jurado dictaminó un empate pero Atenea castigó a Aracné convirtiéndola en araña para que tejiera durante toda su vida.
Con esta fábula quiere indicarnos que la pintura es un arte liberal, igual que el tejido de tapices, no una artesanía como la labor que realizan las mujeres en primer término.
También hay quien piensa que se trata de una escena del obrador de la Fábrica de Tapices de Santa Isabel que el pintor solía frecuentar a menudo. Pero esto no sirve para explicar la escena de segundo plano.
Trate sobre lo que trate ha sabido dar sensación de movimiento, como se aprecia en la rueca de la izquierda y en la figura de la derecha que devana la lana con tanta rapidez que parece que tiene seis dedos.
También hay que destacar el efecto atmosférico, es decir, la sensación de que entre las figuras hay aire que distorsiona los contornos y hace que las figuras estén borrosas.
La pincelada es suelta, utilizando manchas como en el caso del gato o el rostro inacabado de la mujer del centro, que está a contraluz.
La luz viene de la derecha, siendo admirable que con tan limitado colorido se obtenga esa excelente luminosidad.
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Las meninas
Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682) Murillo fue un pintor muy estimado en los siglos
XVIII y XIX. Sin duda, se trata de uno de los pintores mejor dotados, sensibles y refinados de su tiempo.
Al igual que sus contemporáneos, se interesó por el naturalismo y por el estudio de la luz.
Pintó sobre todo cuadros religiosos. Destacó pintando Inmaculadas, tema que definió y fijó para la posteridad.
Obras: El joven mendigo La sagrada familia del pajarito Inmaculada
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Inmaculada
