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1. Van Gogh
2. Dalí
3. Romero de Torres
4. Goya
5. Franço is Kupka
6. Picasso
7. El Greco
8. Chirico
9. Cezanne
10. Claude le Lorrain
11. Kandinsky
12. Diego Rivera
13. Gainsborough
14. Juan Gris
15. Miró
16. Chagall
17. Klimt
18. Hopper
19. Canaletto
20. Redon
VINCENT VAN GOGH
Holanda. (1835-1890) Nació en Groot-Zunder, en el Brabante holandés, el 30 de marzo de 1853, pero vivió
la mayor parte de su vida en Francia.
En un principio su obra está influenciada por los impresionistas y por la obra de los
grabadores japoneses Hiroshige y Hokusai, pero mas tarde adopta los brillantes
matices pictóricos de artistas franceses como Pissarro y Seurat.
En 1888 se trasladó al sur de Francia con la idea de fundar con sus amigos el "Taller
del Mediodía", allí en la Provenza se dedicó a pintar escenas rurales, cipreses,
campesinos y variadas escenas de la vida cotidiana de la región, fue en esa época
cuando empezó a utilizar las pinceladas ondulantes y los amarillos, verdes y azules
intensos, es ese año cuando Gauguin, a instancias de Theo, hermano de Vincent,
decide vivir con él. Este, alegre, pinta sus girasoles para decorar la habitación del
huésped. Pero poco a poco, las diferencias entre ambos creadores van surgiendo
hasta que al fin estalla la crisis. Vicent quiere agredir a Gauguin con un cuchillo y
éste escapa. Esa noche de Navidad de 1888 una prostituta recibió de manos de
Vicent el más horrible de los regalos: una oreja cortada. Vicent se autorretratará con
el oído vendado en una casa de salud que protege su locura.
El 17 de mayo, salido del manicomio de Saint-Remy, llega a París y prosigue camino hacia Auvers, donde le atiende el
doctor Gachet, amigo de Cézanne y admirador de Vincent. Los cipreses, los cielos, los caminos, las iglesias y trigales
tiemblan. Van Gogh descubre la energía total que unifica el universo. Pero los cielos, sobre los trigales de oro, se van
ennegreciendo, la muerte se convierte en un segador que sonríe a Van Gogh. Y en medio de esos trigales, el 27 de julio, en
un gesto de impaciencia y de dolor se dispara un tiro en el pecho.
Falleció el 29 de julio a la una y media de la madrugada en brazos de su hermano Theo.
VIDA
VINCENT VAN GOGH
OBRA
1883. Óleo sobre lienzo sobre tabla. 48 x 65 cm. Collection Mr. and Mrs. Paul Mellon. The National Gallery of Art.
Washington. USA.
Las vistas de la campiña holandesa eran uno de los temas favoritos a la hora de decorar los hogares; Conocedor de este
dato Vincent realizó varios paisajes de este tipo bajo la influencia de los paisajistas de la Escuela de la Haya, en especial de
su tío Antón Mauve, con el que estudió dibujo y pintura.
En esta obra podemos apreciar como el color va introduciéndose en la obra de Van Gogh, la pincelada se obtiene a base
de pequeñas manchas, la imagen está tomada con un realismo absoluto donde las nubes dan una sensación de movimiento
a la obra.
Campo de tulipanes
Siglo XIX. Realismo
VINCENT VAN GOGH
OBRA
1886 Óleo sobre lienzo. 38.5 x 46 cm. Rijksmuseum Kröller-Müller. Otterlo. Holanda.
Le Moulin de la Galette se convirtió en toda una institución en el Montmartre de finales del siglo XIX, ya que era un lugar de
peregrinación y culto para todos los artistas extranjeros que llegaban a París.
Van Gogh, a diferencia de otros maestros como Toulouse Lautrec, Renoir e incluso los españoles Ramón Casas y Santiago
Rusiñol, no nos ofrece una visión del interior de uno de los templos parisinos del ocio, sino que muestra el edificio desde el
exterior, así podemos observar como no era más que un barracón construido junto a dos viejos molinos de viento en el que
las mujeres bailaban y mantenían relaciones con los hombres que allí acudían.
En este cuadro Vincent nos muestra el molino sobre un fondo azulado de nubes, creando una sensación de frío y soledad,
quizás como la que sentía el pintor a su llegada a París. En cuanto a la pincelada, ésta se asemeja a la utilizada por Pissarro,
empleando tonalidades oscuras herencia de la Escuela de La Haya.
Le Moulin de la Galette
Siglo XIX. Realismo
VINCENT VAN GOGH
OBRA
1890. Óleo sobre lienzo. 49.8 x 70.1 cm. The Saint Louis Art Museum. San Louis (MO).
En 1890 Van Gogh se trasladó a vivir a Auvers-sur-Oise, allí se dedica a dibujar los paisajes, jardines y casas de la zona.
En pleno éxtasis creador realizó en apenas dos meses más de 80 cuadros.
En esta obra destaca la utilización de los tonos amarillo-verdosos, los trazos rápidos y expresivos, remarcando los
contornos con trazos negros.
Calle y escalera en Auvers con figuras Siglo XIX. Postimpresionismo
VINCENT VAN GOGH
OBRA
1888. Óleo sobre lienzo. 72 x 91.5 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam.
Holanda.
Van Gogh alquiló la Casa Amarilla de Arlés mientras esperaba la llegada de su amigo Gauguin, con la esperanza de
convertirla en el "Estudio del Sur que sería la sede de una comunidad de pintores vanguardistas.
El cuadro es una especie de sinfonía en amarillo, el color más amado por Van Gogh en este período, símbolo del sol del
sur de Francia, también utiliza el verde pálido para algunas fachadas, los árboles de los bordes de la plaza y la inclusión del
toldo rosado del edificio contiguo a la casa del artista contrastando con la franja de cielo, de un azul intenso. El tono general
del cuadro da la impresión de una hora del mediodía, con el sol en vertical, pero para animar la amplia escena Vincent ha
introducido una serie de figuras, distribuyendo las pequeñas siluetas alrededor de los edificios. A lo lejos se ve un tren
cruzando el puente ferroviario con su locomotora de humo blanco, uno de los temas preferidos de los impresionistas y
repetido por Monet en muchos de sus cuadros.
La casa amarilla
Siglo XIX. Postimpresionismo
VINCENT VAN GOGH
OBRA
1889. Óleo sobre lienzo. 73,7 x 92,1 cm. Museo de Arte Moderno. New York. USA.
A diferencia de sus amigos Gauguin y Benard, que estaban elaborando una pintura de contenido simbolista, fruto de su
imaginación y no inspirada en modelos reales, Vincent se decanta por el contacto directo con la realidad, pero esto le supone
un problema ya que le resultaba difícil representar el cielo nocturno, para ello ideó un sistema tan extravagante como
ingenioso: colocó velas encendidas en su sombrero y pudo así realizar la primera obra nocturna al aire libre de la historia.
Sin embargo, y a pesar de haber trabajado al natural, el resultado es cualquier cosa menos realista, la poderosa imaginación
del autor transforma la vista nocturna en una especie de acontecimiento cósmico donde el cielo parece iluminado por multitud
de cometas que giran vertiginosamente, creando una serie de remolinos de luz, haciendo que el pueblo parezca sumergido
en una atmósfera sobrenatural.
La composición del cuadro es magistral, la línea diagonal de las montañas, las ondulaciones amarillas de los astros, las
pinceladas espirales que forman los árboles diseminados entre las casas, mientras que el largo tejado en punta del
campanario rima con la forma del solitario ciprés, cuya silueta cierra la escena en primer plano.
Noche estrellada
Siglo XIX. Postimpresionismo
DALI - (SALVADOR DALI)
España. (1904-1989)
Nació en Figueras, Girona, el 11 de mayo de 1904; Pintor y escultor, es uno de los
máximos exponentes del movimiento surrealista. Formado en la Escuela de Bellas
Artes de Madrid, es expulsado por indisciplina.
En 1929, durante su estancia en París, conoció a Pablo Picasso y en 1930 se
adhirió al movimiento surrealista, del que más tarde fue relegado por sus ideas
comerciales. La producción de Dalí de este periodo se basa en las teorías de
Freud: representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas
compositivas insospechadas y sorprendentes.
La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una
minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy
brillante y luminoso.
Falleció el 23 de enero de 1989 en Figueras.
VIDA
1922.
Óleo sobre cartón.
20 x 15 cm.
Propiedad particular.
Vilabeltrán
Siglo XIX. Postimpresionismo
DALI - (SALVADOR DALI)
OBRA
1921.
Óleo sobre lienzo.
22 x 15.6 cm.
Anteriormente Colección E. y A. Reynolds Morse.
The Salvador Dalí Museum. San Petersburgo (FL).
Vista de Cadaqués desde el Mont Pani
Siglo XX. Vanguardias Históricas/Fauvismo
DALI - (SALVADOR DALI)
OBRA
1936.
Óleo sobre madera.
46 x 66 cm.
Tabla lateral.
Anteriormente Colección Edward James. Museum
Boymans-van Beuningen. Rotterdam.
Afueras de la ciudad del paranoico-crítica: tarde a la orilla de
la historia europea
Siglo XX. Vanguardias Históricas/Surrealismo dias
Históricas/Fauvismo
DALI - (SALVADOR DALI)
OBRA
1970.
Acuarela. Tinta y collage.
56 x 76 cm.
Propiedad privada.
Amantes pacientes (Aparición de un rostro con tendencia
estereoscópica en un paisaje del Ampurdán
Siglo XX. Vanguardias Históricas/Surrealismo
DALI - (SALVADOR DALI)
OBRA
ROMERO DE TORRES - (JULIO ROMERO DE TORRES)
VIDA
Nació en Córdoba en el año 1880, fue famoso por sus cuadros de mujeres.
Hijo del también pintor Rafael Romero Barros, director del Museo de Bellas Artes de
Córdoba, comenzó su aprendizaje a las órdenes de su padre en la Escuela de
Bellas Artes de Córdoba a la temprana edad de 10 años. Gracias a su afán por
aprender, vivió intensamente la vida cultural cordobesa de finales del siglo XIX y
conoció ya desde muy joven todos los movimientos artísticos dominantes de esa
época.
En 1890 pinta los que sería su primera obra conocida La huerta de los Morales
Julio Romero de Torres participó con intensidad en todos los acontecimientos
artísticos de Córdoba y España. Ya en el año 1895 participó en la Nacional en
Madrid, donde recibió una mención honorífica. También participó en las ediciones
de 1899 y 1904, donde fue premiado con la tercera medalla. En esta época inició su
experiencia docente en la Escuela de Bellas Artes de Córdoba.
En 1906, el Jurado de la Nacional rechazó su cuadro Vividoras del Amor, lo que provocó que el Salón de Rechazados
fuera más visitado que las salas de la Exposición Nacional. Ese mismo año marchó a Madrid, para documentarse y
satisfacer su inquietud renovadora. Después realizó viajes por toda Italia, Francia, Inglaterra y los Países Bajos.
En 1907 concurrió con los pintores más renombrados de la época a la exposición de los llamados independientes en el
Círculo de Bellas Artes. Poco después obtuvo por fin su primera medalla en la Nacional del año 1908 con su cuadro Musa
gitana.
Sin embargo, el gran momento de éxito se produjo en Buenos Aires, el año 1922. En agosto de ese mismo año
Julio Romero de Torres había viajado a la República Argentina acompañado de su hermano Enrique, y en los
últimos días de este mismo mes se inauguró la exposición, que fue presentada en el catálogo por un
espléndido texto de Ramón Valle-Inclán. La muestra constituyó un éxito sin precedentes. Fue miembro de la
Real Academia de Córdoba y de la de Bellas Artes de San Fernando. También exhibió su obra en la Exposición
Iberoamericana de Sevilla en 1929, y en múltiples exposiciones individuales en nuestro país y en el extranjero.
A principios de 1930, Julio Romero de Torres, agotado por el exceso de trabajo y afectado de una dolencia
hepática, volvió a su Córdoba natal para tratar de recuperarse. Pintando en su estudio de la Plaza del Potro,
realizó entre los meses de enero y febrero la que sería su obra final y más célebremente conocida, La chiquita
piconera.
El 10 de mayo de 1930 moría Julio Romero de Torres en su casa de la Plaza del Potro en Córdoba, hecho que
conmocionó a toda la ciudad. Las manifestaciones de duelo general que produjo su muerte, en las que
participaron en masa desde las clases trabajadoras más humildes hasta la aristocracia cordobesa, dejaron
patente la inmensa popularidad de que gozaba el pintor cordobés.
ROMERO DE TORRES - (JULIO ROMERO DE TORRES)
VIDA
También recibió el primer premio en la Exposición de Barcelona de 1911 con el Retablo de amor, y dos años
después en la Internacional de Múnich del año 1913. En la Exposición Nacional de 1912, cuando Romero de
Torres aspiraba a la medalla de honor, su obra no fue reconocida, lo que provocó que sus admiradores le
entregaran una medalla de oro cincelada por el escultor Julio Antonio. Cuando sus cuadros tampoco fueron
premiados en la Exposición de 1915 con la medalla de honor decidió retirarse definitivamente de las
Exposiciones Nacionales. En 1916 se convirtió en catedrático de Ropaje en la Escuela de Bellas Artes de
Madrid, instalándose definitivamente en la capital. A partir de aquí, su obra comenzó a representar el pabellón
español en diversos certámenes internacionales, convocados en París, Londres, etc.
1900.
Óleo sobre lienzo. Museo de Bellas
Artes. Córdoba. España Pereza Andaluza
Siglo XIX. Realismo
ROMERO DE TORRES - (JULIO ROMERO DE TORRES)
OBRA
1900.
Óleo sobre tabla.
63 x 42 cm. La siesta
Siglo XIX. Impresionismo
ROMERO DE TORRES - (JULIO ROMERO DE TORRES)
OBRA
Óleo sobre lienzo.
72 x 47 cm. Mujer asomada a la puerta del jardín
Siglo XIX. Impresionismo
ROMERO DE TORRES - (JULIO ROMERO DE TORRES)
OBRA
GOYA - (FRANCICO DE GOYA Y LUCIENTES)
VIDA
España. (1746-1828).
Pintor y grabador español considerado uno de los grandes maestros de la pintura
de nuestro país. Marcado por la obra de Velázquez, habría de influir, a su vez, en
gran parte de la pintura contemporánea.
Goya nació en la localidad aragonesa de Fuendetodos (cerca de Zaragoza) el 30 de
marzo de 1746.
En 1788 Goya fue nombrado pintor de cámara por Carlos III y en 1799 ascendió a
primer pintor de cámara.
Sus cuadros de historia se basan en su experiencia personal de la guerra y
trascienden la representación patriótica y heroica para crear una salvaje denuncia
de la crueldad humana. Con los cartones para tapices que realizó a finales de la
década de 1780 revolucionó la industria del tapiz que, hasta ese momento, se había
limitado a reproducir fielmente las escenas del pintor flamenco del siglo XVII David Teniers. En el invierno de 1792, en
una visita al sur de España, Goya contrajo una grave enfermedad que le dejó totalmente sordo y marcó un punto de
inflexión en su expresión artística. En 1799, publica su primera serie de grabados: "Los Caprichos", en que, con
profunda ironía, satiriza los defectos sociales y las supersticiones de la época.
Los horrores de la guerra dejaron una profunda huella en Goya, que contempló personalmente las batallas entre
soldados franceses y ciudadanos españoles.
Sencillez y honestidad directas también se aprecian en los retratos que pintó en la cúspide de su carrera, como La
familia de Carlos IV (1800, Museo del Prado), donde se muestra a la familia real sin la idealización habitual.
Las célebres Pinturas Negras, fueron uno de sus últimos conjuntos pictóricos; reciben este nombre por su espantoso
contenido y no tanto por su colorido. Son las obras más sobresalientes de sus últimos años.
Falleció en Burdeos en 1828.
1820- 1823.
Pintura mural
pasada a lienzo.
140 x 438 cm.
Museo del Prado.
Madrid. España.
La romería de San Isidro. Siglos XIX y XX.
Neoclasicismo/Romanticismo
OBRA
GOYA - (FRANCICO DE GOYA Y LUCIENTES)
Lienzo.
42 x 90 cm.
Museo del Prado. Madrid. España.
OBRA
GOYA - (FRANCICO DE GOYA Y LUCIENTES)
La Pradera de San Isidro.
Siglos XVII/ XVIII Clasicismo. Neoclasicismo/Romanticismo
1810-1814.
Óleo sobre lienzo.
33,1 x 51,5 cm.
Palacio de la Zarzuela.
Madrid. España.
OBRA
GOYA - (FRANCICO DE GOYA Y LUCIENTES)
Fabricación de balas Siglos XIX y XX Neoclasicismo/Romanticismo
FRANÇOIS KUPKA - (FRANTISEK KUPKA)
VIDA
Bohemia. (1871-1957)
Nacido en Bohemia en 1871, Frantisek Kupka comenzó su formación en la Escuela
de Bellas Artes de Praga, donde aprendió las formas académicas de la pintura, y
más tarde en la Viena del fin de siglo, entonces capital del Imperio Austrohúngaro y
apasionante escenario habitado por pensadores y artistas como Sigmund Freud y
Gustav Klimt. Allí, sus tempranas aspiraciones espirituales lo llevaron pronto a
interesarse por el simbolismo, que defendía la búsqueda de la verdad universal, la
metáfora como expresión de ideales y la introspección. Este intenso interés por lo
metafísico, así como el compromiso que siempre mantuvo con sus orígenes, marcó
toda su trayectoria artística, que desarrolló principalmente en París, ciudad en la que,
atraído por su halo de modernidad, se instaló en 1896 y donde permaneció hasta su
muerte en 1957.
1902.
Acuarela y aguada sobre
cartón.
40.8 x 50.2 cm.
Nàrodni Galerie. Praga.
República Checa.
La ola Siglos XIX y XX. Simbolismo
OBRA
FRANÇOIS KUPKA - (FRANTISEK KUPKA)
1909.
Óleo sobre lienzo.
79 x 42 cm.
Nàrodni Galerie.
Praga. República
Checa. Las teclas del piano
Siglos XIX y XX. Simbolismo
OBRA
FRANÇOIS KUPKA - (FRANTISEK KUPKA)
1906.
Óleo sobre tela.
68 x 68 cm.
Museé National d'Art
Moderne. París.
Francia.
El árbol
Siglos XIX y XX. Modernismo
OBRA
FRANÇOIS KUPKA - (FRANTISEK KUPKA)
PICASSO - (PABLO RUIZ PICASSO)
VIDA
España. (1881-1973)
Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881, hijo de María Picasso López y del
profesor de arte José Ruiz Blasco. Realizó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes
de Barcelona, sorprendiendo a sus profesores por su rapidez e intuición: un desnudo
masculino, realizado en un solo día, cuando disponía de todo un mes, le abrió las
puertas. Se trasladó a Madrid, para ingresar en San Fernando, pero se escapa a
Toledo para admirar y saborear a El Greco, recién descubierto. En abril de 1899 vuelve
a Barcelona y se confronta a la vanguardia modernista, aquella horda de rebeldes,
hedonistas y vitales, que leen a Nietzsche y escuchan a Wagner. Se llaman Rusiñol,
Casas, Utrillo. Se traslada a París y elige, como maestros a Gauguin, Toulouse-
Lautrec, Cézanne. Acierta al escoger su nombre de guerra (con dos eses, como
Matisse, Poussin o Rousseau), y acierta al emigrar a otra patria.
La obra de Picasso fue evolucionando en el tiempo permitiendo clasificarla en periodo azul, periodo rosa y cubismo
analítico y sintético. Muchos de sus últimos cuadros están basados en las obras de los grandes maestros del pasado
como Velázquez, Courbet, Delacroix y Manet. Además de en la pintura de cuadros, Picasso trabajó en cientos de
litografías; se interesó por la cerámica, realizando unas dos mil piezas, además de importantísimas esculturas y
grabados con los que retornó a los temas primitivos: el circo, las corridas de toros, el teatro y las escenas eróticas.
A lo largo de toda su vida la obra de Picasso se expuso en innumerables ocasiones. La más inusual de ellas fue la que le
dedicó el Louvre en 1971 con motivo del 90 cumpleaños del artista; hasta entonces nunca se había expuesto en el
museo parisino la obra de ningún artista vivo.
Falleció el 8 de abril de 1973, sus restos fueron trasladados al castillo de Vauvenargues, al pie de la montaña Sainte-
Victoire, la amada de Cézanne que asistió a su derrumbe final. Una tormenta de nieve, inesperada y anómala en aquella
época del año, acompañó el entierro, como si la naturaleza, cuyo fruto tempestuoso había sido el artista, quisiera
participar en el adiós.
1896.
Óleo sobre lienzo.
60.7 x 82.5 cm.
Museu Picasso.
Barcelona. España.
Una cantera
Siglo XIX. Realismo
OBRA
PICASSO - (PABLO RUIZ PICASSO)
1908.
Óleo sobre lienzo.
73 x 61 cm.
Museo del
Hermitage. San
Petersburgo. Rusia.
Casita en un jardín
Siglo XX. Vanguardias
Históricas/Cubismo
OBRA
PICASSO - (PABLO RUIZ PICASSO)
1903.
Óleo sobre lienzo.
60 x 40 cm.
Colección particular
El palacio de las Bellas
Artes en Barcelona
Siglo XX. Vanguardias
Históricas/Expresionismo
OBRA
PICASSO - (PABLO RUIZ PICASSO)
EL GRECO - (DOMENIKOS THEOTOKOPOULOS)
VIDA
Creta (1540-1614)
Domenikos Theotokopoulos, su verdadero nombre, nació en algún lugar de Creta, posiblemente en Candía,
quizá un uno de octubre, fiesta de san Domenikos en el santoral griego.
En 1566 deja definitivamente su patria para instalarse en la república de Venecia, allí asimila el colorido de
Tiziano, además de la composición de las figuras y la utilización de espacios amplios y de gran profundidad,
características de Tintoretto. El estudio de la arquitectura romana reforzó el equilibrio de sus composiciones,
que con frecuencia incluyen vistas de edificios renacentistas.
A fines de 1570 viaja a Roma, recomendado al cardenal Farnesio por el miniaturista Clovio, al parecer, el cardenal se convirtió en su primer
cliente. Admira en secreto y disiente en público del gran Buonarroti, coincidiendo, aunque sólo por motivos pictóricos, con el parecer de Pío V,
que manda cubrir las desnudeces de la Sixtina. El Greco se sabe mejor pintor que Miguel Ángel y lo dice, atrayendo sobre sí las iras de los
fanáticos. Como miembro de la Academia de San Lucas conoce a prelados españoles que le hablan, sin duda de Toledo y del posible
mecenazgo de Felipe II, el rey que busca artistas para decorar El Escorial de sus retiros.
En 1577 llegó a Toledo donde rápidamente le hicieron encargos. La labor de El Greco como retratista fue muy significativa. Uno de los
máximos exponentes de esa labor es el famoso cuadro "El caballero de la mano en el pecho"
En 1586 pintó una de sus obras maestras, "El entierro del conde de Orgaz", para la iglesia de Santo Tomé de Toledo. En El entierro se
evidencian el alargamiento de figuras y el horror vacui (pavor a los espacios vacíos), rasgos típicos de El Greco, que habrán de acentuarse en
años posteriores. Tales características pueden asociarse con el manierismo que se sigue manteniendo en la pintura del Greco aún después de
desaparecer en el arte europeo. Su visión intensamente personal se asentaba en su profunda espiritualidad, de hecho, sus lienzos evidencian
una atmósfera mística similar a la que evocan las obras literarias de los místicos españoles contemporáneos, como santa Teresa de Ávila y
san Juan de la Cruz.
En las obras que realizó desde la década de 1590 hasta su muerte puede apreciarse una intensidad casi febril. Los temas de la mitología
clásica atestiguan la erudición humanista de El Greco y cuán brillante e innovador era el enfoque que daba a los temas tradicionales.
Falleció en Toledo el 7 de abril de 1614 y fue enterrado en la iglesia de Santo Domingo el Antiguo.
1596-1600.
Óleo sobre lienzo.
121 x 109 cm.
The Metropolitan
Museum of Art. New
York. USA.
Vista de Toledo
Siglo XVI.
Renacimiento/Ma
nierismo
OBRA
EL GRECO - (DOMENIKOS THEOTOKOPOULOS)
1570-1572.
Temple y óleo sobre
tabla.
41 x 47.5 cm.
Museo Histórico de
Creta. Cassa A. y M.
Kalokairinos.
Heraklion.
Vista del Monte Sinaí
Siglo XVI. Renacimiento/Manierismo
OBRA
EL GRECO - (DOMENIKOS THEOTOKOPOULOS)
1608-1614.
Óleo sobre lienzo.
132 x 228 cm.
Casa Museo del Greco.
Toledo. España.
Vista y plano de Toledo
Siglo XVI. Renacimiento/Manierismo
OBRA
EL GRECO - (DOMENIKOS THEOTOKOPOULOS)
CHIRICO - (GIORGIO DE CHIRICO)
VIDA
Grecia. (1888-1978)
Pintor italiano de origen griego, nació en Volo, Grecia, Creó la escuela de
pintura metafísica. Estudió arte en Atenas y en Munich, donde recibió una
gran influencia de las obras alegóricas del pintor suizo del siglo XIX
Arnold Böcklin. En 1911se instaló en París donde pintó paisajes urbanos
desérticos. Estas primeras obras metafísicas evocan un mundo onírico
misterioso y amenazador a través de acentuados contrastes de luces y
sombras y de una perspectiva exagerada. Entre 1915 y 1925 de Chirico
pintó extraños maniquíes sin rostros y naturalezas muertas en las que
yuxtaponía objetos que no tenían ningún tipo de relación entre sí, técnica
que luego adoptarían los. Influyó en artistas del movimiento de la talla de
Yves Tanguy y Salvador Dalí. A mediados de la década de 1930 regresó a
Italia, abandonó ese estilo y adoptó uno más académico que lo convirtió
en un retratista de éxito.
1958.
Óleo sobre tela.
50 x 40 cm.
Plazzo Ducale (Venecia)
Siglo XX. Vanguardias
Históricas/Realismo
OBRA
CHIRICO - (GIORGIO DE CHIRICO)
1968.
Óleo sobre tela.
80 x 60 cm.
Colección
particular.
Roma. Italia. Baños misteriosos. Fuga hacia el mar
Siglo XX. Pintura Metafísica
OBRA
CHIRICO - (GIORGIO DE CHIRICO)
1971.
Óleo sobre tela.
50 x 70 cm.
Colección
particular. Roma.
Italia.
Sol naciente sobre la plaza
Siglo XX. Pintura Metafísica
OBRA
CHIRICO - (GIORGIO DE CHIRICO)
CEZANNE - (PAUL CEZANNE)
VIDA
Francia. (1839-1906)
Nació el 19 de Enero de 1839 en Aix-en-Provence, al sur de Francia, pero pronto
se fue a estudiar arte a París donde se empezó a sentir atraído por la obra de
Delacroix, Courbet y Manet.
Las primeras obras de Cezanne están pintadas con pigmentos espesos y en tonos
oscuros recordando el expresionismo romántico y melancólico de generaciones
anteriores.
Bajo la tutela de Pissarro, Cezanne empezó a interesarse por las escenas de la
vida rural utilizando colores brillantes, pero, mas tarde, descubrió un modo de
representar tanto la luz como las formas de la naturaleza simplemente mediante el
color.
Es considerado como el padre del arte moderno, aunque dejó la mayor parte de
sus obras sin acabar y destruyó muchas otras.
Falleció el 22 de Octubre de 1906 en Aix-en-Provence.
1879.
58,5 x 72,5 cm.
Museo de Orsay.
París. Francia.
El puente de Maincy
Siglo XIX. Impresionismo
OBRA
CEZANNE - (PAUL CEZANNE)
Aprox. 1884.
Óleo sobre
lienzo.
92 x 73,7 cm.
Pasadena Simon
Museum. Castaños y factoría en el Jas de Bouffan
Siglo XIX. Postimpresionismo
OBRA
CEZANNE - (PAUL CEZANNE)
1896.
Óleo sobre
lienzo.
64,2 x 79,1 cm.
Courtauld
Instituto de Arte.
Londres. Inglaterra.
OBRA
CEZANNE - (PAUL CEZANNE)
Lake Annecy
Siglo XIX. Postimpresionismo
CLAUDE LE LORRAIN - (CLAUDE GELLÉE)
VIDA
Francia. (1602-1682)
Su verdadero nombre era Claude Gellée, nació en Chamagne (Lorena) en el año
1602 y fue junto con Nicolás Poussin el iniciador del paisaje clasicista en la pintura.
Fue alumno de Agostino Tassi, de quien extrajo los principios de su estilo: el
paisaje y las escenas arquitectónicas sin apenas intervención de la figura humana.
En 1626/1627 se instaló definitivamente en Roma, allí entró en contacto con
Poussin, en 1630 se definió en el estilo del Romanticismo, los edificios de sus
cuadros nada tienen que ver con la Antigüedad romana, son mas bien palacios
renacentistas que le brotaban de la imaginación y que enmarcan su tema
preferido, los puertos, las acciones de embarque y desembarco en horas en que el
sol apunta en la aurora o marcha al ocaso en el crepúsculo, la hora en que la luz
juega en la superficie de las aguas, eso hizo que sus obras tuvieran una enorme
influencia sobre Turner.
Falleció a los ochenta años en Roma y sus restos descansan sobre un bellísimo
paisaje romano, muy cerca de la Villa Borghese, en la Iglesia de Santa Trinitá dei
Monte.
1650.
Óleo sobre
lienzo.
99,5 x 125 cm.
Museo del
Hermitage. San
Petersburgo. Rusia.
El Puerto de la Bahía con Apolo y la Sibila de Cumas
Siglos XVII/ XVIII. Clasicismo.
Neoclasicismo/Romanticismo
OBRA
CLAUDE LE LORRAIN - (CLAUDE GELLÉE)
1637-1639.
Óleo sobre lienzo.
211 x 145 cm.
Museo del Prado.
Madrid. España. Embarco en Ostia
Siglos XVII/ XVIII. Clasicismo.
Neoclasicismo/Romanticismo
OBRA
CLAUDE LE LORRAIN - (CLAUDE GELLÉE)
Colección Richard
Feiger. New York. USA.
Vista imaginaria de Tívoli
Siglos XVII/ XVIII. Clasicismo.
Neoclasicismo/Romanticismo
OBRA
CLAUDE LE LORRAIN - (CLAUDE GELLÉE)
KANDINSKY - (WASSILY KANDINSKY)
VIDA
Rusia. (1866-1944)
Nacido en Moscú el 4 de diciembre de 1866. Sus investigaciones sobre las posibilidades
de la abstracción le sitúan entre los innovadores más importantes del arte moderno.
Desempeñó un papel fundamental, como artista y como teórico, en el desarrollo del arte
abstracto.
Profundamente impresionado por las obras de los fauvistas y de los postimpresionistas,
su pintura se hizo más colorista y adquirió una organización más libre. Hacia 1913
comenzó a trabajar en las que serían consideradas como las primeras obras totalmente
abstractas dentro del arte moderno: no hacían ninguna referencia a objetos del mundo
físico y se inspiraban en el mundo de la música, del que tomaban los títulos.
Sus obras las formaban conjuntos de líneas, círculos, arcos y otras formas geométricas
simples. Posteriormente su estilo se hace más elegante y complejo y logra, así, obras de
un bellísimo equilibrio.
Fue uno de los artistas más influyentes de su generación, fue uno de los fundadores de la
Asociación "Der Blaue Reiter (El jinete azul)" del expresionismo.
Murió el 13 de diciembre de 1944 en Neuilly-sur-Seine, en las afueras de París.
1905.
Témpera sobre cartón.
67,3 x 99,5 cm.
Museo Nacional de Arte Moderno.
Centre Georges Pompidou. París.
Francia.
Ciudad árabe
Siglo XIX. Postimpresionismo
OBRA
KANDINSKY - (WASSILY KANDINSKY)
1909.
Óleo sobre lienzo.
109 x 109 cm.
Städtische Galerie im
Lenbachhaus. Munich.
Alemania.
Montaña
Siglo XX. Vanguardias
Históricas/Expresionismo
OBRA
KANDINSKY - (WASSILY KANDINSKY)
1903.
Óleo sobre lienzo.
52 x 54 cm.
Ernst Bührle
Collection. Zürich.
Switzerland.
El jinete azul
Siglo XX. Vanguardias
Históricas/Expresionismo
OBRA
KANDINSKY - (WASSILY KANDINSKY)
1910.
Cuadro sobre
vidrio.
30.6 x 40.3 cm.
Städtische
Galerie im
Lenbachhaus.
Munich. Alemania.
Cuadro sobre vidrio con sol
Siglo XX. Vanguardias
Históricas/Expresionismo
OBRA
KANDINSKY - (WASSILY KANDINSKY)
VIDA
Méjico. (1886-1957)
Nació en Guanajuato. Realizó murales con temas sociales, considerado como uno de los
grandes artistas de este siglo. Tras su estancia en España y Francia estuvo influido por
las formas cubistas de Pablo Picasso, el impresionismo de Renoir, la composición de
Cézanne y otros artistas de la época. En 1921, Rivera regresó a México, donde
representó un papel determinante en el renacimiento de la pintura mural iniciado por otros
artistas y patrocinado por el gobierno. Se dedicó a pintar grandes frescos, sobre la
historia y los problemas sociales de su país, en los techos y paredes de edificios públicos,
ya que consideraba que el arte debía servir a la clase trabajadora y estar fácilmente
disponible o a su alcance.
Fue uno de los fundadores del Partido Comunista Mexicano. Su fama lo llevó a exponer y
trabajar en Estados Unidos, donde realizó importantes obras.
Diego Rivera fue también prolífico en su obra de caballete, con una visión muy alegre y
también sensual del folclore de su país. Dibujante magistral y estupendo colorista,
demostró un gran talento para estructurar sus obras.
Falleció el 24 de noviembre de 1957 en la ciudad de Méjico.
RIVERA - (DIEGO RIVERA)
1909.
Óleo sobre lienzo.
147 x 120 cm.
Museo Nacional de
Arte. MUNAL-INBA.
Ciudad de México.
Casa sobre el puente
Siglo XIX. Impresionismo
OBRA
RIVERA - (DIEGO RIVERA)
1904.
Óleo sobre lienzo.
Franz Mayer
Museum. Mexico City.
Mexico.
La Casteñeda o el Paseo
del los Meláncolicos
Siglo XIX. Impresionismo
OBRA
RIVERA - (DIEGO RIVERA)
1904.
Óleo sobre lienzo.
100 x 114.6 cm.
Museo-Casa de
Diego Rivera.
Guanajuato.
La Era
Siglo XIX. Impresionismo
OBRA
RIVERA - (DIEGO RIVERA)
GAINSBOROUGH - (THOMAS GAINSBOROUGH)
VIDA
Inglaterra. (1727-1788)
Pintor inglés considerado como uno de los grandes maestros del retrato y del paisaje.
Fue el pintor favorito de la aristocracia británica y logró una gran fortuna con sus retratos.
Realizó más de 500 obras, de las que más de 200 son retratos, que se caracterizan por
la noble y refinada elegancia de las figuras, el encanto poético y los colores fríos,
principalmente verdes y azules, de pincelada suelta, delgada y larga en su trazo.
Sus obras están imbuidas de melancolía poética, efecto logrado a través de una luz muy
tenue, clara reminiscencia de los paisajes flamencos del siglo XVII que tanto le influyeron.
Gainsborough pintó también paisajes sin figuras, sobre todo bosques o campos abiertos y
agrestes.
Murió el 2 de agosto de 1788 en Londres.
GAINSBOROUGH - (THOMAS GAINSBOROUGH)
1768-1770.
Óleo sobre
lienzo.
Museo de Arte
de Filadelfia.
Filadelfia. USA.
Seashore with Fishermen
Siglo XVIII. Barroco/Rococó
OBRA
GAINSBOROUGH - (THOMAS GAINSBOROUGH)
1781-1782.
Óleo sobre
lienzo.
101,9 x 127,6
cm.
The National
Gallery of Art.
Washington.
USA.
River Landscape with Figures in a Boat
Siglo XVIII. Barroco/RococóSeashore
OBRA
GAINSBOROUGH - (THOMAS GAINSBOROUGH)
1747.
Óleo sobre
lienzo.
145 x 155 cm.
Museo de Arte
Sao Paulo. Sao
Paulo. Brasil.
Bosque de Cornard
Siglo XVIII. Barroco/Rococó
OBRA
JUAN GRIS - (JOSÉ VICTORIANO GONZÁLEZ)
VIDA
España. (1887-1927)
Su verdadero nombre era José Victoriano González Pérez. Nació en Madrid el 23 de
marzo de 1887. Desarrolló su actividad principalmente en París, siendo considerado
como uno de los maestros del cubismo.
En 1906 se trasladó a París, donde conoció a Pablo Picasso y a Georges Braque. Al año
siguiente pasó el verano con Picasso en Céret, allí comenzó un periodo en el que
desarrolló la técnica del "collage" (formas recortadas en papel y pegadas al lienzo). Un
ejemplo típico de su técnica de "collage" es Vasos y periódico.
Después de 1925 utilizó sobre todo el guache y la acuarela y realizó algunas ilustraciones
para libros. Durante la década de 1920 empeoró seriamente su salud y murió, con
apenas cuarenta años, en Boulogne-Sur-Seine el 11 de mayo de 1927.
Sus teorías pictóricas se encuentran recogidas en numerosos artículos y conferencias.
1916.
Óleo sobre tabla.
65 x 54 cm. El jardín
Siglo XX. Vanguardias Históricas/Cubismo
OBRA
JUAN GRIS - (JOSÉ VICTORIANO GONZÁLEZ)
1911.
Óleo sobre lienzo.
52.4 x 34.3 cm.
The Salomon R.
Guggenheim Museum
of Art. New York.
EEUU. Maisons à Paris
Siglo XX. Vanguardias Históricas/Cubismo
OBRA
JUAN GRIS - (JOSÉ VICTORIANO GONZÁLEZ)
1913.
Óleo sobre lienzo.
100 x 65 cm.
Courtesy The
Lefevre Gallery.
Londres. Gran
Bretaña. Paisaje de Ceret
Siglo XX. Vanguardias Históricas/Cubismo
OBRA
JUAN GRIS - (JOSÉ VICTORIANO GONZÁLEZ)
MIRÓ - (JOAN MIRÓ)
VIDA
España. (1893-1983)
Nació el 20 de abril de 1893 en Barcelona y allí estudió en la Escuela de Bellas Artes, para mas tarde estudiar
en la academia de Francesc Galí, pedagogo eminente, que aceptó las limitaciones gráficas del alumno para
potenciar su agudo sentido del color.
En 1919 viaja por primera vez a París. Conoce a Picasso, concluye su Autorretrato que regala al amigo. Ya
instalado en la capital del Sena y de la revolución artística, libera su mundo interior conquistando una nueva
heterodoxia expresiva gracias al frecuente contacto con lo más granado de la vanguardia del momento.
En 1929 contrajo matrimonio con con Pilar Huncosa en Ciutat de Mallorca, con el tiempo vendría su hija
Dolores, y, en 1930 expone en París sus papiers collés que, pocos meses después, le valen la realización de
decorados y figurines para los ballets de Montecarlo.
Sus obras recogen motivos extraídos del reino de la memoria y el subconsciente con gran fantasía e
imaginación, y que se hallan entre las más originales del siglo XX.
El estilo de Miró fue madurando bajo la influencia de los pintores y poetas surrealistas. Miró parte de la
memoria, de la fantasía y de lo irracional para crear obras que son transposiciones visuales de la poesía
surrealista. La composición de sus obras se organiza sobre fondos planos de tono neutro y están pintadas con
una gama limitada de colores brillantes, especialmente azul, rojo, amarillo, verde y negro. En ellas se disponen
sobre el lienzo, de modo arbitrario, siluetas de amebas amorfas alternando con líneas acentuadas, puntos, rizos
o plumas.
Miró también experimentó con otros medios artísticos, pero las creaciones que han tenido mayor trascendencia,
junto con su obra pictórica, son sus esculturas cerámicas, entre las que destacan los grandes murales.
Falleció el día de Navidad de 1983, a las tres de la tarde, en su domicilio palmesano de son Abrines.
1918.
Óleo sobre lienzo.
Museo Nacional
Centro de Arte
Reina Sofia. Madrid.
España. of Art. New
York. EEUU. Casa con palmera
Siglo XX. Vanguardias Históricas/Fauvismo
OBRA
MIRÓ - (JOAN MIRÓ)
1919.
Óleo sobre
lienzo.
Colección
privada.
Chicago. USA. Montroig (El olivar)
Siglo XX. Vanguardias Históricas/Fauvismo
OBRA
MIRÓ - (JOAN MIRÓ)
1923-1924.
Óleo sobre lienzo.
66 x 92,7 cm.
Solomon R.
Guggenheim
Museum. Nueva
York. USA.
La tierra labrada
Siglo XX. Vanguardias Históricas/Surrealismo
OBRA
MIRÓ - (JOAN MIRÓ)
CHAGALL - (MARC CHAGALL)
VIDA
Pintor y diseñador francés de origen ruso, conocido por su inventiva surrealista. Se le
reconoce como uno de los pintores y artistas gráficos más relevantes del siglo XX.
Chagall nació en el seno de una familia judía el 7 de julio de 1887, en la ciudad rusa de
Vitebsk y recibió instrucción artística en San Petersburgo y, desde 1910, en París, donde
permaneció hasta 1914.
El uso singular del color y la forma en Chagall deriva en parte del expresionismo ruso y
recibió una influencia decisiva del cubismo francés. Sus obras evocan de modo característico
escenas de la vida de la comunidad judía en las pequeñas aldeas rusas.
Chagall también ilustró obras literarias y terminó las pinturas que decoran uno de los techos
de la Ópera de París. Murió el 28 de marzo de 1985 en Saint Paul de Vence, en el sur de
Francia.
1954-55.
Óleo sobre tela.
149.5 x 105 cm.
Museum
Folkwang. Essen. El campo de Marte
Siglo XX. Escuela de París
OBRA
CHAGALL - (MARC CHAGALL)
1952-
1956.
Óleo
sobre lienzo.
Colección
Privada.
Suíza. Vence: Night
Siglo XX. Escuela de París
OBRA
CHAGALL - (MARC CHAGALL)
1917.
Óleo sobre
lienzo.
68 x 74 cm.
Museo
Thyssen-
Bornemisza. La casa gris
Siglo XX. Escuela de París
OBRA
CHAGALL - (MARC CHAGALL)
KLIMT - (GUSTAV KLIMT)
VIDA
Austria. (1862-1918)
Nació en Viena en 1862 y realizó sus estudios en la Escuela de Artes Aplicadas de Viena.
Su arte, liberado del academicismo, se vió influenciado por pintores simbolistas como
Böcklin, que lo marcan por sus representaciones de escenas oníricas y misteriosas, de
alegorías mitológicas, y por sus visiones de una mujer de quien todos captan la naturaleza
ambivalente, hecha de carne y de quimera, como si Klimt, contemporáneo de Freud, también
quisiera recorrer esos nuevos territorios que son el sueño y el inconsciente.
En 1897 fundó la Secesión Vienesa, un movimiento del Art Nouveau, de la que es nombrado
presidente. La consigna de sus miembros es ".... No conocemos diferencia entre el arte
mayor y menor, entre el arte de los ricos y el de los pobres. El arte os pertenece.......".
En un principio se dedicó a pintar grandes murales para teatros realizados en un estilo
naturalista, pero después se inclinó hacia un estilo mas decorativo y simbólico.
Falleció en 1918.
1912.
Óleo sobre
lienzo.
Galería
Österreichische.
Viena. Austria. Avenue in the Park of Krammer Castle
Siglos XIX y XX. Simbolismo
OBRA
KLIMT - (GUSTAV KLIMT)
1908.
Óleo sobre lienzo.
102,5 x 102 cm.
The National
Gallery. Praga.
República Checa. Castillo sobre el agua
Siglos XIX y XX. Simbolismo
OBRA
KLIMT - (GUSTAV KLIMT)
1907.
Óleo sobre lienzo.
Galería
Österreichische.
Viena. Austria.
Poppy Field
Siglos XIX y XX. Simbolismo
OBRA
KLIMT - (GUSTAV KLIMT)
HOPPER - (EDWARD HOPPER)
VIDA
Nació el 22 de julio de 1882 en Nyack, estado de Nueva York. Su obra marcó un hito en la
historia del realismo americano pues logró plasmar en su arte esa sensibilidad particular del
siglo XX en Estados Unidos, que se caracteriza por el aislamiento, la soledad y la
melancolía.
A las pinturas de su primera época le siguen obras con una línea realista y muestran algunas
de las características básicas que mantendría durante toda su carrera artística: composición
basada en formas geométricas grandes y sencillas, áreas de color planas y utilización de
elementos arquitectónicos para introducir en sus escenas fuertes líneas verticales,
horizontales y diagonales.
En 1925 pintó La casa cercana a la estación, obra clave del arte estadounidense que marca
la madurez de su estilo. El modo sólido y directo de marcar formas y ángulos sobre el lienzo
y la utilización resuelta de luces y sombras se mantienen dentro de la línea de su obra
anterior, pero el espíritu que marcaba el tema esencial de la obra era nuevo: expresaba una
atmósfera de aislamiento total y de soledad casi sobrecogedora. En 1931 pintó Habitación de
hotel, donde se entrecruzan varios de los motivos recurrentes en Hooper: el del hotel, el de
la figura aislada en un interior y el del viajero.
Murió el 15 de mayo de 1967 en Nueva York.
1945.
Óleo sobre lienzo.
58,4 x 76,7 cm.
Norton Gallery of
Art. West Palm
Beach. Florida. USA
August in the City
Siglo XX. Vanguardias Históricas/Realismo
OBRA
HOPPER - (EDWARD HOPPER)
1931.
Acuarela
sobre papel.
48,5 x 70 cm.
Museo
Thyssen-
Bornemisza.
Árbol seco y costado de la casa Lombard
Siglo XX. Vanguardias Históricas/Realismo
OBRA
HOPPER - (EDWARD HOPPER)
1935.
Óleo sobre
lienzo.
88,9 x 152,8
cm.
The Brooklyn
Museum.
Brooklyn. New
York. USA.
Macomb's Dam Bridge
Siglo XX. Vanguardias Históricas/Realismo
OBRA
HOPPER - (EDWARD HOPPER)
CANALETTO - (GIOVANNI ANTONIO CANAL)
VIDA
Italia. (1697-1768).
Nació el 28 de Octubre de 1697 en Venecia, en el seno de una familia arraigada en la
ciudad, aunque de origen popular. Bernardo Canal, el padre, era decorador de escena. El fue
quien le inició en los pinceles y quien le llevó a Roma en 1719 cuando fue a realizar la
escenografía de unas óperas. Quizá fue Roma la que despertó en Canaletto su
característico estilo de vedutista naturalista: plasmar en el cuadro con toda fidelidad lo visto
por los ojos y lo corregido por la inteligencia con afán de "fotografiar" la realidad.
En 1720 regresó de nuevo a Venecia, dedicado a describir pictóricamente con todo pormenor
lo que ve. Pinta para vender sus obras al turista extranjero, atraído por la magia de Venecia,
deseoso de llevarse un recuerdo y un testimonio de la visita. Para aumentar la productividad
y satisfacer las exigencias de su marchante Joseph Smith, solicita la ayuda de
colaboradores, entre ellos su sobrino, Bernardo Belloto, que copiará e imitará a su tío.
Canaletto pinta de acuerdo con los gustos de su público ya tocado por el morbo del
racionalismo y de la pseudoobjetividad científica. Incluso llega a utilizar el método de la
cámara oscura para no olvidar ningún detalle y conservar la exacta perspectiva.
En 1746, en busca de nuevos horizontes, se va a Londres, donde ya estaban Tiepolo y
Belloto, el resultado es decepcionante, sus trabajos no muestran la misma calidad que los
que realizara en Venecia o en otras partes de Italia.
Dos años después regresa a Venecia, consigue su ingreso en la Academia veneciana en
1763, pero algo se ha apagado en el alma del pintor que no vibra ante la amada traicionada.
El 20 de abril de 1768 moría entre canales y palacios. Sus restos descansan en Venecia y la
mayoría de sus obras en la Royal Collection británica.
1765.
Óleo sobre
lienzo.
131 x 93 cm.
Galería de la
Academia.
Florencia. Italia. Capriccio-A Colonnade Opening onto the
Courtyard of a Palace
Siglo XVIII. Barroco/Rococó
OBRA
CANALETTO - (GIOVANNI ANTONIO CANAL)
1730.
Óleo sobre
lienzo. 47 x 80
cm.
Galería de Arte
de la Abadía de
Woburn.
Massachussetts.
USA .
El Gran Canal entre el palacio Bembo y el
Palacio Vendramin
Siglo XVIII. Barroco/Rococó
OBRA
CANALETTO - (GIOVANNI ANTONIO CANAL)
1730.
Óleo sobre lienzo.
172 x 135 cm.
Colección Real del
castillo de Windsor.
Windsor. Inglaterra. La Piazzetta hacia la Torre del Reloj
Siglo XVIII. Barroco/Rococó
OBRA
CANALETTO - (GIOVANNI ANTONIO CANAL)
REDON - (ODILON REDON)
VIDA
Francia.(1840-1916)
Nació en Burdeos en el año 1840, a los siete años realizó una visita al museo del Louvre, de
la cual salió tan impresionado que decidió convertirse en artista. En busca de su medio de
expresión comienza estudiando acuarela en Burdeos. Conoce entonces a un botánico que le
inspira un gran amor hacia la naturaleza, que ya nunca le abandonará. En 1857 comienza
sus estudios de arquitectura y escultura en su ciudad natal. Al año siguiente se inicia en la
técnica del aguafuerte. En 1870 se instala en Montparnasse y se vincula estrechamente a
Corot, Courbet y, sobre todo, a Fantin-Latour que, presintiendo su camino, le conduce al
Louvre y le da las primeras lecciones de litografía.
En 1880 se casa con Camille Fargue, con quien formará una idílica pareja y un apacible
hogar que verá nacer a dos hijos. Redon, intimista, introvertido, plasma lo que convive con
su intimidad: los jarrones que soportan espléndidos ramos de flores, las imágenes que
surgen de sus sueños, visiones y pesadillas, siguiendo la ruta de Füssli y Blake.
Participó en la última exposición impresionista de 1886. Con todo, permaneció desconocido
buena parte de su vida, hasta que en 1899 uno de sus admiradores organizó una exposición-
homenaje al pintor. Fue entonces cuando la crítica le alabó y le consagró oficialmente.
Buscando un mayor contacto con la naturaleza, Redon se instaló en Bièvres, cerca de París,
inmerso en su intimidad personal y familiar, consagrado a su contemplación, a sus sueños, a
su honda meditación en torno a lo sencillo y lo fantástico, hasta su muerte en 1916.
Óleo sobre lienzo.
26,5 x 37,5 cm.
Museo de Orsay.
París. Francia.
Breton Port
Siglos XIX y XX. Simbolismo
OBRA
REDON - (ODILON REDON)
Óleo sobre tela.
72.5 x 53 cm.
The Museum of
Modern Art. Nueva
York. Estados Unidos. Mariposas
Siglos XIX y XX. Simbolismo
OBRA
REDON - (ODILON REDON)
1906-1907.
Óleo sobre lienzo.
54 x 73 cm.
Colección Privada.
Red Boat with Blue Sail
Siglos XIX y XX. Simbolismo
OBRA
REDON - (ODILON REDON)