PINTORES

Nació supuestamente en Regensburg, Alemania, donde pasó su vida. Pintor, arquitecto y grabador. La gran pasión de este artista, era pintar escenas inmersas en panoramas naturales. Altdorfer fue líder del movimiento artístico alemán del siglo XVI, escuela Danubio. Pintaba generalmente con óleo sobre tablero de madera. Destacó también por sus cuadros y frescos religiosos para iglesia.

Albrecht Altdorfer (1480-1538)

La batalla de Alejandro Magno , es la pintura más famosa de Albrecht Altdorfer (c. 1480 -1538). Realizada entre 1528 y 1529, esta pintura al óleo sobre madera, 158,4 x 120,3. Muestra al joven Alejandro Magno en 333 adC, en el momento de su victoria sobre el ejército persa del rey Darío III en la batalla de Issos. La obra fue encargada por el duque Guillermo IV de Baviera y pasó de la colección real de Baviera al Alte Pinakothek en Múnich, Alemania.

Cristo en la Cruz. 1520. Wood. 75 x 57,5 cm. Museo de Bellas Artes de Budapest. Budapest. Hungría. Vemos a cristo crucificado, la virgen desconsolada y el apóstol San Juan abajo. Vemos dos ángeles que representa la subida al cielo de Cristo

Entombment. 1518. Óleo sobre tabla. Kunsthistorisches Museum. Viena. Austria.

Nació en Venecia, Italia. Pintor y dibujante posterior al Renacimiento. Bellotto es sobrino de El Canaletto, de quien aprendió y con el cual fue confundido. En su estilo destaca el respeto a la geometría y la aplicación de su sensibilidad para imaginar y pintar escenas de ciudad, con reproducciones del cielo que sólo él logró plasmar con tanta finura. Perteneció a la escuela de pintura Veneciana. Trabajó en Roma, Torino y otras localidades italianas hasta que viaja a Varsovia donde es nombrado artista oficial en la corte de Estanislao Augusto.

Bernardo Bellotto (1721-1780)

Gran Canal: Desde Santa Maria della Carità al Bacino di San Marco, «1730-33», Óleo sobre lienzo, 47,9 x 80 cm. Royal Collection, Windsor.

Capriccio con el coliseo1743-1744 Óleo sobre lienzo Galleria Nazionale de Parma

Viena, Vista desde el Palacio Kaunitz

1759-1760 Óleo sobre lienzo, 134 x 237 cm Museo de Bellas Artes de Budapest

Nació en Anchiano, Toscana, Italia. Arquitecto, inventor, y pintor del alto renacimiento italiano. A los 5 años se mudó con el padre al pueblo de Vinci y luego a los 15 a Florencia donde ingresó al estudio de un gran artista escultor de la época: Andrea del Verrocchio, maestro del cual recibió la influencia más importante. Allí trabajó junto a Botticelli, el Perugino y otros famosos.En sus primeras pinturas, Leonardo ya mostraba las dotes de un genio y se puso a la cabeza de otros de su época, innovando con su estilo subliminal. Dibujaba la perspectiva y los entornos como nadie lo hiciera antes.En 1503, un mercader florentino llamado Francesco del Giocondo, encargó a Leonardo el retrato de su tercera esposa de 24 años de edad: Lisa di Noldo Gherardini. Esta obra hoy la conocemos como "La Gioconda" o "Mona Lisa" y es la obra pictórica más conocida de todos los tiempos.

Leonardo da Vinci (1452-1519)

El cuadro La Gioconda, también conocido como La Mona Lisa. Desde el siglo XVI es propiedad del Estado Francés, y se exhibe en el Museo del Louvre de París.Su nombre oficial es Gioconda en honor a la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo, apoyada en el hecho de que era esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo y que su nombre era Lisa Geraldine.Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1506,1

 y retocado varias veces por el autor. La técnica usada fue el sfumato procedimiento muy característico de Leonardo. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado para su preservación óptima.2

La Última Cena es una pintura mural ejecutada entre1495 y 1497,1 se encuentra en la pared sobre la que se pintó originariamente, en el refectorio del convento dominico de Santa María delle Grazie en Milán (Italia). La pintura fue elaborada, para su patrón, el duque Ludovico Sforza de Milán. No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Mide 460 cm. de alto por 880 cm. de ancho. Para muchos expertos e historiadores del arte, La Última Cena de Leonardo es considerada como la mejor obra pictórica del mundo.

El bautismo de Cristo es un cuadro del taller del pintor renacentista italiano Andrea del Verrocchio, algunas de cuyas partes se atribuyen a Leonardo da Vinci. Está realizado al óleo y temple sobre tabla. Mide 177cm de alto y 171 cm de ancho (151 cm según otras fuentes). Fue pintado hacia 1475-1478, encontrándose actualmente en la Galería de los Uffizi, Florencia (Italia).Posiblemente se tratara de un encargo de la iglesia de San Salvi de Florencia, donde estuvo hasta que pasó, tiempo después, al convento de santa Verdiana. En1810 fue llevado a la Academia de Bellas Artes y, en 1914, a la Galería de los Uffizi.Se considera que este es el primer trabajo importante de Leonardo da Vinci como aprendiz.

Nació en Florencia, Italia. Pintor líder del renacimiento florentino que desarrolló un estilo personal caracterizado por línea marcada y elegante. Botticelli pasó su vida pintando retratos y cuadros por encargo de las familias prominentes de Florencia. También realizó obras religiosas, de las cuales destacan sus madonnas y pinturas al fresco realizadas en la Capilla Sixtina del Vaticano.

Sandro Botticelli (1445-1510)

Venus y Marte . Se conserva en la National Gallery de Londres, Reino Unido, donde se exhibe con el título de Venus and Mars. Está realizado al temple  y óleo sobre tabla de álamo. Mide 69 cm de alto y 173 cm de ancho.Fue pintado en 1483. Dado que su tema es el amor, esta pintura fue posiblemente encargada con ocasión de una boda de la familia Vespucci, perteneciendo al género de los cassoni. Por su formato, es posible que la obra formara parte de un "espaldar" que adornaría el dormitorio de los novios. Este formato apaisado no es nada adecuado para una representación con tan pocas figuras.La pintura trata de la victoria amorosa. Una arboleda de mirtos, el árbol de Venus, forma el telón de fondo para los dos dioses que están tumbados, uno frente a otro, en un prado.

Esta Virgen con el Niño, conocida con el nombre de Virgen del libro. Está ejecutada al temple sobre madera. Mide 58 centímetros de alto y 39,5 cm. de ancho. Está datada en 1480-1482. Actualmente, se conserva en el Museo Poldi Pezzoli de Milán.La Virgen del Libro es una obra extremadamente suave y bella, en la que María y el Niño están sentados en la esquina de una habitación, enfrente de una ventana. Se ven algunas palabras, mostrando que se trata de un Libro de horas, las Horae Beatae Mariae Virginis. Las manos de la madre y del hijo tienen la misma actitud: la derecha abierta en un gesto parecido al de la bendición, y la izquierda cerrada. El Niño mira a su madre mientras esta, seria, no se sabe si mira al hijo o está absorta en la lectura del libro abierto sobre el que descansa su mano.Como símbolo de su futura Pasión, el Niño Jesús sostiene los tres clavos de la cruz así como la corona de espinas. Se trata de una representación frecuente en la iconografía cristiana.

La Adoración de los Magos  es un cuadro pintado al temple sobre tabla que mide 111 cm. de alto y 134 cm. de ancho, realizado en el año 1475. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia.Fue un encargo para la capilla funeraria de Guasparre di Zanobi del Lama, la Capilla Lami, ubicada en la pared de la entrada de la iglesia de Santa Maria Novella. Por su comitente y el propósito original la pintura es conocida también como "altar Zanobi". Posteriormente pasó a formas parte de las colecciones mediceas.

Nació en Firenze, Italia. Fue uno de los artistas sobresalientes de la pintura estilo manierista Toscano, de formas alongadas, ángulos de visión diferentes y poses elegantes. Conocido también como Agnolo Bronzino, maestro en el arte de la coloración, alcanzó un gran nivel en la composición de sus cuadros realistas. Su especialidad fueron los retratos y las escenas religiosas.

El Bronzino, (Angelo di Cosimo Tori) 1503-1572.

legoría del triunfo de Venus o también conocida como Alegoría con Venus y Cupido es una obra realizada posiblemente entre los años 1540 a 1550, durante la corte del duque Cosme I de Médici. El cuadro tiene una dimensión de 146 x 116 cm y se exhibe en el National Gallery de Londres desde 1860, cuando fue comprado al coleccionista de arte francés Edmund Beaucousin. Se le considera una composición manierista, debido a su artificialidad y oposición al naturalismo, asimismo como a los principios de belleza clásica defendidos durante el Alto Renacimiento.En él se representa a Venus sosteniendo la manzana de la discordia en su mano izquierda, y girando su cabeza para dar un beso a Cupido. El tema central de la pintura es el erotismo o el amor prohibido, que acompañado por la envidia y los celos producen consecuencias trágicas.3

El retrato de Lucrezia Panchiatichi. Está realizado en óleo sobre tabla, y fue pintado en 1540, encontrándose actualmente en la Galería Uffizi, Florencia, Italia.Agnolo di Cosimo, llamado Il Bronzino, fue un destacado retratista de la época manierista, muy influido por Pontormo. Son retratos de la nobleza, muy distinguidos y elegantes en la pose y las vestimentas. Existe cierto desdén aristocrático en la expresión de la modelo. Está sentada frente aun fondo bastante oscuro, pero en el que se entrevé una estructura arquitectónica renacentista. Existe un retrato similar de su cónyuge, Bartolomeo Panciatichi.

Descendimiento de cristo Las figuras, con sus formas bruscamente modeladas y brillantes, los colores duros se unen en un espacio austero y aplanado. Los dolientes y apenados que están bajando a Cristo aparecen como angustiados. Este óvalo triste y tumultuoso de figuras le llevó tres años antes de que Pontormo lo terminara. Colabora en el resto de la decoración mano a mano con Bronzino, su principal discípulo, tan parecido al maestro que incluso los especialistas discuten cuál de las rotondas pintó cada uno de ellos. El fresco de la Anunciación situado en columnas adyacentes se asemeja al estilo de la Visitación en Carmignano.

Nació en Caravaggio, Lombardía, Italia. Naturalista de estilo Barroco, introdujo en sus obras la pintura claroscuro, que establece mayor dramatismo en la escenas. Este estilo se popularizó por toda Europa y son muchos los artistas posteriores a él que lo imitan, (caravallistas). Agregó nueva vida al antiguo manierismo romano, y para ello acentuó la simplicidad y el realismo, cosas que observamos en sus obras religiosas. Sus cuadros denotan la influencia del maestro Miguel Angel.

El Caravaggio, (Michelangelo Merisi) 1573-1610.

Jugadores de cartas es una obra con fecha de 1595. Algunos de sus biógrafos (como Lambert o Robb) la consideran como su último trabajo de la etapa primaria de su vida. Fue encargado por el cardenal Francesco Del Monte, quien la retuvo en su colección privada hasta su muerte. El objetivo de este cuadro era mostrar cómo la astucia de la maldad vence a menudo, ante la candidez e inocencia de quienes son buenos y nobles de corazón. Ahora bien, las escena muestra a dos chicos jugando canasta (u otro juego de cartas, no se ha identificado del todo), mientras el informante de uno de ellos hace señas al otro sobre las cartas que tiene su oponente. Caravaggio basó este cuadro en sus propias experiencias, pues su vida misma se desenvolvió muchas veces en un ambiente delictivo. Forma pareja con La buenaventura, también de esos años y encargada por Del Monte.

La vocación de san Mateo. Está realizado al óleo sobre lienzo. Pertenece al ciclo de la Vida de san Mateo que le fue encargada en 1599 para decorar la capilla Contarelli en la iglesia romana de San Luis de los Franceses, donde aún se conserva. Este fue su primer encargo monumental, y a él corresponden dos de las grandes realizaciones del artista, esta Vocación de San Mateo y El martirio de San Mateo. Como en otras obras de la misma época, está dominada por una intensa acción dramática, tiene una composición muy estudiada y obtiene, con gran economía de medios, unos resultados espléndidos.La pintura representa la historia que se narra en el Evangelio según san Mateo (Mateo 9:9): Jesús vio un hombre llamado Mateo, sentado en el despacho de impuestos, y le dijo: «Sígueme», y Mateo se levantó y le siguió.

El amor victorioso, es una obra pintada en 1602 para Vincenzo Giustiniani, miembro del círculo social del cardenal Del Monte. En un diario que data del siglo XVII, el modelo es llamado «Cecco», en italiano, diminutivo de Francesco. Posiblemente se trató de Francesco Boneri, artista italiano activo entre 1610 y 1625, y conocido popularmente como Cecco del Caravaggio. Gianni Papi establece ciertas conexiones entre Bonieri y Caravaggio, de tipo siervo - amo, que comienzan a partir de 1600. Ver Robb, pp193-196. La obra muestra a un Cupido desnudo, cargando un arco y unas flechas, mientras pisotea los símbolos de las artes, las ciencias y el gobierno. El modelo está desvestido, y es difícil aceptar que se trate de uno de sus siervos. El punto culminante que relaciona esta pintura con las religiosas es la intensa ambigüedad con la que el pintor maneja los modelos de diferentes posturas, ya sea sacra o profana.

Nació en Sevilla, España. Pintor naturalista del período Barroco, dedicado a los retratos, paisajes, escenas de la vida diaria, cuadros religiosos y mitológicos. A sus 21 años Velázquez ya es un artista bien reconocido en su ciudad. Como referente para alcanzar el estilo y técnica deslumbrante que lo caracterizan, estudió pintando réplicas de cuadros de El Greco, adoptando el alto contraste entre luz y sombra empleada por este último, característica que mantiene a lo largo de su carrera. Conoció de cerca a Rubens y compartió con él por varios meses en Madrid. Luego cuando visitó Italia a sus 29 años, realizó réplicas de El Tintoretto en Venecia y posteriormente en Roma lo hizo con obras de Rafael y Miguel Angel.

Velázquez (1599 -1660)

El aguador de Sevilla. Este cuadro perteneció a los reyes españoles hasta que, en 1813, fue regalado por el rey Fernando VII a Lord Wellington en reconocimiento a su ayuda en la Guerra de la Independencia.Actualmente se conserva en el palacio londinense de Apsley House (Wellington Museum). Todavía mantiene la técnica del claroscuro, iluminando una zona del cuadro con un foco de luz desde la parte izquierda y oscureciendo el resto del lienzo. Destaca sobremanera la calidad de los objetos representados en el cuadro, el tratamiento que Velázquez hace del cristal o de la cerámica son magníficos, así como el detallismo hiperrealista que se puede observar en la obra, por ejemplo en las gotas de agua que resbalan por el cántaro .Destaca asimismo la introducción de bodegones dentro de sus cuadros, como el que aquí vemos, naturalezas muertas a las que daba una corporeidad casi escultórica, plástica, al igual que unas calidades que nos hacen sentir que podemos acariciar esos objetos representados. Todo ello pintando personajes populares.El cuadro puede representar una alegoría de las tres edades del hombre; el aguador, un anciano, ofrece una copa con agua a un chico joven. Esa copa representa el conocimiento. Mientras tanto, al fondo de la escena, un mozo aparece bebiendo, como si estuviera adquiriendo los conocimientos.. Velázquez sigue destacando por su vibrante realismo, como demuestra en la mancha de agua que aparece en el cántaro de primer plano; la copa de cristal, en la que vemos un higo para dar sabor al agua, o los golpes del jarro de la izquierda, realismo que también se observa en las dos figuras principales que se recortan sobre un fondo neutro, interesándose el pintor por los efectos de luz y sombra. El colorido que utiliza sigue una gama oscura de colores terrosos, ocres y marrones.

La Vieja friendo huevos. Actualmente se encuentra en la National Gallery of Scotland, en Edimburgo, tras adquirirlo en 1955 por 57.000 libras.La fecha del cuadro, se situaría en torno al año 1618. Este cuadro está influido por el claroscuro, un foco de luz, que siempre viene desde la izquierda, ilumina la parte derecha del cuadro, es decir, la anciana, sus útiles y huevos fritos, dejando oscuro el resto, fondo y niño. En este caso el claroscuro es muy intenso, tanto que es difícil apreciar la pared que se encuentra al fondo del cuadro y solo la identificamos porque en ella cuelga una cesta.El realismo es casi fotográfico, Velázquez se esmera porque los objetos destaquen en este ejemplar bodegón donde aparecen platos, vasijas, cubiertos, cacerolas, morteros y jarras, destacando el brillo especial del cristal o la influencia de la luz en el melón que porta el muchacho. La fritura de la vieja está increíblemente conseguida, tanto que el aceite hirviendo está literalmente saltando ante nuestros ojos.Los pies y las manos son de las partes más expresivas del cuerpo, y si observamos por un momento las manos de la vieja nos daremos cuenta de que el artista ha trabajado en ellas con esmero, lo mismo sucede con las manos del chico que la acompaña en la sala sujetando el melón o apretando la vasija de cristal. La escena de organización oval, en la que aparecen medias figuras en planos muy próximos, introduce al espectador en la acción congelada.

El Retrato del infante don Carlos fue pintado  entre 1626 y 1627 y se conserva en el Museo del Prado de Madrid desde 1827.En el cuadro don Carlos, el hermano del rey Felipe IV, adopta una postura relajada y elegante apareciendo de pie, vestido con traje negro con realces de trencilla gris sobre el que cruza en bandolera un enorme cadena de oro de la que cuelga el Toisón de Oro. Destacan las manos del infante, la derecha sosteniendo un guante con un dedil mientras que la izquierda, enguantada, sostiene el sombrero de fieltro negro.La figura aparece en un punto más profundo del espacio ya que el maestro añadió una tira de cuatro centímetros en cada uno de los lados para dar sensación de autoritarismo, siendo el guante medio caído de la mano derecha un cierto contrapunto al marcar un signo de descuido. Además cabe destacar el enorme parecido del infante con su hermano, el rey Felipe IV.

Nació en Antwerp, cerca de Bruselas, Bélgica. Pintor precoz de estilo flamenco en el período Barroco, diseñador gráfico, especialista en retratos, cosa que realizó para muchos nobles. Estuvo en Italia para conocer las obras de los grandes maestros venecianos que dejaron huella en su pintura: Tiziano y El Veronés. De ellos perfeccionó la coloración diamantina que luego aplicó en sus pinturas, como también la inspiración para crear las obras mitológicas y religiosas que realizó. Ya reconocido en la región de Flandes, viajó a Inglaterra donde trabajó dos años con Rubens. Esto fue determinante en el estilo de Van Dyck, quien luego transforma el concepto de la pintura de retratos en Inglaterra, fundando la escuela Británica de esta especialidad, mientras al mismo tiempo consolida su estilo Flamenco. Son dos magníficos retratistas ingleses sus seguidores más prominentes: Gainsborough y Reynolds.

Sir Anthony van Dyck (1599-1641)

 Retrato Carlos Ludovico y Rupert, príncipes palatinos. La pintura representa a los dos hijos del rey de Invierno, Federico V, llegados a la corte de su tío Carlos I buscando ayuda financiera y militar para su padre, en el exilio en La Haya. Carlos I, a la derecha, es el mayor de los hermanos, mientras que Rupert, a la derecha, es el menor. Carlos I es representado con el bastón de mando militar en la mano mientras fija al observador con una mirada entre resignada y combativa. Rupert en cambio, más lanzado que su hermano, mira el horizonte con ojos cansados y no apoya la mano en la espada como el hermano, sino que la acerca al pecho con despreocupación. El primero hará cualquier cosa para recuperar la dignidad de su padre, combatiendo incluso contra su tío, Carlos I, que había rechazado darle apoyos militares, mientras que el segundo se quedará en la corte inglesa y combatirá durante la guerra civil.

Retrato de Isabella Brant. Está realizado en óleo sobre tela, y fue pintado en el año 1621. Mide 153 cm de alto y 120 cm de ancho. Se exhibe actualmente en la Galería Nacional de Arte de Washington DC.Antes de hacerse famoso como retratista en la corte de Londres, a donde marchó en 1632, Van Dyck ya había realizado otros retratos en su país natal, entre ellos este retrato de Isabella Brant, primera esposa de su maestro Pedro Pablo Rubens. Lo hizo en Amberes. Puede verse, al modo veneciano, un cortinón rojo en la esquina superior izquierda. Sobre el fondo, el patio de la casa de Rubens, que el artista había hecho construir en estilo barroco; en particular, es diseño propio de Rubens.

Retrato del diplomático inglés Endymion Porter y Van Dyck, 1635 En este cuadro, Van Dyck realiza el más solemne de los retratos ecuestres del rey: Carlos está atravesando un arco de triunfo, desde el cual caen pesados paños verdes, viste armadura y tiene en la mano el bastón de mando mientras cabalga un espléndido caballo blanco. Si la descripción se detuviese aquí, parecería una pintura de un general victorioso: pero para subrayar que se trata del rey, Van Dyck inserta a la izquierda del soberano a su maestro de equitación que lo mira, desde abajo, con una mirada de sumisión y veneración; a la izquierda en cambio hay un gran blasón que tiene los símbolos de la dinastía real y una imponente corona. Además del amor que el rey tenía por el arte, Carlos I lo veía como un medio de propaganda política, especialmente en los años difíciles como los precedentes a la guerra civil.

Nació en Málaga, España. Pintor y escultor cubista que revolucionó el arte durante la primera mitad del siglo XX. Sus primeros pasos en la adquisición de identidad pictórica los realiza observando las obras de impresionistas franceses como Manet, Courbet, Toulousse-Lautrec, más adelante el fauvinismo, (fovismo) de Henri Matisse y la pintura plana de Henri Rousseau. Si bien Picasso empleó, a comienzos de su carrera, diversos estilos de pintura que van desde el realismo clásico, la caricatura y hasta es bozos de surrealismo (pintura ecléctica), no bastó mucho tiempo, para que junto a su amigo Georges Braque, lanzaran en 1909 el cubismo, que sin ser estilo abstracto, rompía las márgenes del concepto clásico de pintura hasta ese momento conocido. Esta búsqueda incesante de nuevas fronteras en el mundo de la percepción y la gráfica establecen al innovador Pablo Picasso como maestro célebre de las artes modernas.

Picasso, (Pablo Ruiz Picasso) 1881-1973.

El Guernica es un óleo sobre lienzo, con unas dimensiones de 3,50 x 7,80 m. A pesar de su título, y de las circunstancias en que fue realizado, no hay en él ninguna referencia concreta al bombardeo de Guernica ni a la Guerra Civil Española. No es, por lo tanto, un cuadro narrativo, sino simbólico. Está pintado utilizando únicamente el blanco y negro, y una variada gama de grises. La estructura del cuadro es semejante a la de un tríptico, cuyo panel central está ocupado por el caballo agonizante y la mujer portadora de la lámpara. Los laterales serían, a la derecha, la casa en llamas con la mujer gritando, y, a la izquierda, el toro y la mujer con su hijo muerto. El del tríptico no es, sin embargo, el único principio de ordenación espacial presente en el Guernica. Las figuras están organizadas en triángulos, de los cuales el más importante es el central, que tiene como base el cuerpo del guerrero muerto, y como vértice la lámpara.

Las Meninas 1957. Óleo sobre lienzo. 194 x 260 cts. Museo Pablo Picasso. Barcelona.Después de la I Guerra Mundial Pablo Picasso, quizás desbordado o desconcertado por los nuevos rumbos que están tomando las creaciones vanguardistas decide volverse clásico y para ello vuelve a la pintura, a la historia de la pintura y a reflexionar sobre ella. Será clásico en relación a el arte contemporáneo, a otros artistas y a si mismo. Clásico en el sentido de intemporalidad, de imagen que atraviesa la fugacidad del tiempo y perdura. Esa perdurabilidad se consigue prescindiendo de lo accidental y mostrando aquello que lo define, que lo conforma. En las vanguardias esto se ha concretado en una radical puesta en cuestión del lenguaje plástico y Pablo Picasso más que ningún otro artista nunca se detuvo en la búsqueda de ese lenguaje, que siempre fue incesante, ahora reinterpretando obras de artistas del pasado, reflexionando con ese lenguaje sobre ellas, y abriendo así una nueva vía al clasicismo. La reflexión no es arbitraria pues selecciona aquellos temas que en relación con la naturaleza, la búsqueda de seguridad y confianza resulta más inmediata.

Autorretratos de 1896 izquierda) y 1899 (centro y derecha).El conjunto nos permite apreciar la evolución artística del pintor: la serie se inicia en 1896 cuando un adolescente Picasso de quince años realiza el pequeño óleo que conocemos como "autorretrato mal peinado" aún dentro de unos cánones que podríamos considerar tradicionales. Cuatro años después el joven pintor se reafirma con ese "yo" que figura en su obra de 1899/90 y que presenta algunos trazos expresionistas. Poco después, a mediados de 1901 y ya establecido el artista en París, el óleo titulado "yo, Picasso" muestra bien a las claras el afán del pintor por reafirmar su propia personalidad, al tiempo que nos presenta un tratamiento fovista del color.

Nació en Leiden, Holanda. Pintor barroco de retratos y dibujante superdotado. En un principio siguió a el Caravaggio que era gran maestro de la técnica del claroscuro, a Rubens por su brillosidad y colorido vigoroso y a Tiziano por la forma libre de utilizar el pincel.Ya a los 25, Rembrandt aplica en sus obras un estilo personal revolucionario que se aleja de la forma suave de pintar de los maestros holandeses contemporáneos y se sumerge en la técnica de los maestros italianos. Su pincelada gruesa, a veces sobrecargada de pintura, agrega a sus obras una textura inédita hasta ese momento. En vez de reflejar con exactitud las escenas, Rembrandt se inclina por retratar sugestivamente lo que ven sus ojos. Por otra parte, sin haber conocido Italia, aplica el estilo de pintar de los venecianos, que muestra un entorno obscuro para terminar con máximo fulgor en la imagen.En esa época los colores apropiados para una pintura eran limitados por los estándares académicos, sin embargo Rembrandt innovó con nuevos extremos de colorido y a la vez logró un equilibrio exuberante entre esos extremos.Su técnica de aplicación de capas, desde el fondo hacia adelante, con una transición imperceptible de colores y tonos (esfumado), lo sitúan entre los capaces de dar transparencia con la calidad que lo hacen Leonardo y Miguel Ángel.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, 1606-1669.

Jeremías lamenta la destrucción de Jerusalén. Está realizado en óleo sobre madera, y fue pintado en el año 1630. Mide 58 cm de alto y 46 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Rijksmuseum de Ámsterdam (Países Bajos). La obra representa a un anciano ricamente vestido sentado a los pies de una roca: al fondo se ve una ciudad destruida por un incendio. Esta figura ha sido identificada con los personajes de Lot y Anquises, pero la opinión generalizada es que se trata de Jeremías, que se encuentra entristecido por la visión de Jerusalén destruida. Confirmando esta tesis aparece una figura que huye del fuego cubriéndose los ojos: sería el rey Sedecías, capturado y cegado por los soldados de Nabucodonosor. Además, Jeremías tiene cerca de sí objetos preciosos, que le fueron dados por Nabucodonosor, según el relato de Flavio Josefo.La figura está situada en diagonal, en un entorno infinito. El fondo está pintado en tonos marrones, en general sombrío. Sin embargo, destacan las vestiduras bordadas, los objetos de bronce y la intensa iluminación de su rostro apesadumbrado.

El rapto de Europa. Está realizado en óleo sobre panel, y fue pintado en el año1632. Mide 62,2 cm de alto y 77 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo J. Paul Getty de Los Ángeles (Estados Unidos). El cuadro se inspira en una historia de la mitología griega. En Las metamorfosis, Ovidio cuenta que Europa era una princesa fenicia y Zeus la raptó en forma de toro blanco, llevándosela desde las orillas de lo que hoy es el Líbano hasta la isla de Creta, en la que engendró a Minos, Sarpdedón y Radamantis.

El Descendimiento de la cruz. Fue pintado en 1633. Se trata de una pintura al óleo sobre tabla, que mide 89,4 centímetros de alto y 65,2 cm de ancho. Se conserva en la Alte Pinakothek de Múnich(Alemania).Forma parte de un ciclo de siete obras sobre la Pasión realizadas a petición de Federico Enrique de Orange, gobernador de los Países Bajos. Rembrandt utiliza el claroscuro para subrayar lo humano del sufrimiento y el carácter detestable de la muerte. Resalta la mortecina claridad de la sábana mortuoria y de la pálida piel de Cristo. Rembrandt debió conocer la obra que sobre el mismo tema había pintado Rubens para la catedral de Amberes veinte años antes. La comparación entre ambas obras permite comprender la particularidad de Rembrandt al optar no tanto por una representación de lo divino y sobrenatural, sino de lo terreno y realista.1

Nació en Sevilla, España. Pintor Barroco, post renacentista de escenas costumbristas y religiosas. Seguidor y admirador de su contemporáneo Diego Velázquez. Recibió influencias de maestros que pintaban al estilo de Caravaggio, como también de pintores flamencos y venecianos. A la hora de retratar personajes de la vida diaria, la pintura de Murillo destaca por el logro de una luminosidad íntimamente cómplice con la escena que muestra. En este sentido fue un gran innovador para su época. Muy preciado entre algunos famosos pintores ingleses, fue él quien les influenció marcadamente el estilo. Entre otros, se puede mencionar a Constable y a Reynolds. Aunque los trabajos de Murillo, fueron los primeros de un pintor español, que lograron fama en toda Europa, el paso del tiempo dió a Velázquez una popularidad superior

Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682)

El mendigo es una obra  datada hacia 1650. Se trata de un óleo sobre lienzo que mide 134 cm de alto por 110 de ancho. Se encuentra actualmente en el Museo del Louvre de París, Francia, donde se exhibe con el título de Le Jeune Mendiant. Fue adquirido en 1782 para las colecciones reales de Luis XVI. El realismo no le impide presentar el cuadro de forma amable, con la gracia propia de Murillo, sin expresar dolor o miseria. En la representación, aparece un mendigo vestido con harapos, que se concentra en su ropa apretada entre las manos. Se cree que está despiojándose. Tiene los pies sucios. Puede ser un mendigo o más bien un pícaro de los que aparecen en las novelas el Lazarillo de Tormes (1511) o las Ejemplares de Cervantes (1613).Por todo acompañamiento, Murillo pinta un cántaro de barro y un cesto con manzanas. En el suelo, restos de camarones u otros crustáceos. Forman un bodegón por sí mismos. Gracias a ellos, demuestra su gran capacidad para pintar diferenciadamente materiales y texturas. Mendigo La escena está iluminada con un fuerte claroscuro propio de la época barroca, de influencia caravagista. La luz proviene de la ventana que queda a la izquierda e incide plenamente en el cuerpo sentado del chico, dejando en penumbra el resto de la estancia. En cuanto al cromatismo, dominan los colores amarillentos y castaños, desde los más claros hasta los oscuros, casi negros.

La conocida como Inmaculada «de Soult» es un cuadro, fechado en el año 1678. Se conserva en el Museo del Prado de Madrid, donde destaca como una de las obras más importantes de la última etapa del maestro. Aparece la Virgen vestida de blanco y azul, con las manos cruzadas sobre el pecho, pisando la Luna y la mirada dirigida al cielo; la composición, como en este caso, suele presentar un claro impulso ascensional, muy barroco, que coloca a la figura de la Virgen María en el espacio empíreo habitado de luz, nubes y ángeles, aunando dos tradiciones iconográficas: la de la Inmaculada propiamente dicha y la de la Asunción. Es llamativa en esta Inmaculada la desaparición de los tradicionales símbolos de la Letanía Lauretana, oración mariana que se asocia muy frecuentemente con la iconografía inmaculista. En lugar de ellos, Murillo idea en torno a María una gran gloria de ángeles, pintados en las más variadas actitudes con una pincelada muy deshecha, que logra fundir las figuras con la atmósfera celestial.La pintura fue encargada por Justino de Neve para el Hospital de los Venerables de Sevilla; se la conoce también por ello com0 Inmaculada de los Venerables. Durante la Guerra de la Independencia fue expoliada y llevada a Francia por el mariscal Soult en 1813; de este hecho proviene su otro sobrenombre. Expuesta casi durante un siglo en el parisino Museo del Louvre, ingresó en la colección del Museo del Prado tras un intercambio de obras de arte con el gobierno francés en el año 1941. Durante el año 2009 fue sometida a un complejo proceso de restauración en los talleres del museo.

Dos niños comiendo melón y uvas. Realizado en oleo sobre lienzo, actualmente se esta ubicado en Alta Pinacoteca de Munich (Alemania). Aquí vemos una obra de su juventud, dada la naturalidad de la escena, donde dos niños disfrutan de un banquete improvisado.La escena se supone que son dos niños que acaban de conseguir un botín, melón y uvas, y se lo comen con glotonería y rapidez. Sus ropas rotas, su suciedad y la rapidez que lo están comiendo nos aluden a que son dos pícaros que han conseguido robar esos manjares. Aunque el fondo parece neutro, realmente estamos frente a un escenario de un edificio en ruinas. Lo más llamativo es el nivel de detalle de la escena, donde las frutas parecen un auténtico bodegón. Utiliza unos tonos oscuros, marrones, pero con gran luminosidad, lo que hace ver su influencia de la pintura veneciana y de Herrera.

Nació en Limoges, Francia. Pintor impresionista de retratos, panoramas citadinos y escenas de la vida diaria. Formó parte del selecto grupo de maestros que revolucionaron el arte pictórico al introducir el impresionismo como estilo de pintura, que más allá de pretender el perfeccionismo de las formas como normalmente se acostumbraba, apunta a retratar las escenas como el ser humano las ve.En este estilo donde se combinan el temperamento del pintor y la impresión ocular que tiene de la escena, logra la atención del observador de la obra, quien se identifica con la impresión que se lleva de lo que observa y no con la realidad absoluta dificil de recordar. Generalmente un maestro impresionista no requiere de un modelo estático para realizar sus cuadros, si no que pinta lo que su memoria a registrado. Esto le permite introducir elementos subjetivos y a veces ajenos a la escena, en la cual se ha inspirado. Para lograr este tipo de pintura, los artistas franceses dieron un golpe a la cátedra y desarrollaron una técnica de pinceladas libres, que sin bien se asemejan a manchas de color, en la práctica, al tomar distancia de la obra, se transforman en componentes reales.Si bien Renoir no fue el fundador de la escuela impresionista (Pissarro), sin duda contribuyó con su maestría a la difusión de esta escuela de pintura. Entre sus camaradas de profesión y amistad están el mismo Pissarro, Monet, Sisley, Cézanne, Degas, Caillebot y Bazille.

Pierre Auguste Renoir (1841-1919)

Baile en el Moulin de la Galette En esta obra maestra del impresionismo fija un momento de la vida parisina en una atmósfera de feliz abandono. Presenta a la gente sencilla y popular que se divierte un soleado día de verano en el moulin de la Galette. Este establecimiento era un antiguo molino, reconvertido en café, al que se acudía los domingos, porque allí se celebraba un baile muy concurrido.1

La composición se desarrolla en torno a un esquema curvilíneo, del primer plano hacia el fondo, siguiendo las diagonales del cuadro. La pincelada es borrosa. Consigue un gran colorido y efectos de luz, como filtrada a través de las hojas.1

En el primer plano aparece Georges Rivière, amigo de Renoir. Era un escritor y crítico que defendía a los impresionistas.

El matrimonio Sisley. Fue ejecutado en 1868. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo, que mide 105 cm de alto y 70 cm. de ancho. Actualmente se conserva en el Museo Wallraf-Richartz de Colonia (Alemania).Los dos protagonistas del cuadro, como indica el propio título, son Marie y Alfred Sisley, pintor impresionista y gran amigo de Renoir.Se trata de un cuadro de juventud, en el que aún se conservan rasgos tradicionales en la representación de las figuras. El matrimonio amigo tiene un gesto de cariño, un poco torpe. Sin embargo, el fondo que representa un jardín o parque luminosos, es claramente impresionista.

La primera salida. Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide 65 cm de alto y 49,5 cm de ancho. Fue pintado entre 1876 y 1877. Se encuentra en la Tate Gallery de Londres.Se describe en este cuadro la emoción y la vida social que representaba un teatro de ópera en la época. La mitad derecha está dedicada a dos jovencitas que, desde la intimidad de su palco, contemplan la actividad en los otros palcos, que se desarrolla en la mitad izquierda de la pintura.Su clara piel juvenil y el cabello pelirrojo contrasta con el sombrero azul y el vestido de color oscuro.1

Nació en Nápoles, Italia. Pintor de frescos decorativos y retratos estilo barroco del siglo XVII. Apodado Luca fa presto (el rápido), Giordano es el artista más prolífico de la antigüedad. Su forma de pintar destaca por la coloración delicada que aplica, lo que se traduce en reflejos de luz muy particulares, reconocibles a primera vista en sus obras.Sus trabajos en el palacio Escorial de España, dan cuenta de su maestría, cuando pintó para el rey Carlos II.

Luca Giordano (1634-1705)

Bóveda de la Sacristía. Catedral de Toledo. 1692-1702. Sólo cinco meses necesitó Luca Giordano para pintar la bóveda de medio cañón rebajado que cubre la Sacristía de la catedral toledana. El motivo central del fresco se representa en la cabecera y no es otro que la imposición de la casulla a san Ildefonso por parte de la Virgen María, asunto de arraigada tradición toledana. Un buen puñado de ángeles y santos acompaña a la Madre de Dios en su descendimiento para hacer la imposición al santo. En el centro de la bóveda se representa un rompimiento de Gloria presidido por el nombre de Yahvé, rodeado de un profundo efecto lumínico. Seis santos toledanos se muestran en los huecos de los ventanales, incluyéndose entre ellos el propio Giordano en una ventana ficticia, con las manos en posición orante. Los escritos y las confidencias del santo derrotan a los enemigos de las prerrogativas de María, precipitándose por las murallas de Toledo

Bóveda Alegoría del Toisón de Oro. Pintura al fresco h. 1695-97. Casón del Buen Retiro de Madrid. Es una alegoría de la Monarquía Española. Se quería impresionar pero tampoco apabullar. Los tiempos de Carlos I, Felipe II, Felipe III y Felipe IV habían pasado. La decadencia de la dinastía Hasburgo era un hecho. Para ello se recurrió a una alegoría de la monarquía española, un relato que mezcla leyenda con la conquista de los Reyes Católicos de Granada. El fecundo decorador al fresco napolitano, aunque cultivó los géneros más diversos, dejó a su paso por España algunas obras muy expresivas de un género decorativo barroco que habría de influir en el espíritu del nuevo siglo. Artista bien formado en la tradición italiana del siglo XVII supo agrandar nuestro ámbito pictórico con varios ejemplos definidores de una corriente en la que se combinaban enseñanzas venecianas, boloñesas y romanas. Como principal legatario de toda una tradición barroca de fresquistas italianos, el pintor ofrece puntualmente en esta obra, una de sus más bellas y frescas invenciones, la supervivencia bien recreada de Pietro da Cortona y de Gaulli. 

Frescos de Luca Giordano. Los muros del cilindro se cubren con pinturas al fresco de Luca Giordano: abajo, entre los altares, santos reyes (en la imagen, Fernando de Castilla y León y Hermenegildo), por encima, con acusado sentido escenográfico y en fingidos tapices sostenidos por ángeles y alegorías de las virtudes, los milagros del santo portugués: Resurrección del joven Parrasio. En los fondos de altares, en la fotografía, Santa Engracia, de Caxés, y Santa Ana, del propio Giordano. Sobre ellos los retratos de busto de los Austrias menores y de Felipe V con sus esposas, como favorecedores del hospital, son obra probable de Francisco Ignacio Ruiz de la Iglesia. 

Nació en Charenton Saint-Maurice, Francia. Pintor y dibujante del romanticismo europeo, movimiento intelectual de mediados del siglo 18 y el 19, que integra en la pintura motivos literarios, nacionalistas e históricos. Considerado el último pintor renacentista. En sus comienzos Delacroix reproduce cuadros de famosos como Rubens, el Veronés y especialmente de Miguel Ángel. Allí hace revivir en sus obras, el estilo barroco lleno de colorido, que ya no era utilizado por los artistas neoclásicos del momento.Luego Delacroix evoluciona a un estilo que sienta las bases del movimiento impresionista, su influencia está presente en maestros como Cézanne y Matisse.

Eugène Ferdinand Delacroix (1798-1863)

La matanza de Quíos, conservado en el Museo del Louvre de París, Francia. Se trata de un óleo sobre lienzo que mide 417 cm de alto por 354 cm de ancho. Data del año1824.Este cuadro representa un episodio de la guerra de independencia de los griegos contra los otomanos ocurrido ese mismo año: la matanza de 20.000 habitantes de las islas griegas,1 y el sometimiento a la esclavitud de las mujeres y los niños supervivientes.2 El resultado es este cuadro prácticamente monocromo, con unas tonalidades cobrizas que unifican el espacio y proporcionan al cuadro una luz infernal. El cuadro se compone de tres pirámides humanas. De izquierda a derecha, se ven expresiones de miedo y desesperación. Los cuerpos, semidesnudos y tirados, reflejan la derrota de los griegos.A la izquierda hay una pareja moribunda. Puede verse la sangre que recorre el cuerpo del hombre. En primer plano, a la derecha, se encuentra la figura de una mujer vieja, que mira hacia afuera del lienzo con expresión de horror. Su presencia refuerza el patetismo de la escena.Detrás de ella, a la derecha, se ve a un oficial turco llevándose a una mujer desnuda, lo que enfatiza la crueldad de la masacre.Destaca en el lienzo la ausencia de un héroe. La masa de los habitantes son los protagonistas, los que resultan heroicos, sufriendo todos ellos la guerra.

La libertad guiando al pueblo Óleo sobre lienzo. Hay una estructura en forma de pirámide con los muertos por la libertad en la base y la libertad en la cima sosteniendo en la mano derecha la bandera tricolor y en la mano izquierda un rifle. El ligero pincel de Delacroix y la fuerza luminosa de sus colores exaltan la vitalidad de sus cuadros. Para aumentar la tensión y el movimiento añadió contrastes complementarios junto a la oposición de los claroscuros. El color para Delacroix no solo tenía un valor de representación, sino sobre todo un significado emocional propio, con el que el pintor intentaba plasmar sobre el lienzo el sentimiento y la disposición de ánimo de las personas. De fondo se ve el cielo de París tormentoso (otra característica romántica).

Mujeres de Argel. Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide 180 cm de alto y 229 cm de ancho. Fue pintado en 1834. Se encuentra en el Museo del Louvre, París, Francia. Parte del rostro de la mujer de la izquierda queda inmerso en la sombra. El pintor usó esta técnica en muchas figuras para lograr un aire de misterio y aislamiento. A su lado están sentadas otras dos mujeres mientras que otra figura femenina, una criada negra, está en pie; su presencia, de espaldas y girando, parece hacer entrar al espectador en el cuadro. Destaca en el cuadro la forma en que la luz está representada. Es una luz lógica, pues viene de una ventana, sin representar una luz idealizada sino como era en realidad En el siglo XIX, la pintura era conocida por su contenido sexual y su orientalismo. Estas mujeres simbolizarían el ideal de belleza femenina para Delacroix, combinación de la suntuosidad oriental con los rasgos griegos propios de un Fidias. Las carnaciones están tratadas con tonos bronceados, lo que refuerza el exotismo de la pintura. En cuanto a la técnica, usó pequeños toques de color, independientes, lo cual explica que sea considerado precedente del impresionismo. Destacó sobre todo el tratamiento cromático que le dio a las ropas: pantalones verdes con motivos amarillos, enaguas verdes y azules, un chal amarillo con rayas rojas, una falda rosa y negra.

Nació en Cortona, región de Toscana, Italia. Eximio pintor de frescos religiosos entre los que destacan sus representaciones sobre el apocalipsis bíblico. Signorelli concentra su visión en la figura humana a la cual, de forma detallada, retrata con un trabajado realismo expresivo. Fue alumno del gran innovador y maestro Piero della Francesca del cual adopta el estilo para pintar el espacio que existe alrededor de las figuras, (perspectiva). De su amigo arquitecto y luego pintor Antonio del Pollaiolo aplica la forma de destacar los contornos que hacen resaltar los personajes presentes en la escena.

Luca Signorelli (Luca d'Egidio di Ventura) 1450-1523.

El Infierno

La obra maestra de Luca Signorelli es la decoración al fresco de la capilla de san Brizio en la catedral de Orvieto, Signorelli realizó entre 1499 y 1504 un gran ciclo de pinturas murales, representando un Juicio Final cargado de dramatismo y tensión en la zona de los condenados que aquí apreciamos. El excelente dibujo de Luca se pone claramente de manifiesto en todas las figuras, escorzadas en su mayoría, en un conjunto difícilmente olvidable. Los demonios con forma humana torturan o atan a los condenados que se retuercen de dolor y de angustia, escena observada por ángeles con corazas en la zona superior del arco. La perspectiva ha sido interpretada a través de la masa humana donde la anatomía se convierte en protagonista absoluta, inspirada en el mundo clásico, acentuándose los músculos en tensión gracias al empleo de una luz fuerte. La sensación de movimiento es también protagonista, resultando una obra sólo superable por el Juicio Final que Miguel Ángel pintó en la Capilla Sixtina, influida sin duda por esta imagen de Signorelli.

El sermón y las obras del Anticristo. Es una de las escenas de la que está considerada su obra maestra absoluta, el ciclo de frescos con temas apocalípticos que decoran la capilla de san en la catedral de Orvieto (1499-1504). Miguel Ángel se inspiró para su Juicio Final en la observación de los frescos de Signorelli en Orvieto. En esta escena se representa al Anticristo predicando de una manera análoga a como se solían representar los sermones de Cristo. Pero se aprecia que es el diablo quien le dice al oído lo que tiene que contar. En vez de rayos de luz dorada, son de color rojo sangre en el punto donde el arcángel san Miguel se dirige hacia la Tierra para luchar contra el Anticristo. Esta escena es particularmente interesante por los dos caballeros vestidos de oscuro que están en la esquina inferior izquierda, al parecer un autorretrato en el hombre rubio que mira al frente, mientras que el hombre a su derecha podría ser Fra Angélico.

Autorretrato de Luca Signorelli (izq) con Fra Angelico en la Capilla de San Brizio, catedral de Orvieto (1499-1505).

Nació en Guanajuato, Méjico. Pintor realista de cuadros y murales de temas sociales y costumbristas. Reintroduce el fresco en la pintura moderna. A los 21, viaja a París donde se interioriza de la pintura impresionista de Pissarro, Renoir, Gauguin y otros famosos. Rivera busca incesantemente establecer un estilo propio. Después de estudiar los frescos italianos del renacimiento, termina por configurar uno personal que hace revivir la pintura sobre muro. Vuelve a su país para mostrar al mundo que aun hay espacio para los pioneros del arte que desean mostrar nuevas formas de expresión. No cabe duda que Rivera, en el siglo 20, es el gran impulsor de la evolución en la pintura desde el impresionismo clásico a uno renovado que utiliza otra técnica de pincelada y conserva la característica de pintar lo que está en la memoria del artista más que pintar la realidad exacta.

Diego Rivera (1886-1957)

 Retrato de María del Pilar Barrientos de Rivera 1896Retrato en Lápiz sobre Papel

La calle de Ávila 1908Oleo sobre tela. Museo Nacional de Arte, INBA,

Ciudad de México

Desnudo con Alcatraces 1944Oleo sobre masonite, Coleccion de Emilia Guzzy de Galvez.

Nació en Kronach, Alemania. Pintor que en sus obras daba importancia al paisaje del entorno. Esta característica lo clasifica dentro de la escuela de pintura estilo Danubio, que inició otro gran maestro: Altdorfer.La especialidad de Cranach son los retratos y la pintura religiosa.

Lucas Cranach el Viejo (1472-1553)

La fuente de la eterna juventud. Hay también incontables fuentes indirectas de la historia. La inmortalidad como don aparece con frecuencia en las leyendas, e historias de objetos como la piedra filosofal, la panacea universal y el elixir de la vida son comunes por toda Eurasia y en otras regiones. Una pista adicional puede haber sido tomada del relato del estanque de Betesda en el Evangelio de Juan, en el que Jesús cura a un hombre en dicho estanque de Jerusalén.

Forman el último grupo de sus obras los actos, en aquel entonces muy populares. Cranach creaba a peticiones privadas muchos cuadros con temas eróticos. Las más famosas son las variaciones del cuadro "Adán y Eva".

La ninfa de la fuenteDestacada representación de la temática clásica en Cranach es esta bella ninfa Castalia, recostada sobre un paño carmesí en un prado, que según la mitología se convirtió en fuente. El texto latino del humanista Giovanni Campani ("Yo, ninfa de la fuente, sagrada descanso aquí, no perturbéis mi sueño") nos sugiere el poético marco del paisaje y la visión entre erótica y ensoñadora del desnudo, tratado según el gusto alemán de la época. Los elementos simbólicos (los ciervos, las perdices y el carcaj) nos remiten a los conceptos del amor y de la caza. Obra de madurez del pintor, nos muestra la maestría alcanzada por su arte.

Nació en Roma, Italia. Pintor del renacimiento temprano, escuela romana de frescos y diseño de mosaicos en estilo parecido al medieval Bizantino. Su técnica consiste en resaltar los colores para establecer las figuras y el espacio. Fue líder en su época, previo al maestro El Giotto.

Pietro Cavallini (1240-1308)

"El ciclo de frescos del Juicio Final en Santa Cecilia en Trastevere en Roma, el Día del Juicio. Detalle "1295-1300 Fresco Roma. Iglesia de Santa Cecilia Conservado sólo en fragmentos 

Juicio Final en la Basílica de Santa Cecilia en Trastevere en Roma, pintado hacia 1293 y considerada la obra maestra de Cavallini, demuestra un estilo artístico conocido como naturalismo romano. Este naturalismo influirá en la obra de artistas que trabajaron en otras ciudades italianas como Florencia y Siena.

Natividad de la Virgen. El ciclo de mosaicos con seis escenas de la vida de María en la iglesia de Santa María en Trastevere en Roma, con fecha de 1921 

Nació en Grasse, Francia. Pintor de escuela post Barroco, estilo Rococó. A sus 24, viaja a Italia por 5 años donde es reconocido por sus pares. De ahí también nace la admiración por el gran maestro Tiepolo del cual recoge la forma en que se aplica la luminosidad a la escena, cosa presente en algunas de sus obras. La técnica de Fragonard es impecable y va más allá del colorido rococó que utiliza con maestría. Su realismo es mágico. No hace falta ser experto para saber que una obra de estas las tiene que haber pintado un genio.

Jean Honoré Fragonard (1732-1806)

La gallina ciega  realizada hacia 1769. Es una pintura al óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 114 cm de alto por 90 cm de ancho. Se conserva en el Museo de Arte  de Toledo, Ohio (Estados Unidos), donde se exhibe con el título de Blind's Man Bluff.Fragonard retrata aquí el juego de la gallina ciega, pero es cuadro lleno de equívocos. Por un lado, la joven con la venda en los ojos está mirando subrepticiamente por debajo de ella, de manera que más que jugar en serio, parece ser un pretexto para dar lugar a la seducción. Por otro lado, ambos personajes están vestidos de pastores, aunque bien pudieran ser nobles o burgueses disfrazados como tales. En cuanto al paisaje, parece un bosquecillo, pero igualmente pudiera ser un escenario de teatro. De esta manera parecen abolirse los límites entre realidad y ficción, verdad y mentira.1

Los felices azares del columpio realizado en 1767. Es una pintura al óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 81 cm de alto por 65 cm. de ancho. Se conserva en la Colección Wallace de Londres (Reino Unido).Un rico barón encargó este cuadro a Fragonard, como homenaje a su amante. Representa una escena galante en un ambiente idílico. Una joven se balancea en el columpio que empuja un hombre mayor (seguramente su marido) mientras que abajo, a la izquierda, aparece un joven que mira debajo de su falda. El marido queda relegado a la sombra, mientras que el joven (amante de la mujer) luce en primer plano, entre vegetación y flores.El joven se encuentra tumbado a los pies de una escultura de Cupido. Dicha figura esconde una pista: pide silencio con un dedo en sus labios, lo que alude a un secreto. El amante muestra una expresión de arrebato, como si hubiese recibido una revelación, de carácter en este caso puramente terrenal. La muchacha le corresponde mirándole fijamente.Se ha captado el momento del máximo balanceo del columpio, pues un instante después éste volverá hacia atrás, hacia el hombre de mayor edad, representando así «un segundo de arrebatamiento erótico, tan voluptuoso y frágil como el Rococó mismo».1

El camisón arrebatado, realizado hacia 1770. Es una pintura al óleo sobre lienzo de pequeñas dimensiones: 35 cm. de alto por 42 cm. de ancho. Se conserva en el Museo de Louvre de París (Francia), habiendo sido adquirido mediante el legado del Dr. Louis La Caze en 1869. Fue expuesto en París en 1860. Representa a una joven tumbada en su lecho. Lleva una cinta azul en el pelo y un amorcillo, atributo de la diosa Venus, le arrebata el camisón. Su desnudez permite al pintor recrearse en el atractivo sensual de la carne rosada.2

Nació en Venecia, Italia. Pintor religioso de cuadros y frescos en estilo manierista a fines del Renacimiento. Fue alumno de Tiziano (Titian). En sus obras también se aprecia la influencia del gran maestro Miguel Ángel. El Tintoretto es mágico a la hora de expresar el drama en sus imágenes. Sus trabajos definen con claridad lo que es el manierismo clásico italiano. La técnica que emplea, en la coloración y la luminosidad, es original para su época y ciertamente es uno de los pilares de la aparición, posterior a él, de la pintura de estilo Barroco.

El Tintoretto, (Jacopo Robusti) 1518-1594.

San Marcos liberando al esclavo. Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 416 cm de alto y 544 cm de ancho. Fue pintado en 1548,1 encontrándose actualmente en la Galería de la Academia de Venecia, Italia.Representa un episodio tomado de la Leyenda dorada de Jacobo de la Vorágine: el servidor de un caballero provenzal va a ser castigado por haber venerado las reliquias del santo. Se le sometería a tortura con una máquina que le rompería los huesos y, además, iba a quedar ciego. La figura sentada en la parte del lado derecho, vestida de rojo intenso, es el caballero de Provenza, señor de quien va a ser castigado.1 Sin embargo, es salvado por la milagrosa intervención del santo. El santo está pintado en un sorprendente escorzo, en lo alto, en paralelo al escorzo de la figura del esclavo que yace en el suelo.Las figuras se enmarcan en un escenario arquitectónico. Pueden observarse aquí las diversas influencias de Tintoretto: por un lado, las anatomías y los escorzos típicamente miguel ángel escos, por otro, los intensos y vivos colores propios de la escuela veneciana.

Cristo en el lago Tiberíades . Está realizado en óleo sobre lienzo. Mide 117,1 cm de alto y 169,2 cm de ancho. Fue pintado hacia 1575-1580. Se exhibe en la Galería Nacional de Arte, de Washington DC en los Estados Unidos.Se ilustra en esta escena una de las apariciones de Jesucristo tras su resurrección, según la Biblia. En concreto, en el capítulo 21 del Evangelio de Juan se narra esta aparición que viene seguida por la pesca milagrosa.

La última cena, es la última gran obra del pintor. Está realizada en óleo sobre lienzo. Mide 365 cm de alto y 568 cm de ancho. Fue pintado en los años 1592-1594, encontrándose en la Basílica de San Giorgio Maggiore de Venecia, Italia.Las figuras humanas parecen abrumadas por la aparición de seres fantásticos. La escena tiene lugar en una taberna sombría y popular, donde las aureolas de los santos aportan una luz extraña que subraya detalles incongruentes. Es una obra oscura, en la que destaca precisamente el tratamiento que hace de la luz. Los rostros de los santos se distinguen gracias a la luz de sus propias aureolas. Hay dos puntos de luz intensa: uno en alto, a la izquierda, y otra la intensa aureola de Jesucristo.El tono es resueltamente barroco.

ESCULTORES

Nació en Nápoles, Italia. Escultor, arquitecto y diseñador, artista célebre creador de la escultura estilo Barroco en el siglo 17. Hijo de un escultor florentino, Bernini consiguió acceso privilegiado al mundo de las artes y tuvo como patrocinadores a los papas Pablo V, Urbano VIII y a otros 4 prelados. Emigró a Roma junto a su padre. Estudios iniciales de la escultura grecorromana ya existente en el Vaticano y las obras de Miguel Ángel fueron su fuente de inspiración. Los trabajos que realizó durante su vida son cuantiosos. Entre ellos se incluyen fuentes públicas, decoración de iglesias y obras arquitectónicas.Bernini fue famoso en vida y todas las cortes europeas deseaban sus servicios. Entre ellos estuvo el rey de Francia Luis XVI que lo llevó a trabajar a París cuando el artista ya contaba con 69 años de edad.

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680)

Constanza BonarelliSi el Retrato del cardenal

Borghese (1632) es una obra genial por su coherencia compositiva, su tratamiento del mármol y su captación de los rasgos físico-psicológicos del personaje, el de esta joven romana, de la que estaba fieramente enamorado Bernini, es aún más inmediato. Captada en la intimidad, como por sorpresa, su espontaneidad de gesto y de aspecto prueban la fresca capacidad de síntesis plástica de Bernini.

El David es una estatua realizada entre 1623 y 1624. Tiene tamaño real y está ejecutada con mármol. Pasó a formar parte de la colección de su principal mecenas, el Cardenal Scipione Borghese, y actualmente se expone en la Galleria Borghese.Representa al futuro rey David, uno de los personajes del Antiguo Testamento, en la escena en que derrota al gigante Goliat lanzando una piedra con una honda.A pesar de la temática cristiana, esta estatua, entre otras de temas similares, sirve para rescatar el tema clásico de los jóvenes atletas griegos, los kuroí.En comparación con otras versiones pasadas del tema, como la famosa estatua el David de Miguel Ángel, se muestran cualidades paradigmáticas de la escultura del Barroco. Sobre la placidez clásica y renacentista, Bernini introduce emoción y dinamismo

Apolo y Dafne es una estatua realizada por el italiano Bernini entre los años 1621 y 1624. Pertenece al estilo barroco.Se trata de una escultura a tamaño real de mármol, expuesta en la Galleria Borghese en Roma.

(Marsella, 1620 - id., 1694), escultor y arquitecto francés. Se desplazó desde su ciudad natal hasta Roma, donde tuvo a Pietro da Cortona como maestro entre 1640 y 1643. La potencia de sus modelados, de una plasticidad cargada de sentimiento, convierte a las obras de Puget en unas de las más originales de la escultura barroca francesa. Desarrolló la mayor parte de su actividad en la corte de París.

Pierre Puget (1620-1694)

Cristo en la cruz

Parece que la representación de Cristo en la cruz es de origen bizantino, donde se comenzó a representar así para explicar la naturaleza divina de Cristo en tiempos de las primeras herejías sobre el tema.

Virgen y niño

En las primeras representaciones la Virgen se encuentra entronizada, y el Niño puede estar plenamente consciente, alzando su mano ofreciendo una bendición.

Hércules Gálico

En 1882, Adolphe-André Porée descubrió una estatua perdida por Puget en terrenos del castillo en Biéville-Beuville. Esta estatua de Hércules matando a la Hidra de Lerna era originalmente en el castillo de Vaudreuil, y ahora está en el Museo de Bellas Artes de Rouen.

Andrea del Verrocchio, nacido Andrea di Michele di Francesco de' Cioni, conocido simplemente como Verrocchio (Florencia, h.1435 - Venecia, 1488) fue un pintor, escultor y orfebre cuatrocentista italiano. Trabajó en la corte de Lorenzo de' Medici en Florencia. Entre sus alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Perugino, Ghirlandaio y Sandro Botticelli, pero también influyó en Miguel Ángel. Trabajó en el estilo serenamente clásico del primer renacimiento florentino.

Verrocchio, (Andrea di Cione) 1435-1488

Lorenzo de Mecini

Se encuentra situada en la catedral de Badajoz de Lorenzo de Figueroa

Cristo terracota

De frente y tamaño poco menor que el natural, hasta mitad del pecho. Manto abierto hacia los lados dejando ver la túnica. Cabeza ligeramente inclinada hacia su hombro derecho. Peana antigua de doble ceja en madera dorada y pintada, con letrero en su frente VERROCCHIVS. Dimensiones: altura del busto, 510 mm.; altura de la peana, 80 mm; anchura de la peana, 585 mm. 

Cristo y San Tomas

En 1466 la cofradía de mercaderes de Florencia le encargó un grupo en bronce titulado Cristo y Santo Tomás para un nicho externo de la iglesia de Orsanmichele. La obra se colocó allí en 1483. Ideó una composición de dos figuras, con Cristo en el centro del nicho, y el Santo estirado hacia afuera, para evitar una perspectiva frontal rígida y para ayudar al espectador a identificar mejor a los personajes.

Nació en Florencia, Italia. Gran escultor y orfébre de estilo manierista. Junto al destacado Giambologna, fueron herederos artísticos de Miguel Angel, a fines del Renacimiento. Cellini ocupa un sitial destacado en la historia de la escultura por la excelencia y perfeccionismo de sus obras, las que han servido de ejemplo para los escultores clásicos posteriores a él. Trabajó en Roma, durante el pontificado de Clemente VII y de Pablo III. Posteriormente, el rey Francisco I de Francia lo reclutó para el desarrollo de las artes en su país. Cellini residió en Paris durante tres años y allí creó sus obras más destacadas. En esa época se pensaba que después de Miguel Angel no existiría nadie que lo superara. Sin embargo, aunque no alcanzó la misma fama, Cellini demuestra en sus esculpidos que gozaba de tanta habilidad como su célebre maestro.

Benvenuto Cellini (1500-1571)

Perseo y la MedusaPerseo degollando a

Medusa es una obra de 1554. Se encuentra en el Pórtico de los Lanzi, en la Piazza della Signoria de Florencia.

Ganímedes

era un héroe divino originario de la Tróade. Siendo un hermoso príncipe troyano, hijo del mismo epónimo Tros (o de Laomedonte, según las fuentes), Ganimedes se convirtió en el amante de Zeus y en el copero de los dioses. Sobre la etimología de su nombre Robert Graves (Los mitos griegos) propone ganuesthai + medea, ‘regocijándose en la virilidad’.

Salero Fernando I

El famoso Salero de Francisco I de Francia (Kunsthistorisches Museum de Viena). 

Posteriormente, el rey Francisco I de Francia lo reclutó para el desarrollo de las artes en su país. En 1567 Benvenuto interrumpe "La Vida" (que, por lo tanto, queda incompleta), y escribe los "Tratados" de la "Joyería" y de la "Escultura", cristalinos ejemplos de capacidad didáctica y conocimiento técnico. Se casa con Piera de' Parigi (aunque en 1544 había sido ya padre de una niña nacida de una relación con una modela) y, tres años más tarde, en 1571, muere en Florencia. Está enterrado en la iglesia de Santa Maria Novella. 

Nació en York, Inglaterra. Escultor, grabador y dibujante Neoclásico. Antes de la escultura trabajó en el diseño de figuras de porcelanas (Wedgwood), donde demostró su talento y buen gusto como artista gráfico. Enviado a Italia para representar a su empleador, vive en Roma por siete años donde su estilo se inspira cada vez más en el arte de la grecia antigua. Allí Flaxman publica dibujos y grabados que rápidamente son reconocidos por su alta calidad y le proporcionan fama y reputación de gran artista. Al volver a Inglaterra es requerido para esculpir estatuas de pesonajes, tallar bajorrelieves y realizar grabados sobre metal que son admirables por la perfección de sus líneas.

John Flaxman (1755-1826)

Furia de Atamás

Hijo de Eolo y de Euarete. Rey de Orcomene, en Beocia. Por orden de Hera (Juno) se casó con Néfela, y de ella tuvo dos hijos: Friso y Hella. Mas él amaba secretamente a una mortal, Ino, hija de Cadmo, con quien tuvo otros dos hijos: Learco y Melicerte. Encolerizadas Hera y Néfela (diosa de las Nubes) al saber este adulterio, castigaron a Atamas con una locura furiosa, en uno de cuyos raptos maté a su hijo Learco, creyéndole un león. Ino, con su otro pequeñuelo, se precipitó en el mar. Y ambos fueron transformados en divinidades marinas. Ino se llamó Leucotea, y Melicerte, Palemón. Atamas, como asesino de sus hijos, fue obligado a huir de Beocia y a establecerse en la Tesalia. dio su nombre a la ciudad de Atamania. Según otra leyenda, fue transformado en río.

Horacio Nelson

primer Vizconde Nelson, primer Duque de Bronté, KB (Burnham Thorpe, Inglaterra; 29 de septiembre de 1758 – Cabo de Trafalgar, España; 21 de octubre de 1805), conocido también como almirante Nelson, uno de los marinos más célebres de la historia, se destacó durante las Guerras Napoleónicas y obtuvo su mayor victoria en la célebre batalla de Trafalgar, en la que perdió la vida.Poseía los títulos de duque de Bronte en el Reino de Nápoles (1799); vizconde Nelson y barón del Nilo y de Burnham Thorpe (1798), y barón del Nilo y de Hilborough (1801) en Inglaterra; caballero de la Orden del Baño (1797) y  vicealmirante de la Marina Real Británica

Abraham Balme

Catedral de Bradford, Bradford, Inglaterra

Nació en Atenas, Grecia. Artista que por sus obras es considerado representante emblemático de la escultura griega. Sus trabajos más importantes y conocidos fueron realizados para formar parte del templo Partenón, cuya construcción fue ordenada por Pericles. Fidias fue el arquitecto y decorador a cargo de este proyecto y para ello esculpió varias obras que en nuestros días aun son ejemplo de escultura helénica clásica. Debido a los destrozos y saqueos causados por invasiones extranjeras, pocos trabajos originales del maestro se conservan hasta hoy. En el interior del Partenón creó dos estatuas gigantes cuyos originales ya no existen y en su exterior labró el mármol en forma magistral logrando la combinación perfecta de sus tallados y el estilo Jónico utilizado en las edificaciones atenienses más refinadas.

Fidias (498-432 Antes de Cristo)

Atenea

es la diosa de la sabiduría, la estrategia y la guerra justa. Fue considerada una mentora de héroes y adorada desde la Antigüedad como patrona de Atenas, donde se construyó el Partenón para adorarla. Fue asociada por los etruscos con su diosa Menrva, y posteriormente por los romanos connMinerva.

Tallado en el Partenón

La obra tuvo un gran impacto entre sus contemporáneos, hasta el punto de que dio origen a una tradición de estatuas criselefantinas, en la cual encontramos comprometido de nuevo a Fidias, con la estatua de Zeus en Olimpia, y a otros escultores, en los santuarios de los siglos V y IV a. C.

Mármol estilo Jónico

La arquitectura griega sienta las bases de lo que será la arquitectura del mundo occidental durante siglos. La codificación de la edad arcaica en tres órdenes estéticos conforme a los cuales construyeron los antiguos griegos (dórico, jónico y corintio) se convertiría con el helenismo en un lenguaje compartido por todo el mundo mediterráneo.

Nació en Francia. Escultor sobresaliente en mármol y bronce, artífice de la edad moderna de la escultura. Impulsó su evolución desde un estilo idealista romántico a uno crudo y realista llamado naturalismo, que persigue la expresión más libre e individual. Este cambio, aunque rechazado por muchos especialistas de la época, igualmente terminó siendo ejemplo para los artistas de la escultura moderna que vinieron.Rodin fue contemporáneo de los célebres impresionistas Pissarro y Monet que disentían como él, de los cánones establecidos para el arte, aun influenciado en esa época por la formas idealistas a manera de Miguel Ángel.

Auguste Rodin (1840-1917)

El besoTambién representada en Las Puertas del Infierno. Es importante el movimiento de las obras de Rodin, los diferentes ángulos y puntos de vista que nos ofrecen nuevos detalles, más información sobre la obra (por un lado parece que se besan, por el otro no). Uno de los métodos de Rodin era llevar modelos desnudos a su taller y hacerles girar y moverse para encontrar la postura ideal que le inspirase. También serán importantes las obras inacabadas, la sensación de dinamismo, de que todo es cambiante, de que la obra no es igual según el lugar desde donde sea apreciada, el ritmo de la composición (formada con las posturas, los brazos, cómo éstos se entrelazan, etc.)

Las Puertas del Infierno

es un monumental grupo escultórico . Mide 6,35 m de alto, 4 de ancho y 1 de profundidad. Contiene 180 figuras cuyas dimensiones fluctúan entre los 15 cm y más de un 1 m. La iconografía está basada en La Divina Comedia de Dante y en los poemas de Baudelaire de su obra Las flores del Mal, tratando de realizar una gran alegoría del amor y la condena.

El pensador

Símbolo de la escultura de Rodín. Aglutina todas las características del autor. La escultura llega a traspasar su sentido literario Trata de expresar algo más universal y que se identificará con el destino del hombre. Se trata de un hombre sentado, reclinado, con la cabeza ladeada hacia abajo, en una postura de pensamiento, pasividad, soledad, preocupación, etc. Para ello, Rodin se inspirará en obras ya existentes (como el Moisés o la Tumba de Lorenzo de Médici de Miguel Ángel) clásica, renacentista. Por una parte vemos una posición descuidada, hay como un giro de las piernas casual, como si se sentara a pensar. Pero Rodin va más allá de la representación idealizada de una persona para transmitirnos sentimientos, algo más universal y profundo (soledad, preocupación del hombre por el devenir del ser humano,…) toda una carga psicológica importante. El Pensador está fundido en bronce.

Nació en Florencia, Italia. Escultor durante la transición entre el período Gótico y el Renacimiento. Orfebre de escuela florentina, Ghiberti junto a otros maestros destacados de la época, como Brunelleschi, fueron pioneros en la renovación del arte italiano. Aunque en sus obras se ve con claridad la presencia del estilo Gótico también se puede observar que sus trabajos están dotados de alta perfección. Ghiberti esculpe aplicando técnica impecable y gusto refinado. Esto se transformó en referente de calidad para los artistas del Renacimiento que le siguieron.

Lorenzo Ghiberti (1378-1455)

Puertas del Paraíso se encuentra ubicada frente a la catedral de Santa María del Fiore. en 1452 y es su obra cumbre y una de las obras más destacadas del Renacimiento. Completamente dorada, le fue puesto el sobrenombre de 'del Paraíso' por Miguel Angel Buonarroti. Después del aluvión de Florencia los paneles originales, fueron restaurados y se los conserva en el Museo dell'Opera del Duomo que se encuentra en las inmediaciones.

San Mateo

La escultura de san Mateo inacabada, se parece a la de los esclavos, que más tarde, realizó el escultor para la tumba de Julio II, parece la figura surgir de la piedra, cargada con una gran emoción que en la época de Miguel Ángel, describían como de terribilitá.

Estas son las diez escenas que se representan en la puerta del paraíso del Baptisterio de Florencia, obra realizada a mediados del XV por Ghiberti: 1. Creación de Adán y Eva; escena del pecado y expulsión del paraíso. 2.Caín y Abel 3. Noé: sacrificio y borrachera 4. Abraham 5. Isaac; Esaú y Jacob 6. José y sus hermanos 7. Moisés 8. Josué y el paso del mar Rojo 9. David y Goliat 10. Salomón y la reina de Saba.

Historia de Esaú y Jacob

Nació en Boloña, Italia. Arquitecto y escultor de obras en estilo Barroco. Sucesor de Lorenzo Bernini en la corte papal de León XI. Primeramente estudió con el pintor y diseñador gráfico boloñes Agostino Carracci para luego derivar a la escultura con el maestro Conventi. Ya a los 20 años, sus esculturas era requeridas por nobles y religiosos. Dentro y fuera de Roma le fueron encargados múltiples trabajos para iglesias. La especialidad de Algardi son las escenas y alegorías religiosas como también mitológicas. Célebres son sus estatuas de metal, sobre relieves y bustos en mármol. Algardi muestra un estilo particular en sus obras. Exagera la expresión corporal de sus personajes, logrando un realismo innovador para su época, cosa que acompaña con la perfección de formas y detalles.

Alessandro Algardi (1598-1654)

TUMBA DE INOCENCIO XDesde 1.644 hasta su muerte pasa a ser el escultor de Inocencio X. Aparece la escultura del Papa y flanqueado por dos alegorías (caridad y justicia) de las virtudes. Entre ellas un sarcófago de tradición clásica. Además se percibe la composición triangular, típico del Renacimiento más tranquilo.

LA MAGDALENA

Tiene formación clasicista, pero le influye mucho Bernini. Esto se percibe aquí. Sin embargo, la postura es tranquila sin composición complicada (más clásica).

Papa Inocencio

Es en bronce. El Papa aparece con dinamismo, bendiciendo a los fieles. Se percibe la influencia de Bernini (Estatua de Urbano VIII).

Nació en Bruselas, Bélgica. Escultor de raíz flamenca, activo durante los inicios del período Barroco, también conocido como Francesco Fiammingo. Fue discípulo de su padre que era escultor. A los 21 años emigra a Roma, donde estudia en profundidad la escultura antigua de griegos e italianos, cuyos estilos en ese momento, eran considerados caducos por los vanguardistas del Barroco.Junto a Algardi, otro escultor italiano y la influencia de su amigo Poussin que era pintor francés, Duquesnoy se alejó con éxito de la escuela emergente que comandaba el maestro Bernini. Su disidencia no impidió que la historia le atribuyera una importancia similar a la de este último.

Francois Duquesnoy (1597-1643)

Apolo y Cupido

Cupido un día se enfadó con Apolo cuando éste bromeo sobre sus habilidades como arquero, así que Cupido hizo que Apolo se enamorara de la ninfa Dafne y a ella le disparó una flecha con punta de plomo. Dafne rezó al dios río Peneo pidiendo ayuda y fue transformada en un árbol de laurel, que se consagró a Apolo.

Adonis

Originario de Fenicia, Adonis se extendió a todos los países del Mediterráneo con diversas modificaciones, si bien siempre retuvo aspectos semíticos, constituyendo una de las figuras de culto más complejas de la época clásica. Tuvo múltiples papeles y su significado y propósito en las creencias religiosas griegas han sido objeto de mucha investigación a lo largo de los siglos.

Santa Susana

Los expertos han destacado la finura del acabado de las superficies y la suavidad y dulzura con la que Duquesnoy dotó a la estatua. Según Bellori, el artista trabajó durante años en ella con un modelo vivo, teniendo como referente la estatua antigua de Urania del Capitolio. Duquesnoy consiguió un verdadero alarde de equilibrio clasicista; la figura está en un perfecto contrapposto y todo en ella es grácil elegancia. La santa gira suavemente el cuello con un movimiento compensado por la caída de vestido y manto.

FOTÓGRAFOS

Célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "images à la sauvette", que vienen a significar con más precisión "imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.

A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Édith Piaf, Fidel Castro y Ernesto Guevara.

Henri Cartier-Bresson

Pescadores tomando un respiro tras un largo día de pesca

Pareja de novios besandoseLibremente en la terraza de unbar. Debajo de la mesa vemos A un perro observando atentamente El beso

Fotografía tomada desde arriba de una escalera en forma de caracol. Vemos también a un ciclista paseando por la calle de piedra.

Reconocido mundialmente como un intrépido reportero de guerra, realizó su primer reportaje en la guerra civil española para la revista Life, en esta guerra realizó una de sus más reconocidas imágenes “Miliciano Herido de Muerte”.

A partir de ahí, su carrera como reportero fue imparable, nadie hasta él se había acercado tanto a la acción en el campo de batalla, Capa solía decir: “Si tus fotografías no son lo suficientemente buenas es por que no estás lo suficientemente cerca”.

En sus imágenes captó algunos de los grandes momentos de la historia moderna como el desembarco de Normandía en la II guerra mundial.

Robert Capa 1913 - 1954

Esta fotografía se tomó en el frente de Cerro Muriano, Córdoba, el 5 de septiembre de 1936. Durante un tiempo se dudó de que fuese auténtica, es decir, que estuviese hecha en al campo de batalla, aunque posteriormente se ha verificado su autenticidad e incluso se ha identificado al miliciano al que han disparado como Federico Borrell García. Podéis imaginar los riesgos que corría Capa si estaba a esa distancia de las balas.

El Miliciano

Fotógrafo retratado, tomándose unDescanso. Lo Vemos sonriendo y sin Soltar su cámara de fotos, señal de queEs feliz realizando su trabajo.

Soldado en Vietnan

M.F.I.A.P. – Maestro de la Federación Internacional del Arte Fotográfico.

PREMIOS: Más de 100 Premios Nacionales e Internacionales, a destacar:

- Instituto de La Juventud, Ministerio de Cultura.- Abeja de Oro (Guadalajara).- Cesar Augusto (Tarragona)- The Golden (Dinamarca)- Auteurop, Parìs (Francia)- Bolbec (Bélgica)- The dromsgrove Photographic Society (Inglaterra)

Julian Ochoa

Una niña es retratada con su perro

Dos niños, al parecer musulmanes y comprometidos a casarse por conveniencia

Mujer musulmana con su niño en brazos

Nací en Rio Piedras (Puerto Rico) en el 82. Me vengo a España a los 5 años. El vicio de la fotografía me viene

de mi padre, él me regaló mi primera cámara a los 18 años, cuando comencé a estudiar Laboratorio de Imagen en la escuela de imagen y sonido de Vigo. Desde ese momento he cambiado de cámara varias veces, pero siempre me acompaña alguna. Actualmente he abandonado completamente el analógico por el digital, más que nada por comodidad y rapidez.En 2004 me trasladé a Madrid a estudiar fotografía profesional en la escuela Ces. En 2005 estudio un curso de Operador de cámara y edición de Tv.En 2007 realizo un taller de fotografía de la mano de Alberto García-Alix.Durante todo este tiempo he trabajado como freelance para diferentes empresas, además de colaborar con diversas publicaciones.

Eduardo Portela Jermías

Vemos un paisaje oscuro, en el fondo montañas, el cielo cubierto de nubes y un Rio muy grande.

En primer plano vemos una caja de madera. Por detrás una muralla, y al fondo Dos chimeneas. En general la fotografía representa mucha suciedad.

La primera imagen que vemos es una farola que da luz a todo el lienzo, donde Vemos arboles y varios caminos que se unen en una sola dirección

Nace en 1902 en San Francisco (Estados Unidos), adoptó como tema fotográfico los paisajes del suroeste de su país.

En 1916 realizó un viaje a Yosemite, California, donde captó en blanco y negro la majestuosidad de la naturaleza de Estados Unidos. Sus fotografías reflejan un enorme contraste de sombras y luces, desiertos áridos, nubes gigantescas y monstruosos árboles.

Ansel Adams

Cactus

Vemos la imagen de un cactus En forma de pulpo.

Piedras

Vemos en el fondo montañas entre las nubes. En un primer Plano, vemos muchas piedras, curiosamente tienen el mismo tamañoQue las montañas del fondo.

Cascada

Vemos en el paisaje una hermosaCascada de fondo. En primer Plano se ve árboles destruidosPor la acción de la naturaleza, noPor la acción humana.

DIRECTORES DE CINE

Nació el 1 de diciembre de 1935 en el barrio de Brooklyn, Nueva York, con el nombre de Allan Stewart Königsberg. Es considerado uno de los principales directores y guionistas cinematográficos contemporáneos. Proviene de una familia judía de orígenes ruso-austríacos, a la que el propio Allen define como «burguesa, bien alimentada, bien vestida, e instalada en una cómoda casa». Sus padres y su hermana también son neoyorquinos. Woody estudió hasta los ocho años en una escuela hebrea, y después acudió a la escuela pública de Midwood High School. Durante su infancia, aprendió a tocar el violín; posteriormente se convertiría en intérprete de clarinete (que toca con asiduidad en público, junto con una banda de jazz, The New Orleans Jazz Band), hecho que le ayudaría más tarde en la elección de las bandas sonoras de sus películas.

Woody Allen

Con una evidente influencia de Un lugar en el sol, de George Stevens, Allen reflexiona sobre la identificación fraterna, el deseo y el amor, el sentimiento de culpa, el azar y el ascenso social, mostrando su amor por los temas de Dostoievski, con alusiones explícitas a Crimen y Castigo.El azar como motor de la existencia, el papel que debe de jugar la ética cuando ya no existe Dios, como Nietzsche defendió en su filosofía. Ya no hay pagador, las buenas acciones no van seguidas de recompensa ni las malas de castigo. Un crimen puede salir impune si el azar juega en su favor, del mismo modo que el protagonista de la película no tendrá que dar cuenta de sus actos.

Punto de partido

Es una comedia negra filmada en blanco y negro. Con un elenco envidiable y un guión muy oscuro, la película tuvo un frío recibimiento y es considerado un trabajo menor en la filmografía de Allen.

Celebrity

Es una comedia de Woody Allen que entrelaza situaciones actuales con las de la antigua Grecia, en una película que le valió un premio Oscar a Mira Sorvino como mejor actriz de reparto y estuvo también nominada al mejor guión original.A pesar del Oscar para Sorvino y un cálido recibimiento por parte de los incondicionales de Woody Allen, la película no recibió buenas críticas.

Poderosa Afrodita 

 Clint EastwoodNació en San Francisco y se crió en Oakland, después de ir de una ciudad a otra con su padre en busca de trabajo durante la Gran Depresión. Éstos no podían permitirse pagarle estudios superiores, por lo que, tras acabar los estudios primarios, tuvo que empezar a trabajar en diversas labores como leñador, albañil, pianista, bombero forestal, limpiapiscinas, obrero del metal y muchos otros más que ejerció para ganarse la vida. Pero su gran salto a la fama fue en 1964, cuando Richard Harrison y James Coburn rechazaron el papel protagonista de Magnificent Stranger de Sergio Leone, rodada en Almería. La película acabó titulándose Por un puñado de dólares. Anecdóticamente, Eastwood tuvo que aportar su propio vestuario, comprando el poncho que sería famoso en las siguientes películas de Sergio Leone.Con los spaghetti westerns Por un puñado de dólares, La muerte tenía un precio (en Hispanoamérica Por unos dólares más) y El bueno, el feo y el malo, Clint Eastwood se embolsó la cifra de 270.000 dólares. Eastwood estampa en estos films su clásica figura de duro y sin piedad.En 1968 creó su propia productora, The Malpaso Company (más tarde Malpaso Productions), con la que ha realizado todas sus películas desde entonces.

Narra la historia de un veterano entrenador de boxeo al final de su carrera y sus esfuerzos por ayudar a una boxeadora a llegar hasta lo más alto, aunque entrenar a una mujer esté contra sus criterios.

Million dollar Baby

La película recibió una buena respuesta por parte de la crítica cinematográfica, obteniendo un 96% de comentarios "frescos" en el sitio web Rotten Tomatoes y una puntuación de 82/100 en Metacritic. La cinta recaudó más de 100 millones de dólares en Estados Unidos, y 58 millones de dólares en el resto del mundo, logrando una recaudación total de 159 millones.Fue seleccionada por la revista Time como una de las 100 mejores películas de todos los tiempos.

Sin perdón

 Está basada en una historia real ocurrida en la década de1920, los asesinatos del gallinero de Wineville, ocurridos en Los Ángeles, Estados Unidos y que incluían la desaparición y el intercambio de niños. Se estrenó el 24 de octubre de 2008 en Estados Unidos y en España el 19 de diciembre. Participó en la sección oficial delFestival de Cannes 2008, donde Eastwood fue galardonado con el premio especial del 61º aniversario ex aequo con Catherine Deneuve.

El intercambio 

Steven Spielberg

Spielberg nació en Cincinnati, Ohio, en una familia judía. Su madre, Leah Adler fue una pianista de concierto y restauradora, y el padre Arnold Spielberg fue un ingeniero eléctrico que participo en el desarrollo de las computadoras. después de mudarse a California, presentó una solicitud para asistir a la escuela de cine University of Southern California Escuela de Teatro, Cine y Televisión en tres ocasiones, pero no tuvo éxito. Él era un estudiante, posteriormente, de la California State University, Long Beach. Mientras asistía a la Estatal de Long Beach en la década de 1960, Spielberg se convirtió en miembro de la fraternidad Theta Chi. Su carrera real comenzó cuando ingresó a los Universal Studios como pasante no remunerado, siete días a la semana y el invitado del departamento de edición. Después de Spielberg se hizo famoso, la USC le otorgó un doctorado honoris causa en 1994, y en 1996 se convirtió en miembro del consejo de la universidad

El concepto de E.T. está basado en un amigo imaginario de Spielberg, creado tras el divorcio de sus padres. En 1980, Spielberg conoció a Mathison y desarrollaron una nueva historia a partir de un proyecto fílmico estancado de ciencia ficción/horror Night Skies. La película fue rodada de septiembre a diciembre de 1981 en California, con un presupuesto de 10.5 millones de dólares. A diferencia de la mayoría de las películas, la película fue rodada en un aproximado orden cronológico, con el fin de facilitar las actuaciones emocionales del joven reparto y que fuesen más convincentes.

E.T.

La película fue concebida por Stanley Kubrick, quien trabajó largo tiempo con un grupo de escritores; pero debido al fallecimiento de Kubrick, y a que estuvo durante sus últimos años de vida envuelto en el proyecto de Eyes Wide Shut - su última película -, no llegó a dirigirla.1

 En los créditos Kubrick figura como uno de los productores, y la película fue dedicada a él.En la película aparecen las Torres Gemelas, pese a haber dejado de existir desde los atentados del 11 de septiembre de 2001, pero al contrario de lo que ocurrió con la película de Spiderman, en esta se decidió mantenerlas en el film que se proyectaría finalmente en los cines.

Inteligencia artificial

El teniente coronel castrense Francis Sampson escribió un libro con sus memorias llamado Look Out Below!, publicado en 1958, donde narra sobre la 101ª División Aerotransportada y sobre el sargento Frederick Niland, de quien se basaron para crear el personaje del soldado Ryan.Según el relato, Niland descendió con algunos paracaidistas de la 101ª División Aerotransportada muy lejos del punto de reunión y marcharon a la localidad de Carentan para reunirse con el resto de la división. Allí, el teniente coronel Sampson le comunicó la muerte de sus tres hermanos (dos en Normandía y el otro en el Lejano Oriente). Enterado de la polémica muerte de los hermanos Sullivan el teniente coronel Sampson le arregló un viaje a Reino Unido, de donde posteriormente partió para retornar a Tonawada, Nueva York y reunirse con sus padres, Michael y Augusta Niland.

Salvar al Soldado Ryan

James Cameron

James Francis Cameron (Kapuskasing, Ontario, Canadá, 16 de agosto de 1954). En 1977, al ver La Guerra de las Galaxias entendió que lo suyo era el cine y por eso se dedicó en pleno a ello. A los 25 años, después de varios trabajos poco importantes, le llegó la oportunidad de dirigir, aunque tal experiencia le decepcionó un tanto, por esta razón jamás volvió a dirigir una película que no hubiera sido escrita por él mismo. James Cameron destaca como uno de los creadores cinematográficos que más y mejor ha aportado a la ciencia ficción. De sus siete películas (hasta la fecha), seis de ellas pertenecen a este género. Ya desde sus inicios, Cameron mostró predilección por relatos futuristas. No en vano, dirigió el cortometraje Xenogenesis, muy influenciado por 2001 y por Star Wars, un trabajo cuyo mayor mérito consiste en anticipar modelos e ideas que cuajarán en obras futuras.

Los personajes principales y la historia de amor son ficticios, pero muchos de los personajes secundarios (como los miembros de la tripulación y algunos de los pasajeros de primera y segunda clase) están basados en personajes históricos reales, así como las tomas del verdadero Titanic hundido en fondo del Atlántico que abren la película.La película tuvo un gran éxito de crítica y público, ganando 11 Premios Óscar, incluyendo Mejor Película, y convirtiéndose en la película más taquillera de todos los tiempos para aquella época, con una recaudación mundial de más de $1,800 millones de dólares

Titánic 

 es una película Ambientada en el año 2154, los acontecimientos que narra se desarrollan en Pandora, una luna del planeta Polifemo habitada por una raza humanoide llamada na'vi, con la que los humanos se encuentran en conflicto debido a que uno de sus clanes se encuentra asentado alrededor de un gigantesco árbol que cubre una inmensa veta de un mineral muy cotizado y que supondría la solución a los problemas energéticos de la Tierra: el unobtainium. Jake Sully, un marine que quedó parapléjico, es seleccionado para participar en el programa Avatar, un proyecto que transporta la mente de los científicos a unos cuerpos artificiales de na'vi para que así la comunicación con los nativos resulte más sencilla. A pesar del fin científico del proyecto, el coronel Quaritch, quien dirige la defensa de la base humana en Pandora, convence a Jake para que le proporcione información sobre los nativos en caso de que fuera necesario recurrir a la fuerza para que se marchen. En un principio, Jake cumple profesionalmente su misión, pero se enamora de una de las nativas, Neytiri, y se da cuenta de que éstos jamás renunciarán a su tierra, haciendo inevitable un conflicto armado; en él deberá decidir de qué lado está.3

Avatar

 significó un punto de inflexión en el mundo de las películas de ciencia ficción y en el cine en general por los mencionados efectos especiales, los cuales fueron idea y obra de Stan Winston, productor y diseñador de robots para películas: formó parte del equipo en la 2ª, 3ª y 4ª parte de Terminator.El diseño del endoesqueleto de Terminator fue realizado en metal y necesitó de un mando a distancia para poder controlarlo. En las escenas que se ve al robot de cuerpo entero, éste estaba animado mediante la técnica de stop-motion.

Terminator

Billy Wilder

Samuel Wilder, más conocido como Billy Wilder (Sucha, Polonia, 22 de junio de 1906 - Hollywood, Estados Unidos, 27 de marzo de2002) fue un director de cine y productor estadounidense de origen austriaco.  Su primer trabajo fue como cronista en el periódico austriaco Juranek. Continuó trabajando como cronista en Berlín, y tuvo que alternar esta ocupación con otras para sobrevivir. Allí se aficionó al cine, tras ver diversas películas que le impresionaron hondamente. Una de ellas fue El acorazado Potemkin, de Sergéi Eisenstein. Entró a trabajar para la UFA, donde conoció a los grandes directores del momento. Como guionista, Wilder escribió 60 películas. Como director, realizó 26 películas. Fue galardonado con cinco Óscar tras haber sido nominado en 21 ocasiones.Lápida de Billy Wilder en Westwood Memorial con el texto: "I'm a writer but then nobody's perfect" ("Soy escritor, pero nadie es perfecto").En 1981 dirigió su última película, Aquí, un amigo. 

Baxter es un empleado contable de una gran empresa de seguros en Nueva York. Ha descubierto la forma de "ascender" en la empresa, que consiste en ceder su apartamento por horas a varios directivos, para que ellos lleven a sus amantes de turno. Tiene que solucionar los pequeños problemas que le ocasionan los usuarios del apartamento y se enamora de la amiga de su jefe. Un día se le presenta un problema difícil de resolver.

El apartamento

En la secuencia de apertura, durante la cual se muestran los títulos de crédito, aparece la silueta de un hombre, vestido con abrigo y sombrero, que avanza caminando con unas muletas en dirección a la cámara, hasta cubrir toda la pantalla (como se ha señalado, esta silueta puede ser tanto la de la víctima del asesinato, el señor Dietrichsson, como la de su asesino, Walter Neff1 ). Hay un fundido encadenado y se muestra una oscura y lluviosa calle de Los Ángeles, de madrugada. Un automóvil (un Dodge de 1938) se salta un semáforo en rojo y está a punto de chocar con una camioneta de reparto del periódico Los Angeles Times. El coche se detiene finalmente frente a un edificio de oficinas, y de él sale, moviéndose con cierta dificultad, el vendedor de seguros Walter Neff (Fred MacMurray). Neff llama y es abierto por el vigilante nocturno y ascensorista del edificio. Mientras suben en el ascensor, conversan de temas banales: posiblemente, sin embargo, al vigilante le sorprende el aspecto de Neff, ya que es seguramente él quien avisa luego a Keyes.

 Perdición

Don Birman es un escritor dipsomaníaco que no puede vencer sus arrebatos alcohólicos a causa de los cuales se ha convertido en un hombre arruinado física, moral y económicamente, totalmente desprovisto de personalidad. Para lograr dinero que le permita seguir bebiendo es capaz de cometer cualquier acción, llegando incluso a robar a sus amigos, sin excluir a Helen St. James, una hermosa mujer que, enamorada de él, intenta regenerarlo. Don sustrae el abrigo de pieles de Helen y lo lleva a una casa de empeños. Con el dinero obtenido, compra un revólver. A pesar de este lamentable incidente, Helen le sigue ayudando y animando para que escriba una novela que relate su tragedia personal.

Días sin huella