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El arte, afortunadamente es unmercado, y si divinizamos al pri-mero es porque, antes y sobre

todo, hemos divinizado al segundo”decía Régis Debray. Como cada oto-ño desde hace cinco, Londres acogeen Regent´s Park, uno de los parquesreales londinenses más famosos quecon sus cuidados jardines y estanquescon cisnes parece salido de un lienzode Constable. Éste es el escenario dela feria de arte contemporáneo más in-fluyente de Reino Unido, y tras Basi-lea, de Europa. Nuestra revista entre-vistó a Amanda Sharp, co-directora deFrieze junto con Matthew Slotover,quién hizo un repaso a los cinco añosde existencia de la feria y nos avanzóalgunos titulares de esta edición quese presenta crucial por la situación eco-nómica mundial, aunque según Sharpel mercado no se haya visto afectadoaún por las turbulencias financieras.

En el 2003 abrió sus puertas la feriaFrieze en Londres. ¿Cómo recuerdalos comienzos? ¿Cuáles eran las ex-pectativas iniciales?

Dado que atesorábamos diez añosde experiencia en el mundo del artecontemporáneo como editores de larevista Frieze, gozábamos de buenasrelaciones con las galerías de arte.

El prestigio de nuestra revista es-taba en juego, por lo que nuestra úni-ca posibilidad era posicionarnos comouna de las mejores ferias del mundo.Afortunadamente teníamos una listade cuáles eran las galerías más influ-yentes gracias a los contactos de nues-tra revista. Nuestras expectativas eranoptimistas, apuntaban a que un grannúmero de coleccionistas vendrían ala feria. Además, Londres tiene unaimportante comunidad artística, y éstase mostró muy entusiasmada arropán-donos desde el principio, al igual queel público que se sumó sin titubeos aesta iniciativa, incluso aquellas perso-nas que nunca antes habían compra-do arte vinieron a ver las obras, sóloporque estaban interesados en el artecontemporáneo.

Amanda SharpCo-directora de Frieze“El arte puede mejorar el mundo”

Entrada principal.© Linda Nylind.

Octubre 2007.

entrevista

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¿Podría resumirnos cuáles hansido los cambios más significativosque ha visto en el mercado del artecontemporáneo durante estos cincoaños?

En relación con la tendencia pre-dominante, diría, casi con total segu-ridad, que su nota definitoria ha sidosu vertiginosa expansión. Cada vezmás personas están interesadas encomprar arte contemporáneo. Ésa esla tendencia principal que he consta-tado en el mercado durante los cin-co años que llevo al mando de la fe-ria. Respecto a las cifras de ventas esdifícil pronunciarse dado que muchastransacciones se formalizan despuésde la feria; es por eso que desde el2006 hayamos decidido no hacerlaspublicas. Lo realmente revelador esque las galerías se muestren tan de-cididas en participar en Frieze. Encuanto al número de visitantes, sólopuedo decir que ha aumentado expo-nencialmente. Sólo en el último año

Como cada mes de octubre Regent’s Parkacogerá otra edición Frieze, certamen quetan solo en 5 años, se ha convertido en unacita obligatoria para artistas, aficionados yen general cualquier entusiasta del arte.Este año la feria contará con laparticipación de más de 150 galeríasprovenientes de 28 países, y más de 1.000artistas. Desde sus inicios, la feria de arteha sido uno de los eventos másimportantes del calendario culturallondinense, incluyendo además deproyectos especialmente encargados a losartistas, un animado programa de charlas,proyecciones y presentaciones.Frieze propone reunir a los mejoresrepresentantes internacionales de las artesvisuales, desde artistas y conservadores acríticos y galeristas, en un mismo espaciodurante cinco díasPara poder formar parte de esta granexhibición hay que conseguir la aprobación

del comité de selección, que analiza lasmás de 500 solicitudes procedentes degalerías de todo el mundo que recibencada año. El comité analiza la propuesta dela galería, el stand que planean crear asícomo su programa actual y lasexposiciones que realiza al año, que nodeben ser inferiores a cuatro para poderoptar a una plaza en esta feria. Lacompetencia es muy fuerte y solo lasmejores consiguen un espacio dentro deeste laberinto de pabellones que forman laestructura de la feriaA diferencia de otras ferias, Frieze sedesarrolla en una estructura temporalsituada en Regent´s Park beneficiándose deuna luz natural evitando la típica atmósferade evento comercial. Desde su primeraedición, han colaborado en la puesta enescena importantes arquitectos como DavidAdjaye, Jaime Fobert, y para esta edicióndel 2008, Caruso St John.

Londres: epicentrodel arte contemporáneo

Sólo habrá 3 galeríasespañolas: Juana de Aizpuru,

Helga de Alvear y Pepe Cobo Amanda Sharp. © Linda Nylind.Cortesía de FriezeArt Fair

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tuvimos 68.000 y ya ni recuerdo los dela primera edición.

Una de las razones por las que Frie-ze es tan famosa es porque las gale-rías son seleccionadas, invitadas ydespués se espera que mantengan cier-tos niveles para poder participar enla feria año tras año. ¿Cuál es el cri-terio de selección y qué diferencia aFrieze de otras ferias?El criterio principal que empleamospara seleccionar a las galerías invita-das es su programa y su propuesta parael stand. Otro factor importante a te-ner en cuenta es que debería existiruna relación entre lo que traen a la fe-ria y lo que normalmente exhiben ensu galería, es decir, que haya una cier-ta coherencia. Pero el punto determi-nante es el programa de la galería.

Y en relación con la otra pregunta¿qué hace especial a Frieze? Diría que el hecho de que esté enfo-cada exclusivamente al arte contem-poráneo. Y además está la estimulan-te energía que desprende Londres. Dehecho, cada feria toma su energía desu lugar de ubicación... y eso ocurrecon esta feria: tiene el mismo espírituguerrero que se respira en Londres.Además, es la única feria que se cele-bra en un emplazamiento temporal,con luz natural y los mejores restau-rantes. Y tenemos un programa de pro-yectos, una fundación y un comisarioa tiempo completo.

¿Cuáles son los titulares de esta edi-ción? Esta edición tendremos un gran nú-mero de galerías procedentes de todoel mundo... desde Rusia a China, pa-sando por Suiza, América, Holanda yun montón de países, lo que impreg-nará la feria de una energía única. Paralelamente tendremos una seccióndedicada a galerías no comerciales;aquí podrá verse arte muy interesan-te pero que no puede exponerse en lasgalerías debido la situación económi-ca de sus países. Por ejemplo, este añocontaremos con la galería Pist de Es-tambul y la bonaerense Appetite.

Ambas traen estupendos proyectos.En cuanto a la sección de proyectos quie-ro mencionar un par de ellos: gracias ala iniciativa de Cory Arcángel emulan-do a Willy Wonka con su billete doradodentro de una barrita de chocolate, Stu-dió di Giovanna Simonetta tendrá unstand en la feria; y Agnieska Kurant mos-trará un trío de cotorras parlantes quehan aprendido un lenguaje alternativoladrando como si fueran perros. ¡Unapropuesta realmente sugerente!

Laboratorio de tendencias“La edición del 2008 brindará a los coleccionistas la oportunidad de conocer las últimastendencias del arte contemporáneo. Este año, los galeristas fueron seleccionados parareflejar la permanente expansión del mundo del arte y los desarrollos experimentados porlas escenas artísticas brasileñas, indias, chinas y rusas. Además de presentar a las mejoresgalerías consagradas y emergentes, la sección de proyectos, unánimemente elogiada porla crítica, estará nuevamente a cargo de Neville Wakefield. Agradecemos a nuestros sociosy patrocinadores - Deutsche Bank, Cartier y el periódico The Guardian- su inestimableapoyo a la feria”, declararon los directores Amanda Sharp y Matthew Slotover.

El precio de los stand oscilaentre 7.000 y 40.000 euros

Vista aérea de Frieze.

GÓMEZ TURU GALLERYGGiiaannnnii CCiinnqquueeggrraannaa

A.G.M.ARTE GENÉTICAMENTE MODIFICADO

- KILLER DE MONEY -Técnica mixta, acrílico y proyectiles - 120 x 89 cm - 2008

SEPTIEMBRE - OCTUBREConsell de Cent 325 - 08007 Barcelona - Telf. 93 215 22 10

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Actualmente la escena artística es-pañola es muy popular y dinámica.¿Por qué hay tan pocas galerías es-pañolas en Frieze (sólo 3)?Es verdad que la escena artística es-pañola es muy interesante pero el pro-blema está en que la feria sólo tieneespacio para 150 galerías de todo elmundo, y teniendo en cuenta la altacalidad de las que están, es muy difí-cil ser admitido porque realmente lacompetencia es muy dura. Es esta com-petencia lo explica la escasa represen-tación de España, con sólo 3 galerías,sin embargo, las que vienen traen pro-puestas realmente atractivas y todosesperamos que en el futuro pueda ha-ber una delegación más nutrida.

¿Cómo ve el mercado? Teniendo en cuenta la actual situacióndel mercado del arte, pienso que, de-finitivamente, vivimos en mundos di-ferentes porque, a pesar de la crisis cadavez hay más interés por el arte contem-poráneo. De hecho, incluso si se pro-dujera un conflicto generalizado en elmercado, el arte continuaría vendién-dose bien, porque cada vez hay más per-sonas interesadas en comprarlo.

Así que aunque parezca que el mer-cado ha recuperado un poco la cordu-ra y queden atrás las locuras a las quehemos asistido, aún goza de buena sa-lud. Todo el sector está fuertementecomprometido con el arte contempo-ráneo. Es más, mi generación empezó

en este mundillo cuando las cosas ibande mal en peor, así que seguiremos alpie del cañón aunque la situación em-peore por la crisis generalizada.

¿Puede el arte cambiar el mundo?El arte puede cambiar las vidas de

las personas, puede mejorar el mun-do, porque sostiene nuestras ideas ysueños, y, por consiguiente, es un im-portante instrumento para cambiar elmundo.

Vanessa García-Osuna Traducción: Laura Revuelta

16-19 de octubreFrieze · Regent´s Park · Londres

www.friezeartfair.com

Después de participar en Art Basel (Suiza), laferia artística más prestigiosa del mundo,con su instalación 'Veintiocho Millones deDiamantes Falsos', entre los que habíaescondido uno auténtico, el cubanoWilfredoPrieto (1978), ganador del PremioCartier, quiere sorprender al público deFrieze con una alfombra roja que setransformará en bandera.La alfombra, de 600 metros de largo y 2 deancho, recorrerá los pasillos de la feria yconducirá al visitante hasta la salida delrecinto, momento a partir del cual empezaráa elevarse hasta un asta de bandera quetendrá una altura de veinte metrosaproximadamente.Se trata de que la alfombra tenga laconsistencia necesaria, pero al mismo

tiempo que no resulte demasiado pesada sise moja con la lluvia en la parte noprotegida del recinto ferial, en el Regent'sPark londinense, señaló Prieto, según el cualla realización es muy compleja y lo es aúnmás por toda la burocracia implicada.Prieto explicó que en un principio presentóotro proyecto para Frieze, consistente encien barriles llenos de petróleo, algo quehabía probado ya en la fundación turinesaSandretto Re Rebaunengo, pero pensó luegoque la alfombra-bandera sería más adecuadapara el espacio y la idea de una feria.Prieto trabaja en distintas escalas y condiferentes materiales, y así una de sus obrasconsiste en un simple garbanzo en el que elartista dibujó con tinta el mapa del mundomientras que en otra reunió un plátano, una

pastilla de jabón y grasa. 'La escala la pongoen función de la idea, señala Prieto, quepasa en su Cuba natal sólo dos meses al añoy el resto lo pasa en distintos lugares delmundo, entre ellos Barcelona, trabajando ensus proyectos y enriqueciéndose con lasexperiencias vividas.Para la Bienal de la Habana, el próximomarzo, quiere poner, según avanzó, 'unaestrella en el cielo'. Con ayuda de globosaerostáticos subirá al cielo de la capitalcubana un potente foco, que permaneceráallí un mes aproximadamente como si setratase de un nuevo astro. 'Serásupercomplejo de realizar. Tengo quecolaborar con todo tipo de especialistas',comentó el artista, que no sabe todavíacómo se alimentará el foco: si con energíasolar, con baterías o con un cable unido atierra”.

Una alfombra-bandera ganadora

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Las estrellas dela Escuelade París

La Escuela de París es un térmi-no tan amplio y diverso como losartistas que la formaron. Fue una

escuela sin profesores pero con gran-des maestros, y el principal de ellosfue Pablo Picasso. La Exposición Uni-versal de 1900 había convertido Parísen un centro de atracción mundial; unaciudad elegante y moderna se abría almundo con el sabor bohemio y el am-biente liberal de la Belle Époque, loscafés-concierto y el music-hall de fi-nales del XIX, ambiente que había con-vertido la ciudad en la capital de la li-teratura y del arte. La tradición de losSalones había generado también unaatmósfera de creatividad. París -comodecía Hemingway- “era una fiesta”,que todo el mundo quería celebrar.Así, la capital del Sena se convirtió enel punto de encuentro de artistas quellegaban de todo el mundo. Fuerontiempos difíciles para los artistas, perotenían lo que anhelaban: un lugar enel que se sentían en libertad, fuera cualfuera su origen, muchas ideas que com-partir, y mucho compañerismo. Así na-ció la Escuela de París, que no es niun movimiento ni una tendencia, sinoel conjunto de artistas que, de todoslos países, sintieron la llamada de Pa-rís y quisieron participar de aquellaefervescencia cultural, con el privile-gio de poder hacer su aportación per-sonal y contribuir a la evolución de lahistoria del arte contemporáneo.

En la Exposición Universal de 1900expuso el joven Pablo Picasso con sólo19 años, junto a artistas como RamonCasas, y la escultura española tambiénbrilló en la exposición parisina. Así em-pezó una estela de artistas españolesde distintas generaciones que marcha-ron a París, formando la llamada Es-cuela española de París, que nunca fueun grupo homogéneo, sino que cadaartista hizo su propia aportación per-sonal. La Escuela estuvo formada pordos grupos separados por la guerra ci-vil española. La primera Escuela es-pañola de París estuvo formada por Pa-blo Picasso, Joan Miró, Juan Gris, Ma-ría Blanchard, Julio González... quecoincidieron con Chagall, Soutine, Mo-digliani... entonces el núcleo artísticoera Montmartre, con principal resi-dencia, el Bateau Lavoir. Hacia 1920,terminada la guerra del 14, Montpar-nasse sucedió a Montmartre, y los ar-tistas se concentraron principalmenteTres personales, c. 1948, de J. Fín (Sala Dalmau).

reportaje

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en ruinosos edificios, como Cité Fal-guière y La Ruche. En París se habla-ba constantemente de la “lección delcubismo”, todos los artistas pasaronpor algún tipo de cubismo y trataronde continuar la aventura artística quehabía empezado a principios de siglocon las vanguardias, buscando su pro-pio lenguaje personal. Naturalmente,todos los países tuvieron su propia Es-cuela de París.

En España, el grupo de renovaciónpictórica, iniciada en Madrid despuésdel triunfo del cubismo de Picasso enParís, giró en torno a Daniel VázquezDíaz a partir de 1918, cuando el artis-ta, que había estado en París desde1905 y había expuesto con Picasso yGris, decidió volver a Madrid. Her-nando Viñes, Francisco Bores, Ismaelde la Serna, Ginés Parra, Manuel Án-geles Ortiz, Pancho Cossío... son algu-nos de los artistas que formaron par-te de la llamada segunda Escuela es-pañola de París. Pero en París hubomuchos más artistas: Antoni Clavé,Benjamín Palencia, Grau Sala, PerePruna, Pablo Palazuelo, Luís Feito,Carles Nadal, J.Fín... la lista es casi in-

terminable, por lo que la Escuela es-pañola de París sería motivo de un es-tudio más completo.

Algunas galerías siguen trabajandocon artistas de la Escuela de París. Lagalería Rafael Lozano de Madrid cuen-ta habitualmente, entre otros, con obrasde María Blanchard, Celso Lagar, Fran-cisco Bores, Óscar Domínguez, Her-nando Viñes, Emilio Grau Sala, Anto-ni Clavé, Pablo Palazuelo, Luís Feito...Pero, como siempre, el trabajo de losgaleristas es conseguir buenas piezas.“Excepto de María Blanchard, ÓscarDomínguez y Palazuelo, del resto haymucha obra en el mercado, lo difícil es

encontrar piezas de calidad de estos ar-tistas y esa es principalmente nuestralabor, seguimos un criterio de selecciónmuy estricto, no nos sirve cualquierobra, buscamos siempre esa pieza ‘muyespecial’’’, explica Rafael Lozano, queañade: “todos estos artistas se encuen-tran en un nivel de precios bastante im-portante, sobre todo María Blanchardy Óscar Domínguez, que son, junto conBores y Palazuelo, los que más se hanrevalorizado en los últimos años, debi-do con toda seguridad a su aceptaciónen el mercado internacional”.

Una de las cosas más satisfactoriaspara la carrera de un galerista es con-seguir piezas únicas y de buena cali-dad. “De la Escuela de París -dice Ra-fael Lozano- hemos tenido varias pie-zas muy especiales. Destacaríamos unmagnifico Rey de Antoni Clavé y algu-nos lienzos de Óscar Domínguez. Aun-que sin duda, la mejor hasta el momen-to ha sido una obra de María Blan-chard, titulada L’enfant au bol, óleosobre lienzo de 1929, vendido en 2006por 300.000 euros”.

Realmente, el mercado internacio-nal tiene un papel muy importante en

De AAnnttoonnii CCllaavvéé,, laserie más cotizadason sus Reyes, poruno de los cualesse ha pagado másde medio millón

de euros

Barcos, de Hernando Viñes (Balcli’s).

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la evolución de los precios. A parte dePicasso y Miró, los artistas de la Es-cuela de París que cotizan en subastasinternacionales son los que más se hanrevalorizado, como Óscar Domínguez,cuya Máquina de coser electrosexual,de 1934, (O/L. 100 x 80 cm) ha roza-do el millón y medio de libras en Chris-tie’s Londres. De Antoni Clavé, la se-rie más cotizada son sus Reyes, por unode los cuales se ha pagado más de me-dio millón de euros, y también es muyvalorada su etapa de interiores de pro-fundo azul de los años 40. María Blan-chard no se ha quedado atrás, Su mu-jer ante el espejo (O/T. 74 x 50 cm) su-peró en Christie’s Madrid los 325.000euros. Y por una naturaleza muerta deBores se han pagado 73.000 dólares enSotheby’s Nueva York.

Ignacio de Lassaletta inauguró sugalería en Barcelona hace ahora trein-ta años con una exposición de su ami-go Benjamín Palencia, el fundador dela Escuela de Vallecas. “Desde enton-ces se ha revalorizado mucho -explicaLassaletta- especialmente su primeraépoca, la etapa surrealista, y no haynada”. Entre los artistas Escuela de Pa-rís, “la galería trabaja con Pablo Picas-so, Pancho Cossío, Benjamín Palencia,Manuel Ángeles Ortiz, Francisco Bo-res, Joaquín Peinado. La dificultad enencontrar obra es cuestión de precio.De todos puede encontrarse. De Pan-cho Cossío buenos hay pocos, y todosestos artistas con los que trabajamoshan ido al alza considerablemente”.Una de las satisfacciones de Ignacio deLassaleta fue “recuperar dos piezas degran calidad: el Pancho Cossío que es-tuvo en una exposición organizada porel Ministerio de Cultura en Nueva Yorky un espléndido Manuel Ángeles Or-tiz, que estuvo en una de las primerasBienales de Venecia”.

“Trabajamos con la mayoría de los

artistas de la Escuela española de Pa-rís -dice Mariana Draper de la SalaDalmau de Barcelona- entre muchosotros, Manuel Ángeles Ortiz, Juan Al-calde, Francisco Bores, Hernando Vi-ñes, J. Fín, Javier Vilató, Ismael de laSerna, Joaquín Peinado, Jacint Salva-dó... y es complicado obtener obras

Un ÓÓssccaarrDDoommíínngguueezz de 1934

ha rozado el millón ymedio de libras enChristie’s Londres

Arlequín, de Celso Lagar (Subastas Segre).

Paisaje vasco, 1939, de Francisco Bores (Rafael Lozano). Feuilles et point rouge, 1960, de Antoni Clavé (Rafael Lozano).

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de calidad de todos ellos. Dependien-do del artista y de la técnica el preciopuede variar mucho, pero en generalse puede encontrar obra a partir deunos 6.000 euros. Desde los años 80ha habido una importante revaloriza-ción, en algunos casos incluso se handoblado los precios. Es muy difícil ha-cer estimaciones, la obra de algunosde estos artistas está todavía por des-cubrir y valorar en su justa medida, yen un sentido estrictamente económi-co quizá podrían ser los más intere-santes”.

“Las subastas son el fiel reflejo delmercado artístico actual”, dice EnricCarranco de Subastas Balcli’s. “Pocosson los autores que no llegan a ser in-cluidos en alguna venta nacional o in-ternacional. Y estos casos excepciona-les se deben casi siempre a que la obracontinúa en la colección de la familiadel artista”.

Todavía se pueden encontrar bue-nas piezas de los artistas de la Escue-la de París en el mercado. “Muchas desus mejores obras siguen apareciendoen subastas y en ocasiones a precios ex-celentes” -añade Carranco- “Aún sien-

do así, es frecuente que el remate nose aleje demasiado del precio de sali-da. Los artistas más buscados son aque-llos cuya obra se ha difundido más gra-cias al trabajo de muchos galeristas yal apoyo de las instituciones. El buenjuicio de los coleccionistas es, a fin decuentas, el que marca las cotizaciones.La mayoría de las obras de los autoresde la Escuela de París no ha dejado desubir en los últimos veinte años. El casode Clavé es un buen ejemplo, nada tie-nen que ver con los de ahora los pre-cios que se pagaban en la década de los90. En la evolución del mercado juga-rán un papel importante los museos ylas fundaciones privadas, que puedenrevitalizar su reconocimiento median-te la organización de exposiciones. Asi-mismo la publicación de buenas mo-nografías puede contribuir a una ma-yor difusión de la importancia de la Es-cuela española de París. Las previsionesson muy buenas, puesto que la calidadde estos artistas ya ha sido reconocidaunánimemente y a nivel internacional.Hace años que superaron los vaivenesde la moda”.

Marga Perera

Antoni Clavé (1913-2005). Plage du nord.Firmado. O/táblex. (38 x 60 cm). Precio de salida: 54.000 euros. Remate: 59.000euros (Balcli’s. Febrero 2006)

Emili Grau Sala (1911-1975). Interior configuras (O/L. Firmado. Fechado París 1971.120 x 120 cm). Precio de salida: 48.000euros. Remate: 83.800 euros (Balcli’s.Mayo 2005)

Pere Pruna (1904-1977). Desnudo (O/L.Firmado. Fechado 1934. 162 x 130 cm).Remate: 50.400 libras (Sotheby’sLondres. Noviembre 2006)

Joaquín Peinado (1868-1975) Bodegón(O/L. Firmado. 63 x 74 cm). Remate: 37.500euros (Alcalá Subastas. Mayo 2008)

Carles Nadal (1917-1998). GrandCollection (O/L. Firmado.96 x 130 cm).Remate: 85.000 dólares (Christie’s NuevaYork. Febrero 2008)

Pablo Palazuelo (1916-2007). Albula II(acero. 78 x 108 x 60 cm). Remate: 192.250euros (Christie’s Madrid. Octubre 2007)

Celso Lagar (1891-1966). Arlequín (O/L.Firmado. 64 x 53 cm) Remate: 55.000euros (Subastas Segre. Mayo 2008)

Algunos remates

MMaarrííaa BBllaanncchhaarrdd superóen Christie’s Madrid los

325.000 euros

Máquina de coser electrosexual, Oscar Domínguez (Christie´s Madrid).L’enfant au bracelet, 1925/26,de María Blanchard (Rafael Lozano)

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El pasado 17 de septiembre lacapital rusa acogió un granevento internacional, la inau-

guración de la galería El Garaje Cen-tro para la Cultura Contemporáneade Moscú (CCC Moscú) ubicado enun antiguo depósito de autobuses, di-señado por el célebre arquitecto Kons-tantin Melnikov en 1926. El edificio,restaurado a lo largo de los últimosseis años, ha sido declarado monu-mento arquitectónico y cuenta conuna superficie de 8.500 metros cua-drados para acoger el mejor arte con-temporáneo en Rusia. El edificio hasido estrenado con una retrospecti-va de los artistas moscovitas Ilya yEmilia Kabakov, la primera que ce-lebraron en su ciudad natal. El pro-yecto del CCC Moscú ha sido idea-do por Dasha Zhukova, actual pare-ja del magnate ruso Roman Abramo-vich. Nuestra revista ha tenido laoportunidad de entrevistar a la pare-ja de artistas rusos quienes destaca-ron que “se trata de una exposiciónque tiene un significado especial paranosotros por ser nuestra ciudad, por-que podremos además mostrar porprimera vez todas las instalaciones enMoscú. Hemos seleccionado obrasmuy significativas pues se cumplen20 años desde que Ilya marchó de Ru-sia”.

Ilya Kabakov nació en Dneprope-trovsk, Union Soviética en 1933 y cur-só sus estudios en la VA Surikov ArtAcademy en Moscú. Pertenecía a ungrupo de artistas conceptuales deMoscú que trabajaba al margen delsistema cultural official. En 1985 ce-lebró su primera exposición en el ex-tranjero. Emilia Kabakov recuerdaaquel momento extraordinario: “lasprimeras obras se mostraron en laKunsthalle de Bern y, a continuación,en la Dina Vierny Gallery en París.No he estado allí personalmente, perolo celebrábamos en Moscú, en el bos-que con un grupo de amigos. Lasobras, expuestas en el mundo occi-dental llamaron la atención: se nota-ba que las obras fueron percibidas deforma diferente en el Occidente, por-que el publico no conocía el contex-to en el que fueron creadas las pin-turas, los dibujos e incluso las insta-laciones. Es lo que convirtió la insta-lación en una necesidad, no solamenteen una intervención artística. El pú-blico soviético nunca llegó a ver lasobras, no fueron expuestas en la UniónSoviética”.

Dos años más tarde Ilya Kabakovse traslada al Oeste y se acoge a unprograma residencial en el Kunstve-rein de Graz, Austria. A partir de 1988

ILYA & EMILIAKABAKOV

“La utopía es nuestroleit motiv”

entrevista

Vista de la instalación The Life and Creativity of Charles Rosenthal (1893-1933)·© Ilya y Emilia Kabakov. Cortesía: Sean Kelly Gallery, Nueva York

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empieza a trabajar en equipo con sufutura esposa Emilia (Dnepropetrovsk,1945), convirtiéndose en los artistasmás influyentes de Rusia del siglo XX,traspasando fronteras con exposicio-nes en el Museo de Arte Moderno deNueva York, el Pompidou, el Stede-lijk, la Documenta IX o la Bienal delWhitney de 1997, entre otros. Sus ins-talaciones hablan tanto de las condi-ciones de la Rusia post-stalinista comode las condiciones humanas a niveluniversal.

La utopía es el principal tema desus trabajos, inspirados por la fanta-sía. Los Kabakov confiesan que “cadaobra tiene su propia inspiración y estábasada en su propia fantasía”.

La evolución de su obra, que enlos 60 era más experimental e irregu-lar, y más conceptual en los 70, es ex-plicada por el matrimonio de artistascomo “cambios y evoluciones natu-rales que atraviesan todas las perso-nas, y también los artistas”.

En relación a sus álbumes, apun-tan que “son historias sobre artistasque han intentado escapar de la rea-lidad y diferentes movimientos artís-ticos en la historia del arte, contadaspor distintos personajes.

Por otro lado el texto juega un pa-pel importante en nuestros trabajos.Utilizamos textos con frecuencia -lanarrativa tradicional rusa- , el arte seconecta así con la literatura rusa y porello el texto se convierte en un ele-mento importante...”

Sin embargo, confiesan que sustrabajos no son autobiográfico “no loson. Es una ficción. Las memorias sonpersonales pero también muy socia-les, dependiendo de cuál sea la me-moria de la hagamos uso”.

Los proyectos públicos de los Ka-bakov no dejan indiferente a nadie:“ para nosotros el espacio público esmuy diferente al espacio expositivode un museo. En un museo puedeshacer lo que quieras mientras que elespacio público tiene un aura dife-rente. Sirve a mucha gente, no de for-ma temporal sino de forma perma-nente y uno tiene que respetar y te-ner en consideración sus reaccionesy sus sentimientos. Y, en definitiva,eso es lo que hacemos”.

Una última curiosidad nos asalta,el motivo de la mosca aparece rei-teradamente en sus trabajos ¿poseealgún significado oculto? Para los Ka-bakov “la mosca es un símbolo de lalibertad, representa la posibilidad deestar por todas partes, ver y oír todo”.

Suzana Mihalic

Spivak: Near the Elevator, 1992 (2003). © Ilya y Emilia Kabakov · Cortesía Sean Kelly Gallery, New York

A Ski Outing, 1973 (2003) · © Ilya y Emilia Kabakov · Cortesía: Sean Kelly Gallery, Nueva York

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De cómo Dasharevolucionó elmercado rusoConfiesa que desconoce los grandesnombres del arte y que tiene mucho queaprender. Sin embargo, ¿qué importaráeso si a cambio dispone de dinero y ganasde gastárselo en la promoción de artistasy sus obras? Daria Zhukova (Moscú, 1981)era hasta hace un par de años unasemidesconocida a cierta distancia de lospaparazzi, pero luego comenzó a apareceren las páginas del glamour de todas lasrevistas y periódicos del mundo.El motivode esa repentina fama era su romancecon Roman Abramovich (Saratov, 1966).Este oligarca ruso del petróleo y lasfinanzas tal vez nunca habría saltado alpapel couché si se hubiera dedicadoexclusivamente a la lejana provinciasiberiana de Chukotka, de la que fuegobernador hasta hace poco; si no sehubiera instalado en Londres, donde haadquirido varias mansiones; si nocoleccionase yates o si no hubieracomprado el Chelsea. Pero desde hace un año Daria,conocida familiarmente como Dasha,ha comenzado a aparecer en laprensa no sólo como la novia de unricachón, sino como protagonistaexclusiva de su propia historia. Ellaforma parte del terremoto queprovoca en algunos sectores eldinero ruso, y en ocasiones elucraniano o el georgiano. Y es queesa es la procedencia de un buennúmero de nuevos y repentinos ricosde la ex URSS que han decididoinvertir parte de su inmensa fortunaen arte. El mismo Abramovich hacomprado obras de Giacometti oFrancis Bacon sin escatimar en elprecio. No es de extrañar, ya que sele estima una fortuna de 18.000millones de euros. El destino de Dasha estaba marcado

desde que su padre, AlexanderZhukov, ahora viceprimer ministrodel gobierno ruso, hiciera fortuna en laindustria del petróleo. Terminada sucarrera universitaria, se volcó en loscírculos sociales internacionales queconfluyen en la capital británica. EnLondres creó una línea de moda de altacostura que llegó a aparecer en la revistaVogue.Sus contactos la acercaron al mundo delarte, aunque de forma testimonial. Elpasado mes de junio dio, sin embargo, elbombazo. Decidió abrir una enormegalería de arte contemporáneo en Moscúaprovechando un semiolvidado edificioconstructivista de principios del siglo XX.Dicen los entendidos que hatransformado el garaje Bajmetevsky,diseñado en 1926 por el arquitecto

Konstantin Melnikov, en uno de loscentros de referencia mundiales. ¿De quién fue la idea de convertir lacapital rusa en lugar de referencia paralos artistas modernos? La mecenas, porsupuesto, es Daria Zhukova, pero tal veztiene mucho que ver su relación conAbramovich o los dos últimos regalos queeste le hizo: las dos obras más cotizadasde Lucian Freud y Francis Bacon, por lasque el dueño del Chelsea pagó 76,5millones de euros. Abramovich encabezala lista de patrocinadores privados quefinancian el proyecto.Zhukova dijo de su galería "Es el primercentro de artes no lucrativo de estaescala. No hay ninguna otra institución enMoscú como ésta. Mucha gente siente

que Moscú, con su historia y con supotencialidad como urbe cosmopolitadebería tener un espacio como este. Ésaha sido una gran motivación ". Lasegunda exposición de su centro de artetendrá como protagonista la grancolección del magnate François Pinaultque, según parece, consta de más de2.500 obras, todas ellas realizadas entre1945 y hoy mismo. El punto de partidafue una tela de un nabi, Paul Sérusier,"un posimpresionista japonizante quecompré porque era de la misma regiónque yo", la Bretaña, "pero tambiénporque me pareció una obra muy bella. Laguardo para mostrar de dónde partí ycómo mi mirada ha evolucionado", contóen una ocasión Pinault.

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Fiebre por KabakovLa obra de Kabakov viene marcada por suformación como artista gráfico y por suobservación de la vida de los ciudadanosbajo el régimen comunista. Pertenecientesal arte conceptual, sus creaciones nacendel análisis social y se insertan en elmovimiento activista que incita alespectador a la reflexión y la toma deposición. Sus famosas instalaciones sonconstrucciones complejas, no exentas desátira e ironía, en las que se combinanobjetos, imágenes y textos recreandoentornos deprimentes de viviendascomunitarias, clínicas mentales, aulasescolares y lugares de trabajo. “Nuestra exposición se verásimultáneamente en varias sedes, incluidoen el depósito de autobuses de Melnikov.Lo elegimos hace unos dos años, es decir,mucho antes de que se convirtiera en elCCC Moscú. Hay un total de seisinstalaciones, incluida una en el PushkinMuseo, dos en el Vinzavod Art Space yuna en la Galería Marat y Julia Gelman”. Hasta el 12 de octubre, en el MuseoPushkin de Bellas Artes de Moscú Hasta el 19 de octubre, en el Garaje. CCCde Moscú Hasta el 15 de octubre, en el Centro deArte Contemporáneo Winzavod de Moscú

En el Museo Pushkin se ha instaladoGates, creada específicamente para estaocasión; en El Garaje podrá verse la seriecompleta An Alternative History of Art yla instalación Red Wagon, ambas de losaños 90; mientras que el Centro de ArteWinzavod se mostrará Life of Flies, TheTennis Game y Toilet.

Más citas en Madrid y Palma

No solamente la capital rusa rindehomenaje al arte conceptual, también enMadrid se podrán visitar algunas obras delos Kabakov´s, en la exposición Ilustracióntotal. Arte conceptual de Moscú, 1960-1990 que organizada por la FundaciónJuan March y la Schirn Kunsthalle, que se

inaugura el 10 de octubre bajo elcomisariado del mejor especialista sobre eltema, Borís Groys. 150 obras de 25artistas presentadas en un montajeprovocativo reflejan la escena artística "nooficial" de la época, una reflexión sobre latotalizante ideología soviética, obras conuna perspectiva sobre un programaartístico-político cuyo material quiso ser elmundo en su totalidad; su tiempo, toda lahistoria; y su producto, el sistemasoviético. Asimismo, la Galería Kewenig en Palmade Mallorca, está programando unainstalación específica de Ilya y EmiliaKabakov, para ocupar el Oratorio del sigloXVIII.

Nos encanta España, elambiente, la gente, los artistas.Juan Muñoz fue un gran amigonuestro y un gran artista, perono tenemos que citar ningúnartista español, fueron famososen el pasado y lo son en elpresente”

The red wagon, ilia and Emilia Kabakov.

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Es el autor de uno de los objetosmás copiados de la historia deldiseño: las vinagreras en forma

de matraz, de las que se han hecho mi-llones de copias. Ahora, 55 años des-pués de aquel diseño que le dio la fama,Rafel Marquina, arquitecto, escultor,y pionero del diseño en nuestro país,presenta en el FAD de Barcelona otrasvinagreras pensadas para la hostelería,que se exhiben en este octubre en Hos-telco, la feria de hostelería de la capi-tal catalana. Sus esculturas pueden ver-se en el fondo de arte Puntals d’Art,de la galería Cort de Banyoles, paradonde prepara una exposición de es-culturas.

¿Qué diferencia cree que hay entreel encargo a un diseñador industrialo a un arquitecto diseñador?Apenas ninguna. Las de más peso se-rían las de la naturaleza de los temasproyectuales y encargos recibidos, perola filosofía conceptual es la misma aemplear en los dos supuestos. Para unocomo para el otro, las característicasdel encargo son básicas para el resul-tado a obtener. Así como se acepta (nosiempre) la creación artística sin másmotivación que una satisfacción espi-ritual estética, “se hace arte por el arte”,jamás se ha hecho o no se debiera ha-cer, arquitectura para exhibir ni dise-ño para no utilizar.

Ahora presenta un nuevo diseño…A los 55 años de la primera lanzo unanueva vinagrera al mercado. La “newmarquina”, según el promotor. Está

pensada para la industria hotelera. Nin-guna de mis anteriores versiones hatenido un soporte recogedor del acei-te, por cuanto el diseño nació para queno gotearan con lo que hacía inútil laprevisión de su recogida.

¿De cuál de sus trabajos está más sa-tisfecho?No precisamente del que ha tenidomás éxito a través de los años. Desdeuna pieza de pan personalizada a unmono-vehículo a motor de tres ruedas,la variedad de diseños es tan notable,que siento dificultad de elección. Di-ría que mis mejores recuerdos y sen-saciones profesionales van ligados mása los efectos colaterales que a los in-mediatos. Mis posibles éxitos son aque-llos que han creado en el entorno “unclima-diseño” entre colaboradores in-

mediatos e incluso futuros que no hellegado ni a conocer. Empresas queme contrataron en su día para que lesdibujara un frasco para un producto yque años después fueron líderes de lainnovación en diseño. Camino que seinició con mi aportación inicial. No,el diseño no empieza con un dibujo,sino con una decisión.

Usted fue fundador de ADI FAD ¿Cuá-les fueron los obje-tivos?En los años cincuen-ta del siglo pasadoun grupo de arqui-tectos y otros profe-sionales afines, queen el fondo teníamosalgunas dudas de silo que estábamos ha-ciendo era diseño,nos reunimos y, en-tre otras iniciativas,invitamos al arqui-tecto italiano GioPonti a una estanciaen Barcelona. Gio,que había construi-do el edificio Pirellide Milán y tambiénunas sillas leves y deextraordinario dise-ño nos orientó sobrela organización pro-fesional del diseñoen Milán y el concur-so anual del Compas-so d’Oro, que inspi-ró nuestro Delta deOro. Aprendimos queel diseño era un fe-nómeno que empe-zó a mediados del si-glo XIX, en el mo-mento en que los

efectos de la Revolución Industrialaparecieron en la gran exposición deLondres en 1851. El concepto de di-seño todavía se discute hoy entre losprofesionales y muchos de ellos salende las escuelas sin saber que el dise-ño no es una actividad que esté ínti-mamente ligada con lo artístico, con-fusión que, en cierta forma, apoya laliturgia oficial que imparte clases dediseño en universidades de arte. Per-sonalmente, desde que en el año 1.955cuando presenté las primeras vinagre-ras no ha pasado un solo año que nohaya puesto un diseño en el mercado.Nunca me he propuesto mejorar losobjetos para hacerlos más bonitos. Nohago nunca nada que no pueda expli-car por qué lo hago, todo tiene quepoder contestar a la pregunta ¿Porqué? Si yo hubiese proyectado la to-

Rafel“El diseñoempiezacon unadecisión”

Marquina

diseño

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rre Agbar de Barcelona, porejemplarizar lo dicho, no po-dría explicar cómo se limpianlos cristales multicolores dela fachada… Los edificios confachadas de cristal serían másprácticos y apropiados si noexistiera la necesidad inelu-dible de limpiarlos a menudopor “el exterior”.

Cómo profesional ¿en qué co-rriente se situaría usted? Como todos los de mi genera-ción soy hijo espiritual de laBauhaus. Aunque fuere deni-grada después por el post-mo-dernismo, le sigo fiel. Las co-sas superfluas faltas de unamotivación lógica no me gus-tan entre otras cosas porqueno soy capaz de hacerlas. Situviera que utilizar algún ele-mento no justificable por lalógica de uso, no lo haría.

¿Cómo pasó de la arquitec-tura a la escultura?En el fondo fue por falta deencargo (sonríe). Altiempo una “rauxa”nostálgica y literariame autoexilió en unacasa pairal de Serin-yá que reconstruí conmentalidad de falsoterrateniente agríco-la. Como Oriol Bohi-gas vaticinó en su mo-mento el cambio nofue fructífero y la sa-lida de la inactividadprofesional me llevóa buscar consuelo enla actividad artística.Si el artista acostum-bra a serlo por su capacidad de sufri-miento, yo no seré jamás un gran ar-tista porque con la práctica de lo queentiendo por arte he sido extraordina-riamente feliz. No tengo una gran sa-tisfacción en mi vida arquitectónica,donde siempre he padecido la super-visión a veces entorpecedora y obs-tructiva por parte del cliente o de laadministración. Todo según la célebrepregunta incontestable: ¿quién es elautor del Monasterio del Escorial, He-rrera o Felipe II? De mi paso por elmundo arquitectónico recuerdo mi en-amoramiento pasional de lo que con-sidero un maestrazgo constante dequienes fueron capaces de proyectarla Capilla de Ronchamp o de afrontarcon éxito la reforma del Museo del Pra-do. ¿Sus esculturas son como proyectos

de arquitectura?La gran obra artística es producto dejornadas de sufrimiento. Puedo enten-derlo en algunos casos de mi vertien-te profesional pero dudo mucho si creoen lo que se dice de obtener un altogrado de consideración artística porcuanto el arte en lugar de hacerme su-frir me ha hecho disfrutar y mucho.Sobre todo, me ha salvado de esta tu-tela que en las otras actividades siem-pre ha pesado sobre mi trabajo. Peromi admiración por el artista más im-portante y trascendente del siglo XX,

Picasso, me ha llevado a conocersu obra desde el punto de vistamás de la renuncia de lo ya sabi-do que de aquello que sin saber-lo esperaba descubrir. El pintorClavé recientemente fallecidodecía que cuando estuvo en Pa-rís, Picasso nunca le habló de loque tenía que hacer, sino de loque no tenía jamás que repetir.Y Clavé volvió cambiado comoun calcetín. Es inconcebible elsufrimiento del artista ante la re-conversión interior por la quetuvo que pasar desde que pintóCiencia y Claridad hasta llegar alas Señoritas de Aviñón. Yo melimito a buscar la secuencia de lavisión del espectador en el espa-cio; mostrar el espacio es muyimportante pues su existencia,siempre presente, es en muchasocasiones desapercibida. En eldesierto por ejemplo, no hay es-pacio. Para reconocer el espaciohay que hincar un palo en el sue-lo y entonces acaba de nacer unespacio alrededor del palo. Enmis piezas construyo el espacio,que es lo que tiene una dimen-sión adecuada a la mirada. El es-

pacio es mi materia prima y mi inal-canzable meta espiritual. Quizá sea loúnico claro que tenga yo de mi intru-sión en el mundo artístico.

Hoy hay muchas escuelas y estudian-tes de diseño, ¿cree que hay espaciopara tantos diseñadores?Hay espacio, pero desafortunadamen-te no se aprovecha del todo. Las insti-tuciones dan subvenciones para em-plearlas en innovación, y el diseño loes. Hoy quien quiera hacer diseño en-contrará una ayuda porque el empre-sario ha comprendido que el diseño esuna parte de la industrialización. Ten-dría que haber lugar incluso para másdiseñadores. Cada día la finalidad dela profesión es más comprendida. Wi-lliam Morris inició el camino con unaxioma que luego ha sido mal inter-pretado “lo que hace la industria es feoy debiera ser bonito”. Raymon Loewy,diseñador del paquete blanco de loscigarrillos Lucky Stricke, dijo en losfelices treinta del siglo pasado: “lo feono se vende”, lo que condicionó al di-seño americano durante casi cuaren-ta años, en los que los automóviles, porejemplo, pasearon los cromados portodo el panorama del mundo occiden-tal, y la endogamia americana se aliócon el rechazo europeo para retrasarla aparición del buen diseño en todoel mundo occidental.

Marga Perera

Vinagrerasnew marquina.

Cubiertosmarquina.

“El empresario hacomprendido que el

diseño es una parte dela industrialización”