ARTE CHILENO EN TU COLEGIO. · 2015-05-05 · 1 ARTE CHILENO EN TU COLEGIO. ITINERANCIA DE...
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ARTE CHILENO EN TU COLEGIO.
ITINERANCIA DE EXPOSICIÓN ARTE COLONIAL.
SOBRE EL PROYECTO.
“Arte Chileno en tu Colegio” surge con el fin de proporcionar material
educativo de calidad complementario a la historia del arte en Chile, a través
de la exposición itinerante Arte Colonial, compuesta de doce reproducciones
de pinturas que corresponden a la colección colonial existente en nuestro
país conservada en los museos Colonial de San Francisco, Histórico
Domínico, La Merced, como también en el Monasterio del Carmen de San
José. En la colección destaca el proceso del mestizaje americano, apreciable
en el desarrollo de técnicas propias de nuestro continente, como también el
sincretismo religioso.
La itinerancia resulta una experiencia integral para alumnos y profesores, en
la que el museo se vive en cada colegio, iniciativa que apoya y fomenta el
uso de herramientas complementarias en el desarrollo de la educación,
actuando como un posibilitador de experiencias significativas.
“Arte Chileno en tu Colegio” es financiado por el Consejo Nacional de la
Cultura y las Artes, a través del fondo Fomento al Arte en la Educación 2012.
EL ROL DE LA PINTURA EN EL PERIODO COLONIAL
Contextualizar el arte colonial en Hispanoamérica, nos sitúa ante la reflexión
del proceso de sincretismo y mestizaje, por medio de la utilización de
imágenes e íconos religiosos, labor desarrollada por misioneros donde la
producción de imaginería para las capillas, es utilizada como medio de
inclusión indígena o, según la óptica del conquistador, con un carácter
civilizador. El proceso de construcción de identidad en la América colonial,
responde a dos posiciones: la preservación cultural del indígena moderada
por las relaciones con los misioneros y a la imposición de acuerdo a nuevos
códigos sociales y normas institucionales. En ambos casos el aborigen debe
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actuar por medio de la praxis adecuando su modo de vivir ante inminentes
relaciones, preservando de este modo su raíz cultural.
Un ejemplo de aquello corresponde a la serie de la vida de San Francisco,
donde apreciamos la interpretación, desde la experiencia y visión local, de
pasajes de la vida de un santo. Historias que hacen sentido en el espíritu
religioso del indígena y a su vez constituyen un medio de conservación de su
propia identidad, pues vemos en ellas representado el paisaje local, la
fisonomía de su gente y sobre todo la fusión y encuentro de dos mundos.
ACTIVIDADES CREATIVAS POR SEGMENTOS DE APRENDIZAJE
Las siguientes actividades corresponden a un complemento educativo en la
realización de actividades para alumnos bajo el contexto de desarrollo de la
itinerancia de exposición “Pintura Colonial”.
1º - 4º BÁSICO
Personificando una moda colonial
Actividad para dar a conocer la pintura colonial a través del reconocimiento de
características formales de las vestimentas, en el uso de elementos
característicos del estilo y su forma de vida. Confecciona junto a tus alumnos
objetos y vestuarios que se hayan visto en los cuadros, dando ejemplos como
la peluca de los españoles, la decoración en la cabeza de los indígenas, el
cuello de vuelos blancos, sombreros o tocados de pluma.
Materiales:
-Cartón forrado. Realizar cortes tipo cinturón, brazalete o cintillo.
-Tijeras
-Plumones de color
-Corchetera
-Papel de color (opcional para pegar como decoración)
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Presentación y motivación audio visual:
Contextualizar el desarrollo de la exposición con preguntas de acercamiento
relacionadas al origen de la pintura en Chile y América, desde sus
antecedentes históricos precedidos por el desarrollo de la conquista y la
utilización de pinturas como elemento difusor de la religión. Reflexionar
sobre el proceso de sincretismo cultural destacando el modo de vida
indígena y los cambios que acontecen con la irrupción del conquistador.
Iniciar esta etapa motivacional con la exhibición audiovisual de: América
colonial. El recorrido de la muestra se realizará en torno a la búsqueda de
elementos representativos de una moda colonial, no solo en vestimentas
sino también en términos del uso del color, del mismo modo accesorios y la
representación de ángeles y textos. Finalmente la actividad práctica
consistirá en hacer objetos de vestimentas que se han visto en los cuadros,
dando tres opciones, la peluca de los españoles, la decoración en la cabeza
de los indígenas y el cuello de vuelos blancos. Opcionalmente se pueden
hacer también joyas, aunque no hayan sido vistas en la visita. Apoyar
principalmente en hacer las estructuras de pelucas o plumas, es posible
agregar color con papeles de colores, proponer hacer otros objetos si algún
niño no se interesa en los propuestos o a complementarlos con los cuellos.
Relato sugerido:
Hoy conoceremos obras muy especiales realizadas hace ciento de años, se
trata de la pintura colonial que nos enseña el origen de la pintura en Chile y
América, periodo de la historia que encuentra a dos culturas, la indígena
originaria de América y la Europea traída por los conquistadores Españoles.
Antes de comenzar nuestro recorrido por la exposición observaremos un
video que nos contará más antecedentes de ésta América colonial.
¿Les ha gustado? Yo creo que es muy interesante como los pintores han
representado a los indígenas y los españoles cuando llegaron a América.
Ahora ya podemos ir a ver las pinturas, pero antes otra pregunta: ¿Cómo
sabe una persona cuando está frente a un cuadro antiguo, o incluso cuando
está frente a una pintura colonial? Es una pregunta bastante lógica la que
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hago, ya que no siempre los cuadros tienen las fechas. Es más, podríamos
estar frente a un cuadro antiguo, pero ¿cómo sabemos que es colonial? Debe
haber varias formas de saberlo, pero yo conozco una que nunca falla. La
moda. ¿Saben ustedes qué es la moda? Claro que sí, es la forma de vestir y
los gustos de las personas que van cambiando según cada época. ¿Quieren
descubrir la moda colonial? ¡Vamos a ver!
Frente a Virgen de La Merced con Santos de la Orden
¿Se acuerdan lo que pintaban los artistas de esta época? Pintaban ángeles y
santos principalmente. ¡Miren, que mujer tan bonita! ¿Quién será ella? Claro
que sí, es la Virgen. Yo he visto muchísimos cuadros donde aparece ella y
siempre la pintan muy bonita y con su velo, pero ¿saben qué tiene este de
especial? Veámoslo. ¿Dónde está ella? Pareciera que está como volando, pero
no, está sobre algo. ¿Ven lo que es? (Esperar respuestas y continuar) Es como
un árbol, un árbol de colores muy bonitos ¿Qué colores posee? Eso es algo
importante, a los pintores de esta época les gustaba mucho usar colores vivos
y llamativos, debido a que eran los colores de América, un continente lleno de
selvas, flores y colores. Yo diría que dentro de la moda colonial, el color fue
muy importante. Veamos más. Por aquí hay un cuadro que nos muestra a los
indígenas de aquella época ¿se imaginan cómo pueden ser? ¿Se vestirán igual
que los españoles? ¿Tendrán los colores de la Virgen? (Buscar el cuadro
hasta que ellos le encuentren)
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Frente a Fray Bartolomé de las Casas
Aquí están. ¿Cómo saben que son ellos? (Esperar respuestas y continuar)
Por su color de piel, por su forma de vestir, parecen muy distintos a los
señores que están al otro lado del cuadro. ¿Están desnudos? No, usan un traje
sencillo, pero muy bonito y que parece que sirve para el calor ¿habrá hecho
calor en América? Debe ser. Y en su cabeza ¿será un sombrero? No creo que
se llame así, debe ser un adorno y parece que lo usan principalmente los
hombres ¿se ven bien? ¡Claro que sí! Veamos los hombres del otro lado del
cuadro ¿cómo se visten? ¡Muy distinto! ¿Estarán en lugar que hace calor,
como América? Parece que no. El señor del centro tiene una corona ¿quién
será? Debe ser el rey. ¿Y los demás, tienen corona? No, ellos usan algo
especial en la cabeza, tienen el pelo blanco. ¿Será que su pelo es así, blanco y
rizado? ¡No, es una peluca! En esta época, entre los españoles, era una
costumbre usar pelucas blancas como esa, hombres y mujeres las usaban
para verse más elegantes ¿les funciona? ¿Hoy en día, ustedes usarían una
peluca como esa? Yo creo que no, porque está pasado de moda, solo se usaba
en La Colonia. Sigamos conociendo más de estas pinturas.
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Frente a Genealogía de Santo Domingo
Miren este cuadro, nos muestra a varias personas, algunos de ellos están
sobre un árbol, todos ellos se visten igual porque son religiosos, usan sus
trajes de religiosos. Los que están adelante no lo son, se visten como las
personas de su época. Si se fijan ambos usan capas sobre sus ropas. Y él
lleva como una especie de armadura. ¿Usa peluca? No, mejor usa un
sombrero. Lo que sí es interesante es el cuello que él lleva, un cuello
blanco con muchas vueltas pequeñitas. ¿Y ella? Ella usa un vestido muy
simple que parece bastante largo.
Aparte de las vestimentas, habíamos hablado del color que usaban en
estas pinturas ¿recuerdan? Hay otra cosa que también usaban muchos lo
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pintores de esta época… ¿Hay algo que llame su atención? (Dirigir la
búsqueda hacia el medallón) Esto que está aquí ¿qué es? Es un texto,
salía en la película ¿recuerdan? Otra moda de la época, incluir en las
pinturas textos para que las personas los pudieran leer. Se llamaban
medallones y a veces los hacían con flores a su alrededor y otras veces
los enmarcaban, los pintores hacían para todos los gustos. Muchos de
ellos eran sostenidos por angelitos,
Frente a San Francisco niño da pan a los pobres
Vean que en casi todos los cuadros están estos medallones. Aquí hay otra
obra que nos muestra lo diferente que es la moda de esta época. Fíjense
en este cuadro, hay muchas personas cerca de una mesa, algunos muy
elegantes y otros no tanto. Vean, ¿por qué esa persona es tan pequeña?
¡Es un niño! Es como si el pintor hubiese pintado al niño igual que a los
grandes, pero de un tamaño más pequeñito. ¿Y cómo se viste él? Se viste
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igual que las personas adultas que están cerca, con una ropa muy
adornada, con una chaqueta llena de bordados y con las manga anchas
¿será cómoda esa ropa para ir luego a jugar? Yo creo que no, mejor unas
buenas zapatillas y jeans, como hacemos hoy en día, pero en fin, parece
que en esa época los niños tenían la misma moda que los adultos, pero
seguro que igual jugaban. ¿Y qué está haciendo el niño? (Esperar
respuestas y continuar) Parece que comparte su comida con personas
que visten de manera menos elegante, de hecho algunos de ellos usan
bastones, tal vez tienen problemas para caminar. ¿Y este cuadro, tiene
medallón? Sí tiene, pero no con flores como el otro, sino que con un
marco como de madera.
¿Les gustan estas pinturas? Yo creo que a medida que vamos viendo
pinturas de distintas épocas podemos ver cómo eran las modas del
pasado, eso es muy interesante, podríamos pensar que el arte ha estado
siempre a la moda. Ahora les invitaré a hacer un juego que nos permitirá
sentirnos un poco como se sentían estas personas, en la época de “la
Colonia”.
Como les decía, la idea ahora es que, aunque esté pasado de moda,
podamos ponernos objetos como las pelucas de los españoles o las
plumas en la cabeza de los indios. Yo creo que si nos ponemos eso,
podríamos vernos un poco como ellos se veían. El problema es que no
tengo nada de eso aquí, pero con estos materiales estoy segura que
podremos fabricarlos nosotros mismos. Antes de que llegaran yo estaba
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haciendo mi modelo de peluca ¿Cómo me veo? ¿Suficientemente
colonial? Puede ser. Vamos a fabricar nuestros objetos coloniales.
5º - 8º BÁSICO
Un día con los santos
El objetivo es conocer la pintura colonial, contextualizando la época y las
motivaciones de los artistas para sus creaciones, donde los misioneros
representan el contacto más importante entre españoles e indígenas.
Analiza aspectos de fusión cultural representada en el proceso de
mestizaje tanto cultural como social. La actividad propone realizar un
personaje ficticio con las características de un santo o un héroe vinculado
a un elemento o poder especial para ayudar a los demás. Realizar un
retablo kitsch sobre cartón, donde el personaje sea pegado en relieve
respecto al fondo.
Materiales:
-Cartón piedra 25 x 20 cm
-cartón forrado
-Tijeras
-Plumones de color
-Cinta adhesiva
-Brillantina (opcional para pegar como decoración)
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Presentación y motivación audio visual:
Contextualizar el desarrollo de la exposición con preguntas de
acercamiento relacionadas al origen de la pintura en Chile y América,
desde sus antecedentes históricos precedidos por el desarrollo de la
conquista y la utilización de pinturas como elemento difusor de la
religión. Reflexionar sobre el proceso de sincretismo cultural destacando
el modo de vida indígena y los cambios que acontecen con la irrupción
del conquistador. Iniciar esta etapa motivacional con la exhibición
audiovisual de: América colonial. El recorrido de la muestra se hará en
torno a la búsqueda de elementos representativos de una moda colonial,
no solo en vestimentas sino también en términos del uso del color, del
mismo modo accesorios y la representación de ángeles y textos. La
actividad consistirá en realizar en grupos de cuatro niños la
representación de la vida de un personaje ficticio que ellos inventen en
torno a destacar una virtud. Este personaje será el santo de la virtud
que ellos consideren importante (dar ejemplos simples y concretos:
santo de la ecología, de la amistad, de la música, etc.) En un formato de
medio pliego, a través del collage representarán a ese personaje
inventándole una vestimenta especial y poniendo alrededor objetos que
sean parte de sus atributos. Se puede incluir textos explicativos y
utilizar recursos como repetir personajes, mezclar elementos o
cualquiera que se relacione a las obras de la muestra.
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Relato sugerido:
Hoy veremos pinturas muy especiales que estarán en la escuela por un
tiempo, pues son parte de una exposición temporal que nos visita desde
el Museo Artequin Viña del Mar. Se trata de copias fotográficas de
cuadros muy antiguos, que se encuentran en los principales museos del
país. Estas obras son muy importantes, porque nos muestran un mundo
muy diferente al nuestro ¿han visto pinturas antiguas? ¿Qué pintaban
los artistas en la antigüedad? Podríamos decir que muchas cosas,
pintaban personas, paisajes, objetos, etc. Pero estas pinturas son
especiales porque fueron hechas no en Europa, que es el lugar donde se
hacían las pinturas antiguas, sino que en América, el lugar donde
vivimos.
¿Saben ustedes qué celebramos todos los 18 de septiembre en nuestro
país? Muy bien, celebramos la independencia de Chile, pero
¿independiente de quién? De España, a quienes algunos llaman la
madre patria. ¿Saben lo que eso significa? Qué antes de España Chile no
existía. No existía como país, pero sí como territorio. Hace casi 500
años, sin españoles ni chilenos, el lugar donde vivimos estaba habitado
por diferentes pueblos originarios, que vivían de muchas maneras, pero
un día los españoles, con ganas de viajar y conocer, llegaron hasta
nuestras tierras y comenzaron a vivir aquí, a veces de manera pacífica y
otras veces en guerra con los indígenas. En ese momento comenzó el
llamado período colonial, que duró más de 200 años. ¿Y por qué les
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cuento todo esto? Porque como les dije, veremos unas pinturas muy
antiguas, que justamente pertenecen a esa época. Pero antes de eso
vamos a ver una película que nos cuenta mucho mejor esa historia.
Mostrar audiovisual América Colonial.
¿Qué les ha parecido? La Colonia es un período largo en nuestra historia
que finaliza cuando Chile se forma como país y es eso lo que celebramos
este año. Pero sin duda, pese a ser un período largo, podemos conocerlo
mucho mejor a través de lo que los artistas de esa época nos muestran,
es por eso que los invito a conocer la exposición.
¿Se acuerdan en la película, qué pintaban los artistas de la Colonia?
Principalmente escenas religiosas, es decir vírgenes, cristos y santos.
¿Han visto pinturas así? Usualmente, cuando visitas una iglesia, puedes
ver cuadros muy antiguos que son parecidos a estos. ¿Recuerdan por
qué se pintaban motivos religiosos? Principalmente porque era la
manera de cambiar la mentalidad de los indígenas. Al principio los
pintores eran extranjeros, venían de Europa, pero con el tiempo estos
les fueron enseñando a personas que habían nacido aquí, y que por ser
hijos de españoles e indígenas eran llamados mestizos. Entonces la
pintura comenzó a ser hecha por pintores mestizos. ¿Saben lo que
significa la palabra mestizo? Viene de mezcla, y se usa para personas de
diferentes razas o para culturas de diferentes orígenes. Chile es un país
mestizo y nuestra pintura también lo es.
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Frente a Fray Bartolomé de las Casas
Los pintores coloniales gustaban mucho de pintar episodios de la vida de
los santos. ¿Saben lo que es un santo? Una persona que ha dedicado su
vida a una ideología en particular y que los demás han considerado
especial. No cualquiera es santo, pasan años en que los demás decidan
si alguien puede serlo o no. Lo interesante, es que estos santos vivieron
hace siglos y hoy en día la gente sigue contando sus historias, se
transforman un poco en leyenda. Cada uno de estos cuadros pertenecen
a series, los pintores hacían grandes cuadros donde mostraban la
importancia de cada santo. Por ejemplo vean a este. Se llamó
Bartolomé, miren lo que hace (esperar respuestas y continuar). El
cuadro está dividido en dos y parece que Bartolomé ha sido pintado en
cada mitad del cuadro ¿se puede pintar a una persona dos veces en un
mismo cuadro? Parece que sí, ellos lo hacían. ¿Qué hace aquí
Bartolomé? ¿Cuál de todos estos hombres es él? (mitad derecha de la
obra) Ese es, muy bien. Está con otras personas explicándoles algo.
¿Serán importantes esas personas? Por su ropa pareciera que sí. ¿Quién
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es el del medio? Debe ser el rey, pues tiene una corona. Parece que
Bartolomé les cuenta algo a todo ellos, pero yo no sé que será. Y al otro
lado, ¿qué hace Bartolomé? Esta rodeado de un grupo de gente bien
diferente a él. Son los indígenas que vivían en América, que usan poca
ropa y tiene la piel más oscura. ¿Qué les dirá? ¿Se acuerdan que les dije
que en todo este tiempo muchas veces los españoles estaban en guerra
con los indígenas? ¿Se ve como si Bartolomé estuviera en guerra con
ellos, le tendrán miedo? Yo creo que no, pareciera incluso que lo
respetan y le consideran especial. ¿Les comenté que en alguna medida,
cada santo es especial por poseer una virtud que lo diferencia de los
demás? No es exactamente como si fuera un poder, como los
superhéroes, sino más bien porque algo positivo destacaba de su forma
de ser y por eso la gente los admiraba. ¿Saben cuál fue la virtud de
Bartolomé? Entender, en una época en que para la gente era difícil de
entender, la idea de que todas las personas son muy importantes y
deben ser respetadas, sin hacer diferencias. Él es reconocido por eso,
por haber defendido a los indígenas de algunas ideas europeas en las
que se les consideraba inferiores, ¿se imaginan eso?
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Frente a El Milagro de las Golondrinas.
Vean este otro cuadro. Es parte de más de cincuenta pinturas que
narran la vida de un santo muy conocido, San Francisco de Asís. Dicen
que cuando él era niño intentaba siempre ayudar a las personas más
pobres, de hecho en otro cuadro lo pueden ver de niño compartiendo su
pan junto a los pobres. Pero además de eso, al crecer, Francisco
desarrolló una gran conciencia por cuidar y respetar a los animales, al
agua y a la tierra. ¿Toda la gente cuida los animales? No
necesariamente, hay gente que piensa que son seres inferiores al ser
humano, sin embargo Francisco pensaba en ellos como hermanos,
iguales a él. Incluso dicen que en ocasiones, podía comunicarse con
ellos. ¿Podemos comunicarnos con los animales? Es un poco difícil, pero
quienes tienen mascotas seguro que saben cuando ellas están
contentas, tristes o cuando nos demuestran su cariño. San Francisco
podía comunicarse con todos los animales ¿se imaginan eso? ¿Qué hace
en el cuadro? Está junto a un grupo de personas, hablándoles. Parece
tener una conexión especial con las golondrinas que se reunieron para
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darle un poco de sombra a él y al grupo de gente que le escuchaba.
¿Saben? Francisco vivió 400 años antes de que pintaran este cuadro, o
sea que el pintor que lo hizo nunca conoció su rostro, sino que tuvo que
imaginarlo. En general estas obras fueron hechas para eso, para dar a
conocer la vida y las virtudes de los santos. En ocasiones, los pintores
tenían trucos especiales para que la gente entendiera estos cuadros,
¿quieren ver a qué me refiero?
Frente a San Juan de Colonia.
Observen este, un cuadro bastante especial. Él se llama Juan de Colonia
y es también un santo, pero yo quisiera saber ¿lo que está pintado, será
un episodio de la vida de Juan? ¿Será posible que en algún momento de
su vida él haya estado así, de pie con un cuchillo clavado en su cuello?
Yo creo que eso es imposible. En verdad, este es el truco al que me
refiero, muchas veces los pintores para poder comunicarnos sus ideas
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utilizaban símbolos. ¿Saben lo que es un símbolo? Es algo que
representa a otra cosa, una imagen que posee un significado más allá
de lo que vemos. ¿Qué significará que Juan tenga una espada en su
cuello? Brevemente les puedo contar que él es conocido por haber
intentado hacer conocida su iglesia en países donde no la aceptaban,
resistiendo agresiones de quienes no estaban de acuerdo con los
pensamientos de su iglesia. La espada en su cuello nos demuestra
cuanto sufrió durante la persecución que tuvieron los de su iglesia. ¿Hay
otro elemento que simbolice lo mismo en el cuadro? ¡Claro! El monje
ahorcado allá al fondo. ¿Y la copa en la mano? ¿Han visto en la misa
copas así? Yo creo que debe ser el símbolo de que él protege a su
iglesia. ¿Y el templo chiquitito en la otra mano? Lo mismo, como si fuera
pequeñita protege a su iglesia entre sus manos. ¿Vieron quién es la
persona que está atrás leyendo? Es él mismo ¿Qué significará?
(Esperar y comentar las respuestas de los niños)
En general, estas pinturas nos muestran a personajes que vivieron hace
muchos siglos, nos van contando sus historias a través de símbolos, de
textos, de elementos fantásticos que casi siempre fascinaban a las
personas, por eso estas pinturas son importantes. Pero también a
nosotros, nos hablan de una época muy antigua, una época en la que
aquí en Chile no se conocía la pintura, no se practicaba, siendo estas las
primeras pinturas que llegaron al país. ¿Les gustan a ustedes también?
Ahora les invitaré a que hagamos una actividad práctica con lo que
hemos aprendido.
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Realizaremos un trabajo bien parecido a lo que hacían los pintores de
aquella época. En grupos de cuatro alumnos, haremos una obra que
represente a un santo que nosotros mismos inventaremos. Este santo
puede ser un niño, una niña, un adulto o una persona mayor, como
prefieran, lo importante es que debe tener alguna virtud que solo se
notará por los elementos que pongamos a su alrededor. Tal como Juan
de Colonia, los demás deberán saber santo de qué el que hagamos solo
por los símbolos que posea. Si mi grupo y yo decidimos hacer el santo
de la amistad, ¿qué elementos deberemos poner para que se note?
¿Cómo podrá estar vestido? ¿En qué lugar los ponemos y haciendo qué?
¿Con qué colores pintamos su ropa y su entorno? Todas esas preguntas
se deben hacer para tomar las decisiones correctas. Pueden incluir un
texto corto, pueden mezclar papel, recortes y lápiz en su obra, es
bastante libre el trabajo que hagan, lo fundamental es que los demás
descubran la virtud de nuestro personaje gracias a sus símbolos.
ENSEÑANZA MEDIA
Colonia, iconos y símbolos
Actividad para dar a conocer el simbolismo e influencias de la pintura
colonial, analizando los elementos característicos de Europa como la
influencia del Barroco, por medio de la apreciación del relato pictórico
presente en la representación de un santo como un icono y el relato de
su vida en pasajes menores. Desarrolla un ejercicio de stencil simbólico
que narre la historia de un personaje contemporáneo. Trabajo colectivo,
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donde cada grupo representa un relato diferente a partir de la utilización
simbólica de la imagen.
Materiales:
-Micas transparentes diversos tamaños
-Plantillas de Stencil
-Cartón Corrugado 1.20 x 77 cm
-Cartoneros
-Pintura (Témpera con cola fría)
-Rodillos
Presentación y motivación audio visual:
El recorrido propuesto se realizará de manera más libre que en las
actividades anteriores, siendo del mismo modo aplicable a alumnos de
séptimo y octavo año. El objetivo es destacar algunos conceptos ligados
a la producción y utilización de obras pictóricas durante el periodo
colonial, proponemos los siguientes puntos reflexivos:
- Temática religiosa como proceso evangelizador
- Anonimato v/s reconocimiento del artista
- Realismo v/s idealización
- Interés en los materiales por sobre las temáticas de las obras
- Contextualización de temáticas extranjeras a formas locales.
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La actividad consistirá en crear una imagen, a través del stencil,
representativa del mestizaje, a partir de dos elementos o símbolos
reconocibles de nuestra época. Para la realización del ejercicio enfatizar
la idea del simbolismo de las imágenes y su fusión con otras para crear
un nuevo significado. A diferencia de la pintura colonial, en este ejercicio
primará la síntesis. Mostrar un ejemplo ya realizado. Al finalizar,
comentar las obras.
Relato sugerido:
Jóvenes, hoy podremos conocer una muestra que ha sido especialmente
hecha con un objetivo educativo, pues está compuesta de
reproducciones fotográficas de pinturas hechas durante la colonia. Lo
que veremos entonces es un brevísimo resumen de cómo era la pintura
hace más de 200 años. ¿Conocen la pintura colonial? Durante La Colonia
no sólo se realizó pintura, sino también escultura, pero a través de la
pintura podremos conocer cuáles eran los intereses artísticos de la
época. La Colonia es un período largo en nuestra historia que comienza
con “La Conquista” del continente por parte de españoles
principalmente, que en Chile duró varios años debido a la resistencia de
los araucanos y termina con las primeras organizaciones institucionales
que dan paso a la Primera Junta de Gobierno. La pintura en nuestro
continente no se conocía con el concepto del cuadro, concepto
puramente europeo, las primeras pinturas en llegar aquí fueron cuadros
barrocos con motivos religiosos traídos de Europa que pronto serían
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imitados por artesanos indígenas y mestizos que conformaron los
talleres de arte.
El barroco europeo traído a América sufrió modificaciones importantes
durante su adaptación, pues los pintores mestizos realizaron el
significativo trabajo de conciliar la importación europea a la realidad
americana. ¿En qué consistía esa importación? La pintura barroca que
llegó a nuestro continente poseía temática religiosa, el uso expresivo de
la forma y el color, la búsqueda de representación de la realidad y en
general, una larga tradición pictórica que había sufrido muchas
modificaciones desde el Renacimiento. Pero en América, pese a que se
mantuvo la temática religiosa, la forma y el color fueron utilizados con
un objetivo distinto al estético, como se trabajaba, y la representación
de la realidad fue cambiada por una idealización de las formas, de
manera incluso ingenua en ocasiones.
Analicemos. ¿Por qué la temática religiosa tuvo arraigo en el nuevo
continente? Quienes colonizaban eran europeos y es natural que durante
su estadía en América fuesen sus costumbres las que quisiesen imponer,
¿imponer a quién? Durante el proceso de colonización, los extranjeros
se vieron enfrentados a distintas culturas indígenas que existían en toda
Latinoamérica, siendo algunas más fáciles de conquistar y subyugar que
otras. La temática religiosa católica, desconocida en América, sería
fundamental para iniciar a indígenas y mestizos en las costumbres
europeas y la pintura era la mejor manera de acceder a esa temática de
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manera amable y didáctica. Es por eso que si analizamos formalmente
muchas de estas pinturas algunas nos parecerán muy llamativas
visualmente y otras un poco ingenuas en su realización. Algunas incluso
utilizan recursos simples y narrativos con el fin de entregar mensajes
claros. Lo que veremos son doce pinturas hechas en diferentes lugares,
principalmente en el Cuzco, Perú y en Quito, Ecuador, dos de los
principales centros de producción artística de la época, que en la
actualidad pertenecen a museos y conventos y que en sus temáticas nos
muestran a figuras religiosas conocidas.
Otro punto importante que veremos es cómo muchas de estas obras
son hechas por grupos de pintores, por talleres o incluso son atribuidas
a alguien, es decir, sin autoría reconocida. Es importante este punto si
pensamos que la tradición europea que impulsó la pintura americana
llevaba ya bastante tiempo en destacar la idea de que la obra de arte
era realizada por un artista y no un artesano, es decir que la visión, las
creencias y los conocimientos de la persona que realizaba la obra de
arte eran fundamentales en la individualización de esta, separando
radicalmente la pura idea del hacer –como el artesano- al hacer y
pensar en conjunto, como en el caso de un artista. Esta separación hizo
que la pintura anónima ya no fuera usual en Europa durante los siglos
XV y XVI, siendo importante para cada artista reconocer su creación
como parte de su autoría, concepto que en América costó un tiempo
instalar. Para recorrer la muestra iremos buscando elementos
representativos de lo que fue la pintura en La Colonia a través de estas
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obras cuyos originales pertenecen al Museo de La Merced, a la serie El
Santoral Domínico, pintura quiteña, del Museo Histórico Domínico, a la
Serie de la Vida de San Francisco, pintura cuzqueña, del Museo Colonial
de San Francisco y a la Serie Grande de Santa Teresa, cuzqueña
también, colección conservada en el Monasterio del Carmen de San
José.
Es interesante también pensar que las manifestaciones artísticas que
existían en América eran basadas en la síntesis y en la geometría, con
tendencia a la funcionalidad –pensemos en tejidos, cerámicas y objetos
en metal- teniendo estos objetos una fuerte carga simbólica que
contrastaba con las representaciones realistas que traía la pintura
europea. Es así entonces, como al no comprender estas
manifestaciones, gran parte de la producción americana fue destruida,
apropiándose al poco tiempo los indígenas de las formas artísticas
traídas de Europa. ¿De qué modo se apropiarían? Las temáticas fueron
las mismas, pero no su forma de hacerlas. Al tiempo fueron
incorporando materiales originales de América en la producción de estas
pinturas, como también la fisonomía de los personajes fue cambiando
hacia rasgos indígenas. Otro cambio importante fue también la
incorporación del color, colores fuertes y llamativos propios de culturas
de climas más cálidos. Pero para entender estos aspectos es mejor que
vayamos deteniéndonos en cada obra. Veamos.
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Frente a Virgen de La Merced con Santos de la Orden.
Les comenté que las obras pertenecían a cuatro colecciones. Las tres
primeras pertenecen al Museo de La Merced, que contiene pintura,
imaginería religiosa y orfebrería de los siglos XVII al XIX, principalmente
de Quito y el Cuzco, pertenecientes a la orden de los mercedarios en
Chile, orden católica fundada en España durante la Edad Media. Esta es
la Virgen de La Merced, como ustedes saben las vírgenes poseen
distintos nombres y distinta iconografía según el lugar de donde
proviene, es decir, donde ha tenido su aparición.
¿Qué es la iconografía? Es el estudio de las imágenes y lo que estas
representan. Es importante cuando vemos este tipo de imágenes poder
analizarlas con todos sus elementos, pues si se dan cuenta, verán que
además de narrativas, estas obras poseen muchos elementos simbólicos
que habitualmente son de fácil lectura.
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¿Han visto otras representaciones de la virgen? Nosotros manejamos
varias imágenes de ella, no necesariamente de manera consciente, la
imaginería religiosa es algo muy popular en Latinoamérica y proviene
más que del cine, de la pintura. ¿Pero de qué pintura, americana o
europea? En general, la gente maneja en su cabeza vírgenes clásicas,
de Rafael y otros pintores renacentistas, ¿recuerdan alguna? ¿Parece
esta una virgen clásica? Yo diría que por su aspecto, se nota que fue
hecha en América y no en Europa ¿porqué creen que digo eso? Ella
posee la actitud que tiene siempre la representación de la virgen de la
merced, una actitud protectora cobijando, en este caso, a los santos que
la veneran, pero diferencia de otras, ella está representada en una
planta de colores y formas bastante inusuales, saliendo desde la flor de
la planta. Por sus características debe ser una planta nativa de América,
vean el color y el grosor de sus hojas. Vean también como son
representados los santos, son más pequeños y desproporcionados en
relación a ella. Lo que llevan en sus manos es también parte de su
iconografía, son símbolos que tal vez para nosotros son difíciles de
entender, pero que entre sus fieles reconocen de inmediato. Aun así,
podemos suponer, recuerden que en general, estos símbolos son de fácil
lectura pues su objetivo era entre otros, evangelizar. ¿Por qué lleva él
una iglesia chiquita en las manos? Puede ser el fundador de la orden.
Veamos otra colección.
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Frente a La Transverberación y Éxtasis ante el Obispo de ávila
Estas dos obras que siguen pertenecen a otra colección, una serie,
llamada Serie Grande de Santa Teresa, que fue hecha en el Cuzco
durante el siglo XVII por seguidores de un importante pintor de la
época, es por eso que si ven la cedula dice fue hecha en el taller de José
Espinoza, no por él. El nombre de la serie, compuesta por trece cuadros,
se debe a que miden aproximadamente dos metros de alto, existiendo
también la Serie Chica, de menor tamaño. Estas obras se conservan
actualmente en un monasterio en Santiago, perteneciente a la orden de
las Carmelitas Descalzas y fue traída desde Perú con motivo de la
fundación del primer monasterio durante el mismo siglo. Los trece
cuadros narran la vida de Santa Teresa de Ávila y ustedes verán, con los
cuadros que siguen, que es usual en la época hacer series sobre la vida
de algunos santos, al principio por dar a conocer a estos personajes y
sus características de entrega y devoción a la iglesia, pero
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posteriormente estas temáticas se van volviendo populares, gustan a la
gente y entonces se realizan por pedidos.
Santa Teresa es una santa conocida por la gente y la transverberación
es una de las razones por la que se le conoce. Se trata de una
experiencia mística en la cual el corazón de la persona es atravesado
por una espada que le hace sentir, a través del dolor, una comunión con
el sufrimiento de Cristo. La relación entre el dolor y el éxtasis producido
por este es algo que se repite en la iconografía católica, lo verán en
otros santos que demuestran su amor a dios a través del castigo
corporal. La transverberación de Santa Teresa ha sido representada por
muchos artistas en pintura y escultura europea barroca y el elemento
formal que destaca en cada una es el movimiento con la que se
representa, asociando siempre el movimiento –dado por la composición
y el color- con el éxtasis que alcanza durante el proceso. ¿Perciben en
esta obra el movimiento del que hablo, trabajo con la composición y el
color? Es de hecho una de las obras de la serie que más movimiento
visual posee y que está marcado por las líneas de composición
diagonales que la forman, sin embargo, comparada a la pintura
europea, resulta estática y un poco ingenua en su estructura. Al pintor
americano no le interesó al principio adoptar el realismo con el que se
trabajaba en Europa, sino que realizaba más bien una pintura simbólica
que tendía a idealizar las formas, muchas veces sin fijarse en las
proporciones, como veíamos con los santos de la Virgen de La Merced o
como podemos ver en la construcción de la habitación de la otra obra de
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Santa Teresa, donde la perspectiva y las proporciones son bastante
ingenuas. Los pintores alcanzaron buen oficio, pero probablemente el
carácter simbólico del arte americano precolombino todavía pesaba en el
siglo XVII por sobre el realismo europeo.
Frente a San Juan de Colonia y Genealogía de Santo Domingo.
Ahora veamos tres obras pertenecientes a la serie El Santoral Domínico,
compuesta por 48 cuadros de gran formato que muestran a santos y
beatas de la orden de los domínicos, serie que forma parte de un
encargo hecho por sacerdotes domínicos a Antonio Palacios pintor
ecuatoriano, con la idea de evangelizar. 37 de estas obras se conservan
actualmente en el Museo Histórico Domínico, institución que administra
las piezas artísticas de la orden.
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Fray Bartolomé de las Casas
Comparemos la proporción y perspectiva de la Serie Grande a esta otra
serie, hecha casi 160 años después que la anterior. ¿Es similar? Creo
que hay bastantes diferencias en términos plásticos, podríamos decir
que estas son mucho más realistas, con figuras bien proporcionadas e
incluso con cánones un poco más europeos en la fisonomía de sus
personajes. La diferencia de años en la factura de una y otra es
fundamental y naturalmente la influencia europea en nuestra pintura fue
muy fuerte durante estos siglos, por el constante viaje e intercambio de
obras. Si vemos bien la fecha de estas últimas obras podemos darnos
cuenta que fueron hechas en pleno período de formación de las
repúblicas, cuando América comienza a independizarse de sus
colonizadores, pues habían pasado ya veinte años de nuestra
independencia cuando estos cuadros fueron encargados y algunos años
menos en que Ecuador era ya un estado también. ¿Es entonces pintura
colonial? (Esperar respuestas y continuar) Lo es ya no por período
sino por estilo, por eso hablamos de que esta serie es de estilo quiteño.
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Es lógico que con los nuevos estados la pintura también cambiara hacia
otros intereses ya no religiosos, sino con nuevas temáticas, pero todas
forma parte de un proceso y fueron años de cambios y de nuevas
experiencias hasta terminar por completo con la temática religiosa.
¿Estas pinturas, se parecen a las anteriores? Las de Santa Teresa
mostraban episodios específicos de la vida de la santa, estas obras en
cambio parecen más simbólica y ya que no es parte de una serie sobre
la vida de San Juan de Colonia sino sobre santos domínicos, debe
resumir en una obra lo que caracterizó al santo, es por eso que -
utilizando los códigos propios de la pintura colonial- nos muestra de
manera simbólica el porqué fue importante San Juan de Colonia. Él fue
un santo alemán del siglo XVI que cómo sacerdote pidió ser trasladado a
Holanda, lugar donde los católicos sufrían persecuciones por parte de los
protestantes, es decir fue un defensor de la iglesia católica siendo
martirizado y posteriormente canonizado por esta razón. ¿Qué significan
sus símbolos? Por ejemplo la daga en el cuello, la maqueta de la iglesia
en su mano, el monje colgado atrás en el paisaje. Todos ellos hacen
referencia al martirio y a la defensa de su iglesia. ¿Recuerdan que dije
que la pintura era narrativa? Otro recurso era pintar al mismo personaje
más de una vez, es por eso que aparece atrás, en otro momento de su
vida, mientras estudiaba. ¿Qué significará eso? (Esperar respuestas y
continuar) Había mencionado también los códigos propios de la pintura
colonial ¿Hay algún elemento que noten se repita en uno y otro cuadro?
(Esperar respuestas y continuar) El medallón, el uso de textos para
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explicar lo que la imagen ya explica, siendo aún más narrativa la
pintura. ¿Por qué se usaba? Recuerden que además de que estas
pinturas tuviesen un valor estético eran principalmente evangelizadoras,
es por eso que cada mensaje se recalca con la imagen y con el texto.
Frente a El Entierro de San Francisco
Finalmente estamos frente a obras que pertenecen a la colección del
Museo Colonial de San Francisco, específicamente a la Serie de la Vida
de San Francisco y que fue encargada por los franciscanos para el
convento. La serie consta de 54 cuadros de gran formato que narran la
vida del santo hasta su muerte y en ella podemos ver, también de
manera narrativa, diferentes episodios de la vida del santo.
32
El barquero moro
San Francisco es conocido por abandonar la riqueza de su familia para
dedicarse a ayudar a los pobres. Esta serie es una de las más completas
y mejores conservadas en Chile y además muy representativa de lo que
fue la pintura colonial en nuestro continente, pues en ella podemos ver
cómo se mezclan claramente las temáticas europeas –recordemos que
el santo vivió en Italia durante el siglo XIII- con las formas y colores
americanos. Los artistas trabajaban su obra en base a referencias, a
idealizaciones, van mezclando lo que han escuchado con lo que ellos
conocen. Por ejemplo es muy interesante ver cómo el entierro del santo
es situado en el Cuzco, en una ciudad colonial, incluyendo a personajes
y autoridades contemporáneos al pintor y no al santo. Lo que hacen los
pintores con obras como estas no son documentos visuales, con
referencias históricas reales, sino adaptaciones de historias antiguas al
lugar y momento que ellos vivían, que era lo que la gente reconocería
como propio. Y así podemos pensar de todas estas obras. Si bien pintan
personajes históricos, como los santos, no son realmente nunca ellos a
quienes pintan sino idealizaciones contextualizadas a su época, a su
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arquitectura y a sus fisonomías. Es muy probable que los mestizos
menos ilustrados al ver estas pinturas pensaran en los santos como
personas contemporáneas a ellos, teniendo en verdad más de 200 años
de diferencia.
El milagro de las golondrinas
¿Qué podemos destacar de obras como estas? ¿Podemos aprender algo
de ellas? Yo creo que sí, que analizándolas más allá del tema religioso,
podemos ver en ellas a piezas muy representativas de cómo se forma
nuestra cultura mestiza y como los orígenes con nuestros países vecinos
son muy similares.
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INFORMACIÓN COMPLEMENTARIA.
La Pintura y las Artes Coloniales Hispanoamericanas nacieron y se
desarrollaron bajo el impulso de las corrientes estéticas europeas,
especialmente las españolas. Se consideran artistas coloniales a los que
se formaron en América Latina durante el período de la dominación
española, durante los siglos XVI y XVIII. El Arte cumplió una función
didáctica y evangelizadora dentro de la concepción cristiana del
conquistador y con el avance del tiempo se hizo mestizo con la fusión
del arte del conquistador peninsular y el del aborigen americano.Los
habituales proveedores de obras para Chile fueron los talleres de pintura
de Quito, Lima, Potosí y en especial, los de Cuzco. Ref. Museo Nacional
de Bella Artes
www.artistasplasticoschilenos.cl
La pintura Altoperuana se desarrolla en la región que hoy comprende
la actual Bolivia, principalmente en la ciudad de Potosí, y es la primera
escuela que se identifica con la escuela sevillana de pintura, en especial
con los maestros Zurbarán y Murillo. En la pintura dominan los colores
pastosos, con insistencia en los tonos pardos, los que son aplicados
básicamente en las carnaciones de la figura humana. De esta influencia
recogen el dramatismo de la figura humana, a través del tratamiento de
las carnes cubiertas de llagas, con venas hinchadas y rostros
expresionistas, utilizan además una ornamentación detallista que
caracteriza también a la imaginería. Los artistas que se destacan de esta
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escuela son Melchor Pérez de Holguín y el seguidor de su obra Gaspar
Berrío, quien a diferencia de su maestro utiliza finísimos sobredorados.
Ref. Museo del Carmen de Maipú.
www.museodelcarmen.blogspot.com
La escuela Quiteña tiene su origen en la escuela de Artes y Oficios,
fundada en 1552 por el sacerdote franciscano Jodoco Ricke, quien junto
a Fray Pedro Gocial transforma el colegio San Andrés, en el lugar donde
se forman los primeros artistas indígenas. La pintura Quiteña se
caracterizó por el uso de una paleta de colores ocre y colores fríos más
cercana a la europea, utiliza grandes espacios abiertos y trabaja la
figura humana en perspectiva lineal. Las máximas figuras de la pintura
Quiteña fueron el Pintor Miguel de Santiago (1626-1706), Nicolás Javier
de Goribar en el siglo XVII y Bernardo Rodríguez con Manuel Samaniego
en el siglo XVIII. Tras la ratificación del Concilio de Trento que aprueba
el destino y el uso de las imágenes religiosas con el fin de promover la
fe católica, Quito se convierte en el principal centro de producción de
imaginería hispana en conjunto con México. Los temas principales que
representó fueron el nacimiento de Cristo, las figuras de Jesús y las
distintas advocaciones de María. En Quito cabe destacar la figura de
Bernardo de Legarda y Manuel Chili, llamado Caspicara. Ref. Museo del
Carmen de Maipú.
www.museodelcarmen.blogspot.com
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La Serie El Santoral Dominico, colección de pinturas compuesta
actualmente por 48 lienzos, que representan a Santos y Beatos de la
Orden Dominica, 37 son los que componen la colección depositada en el
Museo Histórico Dominico y se encuentran exhibidas en los muros de la
sacristía de la Iglesia de la Recoleta Dominica en Santiago de Chile.
Estas obras forman parte de un gran encargo de alrededor de 100 obras
realizado por los sacerdotes dominicos en 1837 a Antonio Palacios
natural de Quito, Ecuador, los lienzos cumplirían una finalidad
evangelizadora, y su ubicación original fueron los claustros del antiguo
convento de la Recoleta del Belén, lugar donde hoy se emplaza el Centro
Cultural Recoleta Dominica. Ref. Centro de Documentación de Bienes
Patrimoniales
www.cdbp.cl/
La Serie de la Vida de San Francisco está compuesta por 54 telas
apaisadas pintadas al óleo en el Cuzco, entre los años 1668 y 1684
según datos proporcionados por los mismos cuadros, por encargo del
convento franciscano de Santiago de Chile. Es la serie más valiosa de
arte colonial que existe en Chile y la mejor conservada de Sudamérica.
Ref. Museo Colonial de San Francisco.
www.museosanfrancisco.cl/gransala.
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La Serie Grande de Santa Teresa es un conjunto de trece pinturas
coloniales de gran formato que datan de fines del siglo XVII (hacia 1680
–1690), pertenecientes a la Escuela Cuzqueña. Este grupo de 13
cuadros, que representa episodios de la vida de la santa española
Teresa de Ávila, se conserva en la actualidad en el Convento del Carmen
San José o Carmen Alto, en Santiago de Chile. Ref. Centro Nacional de
Conservación y Restauración
www.dibam.cl/centro_conservacion
La Orden Mercedaria fue fundada por San Pedro Nolasco, en España
en el siglo XIII. La orden se caracteriza por ser la defensora de los
cristianos cautivos por musulmanes, teniendo además de los tres votos
habituales (pobreza, castidad y obediencia) un cuarto voto que es
entregar su vida a cambio de los rehenes, canjeando si fuera necesario.
La Orden Domínica fue fundada por Santo Domingo de Guzmán, en
Francia en el siglo XIII. Es una orden principalmente clerical (formada
por sacerdotes) que además de predicadores destacaron como grandes
teólogos.
“Arte Chileno en tu Colegio” es financiado por el Consejo
Nacional de la Cultura y las Artes, a través del fondo Fomento al
Arte en la Educación 2012.