Trabajo Práctico:

“MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS DEL ’50 AL ‘70”

Arte cinético, Op Art y Grupo Zero

ARTE CINÉTICO

El arte cinético engloba todas aquellas manifestaciones artísticas principalmente pictóricas y escultóricas, que están dotadas de movimiento.

Se lo denomino arte cinético por el movimiento que forma parte de las obras ya sea por el viento, los espectadores o un mecanismo motorizado. Hoy en día se conoce como aquellas obras que causan al espectador movimiento e inestabilidad para experimentar con sus distintas interpretaciones, gracias a ilusiones ópticas, que cambian de aspecto según el punto desde el que son contempladas o por la luz que reciban.

Fue en la extinta Unión Soviética, en 1920, cuando Naum Gabo yAntoine Pevsner aprovecharon su Manifiesto Realista para hacer alusión por primera vez al arte cinético.

Aunque algunas primeras manifestaciones esporádicas de arte cinético se dan en los años 1910, en el movimiento futurista y en ciertas obras de Marcel Duchamp, no es hasta años más tarde que se da la corriente propiamente dicha.

El arte cinético como tal quizá empieza con Alexander Calder quien construye móviles de metal a partir del movimiento del aire. Marcel Duchamp fue quién consiguió que con el movimiento de un objeto este pueda tener aspecto de algo diferente. Así con su "Rotative Plaque Verre" demostró que si giramos un disco pintado con círculos concéntricos este adquiere aspecto de objeto sólido.

El arte cinético está principalmente representado en el campo de la escultura donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras. Gabo, uno de los autores del Manifiesto Realista construyó su "Obra cinética", una varilla metálica movida por un motor que, al vibrar, forma una sencilla onda. Una

década más tarde Laszlo Moholy-Nagy crea la "Máquina de luz" en la que utiliza la luz para crear un efecto escultórico y empieza a plantearse a un espectador no sólo pasivo sino que pueda participar en la obra.

En conclusión podemos distinguir tres grupos dentro del arte cinético:

1. Obras de dos o tres dimensiones que están dotadas de movimiento real. 2. Obras que son estáticas pero que, con el movimiento del espectador,

permiten más de una lectura. 3. Obras que no tienen movimiento real pero que, mediante algún efecto

óptico, dan la sensación de tenerlo. Es lo que llamaríamos op art.

OP ART

Movimiento pictórico desarrollado a partir del Arte Cinético, el cual aparece después del surrealismo en el siglo XX. Surge a finales de la década de los 50’ para asentarse en los años 60’. Su finalidad es la de producir la ilusión óptica de vibración o movimiento virtual en la superficie del cuadro.

Esta corriente artística precede primero en Europa, porque fue ahí donde se vivieron las primeras experiencias sobre la percepción de imágenes fijas o en movimiento, pero fue en EE.UU su punto principal de desarrollo y masificación en Abril del año 1958.

El movimiento quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York titulada “The Responsive Eye”, que agrupaba a una serie de artistas de distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia.

Al decir "Op art" corresponde a la abreviación de "Optical art" o Arte Óptico. El término apareció en forma impresa por primera vez en la revista Time en Octubre de 1964. Ahí se realizaron varios artículos sobre el tema, finalmente el término fue aceptado y difundido.

El op art consiste en efectos cromáticos y formales dinámicos, que incorpora la indolencia visual, por lo que se aprecian más estructuras cromáticas que plásticas.

En las obras de op art el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente, por tanto se puede decir que no existe ningún aspecto emocional en las obras. Los elementos dominantes del arte óptico son: líneas paralelas rectas o sinuosas, los contrastes cromáticos marcados, ya sean, poli o bi-cromáticos, los cambios de forma o tamaño, la combinación o repetición de formas o figuras; también utiliza figuras geométricas simples como rectángulos, cuadrados, triángulos o círculos. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin.

No olvidemos que los orígenes remotos del op art pueden deriarse tanto de las bellas artes cuanto de las artes populares o de la artesanía. Sin embargo, la clásica ilusión de profundidad del espacio y las técnicas de la perspectiva no tienen más que una relación de analogía con el op art y se inscriben a veces en la oposición a esta corriente. Si hacemos referencia a la ornamentación no aludimos más que al aspecto superficial del op art. Pero

estableciendo una relación precisa con la teoría de la Gestalt, puede establecerse un nexo mucho más significativo con el arte visual. Pueden establecerse igualmente relaciones con otras investigaciones de orden psicológico, tecnológico, con diversas ramas de las ciencias naturales y humanas y con el diseño industrial.

Se generó con la influencia de los movimientos: Constructivismo, Bauhaus, De Stijl y Suprematismo.

La "pintura óptica" tuvo profundas raíces en la tradición del Bauhaus, y es la consecuencia del tipo de experimentos que el Bauhaus alentaba en sus alumnos.

Fue rápidamente aceptado por el público por sus estudiadas formas, éste influyó en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda. Por su parte, los diseñadores textiles de la década de los sesenta no tardaron en asimilar estos movimientos artísticos y aplicarlos en el vestir. Lograron así que el buen diseño fuera una realidad al alcance de muchos, de fácil acceso para las grandes masas de clase media.

Idearon modelos "frescos", que reflejaran alegría y vitalidad, renovando las texturas, los estilos y también la combinación de colores, uniendo sin temor colores como el fucsia con el rosado o amarillo, que antes a primera vista "no combinaban".

El Op Art entró a la moda con sus diseños cuadriculados y tridimensionales, con gran presencia de contrastes blanco y negro aplicado en vestidos, dos piezas, zapatos y accesorios. Twiggy, la famélica modelo inglesa, fue una de las más famosas exponentes del Op Art en el vestir.

Si la pintura óptica de la posguerra ha de remontarse a una sola fuente, esa fuente incuestionablemente deberá ser Víctor Vasarely, húngaro de origen, que nació en 1906, es considerado como el padre del Op Art entre los años 60’ y 70’, quien desarrolló casi toda su trayectoria en Francia y fue también, el que relacionó el movimiento con la ilusión del espacio. Fue estudiante de la academia Mühely, de Alexander Bortnyik, el Bauhaus de Budapest. Poseía como lema: “Arte para todos”.

También se destacan Yaacov Agam, Briget Riley, Jeffrey Steele; La volta, Richard Anuszkiewicz, Michael Kidner, Frank Stella, Josef Albers, Lawrence Poons y Kenneth Noland.

GRUPO ZERO

El movimiento o grupo Zero, es un movimiento artístico que fue fundado en Düsseldorf en 1958, por un grupo de artistas internacionales que mantuvieron su actividad hasta 1966. Aunque los miembros del grupo variaron con el tiempo, el núcleo estuvo formado por Heinz Mack, Otto Piene y Günther Uecker. Este movimiento marcó y revolucionó el arte del modernismo de posguerra en su conjunto.

Aunque gestado en Alemania, el movimiento ZERO encontró su realización plena en su expansión hacia el exterior, en la internacionalidad de una comunidad artística que se comunica en toda Europa, tal como reflejan el grupo holandés Nul, Zero de Italia, Zero de París, el Equipo 57 de España, el grupo japonés Gutai, Nove Tendencije de Zagreb, y otros muchos grupos y artistas individuales.

Los parámetros artísticos en los que se movió el grupo van de la pintura monocromática al nuevo realismo y al arte objetual a través del arte cinético y lumínico, con el denominador común de que este grupo de artistas quería con ello superar e ir más allá del Tachismo, del Action Painting y el Arte informal de posguerra, unas tendencias marcadas fuertemente por el Existencialismo de los años 40 y 50. Retomando las ideas artísticas de los años 20, como Suprematismo o Constructivismo, esperaban encontrar nuevas formas de expresión que no reprodujeran un mundo pasado sino que se abriera a nuevas formas de percepción y de nuevos niveles de conocimiento. 154541108

Desde una perspectiva actual, lo que ha convertido a Zero en un acontecimiento de reflexión histórico artística en nuestros días es el contagioso espíritu de avance, el enfrentamiento a la industria del arte anquilosada, y sobre todo, la mezcla de medios artísticos, luz, movimiento, cuadros, dibujos, objetos, entornos referidos al espacio, trabajos en común, revistas, manifestaciones, acciones y películas, que hizo que este movimiento artístico destacara, de manera rotunda, de sus condicionales históricos y se mostrara como una de las fuerzas intelectuales más importantes y un destacado punto de inflexión del arte del siglo XX. En el entorno del movimiento Zero se establecieron las bases para el happening, el minimalismo, el arte conceptual, el Op Art o el Arte Povera, y con implicaciones de amplias consecuencias con Fluxus y Land Art.

En 1960, en el Festival de Arte de Vanguardia de París, tuvo lugar el primer encuentro de los artistas que configuraron el grupo, con la exposición Edition, Exposition, Demostration, en la Galería Schmela de Düsseldorf. La exposición fue seguida del tercer y último número de Zero, pero a partir de aquí, se

celebraron más exposiciones del grupo, el Festival Zero y la presentación y muestra de exposiciones del grupo en otros países.

La última aparición del grupo tuvo lugar en el Städtisches Kunsmuseum de Bonn, en 1966, y finalmente una retrospectiva resumió la actividad del Grupo Zero en el Kunstmuseum de Düsseldorf en 1973. A lo largo de su trayectoria artística, Zero se configuró como un movimiento que representó la energía y la imaginación a través de sus obras, happening, instalaciones, representaciones y escritos, de una sociedad de posguerra que se abría a un mundo más bello y mejor. La naturaleza y la tecnología se unían armoniosamente en el arte del Grupo Zero, en unos años en los que una visión optimista en la de la vida apagaba los obstáculos políticos y sociales heredados de la Segunda Guerra Mundial.

Zero contrapone a la subjetividad de lo gestual, la objetividad anónima; al pesimismo de la postguerra, una visión optimista basada en la estructura capaz de restablecer el orden quebrantado por la guerra y al materialismo creciente, la espiritualidad y la creatividad.

Si bien Zero ha sido muchas veces asociado con el minimalismo por su interés en el trabajo con formas puras y materiales industriales, su deseo por lo lúdico y lo interactivo lo emparenta con el arte óptico y cinético.

A pesar de su corta existencia, Zero fue uno de los grupos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX cuya impronta se extiende hasta nuestros días, siendo objeto de atención y estudio por instituciones y museos.