Etapas del cubismo

Se distinguen tres etapas : cezaniano, analítico y sintético

Cezaniano(1907-1909): se denomina cezanio por la influencia del viejo maestro en las obras producidas. Los generos que predominaban fueron las figuras humanas y los paisajes. Se caracteriza por sus formas identificables, que son reducidas a formas geometricas puras.

Analitico (1909-1912) : Se caracteriza por la descomposicion de la forma y las figuras en multiples partes todas ellas geométricas. Su objeto es conocerlas, examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión. Es la auténtica la estética cubista, la creadora del nuevo lenguaje. en donde la pintura es casi monocroma en gris y ocre .Los colores en este momento no interesaban pues lo importante eran los diferentes puntos de vista y la geometrización, no el cromatismo. Fueron elaborando un «nuevo lenguaje» que analiza la realidad y la descompone en múltiples elementos geométricos.Sintético: Caracterizada por la construcción de una composición a partir de abstracciones figurativas divididas, fue desarrollada de forma paralela por picasso, Braque y Juan Gris.En ella el color se vuelve mucho más fuerte y las formas mucho más decorativas debido a la introducción de elementos como trozos de periódico, papel de paredes, cajas de cerillas y letras recortadas.Hecho por ximena Souza

Cubismo

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El cubismo es un movimiento artístico que se manifestó sobre todo en la pintura, aunque también se dió en otras artes como la literatura o la escultura. El objetivo principal del cubismo era el de alejarse de la representación naturalista (véase impresionismo) y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos, intentando conseguir una cuarta dimensión.

Naturaleza muerta con frutero y mandolina.Pintura cubista de Juan Gris (1917).

Índice• 1

Características

• 2 Cubismo analítico

• 3 Cubismo sintético

• 4 Cubismo cezaniano

• 5 Escuelas

• 6 Pintores cubistas

• 7 El cubismo en la escultura

• 8 Ref

Características El cubismo se caracteriza, además de por plasmar de manera simultánea un mismo objeto desde diferentes ángulos, por el empleo de figuras geométricas como triángulos, cuadrados, rectángulos y cubos. Es de esta última figura de donde proviene el nombre del movimiento, debido a que en 1908 el crítico Luis Vauxcelles opinó que los cuadros de Braque estaban compuestos de cubos.

En cierto sentido el cubismo es el movimiento más significativo y transcendente de la historia de la pintura occidental desde el Renacimiento, por lo que tiene de ruptura con la estética clásica, el concepto de belleza y las nuevas formas de observar la naturaleza. Su visión es tan radicalmente distinta que conmocionó a todo el mundo del arte. A partir del cubismo, los conceptos de arte y belleza cambian por completo, nada se podrá hacer igual, y las obras anteriores se mirarán de otra forma.

Normalmente se considera que la fecha de inicio de este movimiento fue en 1907 con el cuadro de Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso. Picasso fue, junto a Georges Braque, el artífice de esta corriente que tuvo como centro principal París.

Sus planteamientos son totalmente inéditos en el arte. Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte. El espectador no se puede quedar contemplando sin más la obra, sino que debe reconstruirla en su mente para poder comprenderla. La pintura es algo mental, el espectador interpreta la realidad según las pautas que da la obra y se convierte en artista, en creador. La nueva estética se desliga completamente de la interpretación o la semejanza con la naturaleza, lo que significa que la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. Esta desvinculación de la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, y pintadas de forma geométrica. Esta descomposición no es casual, sino que está muy estudiada y calculada, para permitir la recomposición mental de la figura.

El cubismo es un arte creado, es un nuevo lenguaje y una nueva estética, un replanteamiento integral de la pintura y las artes plásticas. Hasta el momento, ni los más radicales fovistas se habían atrevido a romper con el lenguaje convencional y sensitivo que representaba, en mayor o menor grado, la naturaleza, desde los tiempos griegos. Pero el cubismo rompe con todo eso; es un arte mental no sólo en las formas sino en la concepción de la obra. Para comprender un cuadro hay que pensarlo. Hará un replanteamiento de la obra de arte, de lo que son las formas, de la luz, la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Todo ello exige del espectador un esfuerzo mental para reconstruir la figura, que no se observa a simple vista. En el cubismo no es el color, sino la línea la que crea la figura y compone el cuadro. Sus obras no son producto de la casualidad sino de un proceso de creación meditado y consciente.

El cubismo se pregunta, también, por los problemas del volumen y del espacio. Su ruptura con la tradición renacentista e impresionista es total, y busca un nuevo espacio pictórico para sus formas. Una de las características del cubismo es su representación en blanco y negro, consecuencia de su desvinculación con la naturaleza e influido por la fotografía, para facilitar la lectura del cuadro. El cubismo se preocupa por la representación del movimiento y por lo tanto del tiempo: de la cuarta dimensión. El tiempo cobra un nuevo significado tras la teoría de la relatividad de Einstein. El cuadro cubista pretende representar, al mismo tiempo, todas las formas posibles de ver una figura, esto implica que el espectador está obligado a mover los ojos para recomponer la figura. El color ceniza, el blanco y el negro, ayudan a la reconstrucción del cuadro. La cuarta dimensión está en la mente humana, vemos el mundo con movimiento, con el paso del tiempo, y eso es lo que pretende captar el cuadro cubista.

Los temas principales de los cuadros cubistas suelen ser los retratos y las naturalezas muertas. A pesar del aspecto de algunos cuadros, la forma siempre fue respetada, sin llegar en ningún momento al arte abstracto. Los colores utilizados suelen ser apagados, y la luz es más bien escasa.

Artistas innovadores, Picasso y Braque buscaron nuevas maneras de expresar el espacio y la forma en sus pinturas. Tuvieron influencias de Paul Cézanne, Georges Seurat, la escultura ibérica, el arte tribal africano (aunque Braque luego lo negase) y del fauvismo.

Los historiadores del arte dividen este movimiento artístico en dos etapas: una primera etapa, hasta 1911, denominado Cubismo analítico o inicial y una segunda etapa que comienza tras el descubrimiento del collage y se denomina Cubismo sintético.

Cubismo analítico

La persiana.Pintura cubista de Juan Gris (1914).

Picasso y Braque empezaron a trabajar juntos en el período denominado pre-cubismo (1906-1909) para continuar avanzando en los conceptos del movimiento en el período después denominado Cubismo analítico (otoño de 1909 hasta el invierno de 1911/1912). Este estilo se caracteriza por la falta de importancia del color (los cuadros son casi monocromos) y por la simplificación de las figuras, siendo a veces irreconocibles. Además, las formas aparecen compactas y densas.

El cuadro de Las Señoritas de Aviñón, de Picasso, aunque no se puede considerar cubista, sí se considera esencial en el desarrollo del movimiento. En este lienzo, Picasso fue el primero en experimentar con la idea de ver el objeto representado, o figura en este caso, desde varias direcciones. Impresionado con la pintura, Braque quiso llevar más allá este concepto. Los trabajos de estos dos pintores llevaron a lo que sería el cubismo.

Algunos historiadores de arte identifican un segundo período dentro del período analítico, la fase "Hermética", en la que los cuadros son monocromos y difíciles de descifrar. Las pinturas dejan pistas de lo que hay representado dejando algún objeto reconocible como, por ejemplo, una pipa, que nos lleva a intuir en el cuadro a una persona fumando en ella. Durante este tiempo, el cubismo se acerca a la abstracción. Algunas letras del alfabeto se introdujeron en los cuadros, también para servir como pistas. Braque introdujo estas pistas con objetos de la vida cotidiana fácilmente identificables, como una botella de ron o un periódico.

Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión. Es la auténtica la estética cubista, la creadora del nuevo lenguaje.

Cubismo sintético

Bodegón con guitarra, libro y periódico. Pintura cubista de Juan Gris. (1918)

La segunda fase del cubismo se inició en 1912 y se denomina "cubismo sintético".

Las obras se componen de diferentes partes superpuestas –pintadas y a menudo pegadas en el lienzo– y se caracterizan por colores más brillantes, algo que ya intentaron previamente reintroducir pero que no consiguieron hacer de una manera suave. Al contrario que el cubismo analítico, que fragmentaba objetos en sus diferentes partes o caras, el cubismo sintético intenta poner varios objetos juntos para crear diferentes formas.

Esta fase constituye el nacimiento del collage y el papier collé (en francés, papel pegado). Picasso inventó el collage con su Naturaleza muerta con silla de rejilla en el que pegó un parche de hule encerado para imitar el aspecto de paja entrelazada para la silla de rejilla. Braque, interesado en el trabajo de Picasso, fue el primero en utilizar el papier collé en su obra Frutero y vaso, en el que juntó tres trozos de papel a imitación de madera junto a un dibujo al carbón. El papier collé consiste en pegar material a la obra del mismo modo que en el collage, excepto en que la forma del objeto pegado determina su naturaleza. Por ejemplo, el vaso a la izquierda en Frutero y vaso es un trozo de periódico cortado con la forma de un vaso.

Cubismo cezaniano Algunos autores hablan de una etapa previa a la que denominan cubismo cezaniano, caracterizado por sus formas identificables, que son reducidas a formas geométricas puras. Se trata más de un protocubismo que una nueva estética, y quizá no se correcto considerarlo cubismo.

Escuelas Tras la época clásica del cubismo aparecen tres escuelas: la Sección Áurea (o Sección de Oro), que pretenderá llevar las matemáticas a la pintura de manera consciente, tanto en los ritmos como en las proporciones de la descomposición cubista; el orfismo es el cubismo colorista, un tanto evocador de sueños extraños, está muy cerca de la abstracción pura; y por último está el purismo de la Bauhaus que reaccionó contra los excesos del cubismo y vuelven a las formas simples y analíticas.

Pintores cubistas Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) es la gran figura central del cubismo, y uno de los grandes genios del arte universal. Su obra artística es muy extensa pero su nombre estará siempre ligado al cubismo como su creador y su máximo representante. En 1907 pinta Las señoritas de Aviñón, cuadro que marca el comienzo del cubismo. Otros cuadros cubistas son Mujer sentada en un sillón, Mujer del abanico, La fábrica de Horta del Ebro, Cabeza de mujer, La muchacha de la mandolina, El aficionado, Retrato de Wilhelm Uhde, Retrato de D. H. Kahnweiler, Hombre con sombrero, Cabeza de muchacha, Naturaleza muerta con una silla de rejilla, Guitarra, Naturaleza muerta, estas tres últimas con colage, Las meninas y El Guernica.

Georges Braque (1882-1963) es el otro gran creador del cubismo, más intelectual que Picasso. Se mantiene siempre fiel a la estética cubista. Son características sus naturalezas muertas: Naturaleza muerta en mesa de árbol, Casas en el estanque, La Roche-Guyón, El portugués, Ceret: los tejados, El hombre del violín, Violín y jarra, La mesa del músico.

Juan Gris (1887-1927) es el tercer gran cubista. Sus composiciones tienen una firme estructura y un ritmo armonioso. Su cubismo es, fundamentalmente, sintético y coloreado. Comienza a poner a sus obras títulos intranscendentes. Composición, El fumador, Las tazas de té, La celosía, Vaso y paquete de tabaco, El lavabo.

Como representantes de la Sección Áurea tenemos a Marcel Duchamp: Retrato de jugadores de ajedrez, Fernand Léger, que se caracteriza por dar volumen a los planos: Jóvenes en un interior, Desnudos en el bosque, Desnudos sobre fondo rojo, El hombre en la ciudad, Kasimir Malevich: El leñador, y Piet Mondrian: Manzano en flor.

Entre los más destacados del orfismo están Robert Delaunay es su representante más destacado: La ciudad nº2, Ventanas sobre la ciudad nº4, una ventana, Campo de Marte: la torre Eiffel roja, Francis Picabia: Procesión en Sevilla, y Frantisek Kupka: Nocturno.

Dentro del purismo está Amédée Ozenfant que es el representante más destacado: Naturaleza muerta, Vida, y Le Corbusier: Guitarra vertical.

Otros pintores cubistas son:

• María Blanchard • Sonia Delaunay • Albert Gleizes • André Lhote • Jean Metzinger • Wifredo Lam

El cubismo en la escultura El cubismo escultórico tiene la misma estética que el pictórico, y los mismos objetivos, pero trabaja en tres dimensiones. Sus esculturas se caracterizan por la intersección de planos y volúmenes, y la descomposición de las formas. El cubismo descubre el hueco como elemento escultórico, tanto la masa como el hueco sirven para la expresión plástica. Debido a la ausencia de color en la pintura la escultura se revela como una manifestación artística especialmente valiosa. Se dedican a la escultura muchos de los pintores cubistas, Pablo Ruiz Picasso: Cabeza, Mujer, Cabeza de toro, y George Braque: Mujer de pie.

Entre los escultores cubistas destacan:

• Alexander Archipenko , (1887-1964) el gran escultor cubista: Torso negro, Cabeza, Estatuas de hierro del parque de la Universidad de Kansas City

• Ossip Zadkine : Cabeza de mujer

• Constantino Brancuçi : La columna sin fin • Jacques Lipchitz : Marinero con guitarra • Henri Laurens : Mujer ante el espejo • Raymond Duchamp-Villon : Torso de hombre joven • Julio González : Mujer peinando sus cabellos • Pablo Gargallo : El profeta, Bailarina, Estatua de Arlequín, el escultor cubista más

destacado.