Unidad 1: La tecnología en el cine: el cine analógico. El precine.
EL CINE.
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¿Qué es el cine?................................................................................... Introducción........................................................................................ Precine................................................................................................ Historia...............................................................................................
◦ Época muda: Hermanos Lumiere. George. Charles Pathé. Edwin Porter. T.H. Ince. Los más destacados.
◦ Época sonora: Directores.
Cine estadounidense...........................................................................◦ Años 20, 30, 40, 50, 60, 70, 80 y el cine contemporáneo.
Cine europeo.......................................................................................◦ Años 20, 30, 40, 50, 60 y cine contemporáneo a partir de los 70.
El cine es la técnica de proyectar fotogramas de forma
rápida y sucesiva para crear la impresión de
movimiento, mostrando algún vídeo (o película, o film, o
filme).el cine es un arte, se lo denomina séptimo arte.
Los pasos que ha dado el cine a lo largo de más de un siglo deexistencia confirman un trayecto histórico plagado de realidades que, enforma de películas, han consolidado una estructura creativa e industrialque ha permitido superar los problemas que han surgido al cabo de losaños. El cine se vio marcado por todo tipo de vanguardiasartísticas, movimientos culturales, circunstancias políticas y conflictosbélicos.
Uno de los primeros avances científicos que llevó directamente aldesarrollo del cine fueron las observaciones de Peter Mark Roger, queen 1824 publicó un importante trabajo científico con el título dePersistencia de la visión en lo que afecta a los objetos enmovimiento, en el que establecía que el ojo humano retiene lasimágenes durante una fracción de segundo después de que el sujetodeja de tenerlas delante.
El Cine es literalmente la historia de las luces y sombras proyectadaspara crear una ilusión. La sombra arrojada por un soporte opaco, otranslúcido o transparente es, sin duda, el método más antiguo ysencillo de crear imágenes en movimiento.
Comenzó con El quinetoscopio, que fue el precursor del modernoproyector cinematográfico desarrollado por Thomas Edison.
Proyector
cinematográfico.
El ser humano siempre se ha preocupado por captar y representar el
movimiento. Durante siglos han buscado procedimientos para
reproducir la realidad. Es el caso de las representaciones con sombras
(región de oscuridad donde la luz es obstaculizada.) los primeros
espectáculos en público con proyección de imágenes animadas.
Utilizada ya en el siglo XVI, la "cambra obscura" permitía la proyección
de imágenes externas dentro de una cámara oscura. La precursora de la
fotografía.
Siglo después, la linterna mágica sería la precursora de las sesiones de
cine, en proyectar imágenes sobre una superficie plana. Con el fin de
hacerlas llegar a todos los lugares, manipular o hacer girar cristales
circulares, que hacían mover las imágenes.
En el siglo XIX: la fotografía. algunos fotógrafos ensayaron con objetos
en movimiento, como en el caso de Muybridge. Se llegó a utilizar una
especie de fusil fotográfico capaz de captar las diferentes fases de un
movimiento.
Buscan producir la ilusión del movimiento. Se trata del Taumatropo, el
Fenaquistoscopio, el Zootropo y el Praxinoscopio. Una variante de este
último, el Teatro óptico, construido por Emile Reynaud, es lo que más se acerca
a lo que será el cine. Con el fin de producir una acción continua, se proyectaban
largas bandas de más de 500 transparencias de dibujos a partir de un aparato
cilíndrico que, juntamente con la proyección de una imagen de fondo desde una
linterna, proporcionaba la proyección de los primeros dibujos animados.
Los tres elementos que constituirán el cinema: la persistencia de la visión, la
fotografía y la proyección. Pero faltaban dos más de fundamentales: la película
perforada y el mecanismo de avance intermitente que la mueve.
Se solucionó el problema, de la mano del gran inventor Edison y de Dickson.
Desde finales del siglo XIX, cuando se producen las primeras imágenes en
movimiento, se intentó que tanto el fonógrafo inventado por Edison como el
gramófono diseñado por Emil Berliner pudieran se acoplados al Cinematógrafo.
Quien lo intentó en primer lugar fue el francés Auguste Baron.
ÉPOCA MUDA.
• El cine mudo es aquel cine que no posee sonido grabado y sincronizado, referido especialmente a diálogo hablado, consistiendo únicamente en imágenes. La primera película silente fue creada por Louis Le Prince en 1888. Era un filme de dos segundos que mostraba a dos personas caminando alrededor del roundhay garden, se tituló La escena del jardín de Roundhay.
ÉPOCA MUDA.
LOS HERMANOS LUMIERE.
La historia del cine se inicia el 28 de diciembre de 1895, cuando los
hermanos Lumière realizaron la primera proyección pública de imágenes
en movimiento.
Los Lumière habían inventado lo que muchos han calificado como la
fábrica de los sueños mientras que para muchos otros es una fábrica, sí,
pero de hacer dinero.
El éxito de este invento fue inmediato en toda Europa y América del Norte.
Los hermanos Lumière crearon películas, marcadas por la ausencia de
actores y los
decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija
de la cámara.
Mostraron, en sesión pública, sus films a los espectadores delSalon Indien de París. En uno de sus primeros films, “La llegada deun tren a la estación de Ciotat", el efecto de una locomotora queparecía salir de la pantalla fue enorme. El aparato con el cual loconsiguieron, lo llamaron Cinematógrafo. Había nacido la cinematografía.
Pero el éxito inicial se fue apagando por el cansancio del público.
Las películas que siempre veían eran hechas sobre momentoscotidianos, sobre la vida laboral o familiar. Y fue la magia y laimaginación de otro hombre, Georges Méliès, que salvó el cine deacabar como un invento más entre tantos de aquella época.
ÉPOCA MUDA.
GEORGE.
Inventó el espectáculo cinematográfico, en contraste con el tono documental
de los Lumière. Con historias y decorados fantásticos desarrolló las nuevas
técnicas cinematográficas, sobre todo con Viaje a la luna (1902) y con Viaje a
través de lo imposible (1904), aplicando la técnica teatral ante la cámara y
creando los primeros efectos especiales y la ciencia-ficción filmada.
Como las películas eran mudas, unos rótulos en medio de las escenas iban
explicando la acción o los diálogos. Y, a veces, un pianista daba el toque
musical al espectáculo. Las barracas de los inicios del cine se convirtieron
en salas elegantes y espaciosas donde comenzaban a acudir las clases bien
estantes y no sólo las populares.
Con el fin de llenar de films estas salas estables, se comenzaron a realizar
películas más cultas para este público burgués. En Francia el proyecto se
conocía como Films d'Art, títulos basados en obras literarias donde actuaban
actores famosos del teatro.
ÉPOCA MUDA. CHARLES PATHÉ.
Marca en Francia el inicio de la industrialización del cine. Los films
producidos por él alcanzaron un buen nivel de calidad gracias a la dirección
de Ferdinand de Zecca, a quien se debe "La Passió" (1902) o "El asesinato
del duque de Guisa" (1904).
En la casa Pathé debutó uno de los primeros grandes cómicos, Max Linder,
que inspiró a Chaplin.
A Pathé le aparece un rival igualmente francés, Léon Gaumont, que contrata
al director Louis Feuillade, que se especializa en el género de terror.
Siguiendo las huellas galas, en Inglaterra aparece la llamada Escuela de
Brighton, formada por los fotógrafos Smith, Williamson y Collins, que se
interesan por los temas de persecuciones y bélicos donde proporcionan
nuevos recursos técnicos fundamentales para la gramática cinematográfica.
Pero serán los EE.UU. quien saque más provecho del invento. En 1903, con
la cinta "Asalto y robo de un tren", Edwin Porter inaugura el cine del Oeste.
ÉPOCA MUDA.
EDWIN PORTER.
Porter quiso hacer un cine narrativo. Recogió los hallazgos de la
escuela británica sobre el montaje como forma narrativa; En 1903
estrena Asalto y robo de un tren ,película que inició el género del
western. Puede ser considerada como la primera obra importante,
con argumento de ficción, del cine americano. Aun así, el espacio
donde Porter se mostraba más a gusto era el drama social, Porter
se mantendrá activo como director y guionista algunos años más.
Fundar una compañía propia.
ÉPOCA MUDA.
T.H.INCE
Utiliza el montaje simultáneo. Los espectadores aprenden a
relacionar las imágenes entendiendo que guardan una relación de
continuidad. la base de este nuevo lenguaje es el montaje. Viendo
que se convierte en un gran espectáculo popular. El factor negocio
entra en acción. Entre los diversos países donde el cine ya es una
realidad, Italia es uno de los avanzados en la concepción del cine
como espectáculo. Y las películas de grandes reconstrucciones
históricas serán el mejor medio para hacerse con el público. El
título más destacado fue "Cabiria", dirigido por Giovanni Pastrone
en 1913.
ÉPOCA MUDA.
LOS MÁS DESTACADOS.
Griffith "El nacimiento de una nación"(1914) e "Intolerancia" (1915)
Dreyer "La pasión de Juana de Arco" (1928).
Epstein "La caída de la casa Usher" (1927)
Charlot “La quimera del oro" (1925)
Cecil B. de Mille "Los diez mandamientos" (1923) o "Rey de Reyes" (1927).
Von Stroheim "Avaricia" (1924).
ÉPOCA SONORA.
El 6 de octubre de 1927 El cine: ¡comenzaba a hablar!
Se iniciaba una nueva era para la industria del cine. También para
los actores: muchos de ellos desaparecieron como tales al
conocer el público su verdadera voz, desagradable o
ridícula, que no correspondía a la apariencia física.
Los primeros estudios sonoros, los Orphea, fueron inaugurados
en Barcelona en 1932.
La implantación del sonoro coincidió con el crack económico de
1929 que ocasionó una Gran Depresión en los EEUU.
ÉPOCA SONORA.
ES EL MOMENTO DE DIRECTORES COMO:
Lubitsch "Ser o no ser" (1942).
Capra -maestro de la comedia americana, "Sucedió una noche" (1934) o "Vive como quieras"
Hawks Scarface (1932)
Cukor "Historias de Filadelfia" (1940).
John Ford conocido por sus "westerns“,"La diligencia" (1939).
Josef von Sternberg alemán "El ángel blau" (1930).
Este cine de entretenimiento general tiene la excepción con el hecho por King Vidor sensible a los problemas de las capas populares, "El pan nuestro de cada día" ( 1934).
Jean Renoir mostraba la vida cotidiana y laboral de los trabajadores, "La regla del juego" (1939)
ÉPOCA SONORA.
Las nuevas estrellas de cine proceden del teatro o del musical. Nombres como Marlene Dietrich, Greta Garbo, Claudette Colbert, Gary Cooper, Errol Flynn, Jean Gabin, Edward Robinson o se han convertido en mitos del cine.
El cine en color llega en 1935 con "La feria de las vanidades", de Rouben Mamoulian, su plenitud se consigue en el film de Víctor Fleming, "Lo que el viento se llevó" ( 1939).
Los trucajes es una de las especialidades más estimadas por el público. castillos en paisajes donde no han existido, a partir de cristales pintados, o la recreación de un gorila gigante a partir de un simio pequeño o de maquetas, Es el caso de Orson Welles realizó las obras maestras "Ciudadano Kane" (1941)"El cuarto mandamiento" (1942).
ESTADOUNIDENSE.
Años 20
Años 30
Años 40
Años 50
Años 60
Años 70
Años 80
Cine contemporáneo
EUROPEO.
Años 20
Años 30 - 40
Años 50 – 60
Cine contemporáneo a
partir de los años 70
ESTADOUNIDENSE AÑOS 20.
A lo largo de los años veinte dirigieran algunas de las películas más importantes, llamativas y sorprendentes de sus respectivas carreras y de la Historia del Cine.
Si Mack Sennett (de sus manos salieron el famoso grupo de policías -Los Keystone Cop-. El cine cómico y la comedia se entrelazan.
Charles Chaplin hizo famoso su personaje de "Charlot" gracias a la caracterización que se convertiría con el tiempo en uno de los iconos más recordados. Fueron importantes películas como El vagabundo (1915) y La quimera del oro (1925). Harold Lloyd, alcanzó su mayor gloria con el desarrollo de "gags El estudiante novato (1925),
Buster Keaton La siete ocasiones (1925) la industria estadounidense abordó otros temas, dando origen a una serie de líneas de producción que se denominarían géneros; destaca “El fantasma de la ópera” (1925) de Rupert Julien
Se benefició a lo largo de estos años de la presencia de numerosos directores y técnicos europeos que decidieron probar fortuna en su industria.
El chico.
EUROPA AÑOS 20.
Desde diversas perspectivas y en casi todos los países, directores jóvenes y con grandes ideas teóricas y creativas, ofrecen un buen conjunto de películas que dejarán profunda huellas en las generaciones posteriores.
Los directores franceses asumen, un compromiso teórico fundamental impulsando cine-clubs (Louis Delluc funda el primero en 1920), publicando algunos libros (Jean Epstein firma en 1921 "Buenos días, cine", en el que habla de las posibilidades creativas de la cámara y otros recursos expresivos (Abel Gance rueda Napoleón, 1927; película que ofrece diversas innovaciones técnicas, entre otras la pantalla múltiple, anticipo del sistema Cinerama).
Los alemanes, Fritz Lang (Las tres luces, 1921; Metrópolis, 1926) y George W. Pabst (La calle sin alegría, 1925), a caballo del cine comercial, de gran espectáculo, y el más intimista, sustentado por el expresionismo y la puesta en escena impulsada por el Kammerspielfilm, y las aportaciones realistas y melodramáticas .
El cine surgido de la revolución rusa (1917) dio paso a el "cine ojo": objetividad de la cámara-, de Lev Kulechov -desarrolló la teoría del montaje- ; cabe mencionar al gran maestro soviético: Sergei M. Eisenstein, director que supo aprovechar y enriquecerse con las aportaciones de directores para construir un cine de gran efectividad plástica e ideológica (La huelga, 1924 )
El cine italiano. El drama nórdico se sostiene en las películas del sueco Victor Sjöström (―La carreta fantasma” 1920) y el danés Carl Theodor Dreyer, que firmará una de las películas más importantes de estos años: ‖La pasión de Juana de Arco ‖(1928). El cine español aprovecha ciertos temas populares para consolidar su producción; ‖La verbena de la Paloma” (1920), de José Buchs.
La pasión de Juana
de Arco.
Se contempló a la Metro Goldwyn Mayer —con su famoso león en la
presentación de todas sus películas-, Paramount y Warner con
respeto, sobre todo porque fueron los Estudios que dispusieron de
mayores recursos tecnológicos y humanos.
La MGM se hizo con el estrellato cinematográfico gracias a Greta
Garbo (Ana Karenina,1935), ; Clark Gable y Vivien Leigh, y El mago de
Oz (1939)
La Warner Bros. supo desarrollar hábilmente géneros como el cine
negro y el cine de aventuras. Soy un fugitivo (1932), con Paul Muni; y
Robín de los bosques (1938) Michael Curtiz.
Paramout apoyó los grandes filmes históricos de Cecil B.
Cleopatra (1934).
ESTADOUNIDENSE AÑOS 30-40
ESTADOUNIDENSE AÑOS 30-40
El inicio del cine negro.
Hollywood durante los años de guerra: Los primeros años de la década de los 40 no fueron años prometedores para la industria del cine, especialmente los que siguieron al ataque de 1941 a Pearl Harbor y las perdidas de mercados extranjeros. Los avances en la tecnología hicieron que las películas fueran mas modernas.
En 1942 se creó el Office of War Information que ayudaba a la industria del cine a grabar y fotografiar escenas en combate
. El más sutil de todas las películas de propaganda durante la guerra
fue la romántica historia de sacrificio y Michael Curtiz.
Después de causar una gran sensación con su " La Guerra de los Mundos en 1938, al muchacho de Orson Welles se le dio un contrato de estudios de la RKO en 1939. Eso llevó a la realización de una auténtica bomba creativa probablemente la mejor película estadounidense de todos los tiempos : Ciudadano Kane.
Al termino de la Segunda Guerra Mundial, el género más
característico de la era y más asociado a los años 40 fue el
cine negro. Reflejaba como se sentía Hollywood y como
encaró sus mayores retos durante la guerra y la postguerra.
Una de las películas mas destacas fue
―Casablanca” (1942), de Michael Curtiz.
El primer y definitivo ejemplo fue ―The Maltese Falcon‖
(1941) del director John Huston. La película trataba sobre la
búsqueda de un pájaro negro.
El gran Dictador.
EUROPA AÑOS 30 - 40
Tras la implantación del sonido en todo el mundo, las industrias de cada
país comenzaron a producir y a abastecer el mercado con películas que
fueron interesando al público.
El cine francés se mueve en el realismo que se ofrece desde la tradición
y los ambientes populares de René Clair (Catorce de julio, 1932) ; el
drama que, recrean (Pepe-le-Moko, 1937) Jean Gabin. La guerra
delimitó espacios. Se centraron en el cine llamado "de qualité", Clair (El
silencio es oro, 1947)
El cine inglés diseñó una estructura proteccionista dada la implantación
del cine estadounidense en su mercado e industria. Fue Alexander
Korda, director y productor La vida privada de Enrique VIII(1933). Alfred
Hitchcock (treinta y nueve escalones, 1935). Los años cuarenta van a
estar dominados por la producción de John Arthur Rank ; Enrique
V (1945) Laurence Olivier, uno de los mejores actores británicos y el
que mejores adaptaciones hizo de la obra de William Shakespeare, de
David Lean.
El cine alemán se muestra muy activo con Joseph
von Sternberg (El ángel azul,1930,) y Fritz Lang (M. El
vampiro de Dusseldorf, 1931. Para volver la mirada a
la sociedad, surge el neorrealismo impulsado por una
generación que supo ofrecer historias brillantes en la
inmediata postguerra.
Italia se ve sumida en la línea de La corona de
hierro (19), de Blasetti, y en la comedia
intrascendente (llamada de "teléfonos blancos") de
Mario Camerini En la inmediata postguerra cobrará
fuerza un movimiento neorrealista centrado en temas
sencillos, extraídos de la vida cotidiana y plasmados
con gran realismo.
Iván el
terrible.
ESTADOUNIDENSE AÑOS 50-60
Fue conocida por muchas cosas: riquezas de la post guerra, el tiempo libre, el confort, la guerra de Corea, los valores de la clase media, el jazz moderno, la comida rápida, desde entonces la gente empezó a ver más la televisión en vez de salir.
En el periodo que sigue a la Segunda Guerra Mundial, cuando la mayoría de las películas estaban idealizadas con imágenes de hombres y mujeres convencionales, los jóvenes querían nuevos y excitantes símbolos de rebeldía. Hollywood respondió a la demanda y a finales de 1940 y 1950 vieron crecer a los anti- héroes, como Marlon Brando.
Una de las mejores comedias de la década fue Harvey(1950) con James Stewart. Otra de las películas más populares fue An Affair to Remember (1957), una historia de un romance por culpa de un accidente en coche.
También marco el comienzo del Rock and Roll y un nuevo
mercado de adolescentes. Este grupo de jóvenes se opuso a la
elección de las películas nostálgicas por parte de las
generaciones anteriores.
Cinerama: Debuto en 1952. Fue un invento que requería 3
proyectores con pantallas curvadas que parecía que la
audiencia estaba en el centro de la acción.
Películas 3D: El mismo año que el debut de Cinerama, el 3D
fue utilizado para volver a captar a la audiencia. Gafas
estereoscópicas polarizadas hacían que la imagen saltase
desde la pantalla. En general, las gafas eran impopulares y la
visión era borrosa.
CinemaScope: Cuando Cinerama y estereoscópica en 3-D murió casi tan pronto como se había iniciado , 20th Century Fox de CinemaScope se hizo más barato y más conveniente, ya que utiliza una simple lente anamórfica para crear un efecto panorámico.
Marilyn Monroe: símbolo sexual y estrella de cine: Las innovaciones en las tecnologías de pantalla ancha no eran la única arma que utilizan los estudios de Hollywood contra la televisión. Starlet Marilyn Monroe había aparecido en un poco de en la UA Happy Love (1949).
Esta década también fue testigo del ascenso prodigioso de colores, escapistas, musicales lujo, clásicos que se beneficiaron de pantalla ancha de exposición, incluidas las películas tales como:
◦ Un americano en París (1951
◦ El Jerome Kern / Oscar Hammerstein musical Show Boat (1951) Singin 'In The Rain (1952
◦ Calamity Jane (Kiss Me Kate (1953)
ESTADOUNIDENSE AÑOS 50-60
La sociedad estadounidense comienza a sentir la fuerza de una generación que busca abrir nuevos caminos de una nueva convivencia que se proyectan en los intereses culturales, creativos y vivenciales. La industria del cine también siente cómo el interés de los espectadores por las películas que produce está provocando que sus cimientos se resientan. La televisión y otros modos de entretenimiento provocan que determinadas superproducciones tengan difícil su amortización.
Los géneros todavía conservan la esencia que les ha definido como tales. Las comedias tienen de protagonistas a Rock Hudson y Doris Day (Un pijama para dos, 1962, de Delbert Mann) y, especialmentea Jerry Lewis (Lío en los grandes almacenes y El profesor Chiflado, 1963), aunque la presencia del maestro Billy Wilder sigue marcando las diferencias (El apartamento, 1960; Uno, dos, tres, 1961)
El cine de terror alcanzó algunos de sus momentos más memorables con películas como Psicosis (1960)
No obstante, la reflexión sobre el hombre se impone en trabajos tan diversos temáticamente como El prestamista (1965)
Psicosis.
EUROPA AÑOS 50-60
El cine europeo pasa por una situación de necesario proteccionismo por parte de los gobiernos de cada país, con el fin de poder establecer unos márgenes que permitan desenvolverse en el propio mercado ante la presencia del cine estadounidense.
En Francia:
◦ René Clair (La belleza del diablo, 1950).
◦ Excepciones como la de René Clément, Juegos prohibidos (1952).
◦ Jacques Tati, maestro del humor inteligente y crítico La vacaciones de Monsieur Hulot (1951) y Mi tío (1958).
◦ Robert Bresson Un condenado a muerte se ha escapado (1956).
El cine italiano:
◦ Directores como Luchino Visconti Bellísima (1951) y Sensor (1954)
◦ Roberto Rosellini especialmente, Te querré siempre (1953).
◦ Michelangelo incomunicación a través de su trilogía La ventura (1959).
◦ Obra Federico Fellini, como La strada (1954).
◦ En los sesenta Pier Paolo Pasolini Teorema (1968).
Bienvenido Mr.
Marshall
ESTADOUNIDENSE AÑOS 70-80
«NUEVO HOLLYWOOD» Y EL CINE POST-CLÁSICO AÑOS 70
«Cine post-clásico»: nuevas aproximaciones al drama y la caracterización jugaron con la expectación de la audiencia adquirida en el período clásico: la cronología se cruzaría, los guiones presentarían "finales inesperados" y las líneas que separan al antagonista y protagonista estarían difuminadas
«Nuevo Hollywood»: término utilizado para describir la aparición de una nueva generación de directores educados en escuelas de cine y que han absorbido las técnicas creadas en Europa en la década de los 60. Destacan: Francis Ford Coppola, George Lucas, Brian de Palma, Martin Scorsese, y Steven Spielberg.
Mientras las primeras películas del «nuevo Hollywood»: por Coppola Spielberg y Lucas con El padrino, Tiburón, y Star Warsllevaron a los estudios a enfocar más seriamente sus esfuerzos en intentar producir grandes éxitos.
ESTADOUNIDENSE AÑOS 70-80
Los nombres de Steven Spielberg y George Lucas son asociados con frecuencia al cine comercial que imperó desde la década de 1980 en adelante , eran cineastas independientes cuyas propuestas (American Graffiti, eran consideradas como excéntricas.
Por una parte, el cine comercial se hizo cada vez más caro de producir, y por ende, menos productoras podían incursionar en él. En segundo lugar, realizar películas con contenido artístico se transformó para los círculos culturales europeos, latinoamericanos o asiáticos en una especie de estandarte cultural, para oponerse a la cultura de los Estados Unidos. De todas maneras, esta línea divisoria, muy marcada en las décadas de 1980 y 1990, se fue diluyendo entrado el siglo XXI, porque las nuevas posibilidades de los efectos especiales por computadora y el cine digital permitieron abaratar los costos de las películas comerciales.
Las películas "comerciales" aspiraban a ganar
principalmente el Óscar, mientras que aquellas
realizadas con vocación de "cine arte" tendían a buscar
reconocimiento en Cannes, Berlín, o Venecia.
Hubo películas "comerciales" que buscaron
reconocimiento artístico en Cannes (por
ejemplo, Shakespeare in Love), y cineastas "artísticos"
que buscaron publicidad en Hollywood (por
ejemplo, Pedro Almodóvar o Hayao Miyazaki).
El Padrino.
EUROPA CONTEMPORÁNEO
A partir de los años setenta, el cine europeo evoluciona a partir de los
proyectos individuales de cada uno de los directores que buscan proseguir
su carrera superando todos los obstáculos que, realmente, se le cruzan en
su camino. No se puede decir que cada cinematografía tenga unas señas
de identidad como grupo; existen proyectos singulares, rutinarios,
originales, provocadores, insulsos, pretenciosos y aburridos. El público
europeo continúa accediendo a las salas con el fin de visionar cine
estadounidense
Italiano:◦ autores comienzan a demostrar creativamente sus inquietudes
culturales e ideológicas◦ El conformista (1970) Bernardo Bertolucci◦ Roberto Benigni La vida es bella (1998).
Alemán◦ La ley del más fuerte (1974) Rainer W. Fassbinder◦ Wim Wenders Alicia en las ciudades (1973),◦ Volker Schlöndorff El tambor de hojalata (1979)
Británico◦ se apoya en los trabajos de los veteranos Stanley Kubrick (La
naranja mecánica, 1971◦ Carros de fuego (1981), de Hugh Hudson, Gandhi (1982), de
Richard Attenborough,Full Monty (1997), de Peter Cattaneo. Fue el exito commercial.
Francés◦ Claude Chabrol (Inocentes con manos sucias, 1974; Un asunto
de mujeres, 1988; No va más,1997) ◦ Jean-Pierre Jeunet (Amélie, 2001).
El movimiento más importante relacionado con el cine europeo de
la época fue el movimiento Dogma 95. Planteándose como
reacción al cine comercial, postulaban un cine naturalista, sin
efectos de sonido ni banda sonora, con actuaciones más bien
espontáneas, y filmadas con iluminación natural. Esto fue posible
en buena medida gracias a la aparición de la cámara digital.
Ideológicamente, Dogma 95 se inscribía en la línea intelectual de la
crítica a la burguesía, tan cara al cine europeo posterior a la
Segunda Guerra Mundial. Nada de esto era nuevo, porque en su
tiempo, el Neorrealismo había adoptado presupuestos muy
parecidos, y por análogas razones. Y por similares motivos
también, Dogma 95 tuvo una muy corta vida, y sus cultores
volvieron lentamente a los usos del cine de siempre, aunque los
cineastas formados a su alero ejercieron una marcada influencia
cultural. El más conocido de ellos es Lars von Trier, quien de todos
modos después se desmarcó del movimiento
Amelie
CINE ESTADOUNIDENSE CONTEMPORANEO
Los cambios que se aprecian en las películas de finales de
los sesenta son suficientes para que el Hollywood clásico
entienda que ha quemado sus últimos cartuchos. Los
productores tienen otro estilo, los directores se adentran
plenamente en el negocio audiovisual, los actores demandan
mayores honorarios, el consumo del cine ya no es en la sala
o a través de la televisión, pues el vídeo ofrece otra ventana
de comercialización. La tecnología avanza tan rápido que
revoluciona el concepto creativo cinematográfico y ya, a
finales del siglo XX, se ruedan películas en vídeo digital.
A partir de 1975 el cine estadounidense entra en la nueva era que va a estar dominada por los blockbusters ,es decir, por la rentabilidad inmediata en taquilla de una película. Desde Tiburón (1975), de Steven Spielberg, hasta Spiderman (2002), de Sam Raimi ; George Lucas dirige La guerra de las galaxias (1977), todo un fenómeno cinematográfico. Titanic (1997), de James Cameron, de The Matrix (1999), de Larry y Andy Wachowski, o los éxitos de El señor de los anillos.
El cine del último tercio del siglo XX fue básicamente espectáculo, producciones que supieron aprovechar el tirón de series impulsadas por Steven Spielberg‖ En busca del Arca perdida” 1981, ‖Los Picapiedra‖ 1994.
Espectáculo muy vinculado a las historias catastróficas, al cine de terror sorprendente, paranormal, llegado del espacio ―El exorcista” , 1973; la comedia e historias de terror juvenil ―American graffiti”, 1973; ‖Scream: vigila que alguien llama” 1996; la comedia familiar, romántica y disparatada ―Solo en casa”1990.
Las nuevas herramientas tecnológicas, los nuevos hábitos de consumo de productos audiovisuales conducen a que el mundo del cine indague en todo lo que tiene que ver con la electrónica, la realidad virtual, la televisión, Internet y el mundo del videojuego ―El show de Truman” (1998) , ) ; abordan diversos Estudios (Disney, Fox, Pixar, Dreamworks, etc.).
Titanic.
Belén Sánchez.
Cristina Sánchez.
