Introducción

Existen tres períodos o etapas en la construcción del lenguaje cinematográfico:

• El primero se extiende desde los inicios del cinematógrafo hasta 1902, es un período en el que los filmes son en un solo plano, y el rodaje es únicamente continuo.

• El segundo período abarca desde 1902 hasta el año 1910, en los rodajes se toman múltiples planos no continuos, aunque los montajes siguen siendo primitivos.

• El tercer período, a partir de 1910, cuenta con múltiples planos continuos cuyo rodaje se construye cada vez más en función del montaje.

Existen tres tipos de discursos cinematográficos que surgieron en el período en el que el cine comenzaba a crearse:

• El discurso de los hermanos Lumiere: Plasma la realidad, escenas de la vida cotidiana que capturaban la atención del público, cada vez más interesado en máquinas o inventos capaces de captar la imagen en movimiento.

• El discurso de George Melies: A través de su puesta en escena, la combinación del teatro, la ilusión, y las técnicas de filmación, propone inventar nuevas realidades, a través de la narración de una historia, generalmente fantástica.

• El discurso de David Griffith: Combina la imagen cinematográfica con el discurso propio de las novelas del siglo XIX, dando así nacimiento al relato cinematográfico.

Los discursos de los Lumiere y Melies corresponden al Modo de Representación Primitivo del cine. En cambio, Griffith y aquellos que siguieron a él, al Modo de Representación Institucional. Características del M.R.P.:

• Cine de atracciones, predomina espectáculo sobre la narración. • Encuadre fijo. • Yuxtaposición y no unión de planos. • Mirada a cámara: rompe la ilusión narrativa. • Espacio centrípeto. • Puesta en escena caracterizada por horizontalidad y frontalidad.

Modelo de representación primitivo

Se caracterizó por algunos parámetros que dieron lugar al nacimiento de un público que se encontraba en la búsqueda de algo espectacular y novedoso. El clasicismo cinematográfico provocó una fuerte identificación en el espectador

que se encontraba sentado en la sala. Éste público identificado, tanto con el mecanismo fílmico (construcción de la mirada omnisciente) como con los personajes de la pantalla, se convertía de inmediato en depositario del imaginario que las películas generaban. Los cineastas de los orígenes estaban interesados más en la atracción estética que en la narración.

El primer cine, (por oposición al cine organizado e institucionalizado) producido entre los años 1895 y 1914, se vio muy influenciado por la fotografía, la pintura, la novela, el circo, los espectáculos de variedades, las tiras cómicas, los periódicos, las animaciones de los juguetes ópticos del siglo XIX y el teatro.

Se forjó gracias a la adaptación cinematográfica de estas otras formas de espectáculo, junto con los nacientes procesos de producción y de comercialización específicamente cinematográficas. El vodevil posee características en su representación que resultaron clave en la construcción (por identificación) de los procesos de organización del material fílmico de los orígenes, de primitivo montaje cinematográfico.

Cintas con argumento y de ficción comienzan a producirse entre 1900 y 1908 pero con características de no continuidad narrativa. Eran construidas en función de varios cuadros, separados por elipsis y casi sin ningún orden narrativo lógico, con un tratamiento visual poco coherente y no homogéneo.

Los realizadores proceden, en éstos principios del cine, mediante una sucesión de fragmentos que se unen simplemente por corte directo, ajenos a la lógica narrativa ni estructura interna. En la filmación del cine primitivo, el punto de vista de la cámara se limitaba a reproducir la mirada de un espectador ideal del teatro: siempre a la misma distancia de los actores, frente al escenario, fuera de la acción; de la misma manera en que se situaría un espectador en un teatro. Los planos carecen de perspectiva y profundidad, debido a las limitaciones ópticas de aquellas primeras cámaras como por el propio entramado escénico de los primeros estudios, que siguen normas de los citados teatros populares que privilegian a la sucesión de incidentes más que a la decoración o la iluminación plenamente narrativas y dramáticas. Los actores se encaran hacia un fuera de campo, como en el espacio teatral, y a menudo se dirigen al espectador con el que interactúan, solicitando su opinión o su aprobación. Por ejemplo en Un homme de tête (1898) de Méliès, o incluso el plano en que el bandido dispara al espectador en The Great Train Robbery (1903) de Porter. Estas intervenciones tenían lugar en el escenario teatral e, incluido en el espectáculo cinematográfico, resulta un antecedente del espacio fuera de campo del cine narrativo. Películas como The Miller and the Sweep de G. A. Smith (1897) o Stop Thief! de J. Williamson (1901) incluían también el espacio fuera de campo en ese cine primitivo. En consonancia con la escasa verosimilitud y realismo de las primeras cintas de cine y de su espíritu burlón, alegórico y juguetón.

The Miller and the Sweep: http://www.youtube.com/watch?v=IgEhk0O4IFM Un homme de tête: http://www.youtube.com/watch?v=DnWUO-7fdyU

El modelo narrativo de las primeras películas fue el melodrama. La ingenuidad, el énfasis en la acción, la narración lineal, la trama conocida, etc., son algunos de los rasgos del melodrama que aparecen en el cine mudo.

Algunos códigos teatrales que influyen en la formación y evolución del cine primitivo son:

• Algunas películas cuentan con un telón de abertura y clausura (un telón que más tarde se transformará en los fundidos cinematográficos).

• El espacio visual del encuadre es igual al espacio visual escénico. • Las leyes del espacio son idénticas a las que rigen para la escena, por

ejemplo, entradas y salidas por los laterales. • La cámara está siempre a la misma distancia de los actores, frente al

escenario, fuera de la acción, igual que un espectador sentado en la butaca de un teatro a la italiana. La mirada se dirige con procedimientos teatrales.

• Las películas carecen de profundidad porque se ilumina para ver y el decorado no busca la perspectiva ni tiene en cuenta el ángulo de cámara. El trabajo del decorador se limita a colocar un fondo y a distribuir el mobiliario, siempre buscando una función decorativa, en lugar de ser contrapunto de la acción.

• Muchos efectos y trucos provienen del teatro de magia. • Aunque el tiempo de la representación en el teatro es de dos horas y en

el primer cine de unos diez minutos, los empresarios descubren que el público es capaz de soportar películas más largas, imponiéndose finalmente lo que se llama el largometraje, cuya duración es similar al de la representación teatral. También en el tiempo de la acción representada guardan ciertas similitudes. Por ejemplo, la película se rueda en el orden cronológico del texto escrito, ya sean unas líneas de guión o la adaptación de un clásico de la escena; la acción, como en el teatro, siempre ocurre en presente; y, finalmente, los letreros que señalan cambio de tiempo actúan de forma similar a las acotaciones en el texto teatral.

• La unidad mínima narrativa es la escena, que se desarrolla en un decorado único. El montaje se articula como suma de cuadros sucesivos, si bien en las películas más primitivas, las pertenecientes al periodo 1895-1901, ni siquiera se centra la atención en la sucesión de esas escenas, sino en cada una de ellas como unidad. Los cambios de decorados se plantean entonces como cambio de cuadros, en lugar de ser prolongaciones de la acción.

• Similitud entre la forma de interpretar el melodrama y la del cine mudo. El estilo del melodrama de brazos en alto, largas miradas y palabras vocalizadas con énfasis es reconocible en el cine mudo.

• El actor es el elemento principal y la puesta en escena debe estar a su servicio.

Los hermanos Lumière

A partir de 1892 los hermanos Lumiere empezaron a trabajar en la posibilidad de imágenes en movimiento. Crearon un aparato que servía como cámara y como proyector: el cinematógrafo, que se basaba en la persistencia retiniana de imágenes en el ojo humano.

El 28 de marzo de 1895 se mostró en París en una sesión de la Société d’Encouragement à l’Industrie Nacional la conocida La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir (Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir), rodada tres días antes. Éste corto de menos de un minuto muestra a los obreros de una fábrica saliendo de la misma, luego de la jornada laboral. El día de la representación, considerado oficialmente como el primer momento de la historia del cine fue el 28 de diciembre de 1895, en el Salón Indio del Gran Café del Boulevard de los Capuchinos.

Las primeras películas de los hermanos Lumiere eran cuasi documentales de la época; mostraban aspectos de la sociedad parisina de fines del siglo XIX y principios del XX. Sus filmaciones de objetos comunes y escenas de la vida cotidiana, resultaron importantes ya que, se convirtieron en objetos de espectacularización. Se comenzó a dar en el cine una característica de verosimilitud más grande que la fotografía.

La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir:

http://www.youtube.com/watch?v=HI63PUXnVMw

L’Arrivée d’un train à la Ciotat, 1895 (La llegada del tren a la estación) fue un gran éxito. El corto de unos sesenta segundos de duración muestra la llegada de un tren a la estación de La Ciotat en el sur de Francia que, gracias a la ubicación de la cámara, da la sensación que el tren avanza directamente hacia el espectador.

Cuenta la leyenda que los primeros que vieron la proyección tenían la impresión de que lo que estaba sucediendo era tan real que se agachaban y hasta incluso se levantaban y se movían ante la llegada del tren.

L’Arrivée d’un train à la Ciotat:

http://www.youtube.com/watch?v=2cUEANKv964

El regador regado (L’arroseur arrosé, 1895), fue el primer film de humor de la historia del cine.

L’arroseur arrosé:

http://www.youtube.com/watch?v=Kd4jSTBhYDw

Algunos periódicos de París titulaban “Con el invento de los hermanos Lumiere, la muerta deja de ser absoluta” o cosas del estilo. Sin embargo, los Lumiere no veían en el cinematógrafo una industria. Patentaron el invento y se negaron a comercializarlo, por lo tanto, cualquiera que deseara filmar un acontecimiento debía contratarlos. Entonces los Lumiere les enviaban un cinematógrafo y un operador donde sea que fuera requerido. Los Lumiere declararon que el cinematógrafo era un invento sin futuro y se volcaron al desarrollo de la fotografía a color, dejando el camino del cine libre para que personas como George Mélies, los hermanos Pathé (quienes

compraron las patentes de Lumiere) y Edwin Porter, entre otros, continuaran su camino.

Georges Mèliés Invitado por los Lumiere, Melies (Director y actor de teatro, mago ilusionista y zapatero) asiste, el 28 de diciembre de 1895 a la primera función paga y pública del cinematógrafo. Quizás haya visto en ésta máquina algún tipo de posibilidad para enriquecer sus propios espectáculos y, decidió comprar una. Sin embargo, los hermanos se negaron. Georges optó entonces por construir una propia máquina cinematográfica y comenzar a rodar lo antes posible. La gente comenzaba a aburrirse de ver siempre el mismo tipo de proyecciones. Fue entonces, cuando a través de su ingenio, trucos de magia, prestidigitación y escenografías teatrales, convirtió al cine en un espectáculo. El 5 de abril de 1896 proyectó las primeras películas en su teatro Robert Houdin que, compró y dotó de todos los inventos necesarios para realizar sofisticadas puestas en escena y sorprender a los espectadores con los decorados, proyecciones, vestuarios y representaciones. Aquellos cortos eran pequeñas escenas al aire libre, muy similares a las de los hermanos Lumiere. El estilo de Melies fue evolucionando ya que comenzó a combinar sus espectáculos de ilusionismo con el cine. Al llevar el teatro al cine, Melies logró transformar aquellas imágenes de la realidad cotidiana en narraciones de historias. Construyó su propio estudio, con paredes y techo de cristal ya que, no utilizaba luz artificial. Incluso invirtió una gran suma de dinero en sistemas mecánicos para ocultar zonas al sol, trampas y otros mecanismos de puesta en escena.

A Melies se le deben las primeras filmaciones de fantasía. Realizó películas aplicando fundidos y encadenados como se hacían en las sesiones de diapositivas. Fue el pionero en la utilización del truco de sustitución de elementos mediante el parado de la cámara y, también en la exposición múltiple del negativo. El truco de la desaparición de objetos fue descubierto mientras proyectaba una cinta tomada algunos días atrás, vio como un autobús se transformaba en una carroza fúnebre. La película se había detenido y, al momento de reanudarla, la imagen ya era distinta. Éste incidente lo convirtió en un maestro en el manejo de cámaro y del truco en pantalla.

Además, utilizó recursos del teatro como el guión, escenografía, vestuario, maquillaje, la división de escenas y actos, etc. La movilidad en sus filmes se logró gracias al montaje y no por el movimiento de cámara ya que, ésta siempre estaba ubicada en el fondo del estudio, como un espectador en su butaca. Si bien no fue el primero en hacer películas de ficción, se le reconoce como el padre del espectáculo cinematográfico y de la ficción fílmica. Demostró que se podía recrear e inventar la realidad. La primera película de diez minutos fue realizada por Melies, en 1899 y se llamó L’affaire Dreyfus (El proceso Dreyfus) que es un reportaje periodístico sobre ese acontecimiento. L’affaire Dreyfus (fragmento): http://www.youtube.com/watch?v=t_LgdB3o5Qk

Le voyage dans la lune (El viaje a la luna) es una película basada en las novelas de Julio Verne y H. G. Wells. Fue filmada en 1902 y además, fue la película donde experimentó y perfeccionó el uso de trucos con la cámara para hacer aparecer y desaparecer objetos. Se utilizaron maquetas, filmación a través de un acuario, superposiciones de imágenes, etc.

La evolución de la continuidad narrativa cinematográfica da un paso muy grande, al montar la secuencia del disparo del cañón que lleva a los

astrónomos a la luna y, luego poner en escena un decorado con la cara animada de ésta, que va creciendo en un travelling inverso y sobre la que acaba aterrizando la nave, clavándose en el ojo de la luna. Además es el primer film de ciencia ficción de la historia del cine. La imagen de la cara de la luna recibiendo el impacto de un cohete espacial disparado por una bala de cañón, es uno de los planos más conocidos de la historia del cine.

A partir de ese momento el cine fue diferente: surgieron realizadores con diferentes visiones del mundo que perfeccionaron el arte y la técnica, convirtiendo el cine en un medio de expresión único.

Le voyage dans la lune:

http://www.youtube.com/watch?v=dxB2x9QzXb0

Edwin Porter

En Estados Unidos, un operador de T. Edison, tuvo la idea de montar por separado algunas escenas de archivo de incendios y acciones de bomberos por un lado, y por otro, secuencias de bomberos tomadas por él mismo. Logró transmitir al espectador una dimensión temporal, seleccionando los planos importantes de la historia con una continuidad aceptable y de desarrollo lógico.

En el plano inicial se plantea el problema dramático, que no se resolverá hasta el tercero, pero en vez de presentar la acción en tres grandes planos separados por los típicos títulos explicativos de la época, la acción se sucede

plano a plano, creando un efecto de continua progresión, el espectador tenía la impresión de estar viendo una historia sin solución de continuidad.

Ésta primera película con montaje, de toda la historia del cine, se llamó Life an American Fireman (Vida de un bombero americano), del año 1903.

Life an American Fireman:

http://www.youtube.com/watch?v=p4C0gJ7BnLc

Más adelante, a finales del mismo año, perfeccionó el descubrimiento en The great train robbery (Asalto y robo al tren), película que inició el género western, en la que mezcla varias historias rodadas por separado que se juntan en un momento determinado. El director utilizó en esta película algunas técnicas innovadoras, tales como la edición en paralelo, movimientos mínimos de cámara y filmación en locación; saltos de corte y cortes en cruz, mostrando dos líneas reacción separadas o, eventos que ocurrían en lugares distintos pero en el mismo momento.

Podemos observar la primera toma panorámica, en las escenas ocho y nueve; el uso de una elipse, en la escena once. También es la primer película en la que los tiros de un pistolero hacen bailar a alguien (escena once), un cliché de acción repetido en infinidad de westerns. Además, un bombero es tirado del tren en movimiento, que fue reemplazado por un muñeco, con un corte en la escena cuatro.

En el final de la película puede verse por primera vez en la historia del cine, un primer plano del actor George Barnes, el jefe de los bandidos que, apunta con su revólver directamente hacia la pantalla y dispara. Era una película primitiva de acción de unos diez minutos de duración y que puede ser considerada como la primera obra importante, con argumento de ficción, del cine americano.

Porter aportó muchos elementos a la narrativa del cine y además, durante una escena descubrió el paneo de cámara. Los pies sobre los que descansa la cámara, en aquellos tiempos, no tenían un eje giratorio para darle movimiento horizontal, por lo que el camarógrafo realizó un gran esfuerzo por captar a los caballos de los bandidos localizados del lado izquierdo del cuadro. El hallazgo de este movimiento resultó ser de gran aportación al lenguaje del cine.

The great train robbery:

http://www.youtube.com/watch?v=Bc7wWOmEGGY

Características del M. R. I.

• Recursos fílmicos que dotan al mundo ficcional, creado en la película, de coherencia interna, causalidad lineal, realismo psicológico y continuidad espacio-temporal.

• Raccords, continuidad en la diégesis. • Transparencia narrativa, desaparecen las marcas de enunciación, fuerte

verosimilitud. • Personajes muy bien definidos en su psicología, con motivaciones

nítidas. • Se plantea un conflicto y los personajes intentan resolverlo. • Final: se resuelve el conflicto. • Composición del encuadre en función del lugar privilegiado del

espectador.

• Composición en profundidad, centrada y con dinamismo. • Consolidación de Hollywood y su modelo industrial, como centro de

producción cinematográfica. MODELO DE REPRESENTACIÓN INSTITUCIONAL Los empresarios de la industria norteamericana comienzan a aceptar que los filmes de larga duración, con historias complejas, proporcionan gran rentabilidad. El largometraje, de duración similar a una representación teatral, comienza a imponerse por sobre aquellos primeros cortos, por el año 1915 y de la mano de D. W. Griffith. Griffith incorpora una serie de elementos y recursos tomados de las novelas del siglo XIX que, hacen que la trama se fragmente dramáticamente y que avance linealmente. Desde los orígenes del cine, podría hablarse de un sistema de producción del camarógrafo, que era, a la vez, el director y cámara, ya que lo esencial era exclusivamente el establecimiento de un punto de vista, con lo que el periodo comprendido entre 1909 y 1914, por tanto, señala la separación y subdivisión del trabajo. Se concibe la industria cinematográfica de producción como un instrumento para la realización en serie de películas y, de ese modo obtener un máximo beneficio, con una gran cantidad de productos, en un menor tiempo. Esto facilitó la construcción de una unidad narrativa en los filmes, además, la división del trabajo, su jerarquización, la distribución de tareas en departamentos especializados, etc. Los filmes comienzan a tener homogeneidad visual y son producidos en los mismos estudios y por los mismos profesionales. Ahora, era tenido en cuenta cualquier tipo de aspecto visual, como la decoración, la iluminación, la interpretación de los actores, etc. Incluso se tiene en cuenta el significado narrativo homogéneo, con guiones elaborados, donde la historia y el dramatismo ya se trabajan antes de la filmación. A finales de la década del ’10 el cine logró encontrar linealidad, siguiendo modelos literarios y teatrales; estableció la continuidad entre planos y secuencias y, dentro de los elementos de un mismo cuadro cinematográfico, como las miradas, los movimientos o, incluso el sonido, que al ser aún cine mudo, se reproducía en la sala de exhibición. De ésta manera, utilizando ciertas técnicas para transmitir una historia, estableciendo continuidad narrativa entre planos tomados desde distintos puntos de vista, en cintas de mayor duración, comenzaba a perfilarse el modelo institucionalizado del cine. Como consecuencia de estos cambios, la compañía teatral se transforma en productora de cine; el escenario, en estudio; y la sala de teatro, en sala de cine. La puesta en marcha de un sistema racionalizado de producción, para dar respuesta a la demanda acrecentada de las nuevas salas estables de proyección cinematográfica, reflejaba también la generación de un nuevo tipo de público, más exigente y con mayor capacidad económica.

La práctica fotográfica y el retrato de los cineastas británicos de la escuela de Brighton facilitaron el trabajo de planificación, por ejemplo en el proceso de implementar los primeros planos y la alternancia de planos variados. Mary Jane’s Mishap (George Albert Smith, 1903), por ejemplo, no rompe sino que unifica la narración. Mary Jane’s Mishap: http://www.youtube.com/watch?v=QCm51fg5hpk

David Griffith Éste realizador descubrió, experimentó, expandió y consolidó gran parte de lo que hoy se considera el lenguaje cinematográfico gracias a sus diversas habilidades técnicas que ayudaron a contar las distintas historias. Por aquellos años no existían escuelas de rodaje, por lo tanto todo les era permitido. Griffith rodó casi todos los tipos y géneros del cine y se le adjudican la mayoría de los descubrimientos del lenguaje del cine.

El cine comienza una nueva era, de la mano de Griffith y su película más famosa, The Birth of a Nation (El nacimiento de una Nación), del año 1915, debido a que el director reunió todos los recursos narrativos que había desarrollado el cine hasta aquel momento: los saltos de eje, la alternancia entre los primeros planos y los planos generales, etc.

En el film Griffith justifica la creación de Ku Klux Klan como un método de contener las abusos que la población negra perpetraba en el sur de los EEUU. La escena del asesinato a Lincoln es una de las más famosas y analizadas por estudiosos del cine.

Otro clásico de Griffith es Intolerance (Intolerancia) del año 1916, donde juega con el tiempo narrativo, diferente al tiempo real; con un Griffith más preocupado por transmitir un mensaje que por la cronología de los hechos o la adecuación de la realidad.

Fue necesaria The Birth of a Nation para convencer al mundo de que Hollywood había llegado a la madurez. Este largo metraje fue un revulsivo en la historia del cine. La opinión pública se desembarazó de la idea difundida hasta entonces de que el cine era tan solo un arte menor de diversión, un vástago ilegítimo del teatro

Intolerance (Fragmento):

http://www.youtube.com/watch?v=zkgSIdOU_cc

The Barth of a Nation(Fragmento):

http://www.youtube.com/watch?v=a9UPOkIpR0A

El cine primitivo en Argentina

El cine llegó a la Argentina apenas después de su lanzamiento en París, al poco tiempo ya empezaron a rodarse las primeras producciones nacionales. Entre otros atractivos, hubo pioneros mundiales en cine científico y de animación. Pero la verdadera industria comenzó recién en 1933, con la afirmación del cine sonoro.

La primera exhibición cinematográfica, con vistas de los Lumiére, ocurrió el 18 de Julio de 1896. Ya en 1894 había llegado el kinetoscopio y, a comienzos de 1896, un concesionario de kinetoscopios había experimentado proyecciones públicas con un aparato de su invención. En 1897 comenzó la importación de cámaras francesas, y un francés residente en Argentina, Eugene Py, se convirtió en el primer realizador y camarógrafo con el corto La bandera argentina.

En 1898, filmando sus propias operaciones quirúrgicas, el doctor Alejandro Posadas inició el cine quirúrgico. En 1900 aparecieron las primeras salas específicamente dedicadas al cine, y los primeros noticieros.

Desde entonces, cabe señalar los ensayos de cine sonoro en 1907; el primer filme de ficción con actores profesionales, La revolución de mayo, en 1910; el primer largometraje, Amalia, en 1914; el primer gran éxito, Nobleza gaucha (costó 25.000 pesos y recaudó medio millón en seis meses, sin contar copias piratas) en 1915; el primer largometraje mundial de cine de animación, El apóstol, en 1917; y la primer mujer directora de Latinoamérica, también en 1917.

Entre melodramas, policiales, cintas cómicas y temas camperos; durante el período mudo, se hicieron más de 200 películas; destacándose los asuntos de clima tanguero de Agustín Ferreyra. Sin embargo, nunca se organizó una verdadera industria, y ni siquiera se conservaron debidamente las películas. Prof. Alejandro Posadas Operación Quiste (1897):

http://www.youtube.com/watch?v=nEIZJEmdhe0

La Revolución de mayo:

http://www.youtube.com/watch?v=LJVhoGDth6o

Nobleza gaucha:

http://www.youtube.com/watch?v=SU3jULq1RZY

BIBLIOGRAFIA http://www.bocc.uff.br/pag/tarin-francisco-tres-procedimentos-discursivos.pdf http://www.bocc.uff.br/pag/tarin-francisco-tensiones-mri.pdf http://www.egeda.es/pequeproduce/pequenoeduca_c4.asp http://www.cervantesvirtual.com/servlet/SirveObras/02583830900258306319079/p0000001.htm http://es.wikipedia.org/wiki/Hermanos_Lumi%C3%A8re http://cineroy.blogspot.com/2006/06/los-hermanos-lumiere-2.html http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/comienzoscine.htm http://es.wikipedia.org/wiki/Viaje_a_la_luna http://www.cinematismo.com/cine-de-aventuras/el-gran-robo-del-tren/ http://es.wikipedia.org/wiki/D._W._Griffith http://es.wikipedia.org/wiki/El_nacimiento_de_una_naci%C3%B3n http://www.surdelsur.com/cine/cinein/ http://es.wikipedia.org/wiki/Georges_M%C3%A9li%C3%A8s http://redescolar.ilce.edu.mx/redescolar/act_permanentes/luces_de_la_ciudad/Memorias/cine/george%20miles.htm http://es.wikipedia.org/wiki/Edwin_S._Porter http://chupi-pictures.blogspot.com/2007/01/edwin-s-porter-el-montaje-narrativo.html http://redescolar.ilce.edu.mx/redescolar/act_permanentes/luces_de_la_ciudad/Memorias/clasicoscm/cinesil2.htm http://www.scribd.com/doc/13086018/Cine-Clasico Tres procedimientos discursivos en las cinematografías del cambio de siglo Francisco Javier Gómez Tarín (Universitat Jaume I, Castellón) El vodevil y el melodrama en el cine primitivo Fco Javier Ruiz del Olmo Profesor Titular. Universidad de Málaga.