El renacimiento

HISTORIA DE LA MÚSICAEL RENACIMIENTO

La Música del Renacimiento

Renacimiento: Acción de renacer. Renovación, retorno. Movimiento literario, artístico y científico que tuvo lugar en Europa en los siglos XV y XVI, basado en gran parte, en la imitación de la antigüedad.

La música renacentista tiene como características principales.1. Desarrollo de la polifonía coral, este supuso el requisito previo esencial del que surgieron todos los demás adelantos posteriores. 2. Establecimiento del coro como nuevo medio de expresión.3. La disonancia se resuelve.4.Aparición de nuevas formas musicales que amplían la gama de posibilidades técnicas.5. Unión de la música y la literatura.6. Desarrollo de la música instrumental.7. El músico obtiene el mecenazgo de los poderosos de la corte.8. Se comienza a imprimir la música aplicando el sistema de tipos móviles, diseñado por Gutenberg, y perfeccionados para la música por Ottaviano Petrucci.


Con el descubrimiento de América y el mestizaje cultural, Europa adopta ritmos americanos como la chacona (forma que será desarrollada en el barroco), de origen centroamericano y a su vez la música indígena se ve influenciada por la europea y la africana.

El Renacimiento y las artes PlásticasEl término renacentista apareció en 1568, en la segunda

edición de las Vidas de Vasari, aunque para expresar un fenómeno que se remonta al siglo anterior: la renovación de las artes bajo la influencia del redescubrimiento de la antigüedad, que permitió sustraerse al recuerdo de la barbarie del gótico. La historia del arte del siglo XX ha relativizado esta visión, de una parte poniendo el acento en la vitalidad del gótico, fuera de Italia, hasta el siglo XVI y por otra estudiando los renacimientos: carolingio y románico, que precedieron al renacimiento de los siglos XV y XVI, dejando aparte el de Giotto, punto de partida de Vasari. Este, sin embargo, va mucho más lejos que la mera copia de temas aislados de las épocas precedentes: el retorno a las fuentes antiguas se traduce en un sistema coherente de arquitectura y de decoración, planos, trazados modulares, sistemas de órdenes, un repertorio nuevo de temas mitológicos y alegóricos, donde el desnudo adquiere un lugar relevante.

Leonardo Da´ Vinci

Así mismo, va acompañado de aspiraciones científicas y estéticas, que en pintura se traducen por la búsqueda del espacio y del relieve respecto a los cánones grecorromanos y científicos, e intentó poner fin a la separación entre las artes, la técnica y el pensamiento, la exaltación de la inteligencia, de la individualidad, del héroe, que se superponen a los valores cristianos. Fue en Florencia, a partir de la primera mitad del quattrocento, donde todos estos elementos se conjugaron en el arte de los Brunelleschi, Donatello, Masaccio, y en el pensamiento de L. B. Alberti. Este primer renacimiento de una robustez y un sabor primitivos que reflejaban la espontaneidad y el enriquecimiento de Italia en su conjunto, encontró nuevos aliados en Urbino, Ferrara, Mantua, Milán y Roma. En 1494, la llegada de los franceses trastornó el equilibrio italiano y Roma recogió la antorcha del modernismo, hasta la dispersión de los artistas que siguió al saqueo de 1527. Este fue el segundo renacimiento, alto renacimiento, obra de artistas de orígenes diversos, reunidos por los papas, que realizaron en el más alto grado las aspiraciones florentinas de universalismo, polivalencia y libertad creadora: Brahamante, Rafael y Miguel Ángel; Leonardo da Vinci, no obstante tras sus años en Milán, se vio empujado a una carrera nómada.

El Renacimiento y las artes Plásticas

Miguel Ángel

Las situaciones eran muy distintas en los diferentes países europeos; la actividad arquitectónica se hallaba restringida en Francia y en los Países Bajos a causa de las guerras religiosas; pero en los países de habla latina con sus versiones regionales y a menudo pintorescas, se impuso el vocabulario de las formas del renacimiento. Y fue en Italia donde, a finales del siglo, nacieron las corrientes que marcaron el principio de una nueva era: el realismo populista y grandioso de Caravaggio, la poética ilusionista del barroco.

El Renacimiento y las artes Plásticas

Caravaggio

La Música del RenacimientoARS NOVA

Arte nuevo o nueva técnica. Fue el título de un tratado escrito hacia 1.322-23 por el compositor y poeta francés Phillippe de Vitri. El siglo XIV aporta una radical renovación del espíritu musical. El Ars nova hace referencia al estilo contrapuntístico de los grandes músicos franceses como Guillaume de Machaut, Phillippe de Vitri y los florentinos: Francesco Landino, Giovanni da Casia, Jacopo di Bologna en el siglo XIV. La técnica sonora ensaya nuevos experimentos armónicos, que son recogidos y ordenados por una caprichosa imaginación rítmica. En el Ars Nova el tenor o canto dado establece los desarrollos y las proporciones de la arquitectura sonora. Las principales formas de la época son el rondeaux, ballade y virelai.

BalladeCacciaRondeauVirelai

La Música del Renacimiento Jacopo da Bologna: Aquil' Altera, Ferma/Creatura Gentil/Uccel' Di Dio

En el siglo primero ya se clasificó la voz, pero dicha clasificación se basaba en la calidad (dulce, áspera, sonora, clara, etc.) y en la cantidad (grande, mediana y pequeña), según escritos de Quintanillo (orador romano).

Fué en el Renacimiento, con el inicio del canto coral, cuando se comienza una clasificación, tal como la entendemos actualmente, correspondiendo a tenor y bajo en el hombre y a un contralto y contratenor en la mujer.

En el siglo XVI el canto eclesiástico fue transformándose a composiciones polifónicas. El pionero de la composición eclesiástica a cuatro voces fue el francés Josquin Desprez (1457/58-1521). La nueva técnica de componer hizo necesario el clasificar los tipos de voces, ya que cumplían con funciones diferentes dentro de la obra vocal. Con la música a cuatro voces surgía la categorización por cuatro tipos básicos de voz: Soprano, Altus, Tenor y Bajo. Esas categorías se encuentran en partituras de oratorio y ópera hasta hoy.

La Música del RenacimientoClasificación de la voz

LA VOZ BLANCALos niños poseen una altura de voz similar a la de las mujeres, pero su voz es delicada y no está desarrollada, ni tiene la riqueza tímbrica de una laringe adulta, por eso se la denomina voz blanca.

Niña.wmv

VOZ FEMENINA

Ligera: si bien el volumen no tiene tanta importancia como en otros tipos de soprano, su extensión es la más amplia; voz idónea para realizar todo tipo de virtuosismos vocales, como son los ornamentos y adornos diversos.

Doubrette: muy parecida a la anterior, aunque su timbre y tesitura suelen ser más graves.

Lírico - ligera: voz intermedia capacitada para acometer gran parte de los papeles de sopranos ligeras y líricas.

Lírica: más expresiva y con mayor volumen que las ligeras, no tiene, sin embargo, agudos tan firmes.

Lírico - spinto: supera en potencia y expresión a la lírica.Dramática: posee unos graves más ricos que la lírico - spinto y el

timbre es también más poderoso; cuando puede cantar ornamentos, se le suele llamar soprano dramática con agilidades.

Falcón: voz intermedia entre soprano dramática y mezzosoprano, casi equivalente a la mezzo ligera.

Clasificación de la voz

Soprano: Es la voz aguda por excelencia en la mujer, normalmente cumplía

la función de la melodía principal. Una de sus subdivisiones es la

denominada Soprano de coloratura.Mezzosoprano: de timbre rotundo y bastante más grave que el de la

soprano, puede acometer agilidades muy complicadas. Suele dividirse en dos grupos:

Mezzo ligera: casi equivalente a la soprano dramática con agilidades y a la soprano falcón; debe estar capacitada para resolver agilidades auténticamente virtuosistas.

Mezzo dramática: casi equiparable a la soprano dramática, aunque sus graves son mucho más ricos y potentes.

Contralto: es la voz femenina más grave. De singular rareza, supera a la mezzo dramática en la potencia de sus graves. A veces puede hacer agilidades. En Alemania, país donde más se ha subdividido y estudiado la clasificación de la voz, se suele distinguir la contralto cómica, con capacidad para cantar ornamentos (conocida en otra época en Italia como contralto buffa) de la dramática.


LA VOZ MASCULINA

Tenor: es la voz masculina más aguda. Se puede dividir en:Ligero: voz muy ágil capacitada para una perfecta vocalización y para

entonar agilidades.Cómico: equiparable al anterior. En Francia también se le conoce como

tenor trial.Lírico: de mayor potencia y firmeza en la proyección de la voz que los

tipos anteriores.Lírico - spinto: de mayor potencia y expresión que el tenor lírico. Cuenta

con el repertorio más amplio de eta cuerda.Dramático: de gran potencia en la octava central y en los graves; pobre

en los agudos.Barítono: voz más grave y aterciopelada que la de los tenores, casi nunca

cuenta con agilidades.Ligero o cantante: voz atenorada en los agudos; graves no muy

potentes.Buffo: muy parecido al anterior.


Bajo Verdi: característico en las óperas maduras de Verdi. Debe poseer agudos brillantes y graves aterciopelados.

Barítono - Bajo: voz de color oscuro que, sin embargo, puede emitir agudos brillantes. En Alemania, además, se considera como un tipo aparte el llamado bassbariton.

Bajo: es la voz masculina más grave. En determinados papeles cómicos tiene que acometer agilidades más bien difíciles.

Cantante: además de poseer un timbre relativamente ligero, debe resolver agilidades.

Helden: equivalente al barítono bajo.Profundo: octava grave muy rica, agudos firmes.Caractère y Hoher: tipos de voces que no se usan fuera de

los repertorios francés y alemán. El primero está cercano al cantante y el segundo es un profundo corto.


La Música del RenacimientoJosquin Desprez - Missa Pange Lingua - 3/11 - Gloria

LOS CASTRATI

(Del italiano castrato, castrado) es la denominación que se utiliza para referirse al cantante sometido de niño a una castración para conservar su voz aguda (de soprano, mezzo-soprano o contralto). El término tradicional español (hoy en desuso) referido a estos cantantes era capón. Actualmente se emplea la palabra italiana.La castración consistía en la destrucción del tejido testicular sin que, por lo general, se llegara a cortar el pene. Mediante esta intervención traumática, se conseguía que los niños que ya habían demostrado tener especiales dotes para el canto mantuvieran, de adultos, una tesitura aguda capaz de interpretar voces características de papeles femeninos.Su origen se sitúa en torno al año 1550 en que se conservan los primeros documentos referentes a cantantes castrados en Roma y Ferrara. De hecho, la castración con fines musicales se practicaba casi exclusivamente en Italia, aunque pudo originarse en España y se realizaba raramente en los estados mas meridionales de Alemania. En España se realizaba en un pueblo llamado Castalla.

Los castrati tuvieron una gran popularidad y llegaron a cobrar enormes cantidades de dinero por sus actuaciones. Según la leyenda, acrecentada en la actualidad por la película Farinelli (1994) y considerada sin ninguna base científica por la mayoría de las opiniones médicas actuales, gozaban de gran predicamento entre algunas damas de la época, ya que, si mantenían relaciones sexuales con ellos, no corrían el riesgo de quedar embarazadas.Los castrati aunaban en su voz la ternura de un niño y la potencia y fuerza de un adulto. Fueron voces muy codiciadas y aplaudidas. Uno de los más famosos castrati fue Carlo Broschi más conocido como Farinelli.

Farinelli.wmv

La Música del RenacimientoITALIA

En el siglo XV florece en Italia un rico movimiento musical de carácter popular “La Camerata Fiorentina”, donde el principal centro es Florencia. Mecenas como Lorenzo el Magnífico tienen gran influencia en el desarrollo de las artes; el clima reinante era diferente al del siglo anterior, carreras de caballos, juegos, mascaradas, representaciones teatrales, anuncian una nueva época. Otras ciudades como Venecia y Nápoles, serán centros de gran importancia para el desarrollo de la música renacentista. El desarrollo del madrigal, la música instrumental, la danza, el oratorio serán muestra de una nueva época. En Roma, con Giovanni Pierluigi da Palestrina (representante de la contrareforma) alcanzan su máxima expresión, la misa y el motete polifónico renacentistas. COMPOSITORES: Andrea y Giovanni Gabrieli, Carlo Gesualdo, Claudio Antonio Monteverdi, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orazio Vecchi.

FLANDES

COMPOSITORES: Guillaume o Willem Dufay, Josquin Després, Johannes Ockeghem


Palestrina - Jesu, rex admirabilis - Gardiner


FRANCIADespués del Ars nova, la forma más desarrollada en Francia en el siglo XVI fue la canción, la cual derivó de los modos populares italianos. Entre los principales compositores se encuentran: Clément Janequin, Claudin de Sermisy, Pierre Certon, Mattheus Gascogne, George le Heurteur entre otros. La edición de partituras impresas se le debe a Pierre Attaignant, con diecisiete libros de canciones impresas entre 1525 y 1535.

ESPAÑAEl renacimiento en España florece con los reyes católicos (1470-1504), la fuente principal para el estudio de la música española es el Cancionero de palacio, donde se encuentran 460 composiciones de carácter profano, escritas por músicos al servicio de los reyes; contiene villancicos amorosos, estrambotes, romances y villancicos religiosos de compositores como Juan del Encina y Mateo Flecha. La polifonía religiosa alcanza su máximo esplendor con compositores como Tomás Luis de Victoria, Cristóbal de Morales, Francisco Guerrero, en la música de órgano Antonio de Cabezón, y en la música para vihuela, Luis de Narvaéz, Luis de Milán, Enríquez de Valderrábano, quienes escribieron fantasías, pavanas, tientos, endechas, madrigales y ensaladas.

La Música del RenacimientoAu joly jeu - Clément Janequin


Ave María - Tomás Luis de Victoria

La Música del RenacimientoINGLATERRA

Inglaterra comparada con el resto de Europa, sólo entra en la música internacional con el reinado de Isabel I, lo cual conocemos como música Isabelina, el período va de las dos últimas décadas del reinado hasta 1.616 con la muerte de Shakespeare. Compositores como John Dowland (1.536-1626) compositor de Ayres, canciones para voz y laúd, John Redford (1485-1545), Thomas Morley.En música religiosa se destacan JohnTaverner (1495-1545), Tye (1500-1572) y Thomas Tallis (1505-1585), Los cambios religiosos de la época de Enrique VIII (quien también compuso madrigales) y Eduardo VI, afectaron a la música profundamente, se desarrollan las antífonas, y como compositor posterior encontramos a Willian Byrd.


John Dowland-The Most Sacred Queen Elizabeth, Her Galliard


"Sanctus" - John Taverner

La Música del RenacimientoTEORÍA-RENACIMIENTO

La melodía del renacimiento se ciñe todavía al ámbito modal, se empiezan a dar las bases para la aparición del sistema tonal, el cual va a regir la música durante casi cuatro siglos.

El desarrolló melódico en el renacimiento es muy importante, los giros melódicos en torno a un modo o tono; en este período la melodía va íntimamente ligada al lenguaje y a la poesía. Se desarrollan géneros contrapuntísticos como el madrigal, la caccia, el motete, la frottola y la ensalada.

El contrapunto alcanza su madurez en el renacimiento, punctus contra punctus o sea nota contra nota, tiene su origen con Juan Muris en el siglo XIV, lo cual significaba la conducción melódica de varias voces con independencia. Los inicios del contrapunto se remontan al siglo XII con el discanto.


La utilización de pasos cromáticos por Carlo Guesualdo y otros compositores será una práctica no generalizada pero que se anticipará casi en dos siglos a la utilización del cromatismo en el romanticismo por Richard Wagner.

Hacia finales del renacimiento Gioseffo Zarlino, quien nace en Chioggia en el año 1517 y muere en Venecia el 14 de febrero de 1590, inicia la historia de la armonía cordal y las leyes que la rigen, comenzando así una larga cadena de teóricos hasta nuestros días.

http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Gioseffo_Zarlino.jpg

La Música del RenacimientoZarlino deja los procedimiento empíricos, teorizando

y construyendo las leyes que serán las bases de la armonía moderna, su intuición lo lleva a teorizar sobre el acorde mayor, ignorando el fenómeno de los sonidos armónicos en su serie completa, con lógica estricta contrapone el acorde menor al mayor, como producto de una serie de relaciones numéricas inversamente proporcionales a las que considera que expresan el acorde mayor.

Zarlino funda sus teorías en la experiencia natural del hecho acústico-musical y sobre las teorías especulativas de las teorías antiguas de Dídimo y Tolomeo y teóricos contemporáneos como Odington, Ramos y Fogliano. Zarlino teoriza sobre el nuevo concepto de tonalidad, que las doctrinas armónicas hasta la fecha restringían, distinguiendo entre acorde mayor y menor, sobre los intervalos.

La Música del RenacimientoFranco Abbiati, explica cómo Zarlino en su tratado las

Istitutioni llego a la dualidad armónica, basado en principios pitagóricos y tomando una cuerda resonante que daba el sonido Do y cuya mitad, tercera, cuarta, quinta y sexta partes daban sucesiva y respectivamente, los sonidos de do a la octava superior, de sol a la duodécima, de do, de mi y de sol en el orden ascendente de los grados. Zarlino estableció la primera serie de las relaciones consonantes ( 1/2 - 1/3 - 1 /4 - 1/5 - 1/6) que llamó División armónica, o bien serie armónica natural, constituida por elementos tonales que forman el acorde mayor.

La División aritmética, contrapuesta a la armónica y que contenía los elementos tonales que forman el acorde menor, se obtenía con el procedimiento opuesto, es decir alargando la cuerda según el mismo orden proporcional de la división armónica. Tomando por ejemplo, la nota Mi como fundamental, se producían cinco sonidos inferiores en el orden siguiente.

La Música del RenacimientoEn La Institutioni, Zarlino, también se ocupa

ampliamente de los géneros Cromático y Enarmónico, tomándolos como Vicentino en la forma que tenían entre los griegos y construyendo por su parte en 1.548, para hacer demostraciones, una especie de clavicordio con diecinueve teclas para cada octava.

Contrapunto: Técnica musical cuyo objetivo es la superposición de líneas melódicas.

La Música del RenacimientoInstrumentos del renacimiento

Cromorno:Instrumento de viento renacentista, de la familia de las bombardas, usado en los siglos XVI y XVII. Su forma es un tubo cilíndrico curvado en la parte inferior y provisto de una lengüeta doble, con una extensión de una octava. Existían los Cromornos soprano, contralto, tenor y bajo.

Chitarrone.Instrumento de la familia del laúd, con dos mástiles, uno de ellos más largo.

Tommie_Andersson_plays_Alessandro_Piccinini.wmv


Formas Musicales del Renacimiento

RondeauPieza lírica de ocho versos donde se intercalan partes bien sea en la melodía o en el verso y cuya forma puede ser la siguiente:Texto A B c A d e A BMelodía a b a a a b a bBallade:Es una de las formas más antiguas de occidente, palabra de origen provenzal o italiano, en su sentido más simple se relaciona con el baile, su forma más corriente es AAB, en el ars nova se torna polifónica.Virelai:Forma empleada entre los siglo XIII y XV y desarrollada en el Ars Nova, su forma empieza por el estribillo, al cual le sucede la estrofa I, después de nuevo el estribillo, y así seguidamente hasta la última estrofa.Caccia:Es un canon a dos voces, desarrollado en el siglo XVI por los florentinos, con textos que versaban sobre la caza.


Formas Musicales del RenacimientoMadrigal :Composición poética breve, que expresa un pensamiento delicado, tierno y agradable. Composición para varias voces, sin acompañamiento, que trata de transmitir las más delicadas inflexiones de un poema.Frottola: Canción polifónica de carácter profano y muy popular en Italia en siglo XV, y mitad del XVI, entre los compositores de frottolas encontramos a Josquin Després.Stramboto. Danza antigua italiana, de carácter alegre.Villanesca: Canción renacentista de carácter popular, del mismo género que la Frottola.Misa:A partir del siglo XIII se compusieron numerosas obras vocales destinadas a ilustrar los textos litúrgicos del ordinario. Los más celebres compositores de misas han sido: Guillaume de Machaut, Dufay, Ockeghem, Josquin Des Prés, Orlando di Lassus, G. P. Palestrina, Tomás Luís de Victoria, Antonio de Morales, Charpentier, Lotti, Bach (misa en si menor), Mozart, Haydn, Beethoven (Missa solemnis), Schubert, Liszt, Gounod y Bruckner. Existen varios tipos de misas: Difuntos ó Requiem, Solemnes, Breves.


Johannes Ockeghem: Missa l'Homme Armé 2. Gloria

La Música del RenacimientoLa misa solemne lleva usualmente las siguientes partes:

Introito - Kyrie - Gloria - Colecta - Epístola - Gradual - Aleluya - Evangelio - Credo - Oración de los fieles - Ofertorio - Secreta - Prefacio - Sanctus - Canon - Per ipsum - Padre Nuestro - Embolismos - Agnus Dei - Comunión - Poscomunión - Despedida.De Profundis:Desde lo profundo del abismo. Con estas palabras comienza el salmo 130 de la Biblia, el cual es recitado ordinariamente en la liturgia de difuntos, numerosos compositores toman el texto de este salmo, Andrea Gabrieli, Hernando Franco (compositor Mexicano del barroco), Henrich Kaminsky, Wolfang Forner, entre otros.Pavana o paduana:Es una danza italiana del siglo XVI, de carácter lento.Saltarello:Danza antigua italiana de movimiento rápido, en compás de 6/8.Ensalada: Nombre con el que en el siglo XVI se distinguió en España a ciertas composiciones vocales e instrumentales polifónicas de carácter humorístico en cuya letra se mezclaban diversos idiomas y estilos de composiciones, entre los más notables compositores de ensaladas encontramos a Mateo Flecha.

Magníficat. Cántico a la Virgen María en el Evangelio

de San Lucas; cantado en las liturgias romana y bizantina. Los músicos toman el texto y sus partes y a partir de este se elabora la música. Entre los magníficats más conocidos se encuentra el de Juan Sebastián Bach.


El renacimiento

Education

Transcript of El renacimiento