Impresionismo (1874 ­ 1920) Este movimiento artístico surge en Europa, pero principalmente en Francia; con el comienzo de la revolución industrial, las ciudades cosmopolitas, la creación de la línea férrea con las máquinas a vapor, la luz a gas, el teléfono y la creación de la cámara fotográfica que con ella finalizan los pedidos de pinturas figurativas, quitándole trabajo a los artistas, quienes deben buscar otros recursos para sus creaciones. Para ello, abandonan el estudio y salen al paisaje, al aire libre en busca de la gran obra, intentando plasmar la luz, conseguir una representación del mundo espontánea y directa. La técnica consiste en pinceladas libres, más rápidas, directas con el pincel sin la utilización previa del lápiz; los dibujos comienzan a ser más eléctricos, histéricos, manchados, desprolijos, eliminando los detalles minuciosos. Los elementos más utilizados fueron: acuarelas, carbonilla y oleos. Algunos de los artistas más destacados son: MANET (1832­1883) Artista clásico que se caracterizó por realizar representaciones cotidianas, se basa en la observación de la realidad y su plasmación sin alteración alguna. Representa la vida tal cual, sin adorno ni metáfora. Por ello sus obras son escandalosas y polémicas, como "Desayuno sobre la hierba" que provocó la hostilidad de los críticos conservadores. MONET (1840­1926) El Salón de París, vinculado a la Escuela de Bellas Artes, era el lugar de exposición para los pintores en Francia en el siglo XIX. Pero muchos artistas fueron rechazados a exponer sus obras allí ya que ésta nueva técnica impresionista y moderna para la época no era aceptada por los críticos; por ello se creó el Salón de los Rechazados, en las salas que el fotógrafo Nadar les prestó. A esa exposición Monet presentó nueve cuadros. Uno de los más destacados fue "Sol Naciente". La luz engendra el color y la forma. El objetivo era provocar una impresión en el espectador, por lo que nos encontramos con la importancia que se atribuye al espectador en el impresionismo. RENOIR (1841­1919) Pintó figuras humanas sin detalles. En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores. Trató temas de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino. SISLEY (1839­1899) Se caracterizó por pintar direcciones de manchas sin sentido y ser un exclusivo pintor de paisajes PISSARRO (1830­ 1903) Se caracterizó por su estudio de la luz y el color, y sus creaciones en perspectivas y punto de fuga.

DEGAS (1834­1917) Es un impresionista más de la forma que del color. Capta el movimiento con fidelidad, de ahí que desarrollara temas como las bailarinas y las carreras de caballos. CEZANNE (1839 ­ 1906) Para él el Impresionismo se fundaba demasiado en la sensación y en la superficialidad. Se caracterizó por pintar naturaleza muerta y paisajes.

Neoimpresionismo La palabra fue creada por el crítico de arte francés Félix Fénéon en 1887 para caracterizar el movimiento artístico de fines del siglo XIX liderado por Georges Seurat y Paul Signac, quienes primero exhibieron sus trabajos en 1884 en la muestra de la Société des Artistes Indépendants en París. También se conoce este movimiento como divisionismo o puntillismo, por una cuestión técnica: la yuxtaposición de la pincelada es sustituida por puntos. Ésta corriente se caracterizó por su estrecha relación con la ciencia y la razón. Teorizan la Ley de Newton, estudiando el color (primarios y secundarios), la velocidad de la luz y la mezcla óptica por secuencia de puntos por cercanía. El objeto de la descomposición de los colores es conferir al color el mayor esplendor posible, crear en el ojo una luz coloreada, el brillo de la luz y los colores de la naturaleza. Los neoimpresionistas no atribuyen importancia a la forma de la pincelada, puesto que no les sirve como medio expresivo del modelado, del sentimiento o de la imitación de la forma de un objeto. Para ellos, la pincelada no es más que una de las innumerables partes que, en conjunto, componen el cuadro. El arte de los coloristas está evidentemente asociado, en cierto sentido, tanto con la matemática como con la música. Frente a una tela todavía intacta, el pintor debería determinar ante todo cuáles son los efectos de líneas y superficies que la cruzan, cuáles los colores y tonos que deberían cubrirla. La descomposición de los colores es un sistema que busca armonía, es más una estética que una técnica. GEORGES SEURAT (París, 1859 - 1891)

Es considerado el fundador del puntillismo. Nace en una

familia acomodada y en 1878 ingresa en la Escuela de Bellas

Artes de París. Los cuadros de Seurat transmitirán estatismo

por esta formación clasicista. Seurat va forjando su técnica

progresivamente, inspirándose en tratados científicos

dedicados a los fenómenos ópticos; la noción de los colores

complementarios (rojo­verde, naranja­azul, amarillo­violeta), la

distinción entre el color y el tono (el color en sí y su valor), la

idea de la mezcla óptica que se efectúa ya no en la paleta sino en la retina del

espectador, la exaltación del color por la yuxtaposición de sus diferentes tonos y hasta las líneas dinámicas

que expresan los sentimientos.

Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte. Es el manifiesto pictórico del puntillismo. 1884 – 1886:

ejecución amplia en 2 periodos de larga duración, es un largo proceso de ejecución en el taller. Lienzo de

grandes dimensiones (2 x 3 mts). La Grande Jatte era un lugar de ocio un tanto elitista. Se incluye una pintura

elaborada a base de puntos: todo está muy bien calculado. La luz es elaborada en el taller artificial.

PAUL SIGNAC (París, 1863­1935)

Pintor francés. Inicialmente se alineó con los impresionistas,

pero después de conocer a Georges Seurat en 1884 se

adscribió, como artista y teórico, al neoimpresionismo o

puntillismo. . En sus obras plasmó sobre todo escenas

marineras (puertos, veleros, faros), primero con un puntillismo

estricto y después con un toque más amplio, proporcional a las

dimensiones del cuadro. Esta finalidad se busca por el uso de

los colores puros no mezclados en la paleta, aunque

yuxtapuestos en la tela de modo que vistos a distancia,

fundiéndose en la retina, conservan el esplendor originario en

el color derivado. Son sus obras de estilo más libre, menos

riguroso, las que revisten mayor interés y las que cautivaron

de forma singular a Matisse. Dos cuadros, El palacio de los

Papas y La entrada al puerto de La Rochelle, evidenciaron su

creciente interés por la luz y los colores.

Posimpresionismo

En los últimos años del s. XIX y principios del XX, los postimpresionistas

suponen recuperar la importancia del dibujo y la preocupación por captar la

expresividad de las cosas y de las personas; continuaron utilizando colores vivos,

pinceladas distinguibles y temas de la vida real, llevando más emoción y expresión

a su pintura. Sus exponentes reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la

naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.

TOULOUSE­LAUTREC (1864 ­ 1901) Vivió toda su vida en el campo, de familia muy pudiente; se destaca por sus

pinturas de animales, hombres y mujeres trabajadoras de campo y paisajes.

En sus principios tuvo una tendencia impresionista, pero luego estuvo fuertemente influido por las

composiciones de los grabados japoneses que se podían visualizar en los almanaques, contornos bien

marcados y colores fuertes, rojos y oscuros). Otras de sus características fue el rayismo en sus pinturas y la

técnica de litografía (grabado sobre piedra) para la realización de afiches publicitarios.

VINCENT VAN GOGH (1853 ­ 1890)

Estudiante de teología y predicador, que luego por su interés

hacia Miller decide estudiar arte.

Es un apasionado del color como vehículo para expresar las

frecuentes depresiones y angustias que padeció. Su pincelada

es muy característica, sinuosa, cursiva y espesa; los colores

son a veces agresivos con contrastes no frecuentes entre el

amarillo sobre el naranja.

GAUGUIN (1848 ­ 1903)

Comenzó como un artista dominguero que luego se dedicó

plenamente al arte.

Sus pinturas expresaban escenas de la vida cotidiana con

características postimpresionistas. Su obra es preferente del

simbolismo y su sentido del color influirá en los fauvistas y

expresionistas. Renuncia a la perspectiva, suprime el

modelado y las sombras e identifica la sensación de plano

igual que en las pinturas japonesas.

Simbolismo (1880 ­ 1900)

El Simbolismo es un movimiento literario y de artes plásticas que se originó en Francia en la década de 1880,

paralelo al post­impresionismo, y que surgió como reacción al enfoque realista implícito en el Impresionismo.

Los artistas de 1885 buscaron nuevos valores basados en lo espiritual. Desean crear una pintura no

supeditada a la realidad de su momento, rechazan lo que trae consigo la vida diaria, la aglomeración, la

actividad industrial y la degradación. Los simbolistas consideran que la obra de arte equivale a una emoción

provocada por la experiencia. Tratan de exteriorizar una idea, de analizar el yo. Les interesa la capacidad de

sugerir, de establecer correspondencias entre los objetos y las sensaciones.

La técnica se caracteriza por el uso de texturas, collage, líneas de contorno, mucho colorido y trabajando los

fondos de las imágenes.

GUSTAV KLIMT (1862 ­ 1918) Es uno de los simbolistas más reconocidos. Se destacó por

trabajar al máximo la figura, belleza y sensualidad de la mujer.

"El mundo con forma de mujer".

Sus obras tratan diversos temas como: ninfas, la edad de la

mujer, maternidad, embarazo, vida, muerte, amor. A su vez, en

ellas se puede observar la influencia de la cultura egipcia y

oriental que se expresan en sus obras.

Supo combinar el realismo del retrato con un decorativismo

extremo en los fondos y los vestidos, en los que predominan

los tonos amarillos y dorados y los motivos inspirados en las

alas de mariposa o las colas de pavo real. Destacan, entre

otras muchas obras, El beso, Salomé y Judith I, imbuidas todas

ellas de una sensualidad palpable.

Modernismo

Modernismo (España) Art Nouveau (Francia)

Modern Style (Inglaterra) Jugendstil (Alemania)

Liberty (Italia)

Movimiento que se extendió por todo Europa y luego en

América; y que no solo se destacó en el arte, sino también en

la industria, joyería, herrería, mueblería, mosaicos y azulejos. Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de

crear un arte nuevo, joven,libre ymoderno, que representara una

ruptura con los estilos dominantes en la época.

Se caracteriza por ser un arte muy refinado, que varía

morfológicamente según el autor y su aplicación como

elemento decorativo.

Trabaja con la imagen visual de la naturaleza y el uso profuso

de elementos de origen natural pero con preferencia en los

vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico

entrelazándose con el motivo central. Utilizando líneas sinuosas

y contornos marcados.

Fauvismo (1905­1915)

Se caracteriza por ser un movimiento estético y sentimental, ligado a las circunstancias del momento. Se

apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los

colores.

Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos. No buscan la representación

naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas

empleada por los impresionistas.

Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores.

Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones responden a

un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la máxima simplificación

de elementos; renunciando a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz

tiende a desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en

interiores, paisajes hermosos.

Otra característica es el gusto por la estética de las estatuas y máscaras africanas. El arte de los pueblos

primitivos no es imitativo, sino que plantea un evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a la

esquematización.

HENRI MATISSE (1869 – 1954) Fue un gran estudioso de los maestros del pasado.

En sus pinturas se percibe su interés por uso del color puro, vivo,

alegre. Y las líneas las cuales no ofrecen una información detallada

del personaje, si no solo delimita los rasgos esenciales. Lo que quiere

presentar es un modelo iconográfico habitual.