Escuela Nacional de Artes Plásticas

Fotografía: de la teoría a la prácticaGrecia López BernalGrupo 2209

06Junio

Introducción

Mucha gente consume una gran cantidad de imágenes “efímeras” todos los días. La persona que crea una imagen y espera que el espectador. La persona que crea imágenes y espera que el espectador la observe durante más de tres segundos por lo general debe proporcionar una indicación o contexto para que se entienda el propósito de dicha imagen. Como ejemplo podríamos decir que si a una fotografía cualquiera le doblamos el tamaño y a ello aunamos un marco, ya estamos diciendo que dicha fotografía tiene cierto valor, o al menos, es más fácil cooptar la atención del público.

No existe una garantía de que el mensaje que queremos transmitir llegue tal cual al espectador, sabemos que las imágenes siempre están cargadas de ambigüedad visual e incertidumbre. Es necesario no perder la fuerza en nuestra composición, tal como Henry Cartier-Bresson, bien conocido como el maestro de los momentos decisivos.

Ahora bien después de todo esto nos preguntamos ¿Por qué hacemos fotografías? ¿Las tomamos como un registro, un documento o un trofeo? La fotografía es una ventana, todo lo mencionado anteriormente; es el arte de captar momentos y nos ayuda a ralentizar y a mirar con mayor detenimiento la vida apresurada que llevamos.

En este siglo los medios han experimentado una creciente confianza en el uso de imágenes para comunicar sus mensajes. Hoy en día nuestra cultura visual éste dominada por estas imágenes publicitarias. El flujo continuo de imágenes, inclusive, ha llegado a transformar nuestra ideología.

Tal como los poetas con las letras, los fotógrafos utilizan la luz para crear metáforas. Nuestro mundo está lleno de símbolos .

Una buena fotografía es la armonía entre el sujeto y la forma que lleva a cada uno de esos elementos a su máximo de expresión y el vigor.

Henry Cartier-Bresson

2

Fundamentos y composición

Podemos aprender mucho sobre el mundo de la fotografía mirando el trabajo de los grandes fotógrafos. Con un poco de imaginación un poco de técnica fotográfica es posible liberar los extraordinario de lo ordinario.

Un error bastante común en los fotógrafos principiantes es realizar un encuadre lejos del sujeto a fotografiar, en un deseo por incluirlo todo en la composición. Como resultado obtenemos un encuadre lleno de detalles molestos que distraen la atención o incluso minimizamos la aparición del sujeto principal al ser opacado por otros elementos, esto hace que perdamos el control de la composición. Al eliminar el fondo podemos reducir distracciones y así tener un mayor control de los elementos visuales de nuestra composición.

Otro de los errores característicos en los que se puede caer es en la tentación de siempre poner al sujeto principal de nuestra composición al centro de la misma.

Si el punto focal está ubicado en el centro del encuadre, los ojos del espectador pueden no recorrer toda la imagen, lo que conduce a composiciones estáticas y sin interés.1

Para éste tipo de situaciones lo más recomendable es utilizar la infalible regla de tercios, o proporción aurea, ya que el ojo humano ya está muy familiarizado con ésta, es agradable a la vista y la composición deja de ser estática. Además de todo esto, una variedad de elementos visuales pueden enriquecer nuestra composición.

El trabajo de un fotógrafo es ver con más intensidad que la mayoría de la gente. Debe conservar dentro de sí mismo algo del niño que mira al mundo por primera vez o del viajero que entra en un país desconocido.

Bill Brandt

3

Para ello podemos usar una variedad casi ilimitada de elementos compositivos, desde líneas, texturas, repetición de elementos , contra luz, etc.

Las líneas son una herramienta base en el diseño que el fotógrafo puede usar para estructurar la imagen […] La vista sigue instintivamente las líneas.2

Las líneas, ya sean reales o sugeridas, nos desplazan a través de la imagen haciendo que el espectador de manera la recorra y con ello nos da movimiento a la composición creando un interés a la misma. Éste tipo de elemento nos puede ser muy útil aplicado a un foto reportaje, puesto que éste requiere de mayor fuerza tratando de hacer llegar el mensaje desde una sola imagen, tal y como en los periódicos (las imágenes cuando tienen la fuerza suficiente pueden llegar a resumir una historia entera).

Otro elemento que podemos usar es el punto de toma:

Para diseñar una fotografía efectiva que anime a mirar con más atención y durante más tiempo, es importante estudiar el sujeto desde todos los ángulos […] es importante buscar un ángulo nuevo que aporte originalidad al sujeto.3

Éste elemento compositivo es muy básico al realizar Shootings de modelaje, o Books. Hasta ahora hemos visto una infinidad de imágenes de moda que ya casi nada nos sorprende, al momento de aplicar un punto de vista distinto incluso podemos hacer que la prenda que porta el/la modelo destaque.

Un elemento que no mencionamos en el curso fue el uso de la profundidad en nuestra composición:

Cuando miramos una fotografía en dos dimensiones, que es una representación de una escena tridimensional, a menudo podemos crear la sensación de profundidad. Usando cualquier perspectiva presente en la

Lo importante es ver aquello que resulta invisible para los demás.Robert Frank

4

imagen y la escala de objetos conocidos, vemos la imagen como si existiera en capas a diferentes distancias.4

Éste elemento compositivo lo podemos aplicar a la realización de fotografía de paisaje. Podemos con ésta rama fotográfica utilizar el resultado de las tomas para la aplicación en campañas de promoción turística, también podemos aplicar la profundidad a fotografía sobre urbanismo y arquitectura teniendo un manejo adecuado de la perspectiva y llevar nuestro resultado a difusión cultural y como registro histórico/documental.

Luz

La luz es el medio del fotógrafo, y es precisamente ésta una de las raíces etimológicas de la palabra fotografía. Éste es, sin duda alguna el elemento principal de la fotografía ya que sin ella, éste arte no existiría. Simplemente desde el hecho de que gracias a la luz podemos capturar imágenes en nuestra película o archivo digital, el tipo de luz nos puede ayudar a crear distintas atmósferas.

La luz direccional por un lado y/o por detrás de un sujeto puede producir algunas de las fotografías más evocadoras e intensas. Sin embargo, la mayoría de las instantáneas de los amateur están tomadas, o bien en el exterior cuando el sol está alto, o en interior con el flash activado. Ambas situaciones proporcionan una iluminación muy plana y uniforme que pueda resultar ideal para algún tipo de fotografía en color, pero en blanco y negro muy a menudo produce imágenes grises, planas y carentes de interés.5

Es necesario aprender a controlar la luz, ya que, como vimos en el ejercicio de naturaleza muerta, es ésta la que puede definir lo que en apariencia es un ejercicio sencillo a lograr hacer toda una obra de arte. Podemos lograr sombras muy duras dando mayor dramatismo a nuestra composición y ayudándonos con un difuminados hacer sombras más suaves dándole un carácter romántico a nuestra escena.

Otro punto clave en el manejo de la luz es saber direccionarla ya que así también determinamos la posición de nuestra sombras y también podemos crear buenos contrastes y con ello crear mayor profundidad.

5

La luz es uno de los elementos principales al realizar proyectos de naturaleza muerta, ya que un buen manejo de ella nos da como resultado atmósferas muy agradables, haciendo ver más apetitosa una comida, más refrescante una bebida y por su puesto, más atractivo cualquier clase de producto.

Otro elemento técnico que se puede utilizar para realzar características de nuestros elementos principales es el uso de una exposición puntual. Con ello podemos evitar que se aplanen/emplasten ciertas partes de nuestro encuadre. Podemos poner como ejemplo la fotografía de desnudo, ya que a veces nuestro fondo contrastaba mucho con nuestro modelo emplastando los tonos. Otra situación que se podía dar es el hecho de nuestro modelo quedara grisaseo o incluso totalmente negro ausente de volumen.

Ya hablando de profundidad de campo, ésta también está determinada por la luz. Creo que éste elemento dónde más tiene protagonismo es al momento de utilizarlo en un foto reportaje, ya que por el ajetreo y fugacidad de los momentos es necesario tener en uso un diafragma adecuada para poder capturar los detalles, sin olvidar compensarla con una obturación adecuada.

Una velocidad de obturación rápida puede congelar un sujeto y al mismo tiempo registrar otros borrosos. La capacidad de detección depende de la velocidad y del ángulo del movimiento en relación a la cámara. Con sujetos que se desplazan transversalmente al campo de visión de la cámara, se requieren velocidades más rápidas que las necesarias para congelar sujetos que se acercan o se alejan en ángulo recto. 6

Utilizando una obturación rápida podemos tomar exposiciones de diferentes eventos deportivos y después usar las fotografías en publicidad de bebidas energéticas, suplementos alimenticios, etc. También podemos aplicar, de nuevo volviendo al ejemplo de foto reportaje, en algún evento con mucho movimiento y captar el mismo mediante un barrido o incluso un paneo, el mismo paneo podríamos aplicarlo a promoción de algún automóvil tratando de transmitir lo veloz que es.

6

La Fotografía en el ámbito profesional

La interacción de la imagen fotográfica y el diseño o composición tuvo origen en la influencia de la cámara oscura, ayudando a los artistas del Renacimiento a producir una impresión duradera y las proporciones de la imagen. Está técnica de “dibujar con luz” poco a poco ha ido evolucionando hasta llegar al punto en el que estamos ahora: Cámaras digitales con la posibilidad de tener acceso a la fotografía prácticamente en cualquier momento. Podemos encontrar una cámara desde en nuestro teléfono celular hasta portar una ostentosa SLR obteniendo fotografías de alta calidad.

Como parte del diseño, la fotografía juega un papel importante en la creación del mensaje, claro que se aprecia por el contenido contextual de elementos agrupados o las llamadas ausencias que lo dicen todo. Para poder obtenerlo basta comprender que las técnicas visuales deben ser previstas por el fotógrafo. Es importante recordar que la fotografía puede aplicarse a una infinidad de campos, desde la divulgación científica hasta un Shooting de modelaje. El arte de la fotografía es transformar lo ordinario en extraordinario.

Como parte artística, así como en el diseño, la fotografía sigue el patrón de esteticismo, en la que convergen interpretaciones por medio de las reflexiones sobre las creaciones de interacción creativa. Ambas oportunidades creativas existen para los dos casos aunque los resultados vayan a diferentes rumbos. A nivel artístico más que hacer llegar una información o algún contenido en específico, la fotografía artística debe remover algo en nosotros, algo que nos pueda hacer sentir desde empatía hasta repulsión, no se debe perder la fuerza del mensaje y por supuesto, es en éste ámbito donde la fotografía se presta mas a la interpretación propia, sin embargo, no podemos decir que en la fotografía comercial no importa esa transmisión de sentimientos, por el contrarios, en ambos medios es sumamente importante.

7

De lo análogo a lo digital

Últimamente hemos entrado en el paradigma de qué es mejor, si la fotografía análoga o la fotografía digital, por supuesto debo decir que ninguna es “mejor” que otra ya que cada una tiene sus pros y sus contras.

Por una Parte, la fotografía digital suele ser más barata que la análoga debido al ahorro en cuanto a los costos de la película, papel fotográfico, etc. También podemos decir que la fotografía digital hasta cierto punto es más práctica que la análoga debido a que podemos observar nuestra captura al momento sin la necesidad de esperar a realizar revelado de película, realización de hoja de contactos, etc, también debido a esa facilidad podemos controlar de una mejor manera la luz en nuestras composiciones, disminuyéndola o aumentándola según nuestras necesidades.

En cuanto a la fotografía análoga, a pesar de sus costos y su poca “practicidad” yo le doy más mérito a una buena fotografía análoga que a una que ha pasado por el simple proceso de ser editada en Ps. La fotografía análoga le da un toque especial a nuestra imágenes, además de que en el ámbito de la experimentación es casi inagotable. Otro factor clave de la fotografía análoga es que hasta éste momento ninguna cámara digital ha superado la calidad de una cámara análoga de gran formato, puesto que como ya sabemos al momento de hacer más grande una imagen, ésta se pixelea, en cambió en la fotografía análoga esto no sucede. Probablemente éste sea uno de los mayores puntos a favor de la fotografía análoga.

Al final de cuentas, la fotografía análoga jamás pasará de moda y siempre tendrá una manera de sorprendernos.

Sigo sintiendo la angustia del fotógrafo cuando una imagen tiene que ceder ante la necesidad de la comunicación, y todavía experimento frustración cuando un fotógrafo ha producido todo, salvo la toma decisiva que completará la idea editorial.

Allen Hurlburt

8

Software: su influencia en la fotografía

Actualmente hemos visto una gran influencia de la paquetería de computadora en el ámbito fotográfico puesto que ahora no sólo importa la imagen, sino qué tanto se puede hacer con ella manipulándola desde cualquier tipo de programa de edición, aplicándole diversos filtros, texturas, yuxtaponer elementos y una realización de fotomontajes realmente sencilla. De cierto modo, éste tipo de programas y aun mayoritariamente los programas online de edición han hecho que la fotografía esté al alcance de todos.

Gracias a éste tipo de software es que podemos jugar con la imagen, crear composiciones casi surreales desde la comodidad de nuestro ordenador y a un click de distancia.

Aplicado al ámbito profesional, el software es mayormente utilizado para pequeños retoques y fotomontajes. A nivel de Shooting de Modelaje es común el retoque en las modelos puesto que siempre la apariencia de las mismas debe ser perfecta, casi sobrehumana. En cuanto al fotomontaje, éste suele ser utilizado para la aplicación de la llamada retórica de la imagen. Como ejemplo podemos mencionar la singular campaña de Condondes Durex la cual está basada en fotomontajes chuscos que hacer referencia al acto sexual sin llegar a ser obvios o bruscos.

Al final de cuentas, los software de edición no son lo que nos hace ser un buen fotógrafo, es más, ni la propia cámara lo logra. El software es sólo un medio para darle cierta frescura a nuestra imagen, si es que la necesita, utilizarla como medio y darle un giro diferente o simplemente dejar que la creatividad se apodere de nosotros y con ello llegar a obtener resultados realmente increíbles.

El software fotográfico es sólo una arma más de tantas a las que el fotógrafo puede recurrir.

9

Fotografía: Blanco y Negro a nivel profesional

Como ya mencioné antes, hoy en día la tecnología avanza de manera veloz, la evolución que puede llegar a tener es realmente impresionante lo que surge de un problema que se convierte en idea para después poder hacerla realidad va de una manera fugaz. Esto no quiere decir que se tenga que olvidar la base de todo, el conocimiento base es la primera puerta para poder estar al nivel de lo mas reciente.

Al final de cuentas la cámara no es más que un instrumento técnico para la creación de imágenes que son inolvidables, tan poderosas que incluso algunas con el tiempo han llegado a ser parte integral del imaginario colectivo.

La fotografía es un fenómeno social que se tiene en la vida cotidiana. De la foto de carnet a las fotografías de ceremonia o de vacaciones, los reportajes, las postales, publicidad, fotos artísticas, tanto la fotografía analógica como la digital asumen una gran función de documentación, interpretación, memoria histórica, de investigación social, antropológica.

La fotografía en blanco y negro es icónica, las fotografías más famosas, más impactantes y más trascendentes en el ámbito fotográfico. Es por ello que la fotografía en blanco y negro, a pesar de toda ésta avalancha tecnológica, sigue latente. Tal y como ya hemos mencionado, la fotografía análoga nunca pasará de moda.

Conclusiones

La fotografía en el medio publicitario se utiliza en una amplia gama de técnicas especiales con el fin de que las imágenes sean atractivas para el consumidor, y así ser un elemento de mayor influencia sobre el vidente. Generalmente la fotografía publicitaria es presentada en forma que provoque o promueva una decisión.

10

La fotografía sirve como inspiración e influye en las ideas políticas y sociales de la gente. Por ellos alrededor de 1920 se empezó a utilizar como un componente más de la publicidad.

La creación publicitaria se vio apoyada por nuevos software y entró con fuerza la post producción, de hecho antiguamente las fotos "publicitarias" eran las llamadas de " arte final", ya que eran realizadas de una vez o retocadas con aerógrafo sobre la emulsión, trabajo de por sí para expertos. La fotografía también sigue las nuevas tendencias que impone la moda y el cine, el uso de lentes o tendencias de "color". Con la llegada de las cámaras digitales, se empieza a perder lo que en esencia es la foto profesional (formato medio, cámara técnica) tomas realizadas con película tradicional (negativo, diapositiva), aunque los grandes fotógrafos siempre usan formatos grandes, por la calidad final y si además son digitalizadas en scanner de alta resolución, los resultados son fabulosos.

Bibliografía

1,2: MARK, Galer, “Photogrphy Foundations for art and Design”, Ediciones Omega, 3º Ed

3,4: MARNAT, “El arte de obtener buenas fotografías” Editorial Gustavo Gilli, 2º Ed

5: COSTA, JOAN, “La Fotografía, entre sumisión y subversión”, Ediciones Omega

6: MUNARI, BRUNO, “Diseño y Comunicación Visual”, Gustavo Gilli, 4ª Ed

Uno se convierte en fotógrafo cuando ha superado las preocupaciones del aprendizaje y en sus manos la cámara se convierte  una extensión de uno mismo. Entonces comienza la creatividad.

Carl Mydans

11