Grandes Músicos de La Historia

Marzo de 2015

GRANDES MÚSICOS DE LA HISTORIA

1. Ludwig van Beethoven

Ludwig van Beethoven (Bonn,

Alemania, 16 de diciembre de 1770-

Viena, Austria, 26 de marzo de 1827)

fue un compositor, director de orquesta

y pianista alemán. Su legado musical

se extendió, cronológicamente, desde

el período clásico hasta inicios del

romanticismo musical.

Considerado el último gran

representante del clasicismo vienés,

Beethoven consiguió hacer trascender

a la música del romanticismo,

motivando a la influencia de la misma en una diversidad de obras musicales a

lo largo del siglo XIX. Su arte se expresó en numerosos géneros y aunque las

sinfonías fueron la fuente principal de su popularidad internacional, su impacto

resultó ser mayormente significativo en sus obras para piano y música de

cámara.

Su producción incluye los géneros pianísticos , de cámara , vocal (lieder y una

ópera: Fidelio), concertante y orquestal (9 sinfonías, oberturas, etc.), así como

el ciclo de las Nueve Sinfonías, entre ellas la Tercera Sinfonía, también

llamada Eroica, en mi mayor, la Quinta Sinfonía, en do menor y la Novena

Sinfonía, en re menor.

| GRANDES MÚSICOS DE LA HISTORIA |CRISTHIAN ALEXANDER ROCHA VELA 1

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2. Wolfgang Amadeus Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart, cuyo

nombre completo era Johannes

Chrysostomus Wolfgangus

Theophilus Mozart, (Salzburgo,

Austria; 27 de enero de 1756 –

Viena, Austria; 5 de diciembre de

1791), fue un compositor y pianista

austriaco, maestro del Clasicismo,

considerado como uno de los

músicos más influyentes y

destacados de la historia.

La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época y alcanza

más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras

maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para piano,

operística y coral, logrando una popularidad y difusión universales.

En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad

prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan solo

cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del

aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los diecisiete años fue

contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a

viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma

prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en

la corte, decidió instalarse en esta ciudad donde alcanzó la fama que mantuvo

el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En

sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más

conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte


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han sido objeto de numerosas especulaciones y elevada a la categoría de

mito.

En palabras de críticos de música como Nicholas Till, Mozart siempre aprendía

vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de

estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión —todo

bien fundado por una visión de humanidad «redimida por el arte, perdonada y

reconciliada con la naturaleza y lo absoluto»

3. Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 – Leipzig,

28 de julio de 1750) fue un organista, clavecinista y compositor alemán de

música del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más

extraordinarias de la historia

Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda

Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de

gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre.

Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una

de las cimas de la música universal y del

pensamiento musical occidental,

epicentro de la música occidental, y uno

de los grandes pilares de la cultura

universal, no sólo por su profundidad

intelectual, su perfección técnica y su

belleza artística, sino también por la

síntesis de los diversos estilos

internacionales de su época y del

pasado y su incomparable extensión.

Bach es el último gran maestro del arte


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del contrapunto, y su máximo exponente, donde es la fuente de inspiración e

influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por

Schoenberg, hasta nuestros días.

Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales

de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los

Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la

Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las

Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80,

140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para

violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites

orquestales.

4. Antonio Vivaldi

Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678 - Viena, 28 de julio de

1741) fue un compositor y músico del Barroco tardío, uno de los pináculos del

Barroco, de la música occidental y de la música universal, su maestría se

refleja en haber cimentado el género del concierto, el más importante de su

época.

Compuso unas 770 obras, entre las

cuales se cuentan 477 conciertos y 46

óperas. Es especialmente conocido a

nivel popular por ser el autor de la serie

de conciertos para violín y orquesta

Las cuatro estaciones. Esta obra,

forma parte del ciclo de su opus 8 "Il

cimento dell'armonia e dell'inventione",

tiene una importancia capital por

suponer la ruptura del paradigma del


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Concerto Solli, establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el Concerto

Solli era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el peso de la

melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el

acompañamiento según las reglas de la armonía.

Sin embargo, Las cuatro estaciones son un concierto para violín en el que la

orquesta no actúa como mero fondo de acompañamiento, sino como un

relieve: no se limita a acompañar al solista, sino que ayuda al desarrollo de la

obra. Esto influirá posteriormente en los conciertos de Händel y, sobre todo, de

Bach, ya que Bach estudiaría asiduamente los conciertos de Vivaldi, y sería a

partir de las innovaciones originales de Vivaldi que Bach perfeccionaría el

concepto de concierto. De esta manera, con la forma musical de los Concerto

Solli se lograría definir de manera definitiva lo que podría llamarse el concierto

para instrumento solista moderno, estableciéndose un equilibrio perfecto entre

solista y orquesta, sin que el concierto llegue al extremo de tener que ser

considerado un Concerto Grosso, en el se establece un diálogo entre orquesta

y solistas de manera que los papeles de solista y acompañante se

intercambian entre un pequeño grupo de intrumentos . Llegar a este punto sin

embargo fue un proceso que condujo de Arcangello Corelli y Giuseppe Torelli a

los ciclos donde podría decirse Vivaldi experimenta con este género

instrumental. Cabe destacar por ejemplo el ciclo del Opus 3, donde se percibe

un gran dominio en su concepto de concerto grosso y concerto con soli, donde

los más conocidos son el Opus 3 N6 en la menor y el Opus3 N11 en re menor,

donde se presenta un maravilloso ejemplo de fuga a cuatro voces (2 violines,

viola, violonchelo y continuo). Así, Las cuatro estaciones representan el

Concerto Solli perfecto, a tal grado que influye notablemente la música de

Johann Sebastian Bach, y ésta inexorablemente en Haydn; y Haydn, a su vez,

al convertirse en maestro de, entre otros, Mozart y Beethoven, extiende la

influencia de Vivaldi a más músicos sin que, probablemente, hubieran conocido

la obra de Vivaldi.


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5. Frédéric Chopin

Fryderyk Franciszek Chopin (Wola,

Polonia, 22 de febrero de 1810 —

París, 17 de octubre de 1849) fue un

compositor y virtuoso pianista polaco.

Es considerado como uno de los más

importantes de la historia. Su perfecta

técnica, su refinamiento estilístico y su

elaboración armónica han sido

comparadas históricamente con las de

Johann Sebastian Bach, Franz Liszt y

Ludwig van Beethoven por su

perdurable influencia en la música de tiempos posteriores. La obra de Chopin

representa el Romanticismo musical en su estado más puro.

6. Niccolò Paganini

Niccolò Paganini, (Génova, 27 de

octubre de 1782 – Niza, 27 de

mayo de 1840) fue un violinista,

violista, guitarrista y compositor

italiano, considerado entre los más

famosos virtuosos de su tiempo,

reconocido como uno de los

mejores violinistas que hayan

existido, con oído absoluto y

entonación perfecta, técnicas de

arco expresivas y nuevos usos de

técnicas de staccato y pizzicato.

Nació en Génova, donde estudió

con músicos locales. Sus padres fueron Antonio Paganini y Teresa Bocciardo.

Empezó a estudiar la mandolina con su padre a los cinco años. A los siete


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años comenzó a tocar el violín. Hizo su primera aparición pública a los nueve

años y realizó una gira por varias ciudades de Lombardía a los trece. No

obstante, hasta 1813 no se le consideró un virtuoso del violín. Tuvo como

maestros a Giovanni Servetto y Alessandro Rolla. Con dieciséis años era ya

conocido, pero no digirió bien el éxito y se convirtió en un jugador que

continuamente se emborrachaba. Una dama desconocida lo salvó de esa vida

licenciosa para llevarlo a su villa donde aprendió a tocar la guitarra y el piano.

En 1801 compuso más de veinte obras en las que combina la guitarra con

otros instrumentos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria

Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y hermana de Napoleón. En 1813

abandonó Lucca y comenzó a hacer giras por Italia, donde su forma de

interpretar atrajo la atención de quienes le escuchaban. En 1828 fue a Viena,

más tarde a París y en 1831 a Londres. En París conoció al pianista y

compositor húngaro Franz Liszt, quien fascinado por su técnica, desarrolló un

correlato pianístico inspirado en lo que Paganini había hecho con el violín. En

1833 en la ciudad de París le encargó a Héctor Berlioz un concierto para viola

y orquesta; el compositor francés realizó Harold en Italia, pero Paganini nunca

la interpretó. Renunció a las giras en 1834.

7. Franz Schubert

Franz Peter Schubert (Viena, 31 de

enero de 1797 – ibídem, 19 de

noviembre de 1828) fue un compositor

austriaco, considerado como uno de los

continuadores del Romanticismo musical

iniciado por Beethoven. Gran compositor

de lieder , así como de música para

piano, de cámara y orquestal.Uno de los

principales músicos austriacos que vivió


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a comienzos del siglo XIX; fue el único nacido en la que fue capital musical

europea a fines del siglo XVIII y principios del XIX: Viena. Vivió apenas treinta y

un años, tiempo durante el cual consiguió componer una obra musical

excelente por su gran belleza e inspiración. Su talento creció a la sombra de

Beethoven, a quien admiraba; murió un año después que su ídolo. No fue

reconocido en vida: después de su muerte su arte comenzó a conquistar

admiradores. Escribió más de seiscientos lieder, de los cuales gran parte,

después de su muerte, quedaron inéditos.

8. Richard Wagner

Wilhelm Richard WagnerLeipzig, Reino

de Sajonia, Confederación del Rin, 22

de mayo de 1813 – Venecia, Reino de

Italia, 13 de febrero de 1883) fue un

compositor, director de orquesta,

poeta, dramaturgo y teórico musical

alemán. Su figura ha pasado a la

posteridad principalmente por sus

óperas (también calificadas como

«dramas musicales») en las que, a

diferencia de otros grandes

compositores, asume también la escenografía y el libreto.

Las obras de Wagner, particularmente las de su última etapa (que se

corresponde con la etapa romántica de su vida), destacan por su textura

contrapuntística, riqueza cromática, armonía y orquestación, y un elaborado

uso de los leitmotivs, temas musicales asociados a caracteres específicos o

elementos dentro de la trama. Wagner fue pionero en varios avances del

lenguaje musical, tales como un extremo cromatismo (asociado con el color


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orquestal) o el cambio rápido de los centros tonales, lo que influyó en el

desarrollo de la música docta europea.

Transformó el pensamiento musical a través de la idea de Gesamtkunstwerk

(«obra de arte total»), la síntesis de todas las artes poéticas, visuales,

musicales y escénicas queda plasmada en su monumental tetralogía El anillo

del nibelungo. Wagner incluso hizo construir su propio teatro de ópera para

escenificar estas obras del modo en que él las imaginaba.

9. Joseph Haydn

Franz Joseph Haydn (31 de marzo de

1732 – 31 de mayo de 1809) fue un

compositor austriaco de música clásica.

Es uno de los máximos representantes

del periodo clasicista, además de ser

conocido como el «Padre de la

sinfonía» y el «Padre del cuarteto de

cuerda» gracias a sus importantes

contribuciones a ambos géneros.

También contribuyó en el desarrollo

instrumental del trío para piano y en la

evolución de la forma sonata.

Vivió durante toda su vida en Austria y desarrolló gran parte de su carrera

como músico de corte para la rica y aristocrática familia Esterházy de Hungría.

Aislado de otros compositores y tendencias musicales hasta el último tramo de

su vida, estuvo, según dijo, «forzado a ser original» En la época de su muerte,

era uno de los compositores más célebres de toda Europa.

Era hermano de Michael, que también fue considerado un buen compositor, y


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de Johann Evangelist, un tenor. Tuvo una estrecha amistad con Wolfgang

Amadeus Mozart y fue profesor de Ludwig van Beethoven.

10. Claude Debussy

Claude-Achille Debussy (Saint-

Germain-en-Laye, Francia, 22 de

agosto de 1862 - París, 25 de

marzo de 1918) fue un compositor

francés.Era hijo de Manuel-Achille

Debussy y Victorine Manoury. Su

padre regentó una tienda de

porcelana y más tarde trabajó en la

imprenta de Paul Dupont. Llegó a

capitán de la guardia nacional al

servicio de la Comuna y fue

condenado por ello a cuatro años

de prisión, de los que cumplió el

primero. Éste y otros episodios contribuyen quizá a explicar el mutismo de

Debussy sobre su infancia. Aunque en ocasiones se ha calificado a sus padres

de modestos empleados sin ambiciones culturales o impulsos artísticos, esta

idea no parece cierta. De hecho, Manuel Achille llevaba con frecuencia a su

hijo a las representaciones del Teatro Lírico, en donde el niño veía las óperas

de moda y donde una representación de El Trovador, de Verdi le trastornó,

según su propia confesión. En algunas estancias en Cannes, en casa de su

querida tía y madrina Clementina Debussy, recibió sus primeras lecciones de

piano en 1870 y 1871. Fue su tía quien le condujo hasta su primer profesor, un

italiano apellidado Cerutti, quien le enseñó los rudimentos de la técnica

pianística. Un compañero de los tiempos de la guardia de su padre, Charles de

Sivry, director de orquesta y compositor de operetas, era hijo de la señora

Mauté de Fleurville, quien pretendía haber sido discípula de Chopin. Madame


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Mauté de Fleurville lo preparó durante un año para afrontar los exámenes de

acceso al Conservatorio de París, que Debussy aprobó con brillantez y al que

se incorporó el 22 de octubre de 1872.

11. Manuel de Falla

Manuel de Falla y Matheu (Cádiz,

España, 23 de noviembre de 1876 -

Alta Gracia, Argentina, 14 de

noviembre de 1946) fue un

compositor romántico español. Con

Isaac Albéniz y Enrique Granados,

es uno de los músicos más

importantes de la primera mitad del

siglo XX en España.

Manuel María de los Dolores Falla y

Matheu nació el 23 de noviembre de

1876 en el domicilio familiar de la Plaza de Mina número 3 en Cádiz, hijo de

José María Falla y Franco y de María Jesús Matheu y Zabala. Recibió sus

primeras lecciones de solfeo de mano de su madre, intérprete de piano, y su

abuelo. A los 9 años de edad continuó sus estudios musicales con una

profesora de piano llamada Eloísa Galluzo. Además su nodriza le enseñó

nanas y canciones populares que dejaron huella en él. En 1889 prosiguió sus

estudios de piano con Alejandro Odero y aprendió armonía y contrapunto con

Enrique Broca. A los quince años sus intereses eran principalmente la literatura

y el periodismo. Con un grupo de amigos fundó la revista literaria "El Burlón" y

en 1890 participó en una segunda titulada "El Cascabel", que terminó

dirigiendo. En 1893, tras asistir a un concierto en Cádiz donde se interpretaron,

entre otras, obras de Edvard Grieg sintió, según sus propias palabras, que su

"vocación definitiva es la música".


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12. Johann Strauss

Johann Strauss II (en alemán: Johann

Strauß Sohn, Johann Strauß hijo) (25

de octubre de 1825, St. Ulrich, Viena -

3 de junio de 1899, Viena) fue un

compositor austriaco conocido

especialmente por sus valses, como El

Danubio Azul. Hijo del compositor

Johann Strauss I y hermano de los

compositores Josef Strauss y Eduard

Strauss, Johann II es el más famoso de

la familia Strauss. Fue conocido en su

vida como "el rey del vals" y a él se

debe en gran medida la popularidad del

vals en la Viena del siglo XIX. Revolucionó el vals, elevándolo de una danza

campesina a una de entretenimiento apta para la Corte Real de los Habsburgo.

Sus obras gozan de mayor popularidad que las de sus predecesores, como su

padre y Josef Lanner. Algunas de sus polcas y marchas son también muy

conocidas, así como su opereta Die Fledermaus (El Murciélago).

13. Georg Friedrich Händel

Georg Friedrich Händel (pronunciación

alemana: [ˈhɛn.dəl]; Halle, 23 de

febrero de 1685 – Londres, 14 de abril

de 1759) fue un compositor de origen

alemán, posteriormente nacionalizado

inglés, considerado una de las cumbres

del Barroco y uno de los más


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influyentes compositores de la música occidental y universal. En la historia de

la música, es el primer compositor moderno en haber adaptado y enfocado su

música para satisfacer los gustos y necesidades del público en vez de los de la

nobleza y de los mecenas, como era habitual.

Considerado el sucesor y continuador de Henry Purcellmarcó toda una era en

la música inglesasiendo el compositor más importante entre Purcell y Elgar en

Inglaterra. Es el primer gran maestro de la música basada en la técnica de la

homofonía y el más grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria

italiana y el oratorio.

Su inmenso legado musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e

inglés de la primera mitad del siglo XVIII, incluye obras en prácticamente todos

los géneros de su época, donde 43 óperas, 26 oratorios y un legado coral son

lo más sobresaliente e importante de su producción musical

14. Johannes Brahms

Johannes Brahms (Hamburgo, 7 de

mayo de 1833 - Viena, 3 de abril de

1897) fue un pianista y compositor

alemán del Romanticismo.

Era hijo del contrabajista Johann Jakob

Brahms (quien le dio sus primeras

lecciones de música) y de Hersika

Cristina Nissen. Su familia era pobre, y

su infancia transcurrió en los suburbios

de Hamburgo. Comenzó a estudiar

piano a la edad de 7 años con el

profesor Otto Cossel, y pronto se reveló

como pianista aventajado, por lo que,


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siendo aún adolescente, contribuyó a los ingresos familiares con el dinero que

ganaba impartiendo clases, tocando el piano en cafés, bares e incluso

burdeles.

Brahms dio recitales de piano en público a partir de los 10 años, interpretando

sobre todo música de cámara. Sus dotes para el piano desde niño fueron tales

que un empresario le ofreció la oportunidad de ganar dinero haciendo giras por

América, lo que fue rechazado por sus padres. También a esta edad empezó a

estudiar con un prestigioso profesor de Hamburgo, Eduard Marxsen, y

comenzó a componer, aunque durante un tiempo tampoco consiguió que el

público mostrase interés por sus obras. En 1853 realizó una gira de conciertos

como acompañante del violinista húngaro Eduard Reményi. Durante el viaje

tuvo ocasión de conocer a Joseph Joachim, que sería amigo suyo durante toda

su vida, y que le presentó a Robert Schumann. Este último, además de

compositor era editor de una revista prestigiosa de música, y atrajo la atención

de los críticos y empresarios de música sobre el joven Brahms, lo que

contribuyó notablemente a que Brahms se convirtiese en un compositor

conocido y apreciado.

Aunque la relación entre Robert Schumann y Brahms duró hasta el fin de los

días de Schumann, y Schumann le elogió y llegó a llamarle "El elegido",

augurándole un brillante futuro en la música, el vínculo más destacable fue el

que tuvo con la esposa de éste, Clara Schumann, una pianista reconocida en

aquellos momentos, compositora también y con la que estableció una larga y

profunda amistad que tuvo rasgos de amor platónico. Brahms solía presentarle

a Clara sus obras antes de estrenarlas; muchas veces Clara Schumann fue la

encargada de estrenar algunas de las obras pianísticas de Johannes. Brahms

se integró en el círculo familiar de los Schumann, por lo que sufrió junto con

Clara el intento de suicidio de Schumann y su posterior muerte en 1856.

Durante esta época viajó frecuentemente por ciudades alemanas, trabajando


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como músico en la corte de Detmold. También mantuvo un breve romance con

la cantante Agathe von Siebold.

15. Felix Mendelssohn

Felix Mendelssohn (Hamburgo, 3

de febrero de 1809 - Leipzig, 4 de

noviembre de 1847), cuyo nombre

completo era Jakob Ludwig Felix

Mendelssohn Bartholdy, fue un

compositor, director de orquesta y

pianista de música clásica alemán

del periodo romántico.

Era nieto del filósofo Moses

Mendelssohn y nació en el seno de

una destacada familia judía, que

más tarde se convirtió al

protestantismo, adoptando el apellido Mendelssohn-Bartholdy. En su infancia

fue considerado un prodigio musical, pero sus padres no trataron de sacar

partido de sus habilidades. De hecho, su padre declinó la oportunidad de que

Felix siguiera una carrera musical hasta que quedó claro que tenía la firme

intención de dedicarse seriamente a ella.

Al temprano éxito en Alemania le siguió un viaje a través de toda Europa;

Mendelssohn fue recibido particularmente bien en Inglaterra como compositor,

director y solista y sus diez visitas allí, durante las que estrenó la mayoría de

sus obras, formaron una parte importante de su carrera adulta. Fundó el

Conservatorio de Leipzig, un bastión de su lucha contra las perspectivas

musicales radicales de algunos de sus contemporáneos.


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Las obras de Mendelssohn incluyen sinfonías, conciertos, oratorios, oberturas,

música para piano y música de cámara. También tuvo un importante papel en

el resurgimiento del interés en la obra de Johann Sebastian Bach. Sus gustos

musicales esencialmente conservadores lo separaron de muchos de sus

contemporáneos más aventurados, como Franz Liszt, Richard Wagner o

Hector Berlioz. Después de un largo periodo de denigración debido al cambio

de los gustos musicales y el antisemitismo a finales del siglo XIX y comienzos

del XX, su originalidad creativa tiene un buen reconocimiento, ha sido evaluada

de nuevo y se ha convertido en uno de los compositores más populares del

periodo romántico.

16. Gioachino Rossini

Gioachino Rossini o Gioacchino

Rossini (nacido como Gioavacchino

Antonio Rossini en Pésaro, Italia, el

29 de febrero de 1792 y fallecido en

París, Francia, el 13 de noviembre

de 1868), fue un compositor italiano,

conocido especialmente por sus

óperas y particularmente, por las

bufas, pero con numerosas y

determinantes aportaciones al

mundo de la ópera seria.

Todo ello le hizo asumir el "trono" de

la ópera italiana en la estética del bel canto de principios del siglo XIX, género

que realza la belleza de la línea melódica vocal sin descuidar los demás

aspectos musicales.

Rossini nació en Pésaro, hijo de Giuseppe, apodado "El vivaz", cornista de

oficio, y de Anna Guidarini, cantante en los teatros locales. Tocando en la


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banda municipal a los seis años, Rossini mostró un extraordinario genio

musical desde la más temprana edad y estudió música con su padre. Aprendió

a tocar la espineta con el vinatero Giuseppe Prinetti; posteriormente estudió

con el canónigo Giuseppe Malerbi, en cuya biblioteca leyó las partituras de

grandes compositores del pasado. En Bolonia, tuvo por primer profesor a

Angelo Tesei e ingresó en el prestigioso Liceo musical, bajo la tutela del

sacerdote Stanislao Mattei, ganando un premio por una cantata a los dieciséis

años de edad.

Siendo clavecinista acompañante en teatros, Rossini es llamado para

componer una ópera breve en 1810 y, dado el éxito que logra, seguirá

componiendo, particularmente en Venecia y Milán, con éxitos sonados en la

mayoría de los casos (su séptima ópera conquistó La Scala con cincuenta y

tres funciones iniciales) y repentinos fracasos, pero afianzándose como el

primer compositor de su tiempo, a pesar de no contar siquiera veinticinco años

de edad. En esos momentos, Rossini lleva a la perfección musical el género

bufo. Tuvo la ventaja de contar, ya en esta primera etapa, con grandes

cantantes, en quienes pensaba al momento de desarrollar la melodía de los

personajes, considerando las posibilidades de sus voces. Algunos de ellos

eran Marietta Marcolini, Filipo Galli y Paolo Rosich.

En 1815, es contratado por el sagaz empresario Domenico Barbaia para

componer en Nápoles para los teatros que administraba él con subvención

gubernamental, el Teatro de San Carlos y el Teatro Del Fondo, en donde

produce óperas serias de inmenso valor para las voces más imponentes

puesto que, en la compañía de Barbaia, se encontraban las más grandes

luminarias del tiempo como Manuel García, Isabella Colbran (ulterior esposa

de Rossini), Giovanni Rubini, etc. Mientras tanto, Rossini también recorre Italia

creando óperas de todos los géneros (serio, semiserio, bufo), cuya influencia

fue absoluta para todos los compositores posteriores y aun contemporáneos, y


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representando las ya creadas que contenían melodías que se convertían en

hitos inmediatos y permanentes.

En 1816, estrena en el Teatro Argentina de Roma, con argumento de Cesare

Sterbini, una de las más famosas obras del repertorio operístico, El barbero de

Sevilla. Basada en la trilogía literaria del barón francés Pierre-Augustin de

Beaumarchais, cuya segunda parte, Las bodas de Fígaro, fue musicada por W.

A. Mozart, fue durante sus primeras representaciones un fracaso.

Posteriormente, Verdi y otros compositores, la alabarían efusivamente hasta

alcanzar una inmensa fama. Previamente puesta en música por el respetado

compositor napolitano Giovanni Paisiello, el Barbero, como muchas otras

óperas de Rossini, borró del cartel permanentemente las obras de grandes

compositores como Zingarelli, Mercadante, Mayr, Paër, Mosca, Coccia y el

propio Paisiello.

Caricatura de Rossini en la portada de Le Hanneton, 1867. Algunas de las

obras de Rossini, conservador por naturaleza, pero innovador por sus enormes

dimensiones creadoras, sientan las bases del Romanticismo desarrollado por

sus sucesores compositores

En 1823, presenta su última ópera en Italia, Semíramis y se traslada a Francia

(desde donde viajaría en 1824 a Londres en una exitosa gira que le produce

reconocimientos extraordinarios y jugosos estipendios); en París compone una

ópera que celebraba la coronación de Carlos X, así como la composición de su

última ópera bufa y la reelaboración de otras dos obras italianas; y en 1829,

Guillermo Tell, que supuso su definitiva consagración.

Curiosamente, esta sería su última ópera, aun cuando le quedaban cuatro

decenas de años de vida por delante. Aún hoy es un misterio por qué dejó

Rossini de componer óperas tras Guillermo Tell; son muchas las teorías que

tratan de dar respuesta a este interrogante, desde el hastío, hasta la falta de

necesidad dada la riqueza que ya había acumulado, pasando por abundantes


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dificultades de salud (gonorrea y ciclos maníaco-depresivos) o quizá porque las

circunstancias políticas así lo determinaron. Sin embargo, aunque no volvió a

componer otra ópera, no abandonó el mundo musical, haciéndose cargo de la

dirección del Théâtre-Italien y el Liceo de Bolonia y componiendo muchísimas

obras breves (sin dejar a un lado su otra gran pasión, la gastronomía), así

como varias obras religiosas y profanas notabilísimas.

Había contraído nupcias con la cantante española Isabella Colbran en

Castenaso, en 1822, pero se separaron legalmente en 1837, marchándose él a

vivir con Olympe Pélissier, con quien se casó en 1846, una vez que murió

Isabella en 1845. Durante su vida, Rossini recibió las condecoraciones más

importantes en Francia e Italia y un gran reconocimiento por parte de sus

colegas de profesión; así, tras la entrevista que Rossini y Richard Wagner

tuvieron en 1860, el último declaró que de todos los compositores que había

conocido en París, el único verdaderamente grande era Rossini, a quien veía

muy serio y sencillo, pero mal comprendido por el público.

Rossini falleció en Passy, cerca de París, en 1868. Mientras miles de voces

entonaban la plegaria de su ópera Moisés, fue enterrado en el parisino

Cementerio del Père-Lachaise. Sus restos fueron trasladados en 1887 a

Florencia, donde descansa en la Basílica de la Santa Croce, junto a otras

glorias de Italia: Galileo Galilei, Dante y Miguel Ángel. Dejó un legado

monetario realmente considerable, del que destinó fondos para la creación de

un asilo para músicos retirados (existente aún hoy) y otras obras de

beneficencia. Había sobrevivido a muchos de sus sucesores en el trono de la

ópera italiana (Vincenzo Bellini, Gaetano Donizetti, Giacomo Meyerbeer), al

tiempo que coincidió con la aparición de Giuseppe Verdi y de Richard Wagner.

Giuseppe Verdi convocó a los mejores compositores italianos a componer una

misa de Réquiem en honor del Cisne de Pésaro. Dadas las circunstancias

políticas adversas, no se estrenó esa obra y Verdi usó su contribución, el


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Líbera me, en su propio Requiem dedicado a Manzoni. El director Helmuth

Rilling ha exhumado y grabado la obra en la actualidad.

Nicoló Paganini, Frederic Chopin, Mauro Giuliani, Louis Niedermayer, Ottorino

Respighi y otros renombrados compositores han creado variaciones,

orquestaciones y adaptaciones de mútiples obras rossinianas. Y los afamados

tournedos Rossini, así como muchos otros platos de cocina, son designados

en honor al célebre compositor, que era un consumado gastrónomo.

17. Modést Mussorgsky

Modest Petróvich Mussorgsky, en ruso: Модест Петрович Мусоргский

(Karevo, Pskov, 21 de marzo de 1839 — 28 de marzo de 1881), fue un

compositor ruso.

Modest Mussorgsky nació el 21 de

marzo de 1839 (9 de marzo, según el

calendario juliano, que se utilizó en

Rusia hasta 1918), en la aldea rusa de

Karevo (Pskov, al norte de Rusia), en

una región campesina donde vivió sus

primeros diez años. Ya mayor, volvía

con frecuencia y permanecía largas

temporadas, saturándose la

sensibilidad y el humor de la gente de

su pueblo, para evocarlas después en

la música que componía.

De salud quebrantada y una vida de estrechez, a su carácter nervioso se unía

una extrema sensibilidad que le permitía captar una visión exacta y consciente

del pueblo. A partir de los veinte años su espíritu le cantó a los inocentes, a los


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pobres y a los desamparados. A diferencia de algunas composiciones de

escasa trascendencia que escribió en su juventud, en su etapa de máxima

creatividad se dedicó plenamente a concebir a través de su arte una imagen

fiel de la vida, con predominio de la verdad sobre la belleza.

A los 27 años de edad, la hermana de Borodín describió a Mussorgsky como

«un brillante oficial en el regimiento de Preobrazhensky», actividad que

alternaba con la música, y aunque eran frecuentes las acometidas del

padecimiento nervioso que lo aquejó casi toda su existencia, el amor por la

música lo impulsaba a sobreponerse con renovado entusiasmo.

Modest Mussorgsky, si bien no alcanzó todo su potencial, poseía un

prometedor talento musical, que le convirtió en uno de los más prominentes

compositores rusos. Su originalidad, energía e ímpetu no lo hicieron

invulnerable a los vicios, dejando inacabados algunos encargos y acortando

prematuramente su vida.

Mussorgsky cayó en una profunda depresión tras el fallecimiento de su madre.

El pintor ruso Ilyá Repin realizó un retrato de Mussorgsky pocos días antes del

deceso de éste, que en contraste evidente con la descripción anterior, lo

muestra avejentado y deshecho por el alcohol, con los cabellos en desorden y

en bata de enfermo, aunque con una mirada sumamente expresiva y dulce.

Murió el 28 de marzo de 1881, pocos días después de cumplir los 42 años de

edad.

18. Giacomo Meyerbeer

Giacomo Meyerbeer (de nombre

de pila: Yaakov Liebmann Beer)

(Vogelsdorf-Tarsdorf, Berlín, 5 de


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septiembre de 1791 – París, 2 de mayo de 1864) fue un compositor alemán,

favorito del público parisino por la composición de óperas en el estilo Grand

Opéra. Su obra más conocida es Les Huguenots.

Hijo de un acaudalado comerciante de azúcar de Berlín, fue niño prodigio y a

los 9 años era ya pianista. Discípulo de Muzio Clementi, que sería uno de sus

profesores de piano, desde muy pronto manifestó su atracción hacia el teatro.

Sin embargo, halló su propio estilo sólo gradualmente, tras unos inicios

convencionales bajo la influencia de su amigo Carl Maria von Weber.

Se le considera el creador del melodrama musical romántico, por lo general

basado en un tema histórico y montado de forma grandilocuente, con

efectismos teatrales que deslumbraron a sus contemporáneos; se

sobrecargaba el escenario de personajes, había escenas de fuerte contraste,

desde inundaciones hasta incendios. Es la última variante de la ópera seria: la

ópera histórica de vasto aliento conocida como grand opera. Combina con gran

habilidad los estilos francés e italiano con meticulosidad alemana.

Ayudó a Richard Wagner durante su estancia en París, si bien el fracaso de

éste fue evidente ante un estilo hoy considerado encorsetado que nada tenía

que ver con la complejidad dramática del drama wagneriano.

Entre 1836 y el fin de siglo, Meyerbeer fue una potencia mundial en música,

estando considerado como el compositor más importante de la vida musical

europea, con cifras astronómicas de representaciones. Sus grandes éxitos

fueron Robert le diable, Les Huguenots y Le Prophète. Se convirtió en Director

General de Música en Berlín en 1842.

Meyerbeer murió en París el 2 de mayo de 1864 mientras trabajaba en su

última gran ópera, La Africana, que se convertiría en uno de los mayores éxitos

de la historia de la ópera.


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19. Giovanni Battista Pergolesi

Giovanni Battista Pergolesi (Jesi, 4 de enero de 1710 - Pozzuoli, 16 de marzo

de 1736) fue un compositor, violinista y organista italiano del período Barroco.

Estudió música en Jesi con

Francesco Santini, y luego viajó a

Nápoles, donde estudió a partir de

1725 con Gaetano Greco y

Francesco Feo entre otros. Pasó

gran parte de su vida en el entorno

de la corte de Nápoles, al servicio

de aristócratas como los príncipes

de Stigliano y el duque Marzio IV

Maddaloni Carafa.

Aunque nunca abandonó la península italiana, su fama como compositor de

óperas italianas se extendió pronto. Su obra influyó profundamente en la

escuela napolitana, y sirvió como prototipo por antonomasia de la ópera

italiana. En 1746 se estrenó en París sin gran repercusión su obra más

famosa, La serva padrona (1733). Sin embargo, el re-estreno en París de esta

ópera buffa en 1752 originaría la llamada "Querella de los bufones", que

confrontaría el gusto estético derivado de la tradición de la ópera seria

francesa, representada por compositores como Jean-Baptiste Lully y Jean-

Philippe Rameau, y el de los partidarios de la nueva ópera cómica italiana,

generalmente asociados a los sectores ilustradas encabezados por Jean-

Jacques Rousseau. Pergolesi fue considerado como modelo del estilo italiano

durante esta controversia, que dividió a la comunidad musical de París durante

dos años. Con problemas de salud desde pequeño (se cree que sufría de

espina bífida), Pergolesi murió a los 26 años, aparentemente de tuberculosis.


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20. Jean-Baptiste Lully

Jean Baptiste Lully (Florencia, Italia, 28 de noviembre de 1632 - París, 22 de

marzo de 1687) fue un compositor francés de origen italiano, uno de los

introductores de la ópera en Francia.

Nació en Italia (su verdadero nombre

era Giovanni Battista Lulli). Viajó a

Francia con 11 años, pues había

llamado la atención del Caballero de

Guisa, y en 1652, con 20 años, entró al

servicio de Luis XIV como bailarín de

ballet y violinista. Más tarde dirigió una

de las orquestas reales y en 1662 fue

nombrado director musical de la familia

real. Sobresalía por entonces como

violinista, director y compositor. A los

29 años se había casado con la hija de

Michel Lambert, compositor y alto

funcionario de la Corte.

Cortesano astuto, consiguió mantener el favor real a lo largo de toda su vida, lo

que le permitió manejar la suerte de otros compositores franceses. Compuso

ballets, como Alcidiane (1658), para la corte, que en ocasiones él mismo

interpretaba ante el rey. En colaboración con el escritor francés Molière (Jean

Baptiste Poquelin) compuso una serie de ballets cómicos, como Les fâcheux

(1661), Le mariage forcé (1665) y Le bourgeois gentilhomme (1670). Se hizo

prácticamente con el monopolio de las artes musicales en Francia y explotó la

grandeza y la teatralidad de la corte de Luis XIV.

En 1672 consiguió mediante intrigas el puesto de director de la «Académie

royale de musique» y a partir de ese momento volcó su atención en la ópera.


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El compositor ya había conseguido un título de nobleza y se había hecho con

numerosas propiedades en París y en sus alrededores. Sus óperas (a las que

denominaba tragédie lyrique) estaban basadas en las tragedias clásicas de sus

contemporáneos, los dramaturgos franceses Pierre Corneille y Jean Baptiste

Racine. Excepto en Psique (1678), Belerofonte (1679) y Acis y Galatea (1686),

su libretista fue el poeta Philippe Quinault. Desde el punto de vista musical, sus

óperas son solemnes y majestuosas, con un énfasis especial en la claridad del

texto y las inflexiones de la lengua francesa. Sus elaborados espectáculos de

danza y sus coros de gran majestuosidad tienen su raíz en el ballet de cour

(ballet cortesano). Las óperas de Lully contrastan con el estilo italiano de ópera

de la época, en donde se daba prioridad al lucimiento del cantante. Entre sus

obras cabe citar Perseo (1682), Amadís de Gaula (1684) y la ya mencionada

Acis y Galatea.

La importancia de Lully reside en las mejoras que impuso. En la ópera francesa

abandonó el recitativo secco y lo sustituyó por un recitativo con

acompañamiento artístico. En los ballets, introdujo danzas más rápidas que las

que se interpretaban. También estableció la forma de obertura francesa. Lully

evolucionó desde su fidelidad inicial al estilo de sus compatriotas Luigi Rossi o

Francesco Cavalli hasta una perfecta asimilación del estilo y del gusto frances.

Lully dominó toda la vida musical en Francia en la época del Rey Sol. Fue

creador de diversas formas musicales, que organizó o ideó, como la «tragédie

lyrique», el gran motete y la obertura a la francesa. Su influencia sobre el

conjunto de la música europea de su tiempo fue grande.

Tras su llegada a Francia en 1643, entró como ayuda de cámara al servicio de

Mademoiselle de Montpensier, que deseaba perfeccionar sus conocimientos

de la lengua italiana. A la edad de 13 años, ya manifestó serias dotes para la

música, y así aprendió a tocar el violín. Luego se reveló como un excelente

bailarín y entró a formar parte de la Grande Bande des Violons du Roi, que se


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componía de 24 instrumentos. En 1653, Lully bailó con el rey: el Ballet de la

Nuit.

Obtiene rápidamente la dirección de una nueva formación: La Bande des Petits

Violons. Perfecto cortesano y hábil hombre de negocios, muy pronto se

convirtió en el primer compositor de la corte, y sus aires y bailes consagraron

su reputación. Apoyado por Luis XIV, llegó a ser compositor de cámara y

finalmente Superintendente Real de la Música.

Naturalizado francés en 1661, se casó algunos meses después con Madeleine

Lambert, cuyo padre era el director musical de Mademoiselle de Montpensier.

A partir de 1664, trabajó regularmente con Molière, creando el género de la

comedia ballet, sin renunciar por ello a los bailes de cortesanos.

Compró a Perrin en 1672 el privilegio de la «Académie royale de musique».

Colmado de honores y riquezas, compuso entonces una ópera al año más o

menos, sometiendo con su autoridad a todos los compositores dramáticos de

su época: Marc-Antoine Charpentier, André Campra, Clérambault.

En 1681, Lully alcanzó el cenit de su carrera, al convertirse en secretario del

rey. Murió por una gangrena en París, en 1687, a consecuencia de una herida

que se hizo en el pie con su bastón de director de orquesta, una pesada barra

de hierro que servía para llevar el compás golpeando el suelo con ella; esto le

provocó una infección que acabó lentamente con su vida, ya que su

pensamiento de ser bailarín impidió cortar su pierna para poder salvarse. La

fama de Lully se debe principalmente a su contribución a la música religiosa y

escénica.

21. Bed ř ich Smetana


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Bedřich Smetana (pronunciado [ˈbɛdrq ɪx ˈsmɛtana]; 2 de marzo de 1824 – 12 de

mayo de 1884) fue un compositor checo pionero en el desarrollo de un estilo

musical que quedó íntimamente ligado a las aspiraciones independentistas de

su país. Por ello, se lo reconoce en su país como el padre de la música checa.

Internacionalmente es conocido por su ópera La novia vendida y por el ciclo de

poemas sinfónicos Má vlast (‘Mi patria’) que representan la historia, leyendas y

paisajes de la patria natal del compositor.

Smetana poseía un talento natural

para el piano y dio su primer recital

a los seis años. Tras recibir una

educación convencional en la

escuela, estudió música con Josef

Proksch en Praga. Escribió su

primera composición nacionalista

durante el levantamiento de Praga

de 1848, en el que participó por

poco tiempo. Ante la imposibilidad

de iniciar su carrera en Praga, se

dirigió a Suecia, donde se

estableció como profesor y director

de coro en Gotemburgo y empezó a escribir obras orquestales de gran escala.

Durante este periodo de su vida, Smetana se casó dos veces y tuvo seis hijos,

de los cuales tres fallecieron durante su infancia.

A principios de la década de 1860 un clima político más liberal en Bohemia

alentó a Smetana a regresar permanentemente a Praga. Se entregó a la vida

musical de la ciudad, principalmente como defensor del nuevo género de la

ópera checa. En 1866 sus dos primeras óperas, Los brandenburgueses en

Bohemia y La novia vendida, fueron estrenadas en el nuevo Teatro Provisional

de Praga, alcanzando esta última gran popularidad. Ese mismo año, Smetana

llegó a ser el director principal del teatro, pero los años de su dirección


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estuvieron marcados por la polémica. Las facciones encargadas de la creación

musical de la ciudad consideraban que su identificación con las ideas

progresistas de Franz Liszt y Richard Wagner eran hostiles al desarrollo de un

estilo de ópera checa distintivo. Esta oposición interfirió con su trabajo creativo

y pudo haber acelerado la degradación de su salud, precipitando su dimisión

del teatro en 1874.

A finales de 1874, a los 50 años de edad, Smetana se volvió completamente

sordo, pero, liberado de sus funciones de teatro y la polémica que causaba,

comenzó un período de composición constante que se prolongó durante casi

todo el resto de su vida. Sus contribuciones a la música checa iban siendo

cada vez más reconocidas y respetadas, pero un colapso mental a principios

de 1884 condujo a su internamiento en un asilo y su posterior fallecimiento. La

reputación de Smetana como el padre fundador de la música checa se ha

fortalecido en su país natal, donde los defensores lo han convertido en icono

por encima de sus contemporáneos y sucesores. Sin embargo, relativamente

pocas de las obras de Smetana se encuentran en el repertorio internacional y

la mayoría de los expertos extranjeros tienden a considerar a Antonín Dvořák

como el compositor checo más importante.

22. Vincenzo Salvatore Carmelo Francesco Bellini

Vincenzo Salvatore Carmelo

Francesco Bellini (n. Catania, Reino

de las Dos Sicilias, 3 de noviembre

de 1801 - † Puteaux, Francia, 23 de

septiembre de 1835). Compositor

italiano.Hijo del organista Rosario

Bellini, recibió las primeras

lecciones de música de su padre y

de su abuelo, Vincenzo Tobia.


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Bellini fue un niño prodigio y cuenta la leyenda que a los dieciocho meses era

capaz de cantar un aria de Valentino Fioravanti, que comenzó a estudiar teoría

musical a los dos años de edad, piano a los tres y que a los cinco era capaz de

tocarlo con soltura. Su primera composición data de cuando tenía seis años.

Con una beca que le proporcionó el Duque de San Martino ingresó en Colegio

de San Sebastián de Nápoles, donde estudió armonía con Giovanni Furno,

contrapunto con Giacomo Tritto y composición con el célebre Nicola Zingarelli.

Compuso música sacra (motetes, misas, etc.), de cámara, un famoso concierto

para oboe y sinfónica, pero es la ópera el género musical que le dio fama.

Compuso para virtuosos del bel canto, expresión lírica que exige una gran

precisión y agilidad vocal. Intentó minimizar las diferencias clásicas entre las

partes cantadas y recitadas —arias y recitativos—, manteniendo la tensión

dramática.

El estreno de su primera ópera, Adelson e Salvini, se produjo en 1825.

Domenico Barbaja, director del Teatro de San Carlos de Nápoles y de La Scala

de Milán, se interesó por ella, encargándole varias obras posteriormente.

Su obra más difundida es Norma, en la que destaca la muy célebre aria Casta

Diva, donde se conjuntan la gravedad clásica con un apasionamiento muy

romántico en la expresión, siendo éste uno de los grandes roles para soprano

dentro del repertorio. Durante el siglo XX destacaron en este papel María

Callas, que fue la más famosa Norma del siglo; y Joan Sutherland quien

recuperó el carácter puramente belcantista del papel, enterrado por los

excesos veristas de las generaciones de cantantes anteriores.

Luego de tratar de introducirse en el ambiente operístico de Londres con

escasa resonancia, Bellini se retiró a París. En Francia le sorprendió la muerte

a los 34 años, tras una breve enfermedad.


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