MUNTEAN/ROSENBLUM • JULIE MEHRETU • DANIEL VERBIS • FELICIDAD MORENO •PHILIPP FRÖLICH • PAULINE FONDEVILA

HorarioDe martes a domingo:Mañanas: de 10:00 a 15:00 hTardes: de 16:00 a 21:00 hLunes cerrado. ENTRADA GRATUITA

La taquilla cierra a las 14:30 y a las 20:30 h. El desalojo de las salas se iniciará quince minutos antes del cierre.

Facilidad de accesoPuede accederse a las salas e instalaciones del museo con sillas de ruedas y cochecitos para niños. En la guardarropa del museo se podrán solicitar sillas de ruedas sin cargo.

GuardarropaPara proteger las obras de arte de posibles accidentes, se deberán dejar en el guardarropa las mochilas (de todos los tamaños), paraguas, paquetes, bolsas y carteras de tamaño superiores a 28 x 36 cm, así como cualquier bulto grande.

AnimalesEstá permitida la entrada de animales cogidos en brazos y perros-guía.

Normas de accesoSe permite tomar fotografías en las salas únicamente con cámaras de mano. No se permite el uso del flash ni de trípodes. Se podrán efectuar grabaciones de video únicamente en la entrada y en los patios del museo. Queda prohibida la reproducción, distribución o venta de fotografías sin el permiso del museo. No está permitido fumar en el interior del museo, ni entrar con alimentos y bebidas.

Medios de transporteAutobuses urbanos: 7, 11, 12 y 13Estación de autobuses: Avda. Sáinz de Miera s/n. www.alsa.esFerrocarril: RENFE. Calle Astorga s/n. www.renfe.esAeropuerto: Aeropuerto de La Virgen del Camino a 7 km del centro de la ciudad.

AparcamientosMuy cerca del museo hay un aparcamiento público.

Opening HoursTuesdays to Sundays:

Mornings: from 10:00 to 15:00 hAfternoons: from 16:00 to 21:00 h

Closed on Mondays. FREE ADMISSION

The cloakroom will close at 14:30 and 20:30 h. The visitors should leave fifteen minutes before the closing time.

Access FacilitiesThe exhibition halls and installations of the museum can be accessed with wheelchairs and strollers. In the cloakroom of the museum these wheelchairs may be

requested for free.

CloakroomTo protect the works of art from possible accidents, all backpacks (of all sizes), umbrellas, packages, bags and purses bigger than 28 x 36 cm in size should be

left in the cloakroom.

AnimalsThe entry of animals is permitted to small dogs and

guide dogs.

Entry RegulationsPhotographs may be taken inside the museum only with hand cameras. The use of flash or tripods is not permitted. Video may be taken only in the entrance and the patios of the museum. Smoking is not permitted inside the museum, nor entering with food

and drinks.

TransportationBus Lines: 7, 11, 12 and 13

Bus Station: Avda. Sáinz de Miera s/n. www.alsa.esRailway Station: RENFE. Calle Astorga s/n. www.renfe.esAirport: La Virgen del Camino Airport. 7 km from the

city center.

ParkingThere is a public parking area near the museum.

MUSACMuseo de Arte Contemporáneo de Castilla y LeónAvenida de los Reyes Leoneses, 24ES-24008 LeónTel. +34 987 09 00 00Fax. +34 987 09 11 11e-mail: musac@musac.org.es

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JUNTA DE CASTILLA Y LEÓN

CONSEJERÍA DE CULTURA Y TURISMO/CULTURE & TOURISM COUNCIL

CONSEJERA/COUNCILLOR

Dña. Silvia Clemente Municio

SECRETARIO GENERAL/GENERAL SECRETARY

D. José Rodríguez Sanz-Pastor

DIRECTOR GENERAL DE PROMOCIÓN E INSTITUCIONES CULTURALES/

GENERAL DIRECTOR OF CULTURAL PROMOTIONS AND INSTITUTIONS

D. Alberto Gutiérrez Alberca

FUNDACIÓN SIGLO PARA LAS ARTES DE CASTILLA Y LEÓNDIRECTOR GENERAL/GENERAL DIRECTOR

D. Jesús Mª Gómez Sanz

DIRECTOR DE ARTES PLÁSTICAS/VISUAL ARTS DIRECTOR

D. Rafael Doctor Roncero

MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y LeónDIRECTOR/DIRECTOR

Rafael Doctor Roncero

CONSERVADOR JEFE/CHIEF CURATOR

Agustín Pérez Rubio

COORDINADORA GENERAL/GENERAL COORDINATOR

Kristine Guzmán

BIBLIOTECA Y CENTRO DOCUMENTACIÓN/LIBRARY AND DOCUMENTATION CENTER

Araceli Corbo

COMUNICACIÓN Y PRENSA/COMUNICATION AND PRESS

Clara Merín

COORDINACIÓN DE EXPOSICIONES Y PROYECTOS/EXHIBITIONS AND PROJECTS COORDINATIONMarta Gerveno

Carlos Ordás

Tania Pardo

EDUCACIÓN Y ACCIÓN CULTURAL/EDUCATION AND CULTURAL ACTION

Belén Sola

REGISTRO/REGISTRAR

Koré Escobar

COMITÉ DE ADQUISICIÓN/ACQUISITION COMMITTEED. Jesús M. Gómez SanzD. Rafael Doctor RonceroD. Agustín Pérez RubioDña. Estrella de DiegoD. José Guirao CabreraD. Javier HernandoDña. Mª Jesús MijánD. Octavio Zaya

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Comenzamos un nuevo curso con un amplio programa expositivo que desde la Junta de Castilla y León se hace realidad en el cada día más afianzado MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, con una mayor repercusión tanto dentro como fuera de nuestra Comunidad. En esta ocasión tengo el honor de presentar estas exposiciones que tienen como denomina-dor la pintura en sus amplias y diversas expresiones. Desde la figuración de la pareja Muntean/Rosenblum y sus jóvenes adolescentes descreídos y des-alentados en nuestra sociedad de consumo en la muestra Make death listen, pasando por la pintura como resistencia política a través de la abstracción de la pintora afro-americana Julie Mehretu, su primera individual en un museo europeo con Black City, a uno de nuestros jóvenes artistas nacido en León que más importancia ha tenido en el transcurso de la pintura contemporánea española como es Daniel Verbis, con su instalación expositiva de sus trabajos en misojosentusojosderramándose y el proyecto para las últimas salas del MUSAC de Felicidad Moreno en hipnÓtico, sin olvidar los proyectos de Philipp Frölich y Pauline Fondevilla para el Laboratorio 987.

Todos estos proyectos hacen contemporaneizar de una y otra manera una disciplina tan antigua y clásica como es la pintura, pero en cada caso adquie-ren una nueva dimensión tanto desde la práctica en nuestra comunidad, como en nuestro país como en otras latitudes.

Silvia Clemente MunicioConsejera de Cultura y Turismo

We begin the new season with an extensive programme of exhibitions run by the Junta de Castilla y León through the MUSAC, Museo de Arte Contemporá-neo de Castilla y León, which is consolidating its position as a cultural amenity and building a name for itself within the region and beyond. I am very proud to be presenting these exhibitions, the common denominator of which is painting in all its broad and diverse expressions. We begin with the figurative work of the Muntean/Rosenblum duo, with their distrustful and disheartened teenagers in our consumer society in the exhibition Make death listen. From there, we move on to painting as political resistance in the abstract art of the Afro-American painter Julie Mehretu in Black City, her first solo show in Europe. We then turn to Daniel Verbis, who was born in León and is one of our most renowned young artists in Spanish contemporary painting. He will be showing his exhibition installation of his works in misojosentusojosde-rramándose. In hipnÓptico, we also have Felicidad Moreno’s project for the last rooms in the MUSAC. And Philipp Frölich and Pauline Fondevilla will be showing their projects for Laboratorio 987.

In one way or another, all these projects bring the ancient and classical dis-cipline of painting into the present day, but each of them acquires a new dimension through the practice in our community, as well as in Spain and elsewhere.

Silvia Clemente MunicioRegional Minister for Culture and Tourism

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FUNKY PROJECTSProyecto vitrinas/Showcase Projectwww.shop.funkyprojects.com

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ZIDANE: A 21st CENTURY PORTRAITA film by Douglas Gordon and Philippe Parreno

23 SEPTIEMBRE 2006/SEPTEMBER 23RD, 2006Pase especial/Special Screening: Teatro Emperador (León)

Directores/Directors: Douglas Gordon & Philippe Parreno Productor/Producer: Sigurjon Sighvatsson (Palomar Pictures)Director de fotografía/Photography Director: Darius KhondjiIngeniero de sonido/Sound Engineer: Tom JohnsonMontaje/Editor: Herve SchneidB.S.O./O.S.T.: Mogwai

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PHILIPP FRÖLICHExvoto. Where Is Nikki Black?

23 DE SEPTIEMBRE – 19 DE NOVIEMBRE, 2006SEPTEMBER 23RD – NOVEMBER 19TH, 2006

Exvoto. Where Is Nikki Black? reúne una veintena de cuadros de diferentes formatos que el joven artista Philipp Fröhlich (Schweinfurt, Alemania, 1975) ha realizado en los últimos años. Su trabajo, centrado fundamentalmente en la pintura, muestra por un lado fragmentos de escenas que se desarrollan en un espacio interior y, por otro, paisajes exteriores realizados con un estilo que se debate entre el tradicionalismo más absoluto y una nueva concepción de la pintura contemporánea que, a través de la iluminación, nos sugieren misteriosos sucesos inacabados.

La pregunta que sugiere el título de la muestra (Exvoto. ¿Dónde está Nikki Black?) nos conduce a un extraño misterio, como si en estas escenas faltara alguien, incluso algo. Nikki Black es la materialización, a través de un nombre propio, de la idea de búsqueda que yace en estos cuadros. Una pintura de minuciosa realización –témpera sobre lienzo– donde la ejecución de cada una de estas escenas se convierte, para el artista, en una realidad oblicua. Proveniente del mundo de la escenografía teatral, su pintura puede considerarse una nueva forma de revisar las aportaciones del pasado tamizadas por una mirada del presente. Espacios y lugares extraños de imposible identificación, muchos de ellos sacados de narraciones de alguna noticia del periódico o de viejas fotografías en blanco y negro. Escenarios en definitiva inventados, que el propio artista reconstruye mediante maquetas que destruye una vez trasladadas al lienzo. Escenas recortadas, historias inacabadas y encuadres cargados de un gran dramatismo, situado en los límites del terror.

La pintura de Philipp Fröhlich es en sí misma el resultado de una extraña relación entre el acontecimiento sucedido y lo revelado al espectador por el artista en formato de cuadro o, como a él mismo le gusta denominar, en “exvoto”. Encuadres que reúnen el misterio suficiente para que el espectador no deje de preguntarse, una y otra vez, qué ha ocurrido, enfrentándose incluso al temor de conocer la respuesta. Espacios y lugares en principio intranscendentes y despersonalizados, realidades fragmentarias que testimonian que ya poco o nada está fuera de nuestra imaginación.

At Exvoto. Where is Nikki Black? Philipp Fröhlich (Schweinfurt, Germany, 1975) shows his most recent canvases that depict a series of scenes that, through a dramatic use of lighting which should come as no surprise given the artist’s background in stage design, suggest mysterious unfinished events to us. Fröhlich’s painting can be regarded as a new way of reassessing this discipline’s contributions over the decades yet filtered entirely through the gaze of the present. These puzzling spaces and places, impossible to identify are, in large part, taken from narrations of a newspaper article or from old black and white photographs. Scenarios, unquestionably made up, which the artist himself builds through models and then destroys once these have been transferred to the canvas.

Philipp Fröhlich’s painting, tempera on canvas, is in itself the result of a strange relation between the event that has taken place and what the artist has revealed to the spectator in picture format, or as he himself likes to term it, in the form of ex-votos or votive offerings.

PÁGINA 6Sin título • 2004 • Témpera sobre lienzo • 195 x 146 cm

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PAULINE FONDEVILANovember Song

25 DE NOVIEMBRE, 2006 – 7 DE ENERO, 2007NOVEMBER 25TH, 2006 – JANUARY 7TH, 2007

El trabajo de Pauline Fondevila (Le Havre, Francia, 1972) basado en la instalación, la escultura y, fundamentalmente, el dibujo, combina diferentes referentes culturales como el cómic, la música pop o la nouvelle vague, para construir un universo personal en base a referentes que forman parte de su cultura y sus vivencias. Desde Goya, Gilbert & George, el Bosco pasando por Bruce Nauman, Maurizio Cattelan o Los Planetas hasta François Truffaut, Little Nemo o Jeff Wall. Muchos de los títulos de sus exposiciones están sacados de canciones o meras descripciones de un acontecimiento, de tal modo que recrea narraciones extrañas y asociaciones de ideas a las que el espectador puede sentirse muy próximo.

Dentro del universo propio de Pauline Fondevila, se encuentra P., una muñeca que protagoniza la mayoría de las obras e, incluso, sirve de hilo argumental de su trabajo. Este personaje apareció por primera vez en 2005 en Echoesland, un cómic realizado en colaboración entre la artista y François Olislaeger. En las dos partes de la exposición Una extraña mañana de Febrero en Gijón –título sacado de una de las canciones de Nacho Vegas– P. aparece materializada en forma de escultura de madera, identificándose con el propio Pinocho, lo que nos lleva a pensar en un juego metafórico de asociaciones de ideas.

En síntesis, su obra analiza cómo una cultura marcada por la superabundancia de estímulos condiciona la construcción del yo y de las relaciones interpersonales. Los dibujos y las pinturas de esta artista aluden a una experiencia subjetiva contaminada por las necesidades y deseos generados por una sociedad marcada por el consumo irrefrenable. Su obra, en conjunto, no deja de ser un mapa cartográfico de lo sentimental.

The work of Pauline Fondevila (Le Havre, France, 1972), based on installation, sculpture and basically drawing, combines different cultural references such as comics, pop music, the nouvelle vague,… In this manner, the artist constructs her own universe based on references that form part of her culture and experiences. From Goya, Gilbert & George, el Bosco, to Bruce Nauman, Maurizio Cattelan or Los Planetas, to François Truffaut, Little Nemo or Jeff Wall. Most of the titles of her exhibitions are taken from songs or mere descriptions of an event, in a way that they recreate strange narrations and associations of ideas to which the spectator can feel related to.

In short, her work analyzes how a culture marked by the overabundance of stimuli conditions the construction of the self and interpersonal relations. The drawings and paintings of this artist allude to a subjective experience contaminated by the necessities and desires generated by a society marked by unstoppable consumption. Her work, as a whole, is still a cartographic map of the sentimental.

PÁGINA 8Detalle de «Sin título», de la serie Cerca del cielo II • 2006 • Tinta sobre papel • 32 x 41 cm

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MUNTEAN/ROSENBLUMMake death listen (Haz que la muerte escuche)

23 DE SEPTIEMBRE, 2006 – 7 DE ENER0, 2007SEPTEMBER 23RD, 2006 – JANUARY 7TH, 2007

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Make death listen (Haz que la muerte escuche) es el título de la primera exposición individual en España de la pareja artística formada por Markus Muntean (Graz, Austria, 1962) y Adi Rosenblum (Haifa, Israel, 1962). Trabajando conjuntamente desde 1992, su obra ha sido expuesta en innumerables ocasiones en algunas de las más prestigiosas salas de todo el mundo y sus obras se encuentran en algunas de las más importantes colecciones de arte internacionales. El trabajo de Muntean/Rosenblum se centra fundamentalmente en la pintura y el dibujo, si bien con constantes incursiones en otras disciplinas como la fotografía, el vídeo, la instalación e incluso la performance. El hilo conceptual que recorre todo su trabajo gira en torno al momento de desorientación existencial y la crisis de identidad que supone el paso a marchas forzadas hacia la madurez que sufre el adolescente en el mundo contemporáneo. Desde una perspectiva de tipo dual, que combina la imagen con texto escrito –o hablado, en el caso de los vídeos–, sus obras desarrollan una reflexión sobre la deriva generacional en la que se ven sumidos los personajes que pueblan estas pinturas.

MUNTEAN/ROSENBLUMMake death listen (Haz que la muerte escuche)

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Partiendo de una técnica tradicional, que abunda en las disposiciones clásicas de perspectiva y composición, e incluso adoptando tipos iconográficos derivados de la imaginería religiosa, estas obras se ven inmersas en una atmósfera cercana a la irrealidad, sutilmente ligada al grado de contención emocional reflejado en los personajes que las pueblan. Sirviéndose de recursos referenciales de esta generación hija de la sociedad tardo-capitalista, la huida –real o figurada– de la ciudad hacia la naturaleza se convierte en elemento recurrente en casi todas sus obras, así como las alusiones al mundo del cómic, donde cada imagen va subrayada por la introducción de textos alegóricos que hacen una muy ambigua referencia a lo que vemos representado en la obra, y que resultan un complemento ideal de esa lectura que Muntean/Rosenblum hacen de la sociedad contemporánea a partir de sus herederos forzosos. Partiendo de unos modelos humanos y estéticos reconocibles, aquéllos que pueblan las portadas de revistas y los distintos canales publicitarios de los mass media contemporáneos, sus obras no eluden un fuerte componente crítico, mediante el que se cuestiona el rol asumido por estos adolescentes en la sociedad actual: un papel marcado por la presión que ejerce la generación precedente, que proyecta en ellos sus propias esperanzas, y la conformación del nuevo entramado moral que de ello se deriva y en el cual se ven forzosamente inmersos.

Make death listen hace patente todos estos componentes estéticos y conceptuales a través de un recorrido cronológico que abarca desde finales de los años noventa hasta la actualidad, incluyendo algunos trabajos realizados ex profeso para la muestra. Este recorrido de tipo retrospectivo viene a su vez marcado por una

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escenografía muy concreta, que estructura la exposición a lo largo de cinco pequeñas salitas construidas en mitad de las grandes salas expositivas del museo, con sus paredes interiores revestidas con telas de color, y que recrean la atmósfera de los tradicionales salones de pintura en los que se mostraban los cuadros al público en las grandes exposiciones y pinacotecas. Cinco salones exentos los unos de los otros, pero directamente interrelacionados para conformar un paseo circular por las primeras salas del museo, a modo de ciclo ininterrumpido que replantea la propia exposición como una verdadera instalación. Acompañadas de dos cabinas para las videoinstalaciones y las diferentes esculturas y fotografías que completan la muestra, estas salas aparecen como elemento estructurador de la exposición, y permiten al espectador descubrir la evolución estilística y conceptual que une sus primeros trabajos, dentro de una estética más hierática y decididamente pop, hasta las composiciones barroquizantes de sus trabajos más recientes.

PORTADADetalle de Untitled (It is only...) • 2003 • Acrílico sobre lienzo • 220 x 270 cm • Colección MUSAC

PÁGINAS 10-11 Detalle de Untitled (One can tell the truth...) • 2005 • Óleo sobre lienzo • 220 x 260 cm • Colección Es Arte Deleitosa, Madrid

PÁGINA 12Untitled (We have begun to see...) • 2003 • Óleo sobre lienzo • 220 x 270 cm • Colección MUSAC

PÁGINA 13Untitled (You are part of...) • 2003 • Acrílico, lápiz y papel cortado sobre lienzo • 280 x 355 cm • Colección MUSAC

PÁGINA 14It Is Never Facts That Tell • 2004 • Vídeo B/N con sonido • 5 min en bucle • Georg Kargl Fine Arts, Vienna

PÁGINA 15IZQUIERDA: «Kira» de la serie Untitled • 2004 • C-print • 170 x 125 cm • Georg Kargl Fine Arts, ViennaDERECHA: Why Die? • 1998 • Técnica mixta • Medidas variables • Georg Kargl Fine Arts, Vienna

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Make death listen is the title of the first solo exhibition in Spain of the artistic duo Muntean/Rosenblum. Their work is fundamentally focused on painting and drawing, yet with constant forays into other disciplines such as photography, video, installation and even performance. The conceptual thread running through their work involves the period of existential disorientation and identity crisis caused by the swift passage into maturity undergone by adolescents in the contemporary world. From a dual perspective, combining image and written text (or spoken text in the case of the videos), their works develop a reflection on the generational shifting with which the characters inhabiting these paintings find themselves engaged. Through traditional technique, which is rich in classical arrangements of perspective and composition, and even adopting iconographic types derived from religious imagery, these works are immersed in a somewhat unreal atmosphere subtly linked to the degree of emotional contention reflected in the characters inhabiting them. Making use of referential resources from this generation, daughter of the late capitalist society, the flight –real or figurative– away from the city toward nature becomes a recurring element in almost all their works, as well as the allusions to the world of comic strips, where every image is underlined by the introduction of allegorical texts that very ambiguously refer to what we see represented in the work, and that are an ideal complement for that reading Muntean/Rosenblum make of contemporary society through its unavoidable heirs. By way of recognizable human and aesthetic models, those inhabiting magazine covers and different forms of mass media advertising, their works convey a pointed, non-eluded, critical component, through which the roles assumed by these adolescents in modern-day society are questioned: a role determined by the pressure exerted by the preceding generation, which projects on them its own hopes, and the shaping of the new moral codes derived from it and in which they find themselves irremediably immersed.

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JULIE MEHRETUBlack City

23 DE SEPTIEMBRE, 2006 – 7 DE ENER0, 2007SEPTEMBER 23RD, 2006 – JANUARY 7TH, 2007

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Black City (Ciudad Negra) es la primera exposición individual en una institución europea de la artista residente en EE.UU. Julie Mehretu (Addis Abeba, Etiopía, 1970). A través de una veintena de lienzos de varios formatos –realizados entre el 2003 y la actualidad, siendo casi la mitad de ellos de nueva producción– la artista superpone capas de dibujo y pintura donde se despliegan y yuxtaponen tanto lapsos de su biografía como las tensiones políticas y sociales devenidas del servicio de la arquitectura y el urbanismo a las relaciones de poder.

A la hora de realizar cualquier aproximación al universo pictórico de Julie Mehretu, no hay que olvidarse de la biografía de la creadora, pues aunque no es relatada de manera lineal, sus obras pueden llegar a convertirse en auténticos mapas no sólo de su pasado sino de su actitud vital ante el mundo. Cartografías dispuestas en capas sucesivas de dibujo y pintura, reflejos de la historia contemporánea y jirones de la memoria de la artista, donde la superficie, el presente, se vuelve caos, resistencia, lucha, pregunta y conflicto, sustentado por el orden y la razón de un pasado revisitado desde la perspectiva del tiempo.

1ª Capa: el dibujoEl dibujo en la obra de esta artista adquiere una relevancia y un protagonismo en la “construcción” de sus obras, abstractas tan sólo en apariencia, con pocos precedentes en la historia más reciente de la pintura. Influido por el cómic, la caligrafía china, el grafitti, y en particular el dibujo arquitectónico, con él investiga y racionaliza la pintura.

2ª Capa: la arquitecturaLa arquitectura emerge en los lienzos de la artista a modo de planos de edificios públicos y cuadrículas urbanísticas de ciudades, en especial aquellos edificios que se muestran más íntimamente ligados a la política y a las tecnologías de poder. Durante esta parte del proceso creativo, Julie Mehretu se convierte en la auténtica

JULIE MEHRETUBlack City

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constructora de estos tipos de espacios controlados y teledirigidos en sus pinturas. La artista plantea los cuatro problemas fundamentales: el de los emplazamientos, el de las coexistencias, el de las residencias y el de los desplazamientos. Pero de este modo, sus obras se convierten en metáforas de los mecanismos de los sistemas democráticos, que producen el siempre olvido de las “minorías” que de un modo u otro acaban por revelarse en las ciudades y topografías de la artista.

3ª Capa: resistenciaLa biografía de Julie Mehretu se ha desarrollado entre el “pertenecer” y el “extrañar”, viviendo entre continentes, naciones, ciudades, casas, lenguas y fronteras, y esto no deja de hacerse evidente en algunas de sus recurrentes iconografías arquitectónicas como los lugares de tránsito –escaleras y corredores–, que bien podrían remitirnos a una minoría dentro de un mundo ordenado por la dictadura de la mayoría. Una minoría que se resiste y acaba por rebelarse, surgiendo una vorágine de abstracciones geométricas, iconografías y líneas tumultuosas que rastrean migraciones y un universo de asociaciones; surge, en definitiva, la lucha y la guerra.

Sin embargo, si sometemos al análisis esas relaciones cotidianas, nos damos cuenta de que poseen una lógica, que responde a un tipo de racionalidad. Se despliegan así relaciones humanas que interactúan con el mundo construido y controlado, y sobre todo las subsiguientes resistencias, explosiones de revolución, que generan y “dibujan” nuevos espacios como motor de una Utopía.

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PÁGINAS 16-17 Highlife (or Graceland after C. Abani) • 2006 • Tinta y acrílico sobre lienzo • 183 x 244 cm •Cortesía carlier | gebauer, Berlin/DE y The Project, New York/US

PÁGINA 18Arcade • 2005 • Tinta y acrílico sobre lienzo • 214 x 305 cm • Colección Jaime Frankfurt, New York/US •Cortesía carlier | gebauer, Berlin/DE y The Project, New York/US • Fotografía de Sarah Rentz

PÁGINA 19Untitled (Stadia 2) • 2004 • Tinta y acrílico sobre lienzo • 275 x 366 cm • Collection Carnegie Museum of Art, Pittsburg; Gift of Jeanne Greenberg Rohatyn and Nicolas Roathyn and A. W. Mellon Acquisition Endowment Fund, 2004.50

PÁGINA 20-21Detalle de The Seven Acts of Mercy • 2004 • Tinta y acrílico sobre lienzo • 290 x 640 cm • Colección Dennis y Debra Scholl, Miami Beach, Fl/US • Cortesía carlier | gebauer, Berlin/DE y The Project, New York/US • Fotografía de Erma Estwick

«Creo que la arquitectura refleja las maquinaciones de la política, y por eso me interesa como metáfora de esas instituciones. No considero el lenguaje arquitectónico tan sólo como una metáfora del espacio. Se trata de espacio, pero de los espacios del poder, de las ideas del poder, de mimetizar esas ideas. Incluso ahora, los arquitectos que reciben muchos encargos no sólo están realizando trabajos interesantes sino que también están articulando nuestras estructuras y respondiendo al poder de un modo diferente.»

Extracto de la entrevista concedida por Julie Mehretu a Agustín Pérez Rubio para el catálogo de la exposición

«I think architecture reflects the machinations of politics, and that’s why I am interested in it as a metaphor for those institutions. I don’t think of architectural language as just a metaphor about space. It’s about space, but about spaces of power, about the ideas of power, about mimicking those ideas. Even now, architects who are getting a lot of commissions are not only making interesting work but they are also articulating our structures and responding to power in a different way.»Extract taken from the interview with Julie Mehretu conducted by Agustín Pérez Rubio for the exhibition catalogue

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MUSAC is holding the first solo exhibition in a European institution by Julie Mehretu, born in 1970 in the Ethiopian capital of Addis Ababa and currently living in the U.S. Under the title Black City, the show consists of more than twenty canvases of varying dimensions, almost half of which were produced recently. When considering Julie Mehretu’s pictorial universe, the creator’s biography must be kept in mind, for though it is not related linearly, her works can become authentic maps not only of her past but of her vital attitude toward the world. Cartographies arranged in successive layers of drawing and painting, reflections of contemporary history and shreds of the artist’s memory, where the surface, the present, becomes chaos, resistance, struggle, questioning and conflict, sustained by the order and reason of a past revisited from the perspective of time.

Drawing in this artist’s work acquires relevance and protagonism in the “construction” of her works, abstract in appearance only, with few precedents in the most recent history of painting. If we were to employ building terminology, drawing would be the “bearing walls” holding up Julie Mehretu’s work: a tool that could have its own life –his is how it was during certain periods of her career– but in her case delimit, sustain and above all, lay the foundations for the subsequent unfolding of the definitive work. With it, she investigates and rationalizes the painting.

The composition and treatment of this drawing draws from the most diverse sources most noteworthy among which are comics –especially Japanese manga, calligraphy and Chinese landscape art, illuminated Ethiopian books, graffiti and Baroque engraving, one of whose maximum exponents is Dürer’s production. Yet from among all these there is one that takes on special protagonism: architectural drawing.

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DANIEL VERBISmisojosentusojosderramándose

23 DE SEPTIEMBRE – 31 DE DICIEMBRE DE 2006SEPTEMBER 23RD – DECEMBER 31ST, 2006

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misojosentusojosderramándose nos aproxima al complejo universo creativo del artista leonés Daniel Verbis e incide en varios aspectos de su trabajo como la deconstrucción del lenguaje pictórico, la experimentación con materiales extrapictóricos y el cuestionamiento del soporte. A través de una gran instalación que ocupará dos salas consecutivas del MUSAC y un recorrido longitudinal y sinuoso que invita al espectador a sumergirse en una atmósfera cargada de estímulos, podrán verse dibujos sobre muro, esculturas, cajas de luz, cuadros y fotografías. El título de la muestra nos remite a una dialéctica formal y conceptual presente en toda la obra de Verbis, entre el ojo del espectador y la imagen pintada que le devuelve la mirada. El círculo, encarnación simbólica del ojo, constituye el eje conceptual y formal del proyecto.

Daniel Verbis (León, 1968) ha concebido desde siempre su obra como un proceso de investigación sobre los procedimientos materiales y formales de la pintura en primera instancia, y sobre los problemas del lenguaje en segundo término. No es de extrañar a este respecto su interés por artistas como René Magritte, cuyo trabajo constituye un verdadero tratado sobre los problemas de la representación y las relaciones entre el signo y el objeto.

A lo largo de la década de los noventa Daniel Verbis, muy interesado asimismo por los artistas conceptuales, va articulando sus proyectos en torno a vocablos, y buscando las relaciones sinestésicas entre fonética e imagen. Surgieron enseguida los dibujos sobre el muro que después se transformarán en pintura, una manera

PÁGINA 22-23Detalle de R-amo (Escultura esponjosa nº 3) •2005-06 • Resina de mármol • 40 x 30 x 30 cm

PÁGINA 24El pintor procurando sacar al carnicero puestodo hombre lleva dentro un niño • 2005-06 •Acrílico, madera, lona plástica y metal • 295 x 231 x 30 cm •Colección CAM de Arte Contemporáneo

PÁGINAS 25Vista de la instalación Amor muerto en la Galería Trinta,Santiago de Compostela • 2005 • Escultura de espuma yespacio forrado con papel de aluminio • Medidas variables

PÁGINA 26Ábrete • 2003 • Acrílico sobre lona plástica • 321 x 365 cm •Colección MUSAC

PÁGINA 27El artista destripacorazones abre las puertas y se da consuelo • 2004-05 • Acrílico, madera, lona plástica y metal •250 x 382 x 50 cm • Cortesía Galería Max Estrella, Madrid

DANIEL VERBISmisojosentusojosderramándose

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de expandirla en el espacio, desplazando, a la manera de Sol Le Witt, los estrechos márgenes del soporte convencional. Desde comienzos de la presente década su obra ha intensificado su exploración sobre los nuevos comportamientos de la pintura: desde su confección con materiales extrapictóricos como la plastilina, los botones o las hilaturas, hasta el cuestionamiento del soporte, intensificando la complejidad de la pintura sobre el muro mediante una formulación retórica y neobarroca que por una parte convierte en instalación, al generar una atmósfera envolvente, y por otra establece un dialéctica formal pero también conceptual entre el espectador y la imagen pintada que le devuelve la mirada. Pero junto a esta presencia esencial de lo analítico, el trabajo del Daniel Verbis contiene referencias permanentes a la realidad, con frecuencia a la suya propia: The Wedding in English, Acoge mi corazón, Tus (mis) ojos emboscados….

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El proyecto realizado para el MUSAC no se aleja de esta última orientación, tal como delata su título: misojosentusojosderamándose. Está concebido como un recorrido longitudinal y sinuoso al mismo tiempo, ya que el artista ha intensificado mediante la inserción de paneles la constante quiebra lineal propia de este espacio, ha abierto pequeñas mirillas que incentivan el deseo de mirar en un guiño duchampiano evidente, y ha creado alguna habitación para suscitar un cierto misterio. De manera que el espectador se sumerge en una atmósfera repleta de estímulos articulados en torno a una forma específica: el círculo, encarnación simbólica del ojo. Dicha forma constituye por tanto el eje conceptual y formal del proyecto: el círculo que se reproduce orgánicamente sobre el muro hasta ocuparlo completamente, lo que constituye el núcleo esencial de las pinturas que salpican el espacio, el que dispuesto sobre el piso parece el resultado de un choque y su posterior desparrame, el ojo vegetal o sea el nudo de un árbol que el artista ha fotografiado y ampliado hasta convertirlo en un observador impositivo y amenazador. Siguiendo una idea reiterada por el artista en los últimos años la caja espacial se convierte por tanto en un dispositivo simbólico de la mirada –Las paredes tienen ojos fue el título de otro de sus proyectos– en el que el espectador se ve inmerso y al que implícitamente da respuesta al establecer un reto que propicia un feed-back inacabable. El proyecto ensaya por tanto los mecanismos ópticos de la pintura; mecanismos que sólo cobran sentido al confrontarse con la mirada, y simultáneamente, convierte este hecho en metáfora de un acto humano cargado de lirismo.

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misojosentusojosderramándose takes us to the complex creative universe of Daniel Verbis (León, 1968). It focuses on several aspects of his work, such as the deconstruction of pictorial language, experimentation with extra-pictorial materials, and his questioning of the pictorial support. A large-scale installation occupying two consecutive halls of the MUSAC, with a winding, longitudinal route that encourages spectators to become immersed in an atmosphere charged with stimuli, will enable them to view wall drawings, sculptures, light boxes, pictures and photographs.

The artist has always conceived his work as an investigation process dealing, first of all, with the material and formal procedures of painting, and secondly, with language problems. He inquired into the synesthetic relations between phonetics and image, combining showcase presentations of objects and drawings with interventions in the exhibition space. Wall drawings immediately emerged, which would later be transformed into painting, a way of expanding it in space, replacing, in a manner that recalls Sol LeWitt’s oeuvre, the narrow margins of conventional frames. Since the early 2000s, his work has shown an even deeper exploration of new painting behaviours: from his use of extra-pictorial materials such as clay, buttons or threads to his questioning of the pictorial support, readdressing issues already raised by the Support-Surface painters in the 1970s, or intensifying the complexity of wall painting through a rhetorical, neo-baroque formulation, which, on the one hand, becomes an installation by generating an enveloping atmosphere.

The title of the show misojosentusojosderramandose (myeyesspillingintoyours) brings to mind a formal and conceptual dialectic that is present in Verbis’s entire oeuvre: between the spectator’s eye and the painted image staring back. The circle, symbol of the eye, is the conceptual and formal focus of the project. Following an idea reiterated by the artist in recent years, the spatial box thus becomes a symbolic device for gazing in which the spectator is completely involved and which he or she implicitly responds to once a challenge is posed that is conducive to non-stop feedback.

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FELICIDAD MORENOhipnÓptico

23 DE SEPTIEMBRE - 31 DE DICIEMBRE, 2006SEPTEMBER 23RD - DECEMBER 31ST, 2006

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El trabajo de Felicidad Moreno se centra, desde mediados de los años ochenta, en el uso de la pintura y en el objeto cuadro como soporte. Cuadros en los que utiliza un lenguaje propio, alejándose de la representación figurativa de los primeros años, para, en esta exposición, experimentar abandonando toda referencia y centrándose en el propio acto creativo en el que los colores y las formas circulares se entremezclan en una especie de juego óptico que queda plasmado sobre unas enormes lonas. Bajo el título de hipnÓptico, juego de palabras que evoca conceptos como la hipnosis, la óptica o el sonido, Felicidad Moreno ha creado una instalación específica para el MUSAC compuesta por una serie de impresiones digitales de gran formato, así como proyecciones de luz y láser en las que profundiza en el lenguaje pictórico llevándolo a sus máximas posibilidades expresivas. A través de estos elementos, la artista plantea una serie de reflexiones sobre la luz y el color.

La artista experimenta por primera vez con nuevos materiales y técnicas que, alejados aparentemente de la materia pictórica, conservan el uso de este lenguaje, basado en la utilización de distintas tecnologías como la instalación lumínica, creada mediante focos. Evidenciando la continua línea de investigación que viene manteniendo Felicidad Moreno a lo largo de toda su trayectoria. Más de una decena de obras estampadas digitalmente sobre lona nos conducen por el personal universo de Felicidad Moreno. A través de grandes círculos cromáticos, motivos zoomórficos, espirales, elementos botánicos, etc., construye una percepción lumínica caleidoscópica, que, a su vez, unifica los lenguajes pictórico y óptico.

La biblioteca del museo acogerá, con motivo de esta muestra, obras de la artista pertenecientes a la Colección MUSAC.

FELICIDAD MORENOhipnÓptico

PÁGINAS 28-29Detalle de hipnÓptico 006 • 2006 • Impresión digital sobre lona en bastidor • 250 x 200 cm •Cortesía de la artista y Galería Distrito 4, Madrid

PÁGINA 30hipnÓptico 001 • 2006 •Impresión digital sobre lona en bastidor • 250 x 200 cm •Cortesía de la artista y Galería Distrito 4, Madrid

PÁGINA 31hipnÓptico 003 • 2006 •Impresión digital sobre lona en bastidor • 250 x 200 cm •Cortesía de la artista y Galería Distrito 4, Madrid

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With the title hipnÓptico, a play on words that brings to mind such concepts as hypnosis, optics and sound, Felicidad Moreno has created a specific installation for the MUSAC, made up of some large-size digital prints as well as light and laser projections –including some works showed.at the museum library.–, where she examines her pictorial language, taking it to its utmost expressive possibilities. Since the mid-1980s, Felicidad Moreno’s work has focused on the use of painting and on the picture as a display prop. Pictures in which she uses a language of her own, thus shifting from the figurative representation of her early years to experimentation with forms. At this exhibition, she abandons all references and turns her attention to the creative act itself, in which colours and circular shapes blend in a sort of optic game played on huge canvases. Essential aspects of pictorial technique, like light and colour, become the main subject of the proposal the artist presents at the MUSAC.

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EXPOSICIONES

MUNTEAN/ROSENBLUMMake death listen (Haz que la muerte escuche)23 DE SEPTIEMBRE, 2006 - 7 DE ENER0, 2007

COMISARIO Agustín Pérez Rubio • COORDINACIÓN Carlos Ordás • TEXTOS Carlos Ordás

JULIE MEHRETUBlack City23 DE SEPTIEMBRE, 2006 - 7 DE ENER0, 2007

COMISARIO Agustín Pérez Rubio • COORDINACIÓN Marta Gerveno • TEXTOS Agustín Pérez Rubio y Julie Mehretu

DANIEL VERBISmisojosentusojosderramándose23 DE SEPTIEMBRE - 31 DE DICIEMBRE, 2006

COMISARIO Javier Hernando • COORDINACIÓN Eduardo García Nieto, Helena López Camacho y Tania Pardo • TEXTOS Javier Hernando

FELICIDAD MORENOhipnÓptico23 DE SEPTIEMBRE - 31 DE DICIEMBRE, 2006

COMISARIADO Y COORDINACIÓN Tania Pardo • TEXTOS Tania Pardo

LABORATORIO 987PHILIPP FRÖLICHExvoto. Where Is Nikki Black?23 DE SEPTIEMBRE - 19 DE NOVIEMBRE, 2006

PAULINE FONDEVILANovember Song25 DE NOVIEMBRE, 2006 - 7 DE ENERO, 2007

COMISARIADO Y COORDINACIÓN Tania Pardo • TEXTOS Tania Pardo

© MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León© DE LOS TEXTOS: sus autores

EDITA

MUSACCOORDINACIÓN EDITORIAL

Carlos OrdásPROYECTO GRÁFICO

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LE-1603-2006