Guitarra y música rev2014

Guitarra y música. 1

Guitarra y música

Conceptos introductorios para el modulo básico del taller de música de la Universidad Don Bosco

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Desarrollado por: Aaron Meléndez

Diciembre 2004

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Departamento de Arte y Cultura

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Revisión octubre 2014

[email protected]


Prefacio.

Si bien, este corto y rustico manual, quizás no llene las exigencias de un

guitarrista experimentado y con ansias de ritmo… fue mi primer escrito sobre el tema; a mis 17 años; siendo un recopilatorio de las lecciones preparadas por mis jóvenes manos para cumplir con las obligaciones académicas de

aventurarme en el reto de enseñar música.

No garantizo aprender; pero siento importante compartir el conocimiento; y este texto, es mi visión particular de la música. De cómo la percibo, como la

aprendí, como la practico (o practique); y de mis propias conclusiones a partir de mi dolorosa experimentación personal en el área.

Pido mil disculpas si el texto tiene errores musicales. Era un jovencito; en el

glorioso 2004. Ahora en 2014; las ganas de tocar me han abandonado.

Con especial agradecimiento a Beatriz Nájera, y Norma Cortez; quienes depositaron su confianza en mí para desarrollar este proyecto.


Lección 1 Reconocimiento de la guitarra. Objetivo: Conocer e identificar la forma y postura de la guitarra, además de su

historia y sus tipos.

Breve historia de la música

En la prehistoria humana, según estudios, fue el origen de ritmos musicales

monofónicos. La música, desde la antigüedad, siempre ha sido asociada con la

divinidad, por ejemplo la cultura egipcia se pensaba que los dioses se expresaban a

través del canto. Con la cultura Persa se desarrolló la danza e instrumentos de

percusión y viento.

Ello fue base para la incursión en el ordenamiento de la música en el medio oriente en

donde los tonos básicos musicales, fueron catalogados como 4 sonidos en 8 modos.

La antigua Grecia florecía en el canto y el arpa, resultado de narrar historias con

ritmos musicales, de allí las tragedias y las comedias, En oriente se establecían cantos

y melodías de carácter religioso como los Salmos de David

Con las guerras, saqueos y pobrezas, se abandonó el interés por la música y se

convirtió en lujo de ricos; los países bajos en cambio mejoraban sus técnicas, lo que

ya hacía evidente la música regional.

En el renacimiento, se retomaron las artes, se buscó perfeccionar el arte musical y

nació la música de sinfonía y la mejora de muchos instrumentos

Cada parte del mundo tenía sus propios sonidos característicos, con el descubrimiento

de América también se descubrió las artes precolombinas, en donde la música era

parte esencial de ritos

Como en el renacimiento todavía predominaba el interés religioso se aceptó la música

a cantos de iglesias, de ahí que la escala musical haya surgido del himno de San Juan

Bautista. En la edad moderna se organizo “universalmente” la música, asignando 7

tonos y 5 semitonos, en diferentes entonaciones.

En la edad contemporánea se difundió el arte pop y nuevos ritmos muy diferentes

unos de otros; junto con la mejora de instrumentos. Se perfeccionó la teoría de los

tonos a través de comprobaciones científicas, modernas, acertadas. Desde la

prehistoria, hasta la actualidad la música es parte de la humanidad y viceversa.

Descripción y nomenclatura de los componentes de la guitarra y postura

adecuada

La guitarra es un instrumento de música perteneciente a la familia de cuerdas y se

ubica en el grupo de rasgueo. Se dice que la guitarra es originaria de Europa,

específicamente en España y Portugal; la guitarra es el instrumento más difundido en

el mundo.

La guitarra acústica clásica popular posee 6 cuerdas de diferente diámetro, la primera

cuerda se reconoce por ser la más delgada; y debidamente afinada, es la que suena

más aguda, le sigue la segunda cuerda, la tercera, que a diferencia de la primera cada

una es más gruesa de diámetro y suena más grave. Éste conjunto forma las cuerdas

armónicas (1, 2, 3).


Posteriormente la cuarta y quinta cuerda, que por obviedad, son más gruesas y

graves. Por ultimo, la sexta cuerda, la cual es la más grave y la más gruesa. Éstas

ultimas tres cuerdas forman las cuerdas de bajo (4, 5, 6)

La guitarra posee una caja sonora, la que provoca los tonos al interactuar (tocar) con

ella; posee un mástil en el cual se sostienen las cuerdas y se ubican los trastes. En la

parte superior del mástil están las clavijas, las cuales tensionan las cuerdas, justo al

inicio del mástil esta la cejilla superior y justo por debajo de la boca de la caja está la

cejilla inferior. Estas cejillas suspenden de las cuerdas.

Su forma y sus principales partes son:

Figura 1.1

Entre la cejilla superior y la caja se ubican unas barritas, cuyos espacios se les

nombra: trastes, los cuales son 12. Los demás trastes varían en número. El promedio

de trastes en una acústica clásica popular es de 19 trastes, aunque, en otras

modificaciones puede llegar hasta 24.

Al conjunto de trastes se les conoce como: diapasón. Desde el primer traste (contando

desde la cejilla superior) hasta el noveno traste se les conoce como: superiores y en

los trastes del 9 al 12 son los trastes medios; desde el 12 al 19 son los trastes

inferiores.

La postura adecuada para tocar guitarra es con la espalda recta, manos firmes. La

mano de trasteo, su pulgar no debe estar a la vista y hay que apoyar la guitarra en

una pierna, de preferencia un poco levantada.

La mano de trasteo es con la que se pisan los trastes y la mano de rasgueo con la que

se tocan las cuerdas.

Los modelos o tipos de guitarra mas usados en el mundo, surgieron debido a

exigencias musicales, sobre todo culturales, en donde se necesitaba un sonido

característico para cada ritmo. Dichas guitarras son las siguientes:


La Guitarra Clásica.

La guitarra convencional de seis cuerdas tuvo su origen en Italia a

finales del siglo XVIII, se supone que fue diseñada y construida

por el español Antonio de Torres Jurado en el siglo XIX. Y desde

aquel entonces, dicho diseño no tuvo muchos cambios. La guitarra

clásica es la antecesora de todas las guitarras actuales. Las

guitarras clásicas se siguen construyendo casi exactamente a la

manera de Torres, la figura más importante en la historia del

diseño y construcción de guitarras. Es la guitarra ideal para

empezar a tocar. No obstante fue Andrés Segovia el máximo

responsable de la aceptación de la guitarra como instrumento

clásico. Figura 1.2

La Guitarra Flamenca.

Su diseño se basa en la forma de la guitarra clásica, con

modificaciones para adaptarla a los requisitos del flamenco, por

razones sonoras de percepción. La guitarra de flamenco suele ser

un poco más pequeña que la clásica, y los aros y el fondo son de

ciprés español para producir un sonido más brillante y penetrante,

con mayor volumen.

Figura 1.3

La Guitarra de Tapa Plana Acústica.

Fue C. F. Martín un luthier alemán asentado en América el primero

en comercializar este tipo de guitarras que ha sufrido muy pocos

cambios a lo largo de los años, fueron las primeras en utilizar

cuerdas metálicas, y siguen siendo muy empleadas por los

interpretes de country y rock. Sus características sonoras consisten

en sonar más libre y ligera que la guitarra clásica.

Figura 1.4


La Guitarra de Tapa Arqueada

Orville Gibson que había estudiado el modo en que se diseñaban

los violines, fue el impulsor de la tapa arqueada, en estos

instrumentos la caja de resonancia es curvada en vez de plana.

Tradicionalmente, la tapa y el fondo de una guitarra arqueada se

hacen tallando piezas de madera bastante gruesas y sólidas, una

técnica que permite un mayor arqueamiento. El modelo de la foto

es una Gibson L-5 de 1946 y fue la primera guitarra con agujeros

en forma de "f".

Dicha guitarra pretendía asemejarse al tono y claridad del violín, el

cual es un instrumento muy apreciado por su elegancia y precisión. Figura 1.5

Preguntas de estudio: -Describa a la guitarra

-¿Que partes considera fundamentales en la guitarra?

-¿Cómo debe ser la postura correcta del cuerpo al tocar guitarra?

-¿Cuál es la diferencia sonora entre los diferentes tipos de guitarras?

Ejercicios de aprendizaje:

Ejercicio #1

Con la mano de trasteo, colocar desde el dedo índice hasta el meñique, en el

orden: índice, medio, anular y meñique sobre los trastes 1, 2, 3 y 4

respectivamente, sobre los trastes superiores en la primera cuerda y bajar hasta

los trastes medios ejecutando el mismo orden, un traste mas abajo. Completada

la secuencia, seguir con la siguiente cuerda.

Ejercicio #2

Con la mano de trasteo, hacer algo similar que el ejercicio #1, con la diferencia

que al poner los dedos de los primeros 4 trastes en la primera cuerda, se siguen

con los 4 primeros trastes de la cuerda superior al llegar a la sexta cuerda,

empezar de nuevo desde la primera cuerda pero ahora un traste más abajo.

Ejercicio #3

Con la mano de trasteo, colocar desde el dedo meñique hasta el dedo índice en

los trastes medios y subir hasta los trastes superiores, colocando primero el

meñique, luego el anular, luego el medio y por ultimo el índice, sobre los trastes

12, 11, 10 y 9 respectivamente. Una vez realizado, volver a efectuarlo, pero

ahora un traste más arriba. Completada la secuencia; seguir con las demás

cuerdas.

Ejercicio #4

Combinar primero el ejercicio #1, al llegar a los trastes medios, ejecutar el

ejercicio #3. Ello en la primera cuerda; terminada la secuencia; seguir con las

demás cuerdas.


Lección 2 Movimientos básicos. Objetivo: Comenzar el adiestramiento y flexibilización de muñecas y dedos.

Descripción de los movimientos de la mano de rasgueo. La mano de rasgueo (derecha para diestros, izquierda para zurdos) cumple una

función muy elemental. La mano de rasgueo se mueve de arriba hacia abajo, con

movimientos de muñeca, no debe moverse de izquierda a derecha. El brazo sólo se

mueve lo necesario. Los dedos jalan las cuerdas hacia arriba si es estilo clásico, pero

si es arpegiado, de arriba hacia abajo.

Lleva un poco de tiempo dominar y perfeccionar los movimientos de la mano de

rasgueo, pero se llega a la meta a través de la practica.

Tenga en cuenta que al aprender a tocar debidamente la guitarra hay que hacerlo con

toda la responsabilidad y disciplina, lo cual conlleva a que para tocar bien, no hay que

usar uñeta, sino únicamente los dedos; pues así ganara experiencia y habilidades.


Ejercicio #5

Con la mano de rasgueo, tocar 4 veces con los dedos índice y medio (primero el

índice, luego el medio, de nuevo el índice y por ultimo el medio) cada cuerda,

desde la primera hasta la sexta cuerda

Ejercicio #6

Realizar el ejercicio #5 pero con los dedos medio y anular

Ejercicio #7

Tocar la segunda, tercera y cuarta cuerda con los dedos anular medio e índice

respectivamente, en el orden: índice, medio, anular, medio, índice;

repetidamente, en el ritmo deseado.

Ejercicio #8

Tocar 4 veces desde la primera hasta la sexta cuerda, con los dedos índice y

anular, donde se toca primero con el índice, luego con el medio, luego el índice y

por ultimo el medio.

Ejercicio #9

Tocar con el pulgar la quinta cuerda y luego la cuarta, tercera y segunda cuerda

con los dedos: índice, medio y anular en ese mismo orden respectivamente.

Repetir otra vez pero ahora el pulgar toca la sexta cuerda. Repetir este círculo

cuantas veces lo requiera.


Lección 3 Movimientos básicos. Objetivo: Aprender a dominar movimientos básicos de destreza.

Importancia de los ejercicios de práctica. Los ejercicios de práctica sirven para adiestrar, flexibilizar, dominar y fortalecer los

dedos y manos. Ello es útil cuando se empiece a utilizar acordes o se incursione en

estilos musicales que requieren gran flexibilidad y dominio, como el estilo clásico el

andaluz e inclusive el rock, ya que se necesitan muñecas fuertes y dedos flexibles.

Solo imagínese, que tuviera que tocar en una presentación una hora, pero usted no

tiene la destreza ni la resistencia ni para una canción, es por ello que hay que

empezar ahora con el adiestramiento.


Ejercicio #10

Combinar y coordinar el ejercicio #4 con el ejercicio #5.

Ejercicio #11


Ejercicio #12



Lección 4 Movimientos avanzados. Objetivo: Adiestrar los dedos y agilizar los movimientos.


Ejercicio #13

Similar al ejercicio # 1 y #2, lo único que al poner los dedos índice, medio, anular y

meñique de la mano de trasteo en los primeros trastes de la primera cuerda, se

sigue inmediatamente con la siguiente cuerda un traste más abajo.

Ejercicio #14

Similar al ejercicio #2, pero ahora desde los trastes medios hasta los superiores,

comenzando desde la sexta hasta la primera cuerda.

Ejercicio #15

Similar al ejercicio #2, pero ahora desde la sexta hasta la primera cuerda.

Ejercicio #16

Ejecutar el ejercicio #14, tocando con la mano de rasgueo, con los dedos índice y

medio.

Ejercicio #17

Ejecutar el ejercicio #14, tocando con la mano de rasgueo con loa dedos índice,

medio y anular.


Lección 5 Movimientos avanzados. Objetivo: Adiestrar los dedos y muñecas para situaciones de resistencia.


Ejercicio #18

Combinar el ejercicio #13 con el ejercicio #5

Ejercicio #19

Rasguear la primera cuerda con el dedo anular; la segunda con el dedo medio, la

tercera cuerda con el dedo índice, en el orden anular, medio, índice, en el ritmo

preferido; realizar lo mismo subiendo una cuerda.

Ejercicio #20

Realizar lo mismo que el ejercicio #19, pero ahora desde la sexta hasta la primera

cuerda

Ejercicio #21

Tocar con el dedo pulgar la quinta cuerda. Luego con los dedos: índice, medio y

anular; tocar la cuarta, tercera y segunda cuerda, respectivamente en el orden:

índice, medio y anular; luego tocar con el pulgar la sexta cuerda. Realizar después

los mismos pasos, pero ahora los dedos: índice, medio y anular, tocan; la tercera,

segunda y primera cuerda

Repetir este círculo cuantas veces lo requiera.

Ejercicio #22

Tocar con el dedo pulgar la quinta cuerda, luego con la mano de trasteo ejecutar el

ejercicio #1, al mismo tiempo llevar la secuencia con los dedos: índice, medio,

anular y meñique; con la mano de rasgueo. Completando los primeros 4 trastes,

tocar con el pulgar la sexta cuerda, y seguir tocando con la mano de trasteo y de

rasgueo en la misma coordinación. Empezar desde la primera hasta la sexta

cuerda.


Lección 6 Introducción al sistema americano. Objetivo: identificar y conocer las notas y acordes en el lenguaje castellano y

sistema americano

Notas en lenguaje castellano. La escala musical moderna, tiene como base los intentos de sistematización de

antiguas civilizaciones. Pero hasta el renacimiento se reorganizó y se estructuró la

música en base a tres criterios básicos: ritmo, armonía y melodía, en los cuales la

música actual apoya sus creaciones.

La escala musical sufre algunas variaciones, del idioma dependiendo del lugar, auque

en occidente suele utilizarse una escala llamada diatonica.

La escala musical diatonica surge como las primeras sílabas de los versos del himno

de san Juan Bautista: UT, RE, MI, FA, SOL, LA, las cuales entonaban exactamente en

las notas musicales que componen la escala. Ut queant laxis Resonare libris

Mira gestorum Famuli tuorum Solve polluti

Labii reatum Sancte Joannes

Domine

Figura 6.1

Con el perfeccionamiento de las técnicas y los estudios avanzados de los tonos se

llegó a la escala moderna, más aceptada en el mundo: DO, RE, MI, FA, SOL, LA, SI.

“Do” sustituye a “ut”, ya que es masadecuada porque termina en vocal y se

complemento la secuencia con el semitono “Si”, provocando así una uniformidad de

tonos, clave para la transposición y experimentos físicos, ello en atribuido al

compositor francés Le Maire Notas en el Sistema Americano. El método más usado para la identificación de notas es: el sistema americano

(conocido también como cifrados), el cual representa con letras y números las notas

musicales. Utiliza también símbolos especiales para la representación de las

variaciones de una nota.

Sistema Americano A B C D E F G

Escala musical La Si Do Re Mi Fa Sol

El sistema americano toma como base la nota La en el conteo, representándola con la

letra “A”, las demás notas siguen la secuencia del alfabeto, hasta la nota “Sol”, donde

inmediatamente está la nota La.


Existen otros sistemas como el numérico, que asigna números específicos a las notas

y a sus variaciones, pero por su complejidad, solo trataremos el sistema americano

por ser el más usado.

Bemol y Sostenido. Hay que recalcar antes que nada la diferencia entre una nota y un acorde.

Acorde: combinación de frecuencias (ó notas) que al complementarse, crean un

sonido que cumple con las características básicas de una nota.

Nota: es un tono natural, no resultado de combinación. Lo llamaremos tonos puros a

dichas notas.

Tono: es un sonido característico, con frecuencia precisa. La tonalidad media entre

tonos se llama semitono o sobre-tono.

Estos semitonos se ubican en un lugar estratégico de la escala musical, y son llamados

sostenidos ó bemoles. Si en una escala musical que va desde el tono más grave,

hasta el más agudo, el semitono es sostenido. Caso contrario en la escala se va desde

el tono más agudo al más grave, es bemol.

En el sistema americano se representan de la siguiente manera:

Sostenidos……………. #

Bemol………………… b

Su ubicación en la escala musical es:

Los semitonos toman el valor de su nota antecesora, ya sea

ascendente ó descendente

Hay que tomar muy en cuenta que entre “Mi - Fa” y “Si y

Do” no existen semitonos.

Es necesario que el aprendiz, repita varias veces la escala

música, al derecho y al revés, para facilitarle su

comprensión escalar.

Tenga en cuenta, que en una escala musical, C es más

grave que todas las demás notas, entonces B es la nota más

aguda, mientras las demás notas se mantienen en esa

secuencia de grave a agudo o viceversa.

Figura 6.2

Variaciones de una nota. Una escala musical de Do a Si (C a B) es conocida como una octava. La secuencia más

usual para representar octavas es con números, indicando si es grave, media ó aguda

la escala.

C3, D3, E3, F3, G3, A3, B3, C4, D4, E4, F4, G4, A4, B4, C5, D5, E5, F5, G5, A5, B5

Esta es la secuencia de octavas más usadas, perteneciente a la escala de tonos puros.

La secuencia de C4 y B4 generalmente en sistema americano, se escribe sin número

(C -B), ya que es la octava más usada.


Mientas mas alto sea el número, es más aguda la nota, ya que por ejemplo, C3 es un

tono grave, entonces D3 es un poco más aguda que C3, y E3 es un poco más aguda

que D3.entonces la nota y el número indican una altura, que es la relación entre lo

agudo y lo grave.

Tenga presente que existe octavas para clasificar acordes y octavas de tonos puros.

Entonaciones de un acorde. Los acordes presentan ciertas variaciones en su sonido, de entre las cuales las más

usadas son las siguientes:

Mayor: es la entonación natural de los acordes. Suena generalmente alegre.

Menor: es una entonación grave de un acorde (pero en su misma octava) que da la

sensación de tristeza. Se representa con la letra “m” minúscula.

Cuando una nota no tiene sufijo de entonación, debe entenderse que el acorde es

mayor.

Suspendida: es la entonación hacia lo agudo de un acorde (pero en su misma octava),

que da la sensación de exaltación. Se representa con el sufijo “Sus”

Séptima: no es precisamente una entonación más bien es la séptima octava (en tonos

graves) y se complementa con la cuarta octava. Es una percepción más grave de una

nota. Se estudiará la séptima por ser muy usada, a pesar de no ser una entonación

directa se representa con un “7”.

Todas estas entonaciones aplican en cualquier tono y semitono.

Posición de Re, La, Mi y Do Ahora se verán las posiciones de los acordes más indispensables.

Re mayor

La mayor

Mi mayor

Do mayor Figura 6.3

Realizar una pequeña práctica con estos acordes.

Posición de Re menor, La menor, Mi menor y Do menor.

Re menor

La menor

Mi menor

Do menor

Figura 6.4



Posición de Re Sus, La Sus, Mi Sus y Do Sus.

Re Sus

La Sus

Mi Sus

Do Sus

Figura 6.5


Posición de Re 7, La 7, Mi 7 y Do 7.

Re 7

La 7

Mi 7

Do 7

Figura 6.6


Diferencia entre mayor, menor, suspendido y séptima. Como ya se dijo, menor es una leve entonación aguda con una percepción triste.

Mayor es una entonación idealmente natural que suena alegre.

El suspendido es una entonación con percepción de entusiasmo.

Séptima es una octava, perteneciente al tercer grupo de octavas, en donde están los

tonos graves.

Todos estos, no alteran son básicamente un acorde, ya que se ubican en la misma

octava, con la diferencia en su entonación lo que varia su percepción.

Otros acordes. Existen además otros acordes, los cuales llamaremos absoluto por su forma y

entonación. Dichos acordes, el más popular es Sol y Sol 7, los cuales lo

diferenciaremos con el sufijo “bis”.

Sol bis

Sol 7 bis Figura 6.7


Orden de la escala musical. Una secuencia de tonos desde el más grave hasta el más agudo, teóricamente es

infinita, pero como sólo un pequeño grupo de tonos son percibidos por el oído

humano, se suelen clasificar como octavas; las cuales se dividen en grupos (para

simplificarlos más) y se crean entonaciones para cumplir con ciertas exigencias y

reducir más la cantidad de tonos y obtener una secuencia de sonidos de graves,

medios y agudos.

A dicha secuencia, la más usual y aceptada, en el método musical cromático es:

C C# D D# E F F# G G# A A# B C

Preguntas de estudio:

-¿Qué es una escala musical?

-¿Cuál es la diferencia entre una nota pura y un acorde?

-Explique las principales entonaciones que presenta un acorde

-¿Qué es un semitono?

-¿Cuál es la diferencia entre sostenido y bemol?

-mencione los principales acordes en una guitarra


Ejercicio # 23

Tocar los acordes D, A, E, C. Repetir este círculo cuantas veces lo requiera en ese

orden, en el ritmo deseado.(figura 6.3)

Ejercicio #24

Practicar las posiciones de Do y Sol bis, en ese círculo en el ritmo deseado.

(figura 6.3 y figura 6.7)

Ejercicio #25

Practicar las posiciones de Do7 y Sol 7 bis, en ese círculo en el ritmo deseado.

(Figuras 6.4 y figuras 6.7).


Lección 7 Introducción al sistema americano. Objetivo: Que el alumno identifique el origen de los acordes a escala conocidos

como tendidos, basándose en la escala musical básica.

Orden de una escala música. Hay que recordar que en una escala de grave a agudo, existen semitonos entre las

notas a excepción de E-F y B-C; donde no existen. Toman los semitonos el nombre de

sostenidos en una secuencia de grave a agudo:

C, C#, D, D#, E, F, F#, G, G#, A, A#, B, C.

En una escala de agudo a grave los semitonos toman el valor de bemol:

C, B, Bb, A, Ab, G, Gb, F, E, Eb, D, Db, C.

Bemol y sostenido. Los semitonos son sostenidos o bemoles. Si una cuerda está entonada en Mi, si se

baja un traste, automáticamente en el semitono siguiente o tono; en este caso es Fa,

si se baja otro traste, el sonido será Fa#. Lo mismo ocurre en bemol. Si se sube un

traste el sonido baja un semitono ó tono automáticamente. Cuando se baja un traste

(de trastes superiores a inferiores), sube la nota; Cuando se sube un traste (de

trastes inferiores a superiores), baja la nota.

Tendidos en Re Si se realiza el siguiente acorde Re y se toma en cuenta la posición de los dedos. Si

con el dedo índice se pisa todas las cuerdas en el primer traste y se bajan un traste

los demás dedos se obtiene Re#, es decir, un semitono más alto; si se sigue bajando,

se obtendrá siempre un semitono más alto.

Re

Re# / Mib

Mi

Fa Figura 7.1

Teniendo cuidado que por ejemplo, este acorde de Mi, es mas agudo que el otro

acorde de mi, descrito en la lección anterior.


Tendidos en Re menor. Al igual que en el punto anterior. Si se coloca el dedo índice como cejilla y se baja de

traste, se sube de tono.

Re menor

Re# /Mib menor

Mi menor

Fa menor

Figura 7.2

Tendidos en Re7. Al igual que los puntos anteriores. Si al acorde de D7 se utiliza el índice de cejilla y se

baja de traste, se sube de semitono.

Re 7

Re #7

Mi 7 ó Mi7

Fa 7 ó Fa 7

Figura 7.3

Ineficacia de los tendidos en Re y sus variaciones. Estos tendidos son la base para la teoría de octavas de acordes, a pesar que estos se

prefieren tocar con acordes equivalentes.

Estos acordes casi no se usan, debido a la dificultad de realizarlos y por lo

extremadamente agudos. A pesar de ello es necesario conocerlos, ya que en algún

momento podrían ser usados.

Tendidos en La. Si se realiza el acorde de A y de utiliza dedo índice como cejilla y se baja los demás

dedos un traste se obtiene un semitono más alto; si sucesivamente se sigue subiendo

de tono si se bajan de uno en uno de trastes.

La 4

La# /Sib

Si

Do

Figura 7.4


Tendidos en Am. Al igual que en el punto anterior. Si se sube un tono será A#m, si se sube otro tono

será Bm, etc.

La menor

La# / Sib menor

Si menor

Do menor

Figura 7.5

Tendidos en A7. Al igual que los puntos anteriores, si se sube un semitono, sube la nota.

La 7

La# / Sib 7

Si 7

Do7

Figura 7.6

Tendidos en E. Si al realizar el acorde de E se bajasen un traste más los dedos y se pusiera el dedo

índice sobre el primer traste en todas las cuerdas como cejilla, se obtendrá F; si se

sigue bajando se tendrá F#, etc.

Mi 4

Fa 4

Fa# / Sol b 4

Sol 4

Figura 7.7


Tendidos en Em. Si al realizar el punto anterior, pero ahora con Em, se subirá el tono.

Mi menor

Fa menor

Fa# / Solb

menor

Sol menor

Figura 7.8

Tendidos en E7. Cabe mencionar que el acorde más melódico de E7 séptima es:

Pero en situaciones en que se necesite mayor velocidad ó

precisión puede sustituirse por este acorde (ver figura 7.10),

la cual es la base para los tendidos de este acorde.

Figura 7.9

Mi 7

Fa7

Fa# / Solb 7

Sol7

Figura 7.10


-¿Qué es un acorde?

-¿A que se refiere los acordes tendidos o a escala?

-Explique en que forma un acorde puede aumentar o disminuir su agudeza.

-¿Cuáles son los tendidos de los principales acordes?

-¿Qué orden presentan los tendidos en la escala musical?

Mi 7



Ejercicio #26.

Practicar los acordes a escala de D5 en base a sostenidos.

Ejercicio #27.

Practicar los acordes a escala de Dm5 en base a sostenidos.

Ejercicio #28.

Practicar los acordes a escala de D8 en base a sostenidos.

Ejercicio #29.

Practicar los acordes a escala en A en base a sostenidos.

Ejercicio #30.

Practicar los acordes a escala en Am en base a sostenidos.

Ejercicio #31.

Practicar los acordes a escala en A7 en base a sostenidos

Ejercicio #32.

Practicar los acordes a escala en E en base a sostenidos.

Ejercicio #33.

Practicar los acordes a escala en Em en base a sostenidos.

Ejercicio #34.

Practicar los acordes a escala en E7 en base a sostenidos.


Lección 8 Introducción a octavas. Objetivo: Identificar y comprender la organización de una nota, en cuanto a su altura, y la organización de los acordes recibe en el rango de los tres grupos de octavas.

Diferencia entre nota y acorde. Hay que recordar que es una nota y su diferencia de un acorde.

Una nota ideal es un tono natural ó puro causado por un solo cuerpo. Por ejemplo,

cuando se toca una cuerda.

Un acorde es la combinación de tonos naturales, cuyo resultado es un sonido similar

alo de una nota.

Escala musical básica. Como ya se dijo, una escala musical de C a B se le conoce como octava.

Octava: serie diatónica en que se incluyen las siete notas de una escala musical.

La escala básica es: C, D, E, F, G, A, B.

Incluyendo los semitonos, en una octava existen 12 sonidos, lo cual compone la serie

cromática.

Bemol y sostenido. Es necesario repasar los bemoles y los sostenidos.

Cuando en una secuencia de notas, vamos desde los sonidos mas graves hacia los

más agudos, la secuencia será en sostenido (#):

C C# D D# E F F# G G# A A# B

Cuando llevamos una secuencia de tonos del más agudo hacia el más grave, entonces

usaremos los bemoles (b).

B Bb A Ab G Gb F E Eb D Db C

Recordamos además, que dichos bemoles y sostenidos se aplican a los semitonos y

toman el valor de su nota antecesora, y que además, entre E-F y B-C no existen

semitonos.

Octavas de tonos puros. Los tonos puros llevan una misma secuencia y se organizan en un solo grupo,

subdividiéndose en octavas.

Los tonos puros más graves son los de la primera octava, los tonos más agudos son

los de la octava 8.

Recordemos que en una secuencia normal:

C D E F G A B C

Se repite dos veces C. El C del principio es la nota más grave de la octava, el C final

es el doble de agudo que el C del principio, pero como en una octava no pueden existir

notas de misma nomenclatura, el C del final pertenece a una nueva octava, más

aguda que la anterior.


Para ello se suelen utilizar números, que identifican las octavas. Tales números son 1,

2, 3, 4, 5, 6, 7 y 8, de los cuales mientras más menor sea el número, es más grave la

octava, mientras más alto sea el número, es más aguda la octava.

La octava anterior, representada correctamente desde el tono mas grave seria:

C1 D1 E1 F1 G1 A1 B1 C2

Quedando toda la secuencia de tonos puros así:

Octava Secuencia Descripción.

1 C1 D1 E1 F1 G1 A1 B1 Lo más grave.

2 C2 D2 E2 F2 G2 A2 B2 Lo grave.

3 C3 D3 E3 F3 G3 A3 B3 Un poco grave.

4 C4 D4 E4 F4 G4 A4 B4 Medio.

5 C5 D5 E5 F5 G5 A5 B5 Un poco agudo.

6 C6 D6 E6 F6 G6 A6 B6 Lo agudo.

7 C7 D7 E7 F7 G7 A7 B7 Lo más agudo.

8 C8 D8 E8 F8 G8 A8 B8 Extremadamente agudo. Figura 8.1

En pocas palabras, cuando le hablen de la octava uno piense en instrumentos como el

redoble o el bombo, cuando le hablen de la octava dos y tres piense en un bajo o

contrabajo, cuando le hablen de la octava cuatro, cinco y seis, piense en la voz

humana, en la guitarra y el violín, en la octava siete y ocho en los platillos y las

campanas.

En la música la octava más básica es la 4, ya que la voz humana se sitúa en dicha

octava, además que la mayoría de instrumentos la utilizan. Por ello, usualmente no se

coloca el número representativo, ya que en la práctica, con solo ver la nota, se sabrá

que se trata de la octava 4.

Para un mejor ejemplo visual, vea el cuadro, en donde mas intenso es el color, es mas

agudo el sonido, note que va creciendo gradualmente:

Octava 1 Octava 2 Octava 3 Octava 4 Octava 5 Octava 6 Octava 7 Octava 8

Octavas de acordes. En la teoría musical, el acorde se comporta de manera muy diferente a un tono puro,

por lo que resulta conveniente agruparlo en grupos de octavas para su comprensión.

Tenga en cuenta que estos grupos son únicamente de estudio y comprensión, no

representan a precisión la naturaleza del acorde.

Para las notas de los acordes se utilizan siempre números para indicar su altura, pero

puede ser muy fácil confundirlas con tonos puros, por lo que se necesita mucho

cuidado en ello.

Primer grupo de octavas. En este grupo oscilan las notas más ligeras ó agudas de todas. Tiene 36 sonidos se

divide además en tres octavas.

Octava 0

Comprenden los tonos graves del primer grupo de octavas, en sistema americano se

escribe la nota seguida del número “0”. C0, D0, E0, F0, G0, A0, B0.

Dicha octava es puramente teórica, pues en la practica no existe ningún acorde

entonada a su nota cero.

Octava 1

Comprende los tonos medios de este grupo se representa por el número “1”.

C1, D1, E1, F1, G1, A1, B1.


Octava 2

Comprende los tonos agudos de este grupo. Se representa por el número “2”.

C2, D2, E2, F2, G2, A2, B2.

Segundo grupo de octavas. En este grupo están todos los sonidos con tonalidad media. Idealmente son tonos

puros los que se encuentran en este grupo. Son 36 sonidos y tres octavas.

Octava 3

Son los tonos graves naturales. Se representan por el número “3”.

C3, D3, E3, F3, G3, A3, B3.

Octava 4

Son los tonos medios naturales. En sistema americano se representan por el número

“4”, pero por ser la octava más usada, generalmente sólo se pone la nota.

C4, D4, E4, F4, G4, A4, B4. Ó bien C, D, E, F, G, A, B.

Octava 5

Son los tonos agudos naturales, se representan por el número “5”.

C5, D5, E5, F5, G5, A5, B5.

Tercer grupo de octavas. En este grupo están los tonos graves (aunque hay otros grupos de octavas más

graves) posee 36 sonidos y tres octavas.

Octava 6

Son tonos graves de este grupo. Se representan por el número “6”.

C6, D6, E6, F6, G6, A6, B6.

Octava 7

Son los tonos medios de este grupo. Se representan por el número “7”.

C7, D7, E7, F7, G7, A7, B7.

Octava 8

Son los tonos agudos de este grupo. Se representan por el número “8”.

C8, D8, E8, F8, G8, A8, B8.

En los tres grupos de octavas existen alrededor de 108 sonidos.

Dichos grupos de octavas (la llamaremos teoría de grupos) se basan en la

organización de los tonos puros, pues acústicamente, no es lo mismo por ejemplo, D7

que D8, ya que poseen diferentes alturas.

Lo más común es que los acordes no poseen octavas realmente (lo llamaremos teoría

de entonación), sino que la numeración son entonaciones a sus notas.

Por ejemplo, D7, es en realidad D entonada a su séptima nota y D8 entonada a su

octava nota, y ambas se encuentran en una misma octava indefinida, la cual se

supone que es la octava 4.

Como aprendiz, debe ser su prioridad aprender primero los acordes en su forma y

aplicación, y cuando fuese conveniente, estudiar su estructura.

Entonación mayor. Las octavas vistas están en su entonación mayor. Generalmente suenan alegres.

Una nota cualquiera, que no tenga sufijo de entonación, debe entenderse que es

mayor.


Entonación menor. Las octavas vistas en acordes todas pueden y tienen entonación menor, el cual las

hace percibir como tonos tristes. Para su representación, se les agrega una letra “m”

Minúscula.

Ejemplo: Cm, Am7, Dm5.

Entonación suspendida. Las octavas vistas en acordes, todas pueden y tienen entonación suspendida, el cual

consiste en prolongar el acorde en su siguiente nota, provocando una disonancia

agradable, dando la sensación de impotencia.

Lo representamos con el sufijo “Sus”.

Ejemplo: CSus, Am7Sus, Dm5Sus

Entonación disminuida. En la teoría de grupos, la entonación disminuida es una octava imaginaria. Por

ejemplo, después de B5 que es agudo sigue C6 que es grave. Si se olvidase C6 como

parte del tercer grupo de octavas y se tomase como continuación de B5 hacia más

agudo, se obtendría una nueva escala, la cual se conoce como disminuida.

En la teoría de entonación, es el acorde con el valor agregado a su quinta nota una

octava más abajo.

Se representa por el símbolo del número ordinal “º”, por ejemplo Cº, Aº, Bº.

Entonación aumentada. Igual que en el caso anterior, hay que imaginarse que B2 no existe, y en su lugar está

la secuencia aumentada ello en la teoría de grupo, pero en la teoría de entonación, es

el acorde con el valor agregado a su quinta nota una octava más arriba.

Se representa por el símbolo de la letra “M” mayúscula,

Ejemplo GM, CM, DM.


-¿Qué es una octava?

-¿Qué es un tono puro?

-¿Qué es una acorde?

-¿Qué es una entonación?

-Explique la secuencia de octava de tonos puros.

-Explique la secuencia de octava de la teoría de grupo.

-Explique la teoría de entonación.

-¿Cómo diferenciar un tono puro de un acorde?

-¿Qué es la entonación mayor?

-¿Qué es la entonación menor?

-¿Qué es la entonación suspendida?

-¿Cómo diferenciar la entonación mayor, menor y suspendida?

-¿Qué es la entonación disminuida?

-¿Qué es la entonación aumentada?

-¿Cómo distinguir entre la entonación disminuida y aumentada?


Ejercicio #35.

Practicar los acordes a escala en A en base a bemol.

Ejercicio #36.

Practicar los acordes a escala en Am en base a bemol.

Ejercicio #37.

Practicar los acordes a escala en A7 en base a bemol.

Ejercicio #38.

Practicar los acordes a escala en E en base a bemol.


Ejercicio #39.

Practicar los acordes a escala en Em en base a bemol.

Ejercicio #40.

Practicar los acordes a escala en E7 en base a bemol


Lección 9 Introducción a notas especiales.

Objetivo: aprender a usar las variaciones de un acorde.

Aplicaciones de los aumentados y disminuidos. Estas entonaciones tienen por objetivo tener una amplia gama de tonos que se

adecuen a las características sonoras de la letra de una canción y la voz del cantante.

Suspendidos. Muchas personas manejan unos acordes suspendidos, aunque en algunos libros

aparecen otros muy distintos, en este caso veremos ambos.

Suspendido de un acorde. Este es el verdadero acorde. Trata de tocar únicamente las cuerdas principales de un

acorde, es decir las cuerdas que dan entonación al acorde. Por ejemplo el suspendido

de A, es tocar únicamente la segunda, tercera y cuarta cuerda, es decir, las cuerdas

pisadas para hacer el acorde. Las demás cuerdas no se tocan. En sistema americano

suele confundirse con el otro suspendido, en clase lo determinaremos con el símbolo

“’sus”. Ejemplo A’sus, Dm’sus.

Figura 9.1

Suspendido de una nota. Este es la entonación suspendida, consiste en prolongar una nota con una leve

entonación de su siguiente nota provocando disonancia. Lo identificaremos por “Sus”

ejemplo: ASus, DmSus.

Agregados. Es un término muy reciente. Es similar al suspendido, solamente que agrega una nota

al acorde para darle un nuevo valor. Es el método usado discretamente para acordes

equivalentes el símbolo es: “add”

Ejemplo: Cmadd9 (Do menor con el valor agregado de su novena nota) Aumentado. Como ya se dijo el aumentado es una octava imaginaria más grave. En la teoría de

entonación, es el acorde entonada a su quinta nota una octava mas arriba como un

valor agregado.

Disminuido. Como el aumentado, es una escala imaginaria más aguda. En la teoría de entonación,

es el acorde con el valor agregado una octava mas abajo en su quinta nota.

La importancia de los acordes especiales. Todos los acordes vistos son indispensables para entonar adecuadamente la letra de

una canción con respecto a la voz del cantante.

Por ejemplo, la palabra “ti”, generalmente, en la mayoría de voces entona en A, pero

si se tiene una voz más aguda o grave, puede ser traspuesta la nota.


Si se desea cantar la sílaba con tristeza puede usarse Am, si se desea pronunciar con

disimulo, o con fuerza, puede usarse A7.si se desea melancolía para una voz

masculina, puede usarse AM, pero si es una voz soprana, es decir aguda, puede

usarse A5.

Estos son ejemplos de cómo las variaciones de un acorde pueden ayudar a satisfacer

las exigencias musicales, al momento de componer.


-Según sus palabras, que es un acorde.

-¿Qué es un acorde especial?

-¿Explique cada caso de suspendido?

-¿Qué entiende de un acorde de valor agregado?

-¿Qué es un aumentado?

-¿Qué es un disminuido?

-¿Considera útil las variaciones de los acordes? ¿Por qué?


Ejercicio #41.

Tocar en modo suspendido de una nota la escala de acordes de E en secuencia

de sostenido y bemol.

Ejercicio #42.

Tocar en modo suspendido de una nota la escala de acordes de A en secuencia


Ejercicio#43.

Tocar en modo suspendido de una nota, la escala de acordes de D en secuencia


Ejercicio#44.

Tocar los acordes disminuidos en secuencia de sostenido y bemol.

Ejercicio #45.

Tocar los acordes aumentados en secuencia de sostenido y bemol.


Lección 10 Simbología americana. Objetivo. Determinar y conocer los símbolos empleados en la representación de

notas.

Simbología de octavas para tonos puros. Recordemos que cada nota posee una altura, la cual determina su relación entre la

percepción grave y aguda del sonido.

Para determinar dicha altura, se emplea los números, los cuales indican la octava, ya

que musicalmente, la altura se expresa en octava.

Se emplea los números del 1 al 8, y mientras más menor sea el número, la nota es

más grave, mientras más mayor sea el número, es más aguda la nota.

La octava, es tan solo la representación de la altura de la nota, en relación a una

escala musical de C a B.

Por ejemplo, tenemos C4 y D4.

D4 es un poco más grave que C4, lo suficiente, para que el oído pueda diferenciar

entre las dos notas. Pero C5 es el doble de aguda que C4, y C6 es el doble de aguda

que C5 y el triple de aguda que C4.

Para asignar una octava a una nota, solo basta con colocar a la derecha el número que

representa su altura.

Simbología de octavas para acordes. Recordemos que el acorde es la combinación de tonos puros, cuyo sonido obtenido

cumple la función e una nota.

Por ello, la estructura de los acordes es mucho más compleja y distinta que la de los

tonos puros.

Revisemos la simbología de los acordes en base a la teoría de grupo:

Primer grupo de octavas:

Según esta teoría, son los acordes con la tonalidad más aguda y encierra los acordes

de la octava cero, uno y dos, en donde la cero es la más grave, la uno es la media (de

este grupo) y la segunda es la aguda.

Tenga en cuenta que la octava cero es simplemente teórica, ya que no existe ningún

acorde entonada a su nota cero en la practica.

Para representar dichas octavas, solo colocamos el número a la derecha de la nota,

ejemplo:

E0, E1, E2.

Segundo grupo de octavas:

Estos acordes son de tonalidad media, y ocupan la tercera, cuarta y quinta octava, de

las cuales, la tercera es la grave, la cuarta es la media y la quinta es la aguda, en su

grupo.

Por lo general, según la teoría de grupo, el acorde que no posee octava, debe

entenderse que se ubica en la octava cuatro, ello a causa de ser la escala básica.

Ejemplo:

E3, E4, E5.

Tercer grupo de octavas:

Este grupo conforma los acordes mas graves, abarcando las octavas seis, siete y ocho,

en donde la seis son los sonidos graves, los medios son la séptima y los graves la

ocho.

Ejemplo:

E6, E7, E8. Puede resumirse la relación de las octavas de los acordes en el siguiente cuadro:


Graves Medios Agudos

Primer grupo C0 D0 E0 F0 G0 A0 B0 C1 D1 E1 F1 G1 A1 B1 C2 D2 E2 F2 G2 A2 B2

Segundo grupo C3 D3 E3 F3 G3 A3 B3 C4 D4 E4 F4 G4 A4 B4 C5 D5 E5 F5 G5 A5 B5

Tercer grupo C6 D6 E6 F6 G6 A6 B6 C7 D7 E7 F7 G7 A7 B7 C8 D8 E8 F8 G8 A8 B8

Cuadro 10.1

Por ejemplo, si toca el acorde de A4 y lo compara con el acorde de A7, notara que

suena casi exactamente igual, a excepción que la séptima es más grave, pero si toca

E4 y lo compara con E5, se dará cuenta que la quinta es más aguda que la cuarta,

además de encontrarse en la misma clasificación de octavas, no tienen parecido en

sonido.

La teoría de entonación hace referencia a que todos los acordes se ubican en la octava

cuatro, independientemente de su altura y que las octavas son solo entonaciones a

sus notas.

Por ejemplo, el acorde de A, posee como séptima nota G (Para mejor referencia, vea

la lección 11):

A B C D E F G

1 2 3 4 5 6 7

No existe una forma precisa para diferenciar a los tonos puros de los acordes, todo se

deja a precaución del autor e interprete, pero tenga muy en cuenta que los tonos

puros son provocados por un solo cuerpo, mientras los acordes es la combinación de

tonos puros, además que las estructura de los acordes es la misma, ya sea en la

teoría de grupo que en la de entonación.

Simbología de mayores. Mayor es la entonación natural o básica de una nota. Usualmente, cuando una nota no

tiene ningún símbolo de menor o suspendido, se reconoce que está en mayor.

Aunque, con deformaciones el sistema americano en cuanto al idioma, suele usarse

también el sufijo “maj” Ejemplo: E ó Emaj, Amaj, Dmaj, Cmaj.

Simbología de menores. Menor es aproximadamente 1/5 de tono más bajo que el tono natural, lo cual en un

acorde da la percepción de tristeza. Se representa con la letra “m” minúscula, aunque

es posible encontrarlo con cualquiera de los símbolos “min” ó “-“.

Ejemplo Em ó E- ó Emin.


Simbología de aumentados. El aumentado se representa con la letra “M” mayúscula, aunque por errores del idioma

a veces se escribe “aum”, pero también se usan los sufijos “aug” y el símbolo “+”.

Ejemplo: AM ó Aaum ó A+.

Simbología de disminuidos. Los disminuidos se representan por el símbolo del número ordinal “º”, pero con

variaciones del idioma a veces se escribe “dis” o “dim”.

Ejemplo: Eº ó Edis ó Edim.

Simbología de suspendidos. Los suspendidos de un acorde los representaremos por el símbolo. “’sus”.

Ejemplo E ’sus.

El suspendido de una nota lo representaremos por el símbolo. “Sus”.

Ejemplo ESus.

El agregado de una nota lo representaremos por el sufijo. “add”, acompañado de la

variación representada.

Ejemplo Eadd9.

En agregado es una nota de valor adicional al acorde, sin modificar su estructura

básica.

Simbología de variaciones combinadas. Se pueden utilizar variaciones de una nota por combinación de símbolos. Por ejemplo

se puede combinar la entonación menor con cualquier octava, y si es necesario,

especificar el tipo de acorde. Ejemplo: Am7’sus.

Errores de sintaxis. Por medios comunicativos, usualmente se encuentran acordes como: “C/E”; esto para

el transcriptor ó autor parece tener acierto, pero no es correcto realmente, ya que la

combinación de notas da como origen una complementación de frecuencias, y como

resultado, una nota precisa y exacta.

Para un transcriptor con experiencia, sabe que es un error representar un acorde así,

a menos que se utilice una simbología especial para representar una combinación de

notas.

Existen otros errores de sintaxis tales como: A7m, D#b, E72, A7/D2.

Para evitar estos errores hay que seguir los consejos:

No hay que combinar mayores con menores ni suspendidos.

No debe estar representada más de una octava.

En semitonos debe ser sólo sostenido ó bemol, nunca ambas.

Una nota nunca se coloca sobre otra.

La entonación se escribe antes de la octava.

Los indicadores suspendidos (a excepción del suspendido de una nota) se

colocan al final del cifrado.

Notas combinadas. Cuando se tocan dos notas al mismo tiempo, se obtiene una nueva nota, diferente de

las estas, todo ello ocurre debido a la complementación de las frecuencias de las notas

musicales.

Hay que estudiar la estructura básica de un acorde. Generalmente, el acorde real es el

‘sus. En todos los acordes a escala ‘sus la cuerda más delgada se encarga de la

entonación mayor, menor y suspendidos. La cuerda de en medio se encarga

principalmente de la entonación de octava. La cuerda más gruesa, se encarga del bajo


y de cualquier entonación extra. Todo ello ocurre en una guitarra debidamente

afinada.

Ahora por ejemplo por pura observación se notará que la séptima se obtiene bajando dos semitonos en la cuerda de octava. Ejemplo: A → A7.

Si a la cuerda de entonación se baja un semitono se obtiene menor A → Am.

Si queremos obtener Am7 solo entonamos A en menor en la cuerda de entonación,

seguido de A en séptima en la cuerda de octava.

A + Am + A7 = Am7.

Am

A7

Am7

Usted por su cuenta debe hacer pequeños análisis de los acordes e investigar técnicas

en la formación de acordes.


-¿Qué es una octava?

-¿Cómo se representa una octava?

-¿Que es altura de una nota?

-¿Cuál es la simbología de la entonación mayor, menor y suspendida?

-¿Cuál es la simbología de los aumentados y disminuidos?

-Cite unos errores de sintaxis.

-Mencione otras recomendaciones para la representación de notas en sistema

americano.

-¿Cómo pueden combinarse acordes?

-¿Qué acordes no pueden combinarse?


Ejercicio #46.

Tocar la secuencia de acordes: Am, C, G7 bis, E, C, D8, en el ritmo deseado.

Ejercicio #47.

Tocar la secuencia de acordes: F, C, G7 bis, G bis, F, E en el ritmo deseado.


Lección 11 Afinación. Objetivo: aprender a afinar y dar mantenimiento a la guitarra.

Notas aplicadas a cuerdas. Cada cuerda debe estar entonada en una nota musical, usualmente son las siguientes

(tonos puros):

1° cuerda = E5 3° cuerda = G4 5° cuerda = A3

2° cuerda = B4 4° cuerda = D4 6° cuerda = E3

Como ya se dijo, cuando se tocan las cuerdas al aire o en traste cero, éstas deben

entonar en las notas anteriores.

Cuando se pisa un traste más abajo una cuerda, ésta sube un semitono.

Por ejemplo, si pisa la segunda cuerda en el traste 1, la nota será C5, si es que esta la

cuerda afinada correctamente. Si pisa la misma cuerda en el segundo traste, la nota

será C#5, si pisa en el tercer traste, la nota será D5, etc.

Método de afinación por 5° traste. Se afina la primera cuerda en E5, luego la segunda cuerda se pisa en el quinto traste,

y se afina comparándola con la primera cuerda, con el fin que se escuchen las dos

cuerdas exactamente igual.

Luego, la tercer cuerda, se pisa en el cuarto traste y se afina comparándola con la 2°

cuerda al aire, después, se pisa la 4° cuerda en el 5° traste, y se afina comparándola

con la 3° cuerda al aire.

Ahora se pisa la 5° cuerda en el quinto traste y se afina comparándola con la 4°

cuerda al aire; por último, se pisa la sexta cuerda en el quinto traste, y se afina

comparándola con la 5° cuerda al aire.

Método de afinación por múltiplos de traste. Se afina la primera cuerda en E5, luego se pisa la segunda cuerda en el quinto traste,

y se afina comparándola con la 1° cuerda al aire. Luego se pisa la tercera cuerda en el

noveno traste y se compara con la primera cuerda al aire para su afinación.

Luego se pisa la 4° cuerda en el traste #14 y se compara con la primera cuerda al

aire. Ahora se pisa la 5° cuerda en el traste #14 y se afina comparándola con la

segunda cuerda al aire. Por ultimo, se pisa la sexta cuerda en el traste #10 y se

compara con la cuarta cuerda.

Este método es más recomendado para los afinadores principiantes.

Método de afinación por notas. Para ello debe usarse un instrumento temperado (afinado) de cuerdas como el piano,

o se utiliza una guitarra debidamente afinada.

En la guitarra afinada se toca la primera cuerda, y se toca al mismo tiempo la primera

cuerda de la guitarra por afinar, se compara y se afina hasta lograr un sonido exacto.

Luego se afina la segunda cuerda de la guitarra por afinar, comparándola con la

segunda cuerda de la guitarra afinada; se realiza este proceso sucesivamente hasta

llegar a la sexta cuerda.

Observación: cuando se afina por este método se tiene que tener muy en cuenta de

revisar la guitarra, pues una guitarra dañada muy difícilmente afinará con precisión.

Afinación por teclado. Es igual al método de afinación por notas, únicamente que se utiliza un piano.


Hay que determinar la posición en el teclado de las octavas, en que entona la guitarra

y comparar tonos para la afinación.

Se recomienda usar pianos debidamente afinados. Si se usa un teclado electrónico,

hay que ponerlo en piano, nunca con otro efecto ó sonido. Además debe ser un

teclado de alta fidelidad.

Afinación con afinador de viento. Por lo general el afinador básico de viento, entona en una sola nota = E, pero pueden

encontrarse en el mercado afinadores con los cuatro tonos de afinación de la guitarra:

E, B, G, D, A.

Para afinar se debe tener cuidado, pues el afinador de viento tiene un timbre diferente

al de la guitarra.

Para solventar ello se pisa la primera cuerda en el traste 12 (E6) y se afina

comparándola con el sonido del afinador. Si se considera afinado, hay que tocar una

pequeña pieza musical en la primera cuerda, para determinar que está debidamente

entonada.

Si se posee un afinador con 4 tonos hay que afinar todas las cuerdas por este método.

Si se posee un afinador con un solo tono, hay que afinar las cuerdas por el método de

quinto traste.

Afinación con afinador electrónico. La mayoría de afinadores electrónicos poseen un micrófono integrado, además poseen

en su mayoría una pantalla con aguja digital. Para afinar, hay que colocar primero el

afinador en la nota deseada, en este caso E.

Figura 11.1

Debe tocarse la primera cuerda, cuando la aguja llegue justo al centro de la medición

y no pase de él, la cuerda estará afinada; luego debe colocarse las demás notas a

seleccionar en el afinador, y afinar las demás cuerdas, si la aguja no llega al centro

de la medida, hay que subir un poco el tono (apretar la cuerda); si la aguja sobrepasa

el centro hay que bajar un tono (aflojar la cuerda).

Al usar un afinador hay que seguir estos consejos:

Colocar el afinador electrónico en la nota a afinar.

Colocar el afinador de unos 20 a 50 cm de la boca de la guitarra con el micrófono

hacia la boca.

Nunca colocar el afinador sobre la caja de la guitarra o dentro de ella, eso dará

una lectura errónea.

El utilizar un afinador electrónico no es muy recomendado si posee una guitarra

acústica, ya que el afinador hay que usarlo en lugares con absoluto silencio, sin ecos,

con una temperatura tibia, y la guitarra no debe tener basura dentro.

Además el afinador electrónico fue creado esencialmente para usarse con

instrumentos eléctricos, a través de cable, como guitarra electroacústica ó eléctrica.


Cuidados de trasteo. La oportuna limpieza de los trastes es necesaria para un buen manejo y excelente

presentación de estos. Para ello hay que limpiar las barritas y el espacio entre estas

con un paño, nunca con solventes o limpia metales, pues daña la pintura.

Se recomienda además que la mano de trasteo tenga las uñas cortas, para no dañar la

pintura de los trastes.

Cuidados de la caja sonora. La caja sonora es lo más esencial para un buen tono.

La caja debe tratarse con cuidado evitando los golpes. Si se utiliza como cajón. Hay

que tocarlo con la punta de los dedos, no con toda la mano. Debe estar limpia y sin

basura adentro.

Cuidados de las cuerdas de nylon. Las cuerdas de nylon tienen la desventaja de sonar graves (depende del gusto del

guitarrista), pero se compensa con la durabilidad. Todas las cuerdas, ya sean de metal

o nylon deben ponerse así en las clavijas:

Nunca así:

Esto debido a que si se hace de la forma incorrecta, es seguro que no afine la cuerda

en la nota deseada.

Al poner una cuerda nueva de nylon es necesario afinarla periódicamente por un mes,

pues estira y se desafina.

La 1˚, 2˚, 3˚ cuerdas pueden limpiarse con un paño húmedo. Las cuerdas de bajo

(4˚, 5˚, 6˚) no deben limpiarse con un paño húmedo, solamente con un paño seco o

con limpia metales esto para aumentar su durabilidad y evitar que se nos manchen las

yemas de los dedos al tocar.

Se sabrá cambiar una cuerda, en el momento en que su tono es muy grave ó leve, ó

bien que ya no es muy perceptible.

Cuidados de las cuerdas de metal. Las cuerdas metálicas tienen la cualidad de sonar muy armoniosas, pero su

desventaja es su fragilidad es decir, son muy propensas a reventarse.

Al afinar una cuerda de metal, se tiene que hacer despacio y con cuidado, pues si se

sobre afina puede reventarse y dañarle como por ejemplo un ojo, ó en la cara, etc.

Para su limpieza, debe usarse un paño con limpia metales, si usa un paño húmedo

provocara oxido y por ende se reducirá su optima condición.

Las cuerdas de metal afinan muy rápido, y con afinarla un par de veces ya no estiran.

Si nota que la cuerda vibra demasiado, suena muy grave, se oye un poco

desentonada, ó en el peor de los casos a adquirido por el uso filo; es necesario

cambiarla.


Cuidado de las clavijas. Sin la clavija, jamás se podrá afinar una cuerda en la nota deseada.

Para su limpieza, hay que sacudirlos y pasarles un trapo con limpia metales, teniendo

cuidado de no dañar la pintura, y evitando sobre todo el óxido en esta pieza tan

importante.

Para su cuidado y precaución hay que saber elegir las cuerdas; ya que un clavijero de

metal soporta muy bien la tensión de las cuerdas de metal y de nylon, pero si el

clavijero es de fibra, hay que usar cuerdas de nylon, pues, si se usaran cuerdas

metálicas (en estas su tensión es mayor) deformarían gradualmente el clavijero hasta,

despedazarlo.

Seguridad personal. Para evitar consecuencias personales hay que tomar en cuenta estos consejos:

Si desea limpiar la caja y desea introducir la mano por la boca para sacar la

basura; quite primeramente las cuerdas para realizar esta acción; si su mano

no entra a la primera, no lo intente más, puesto que podría cortarse o quedar

atorado.

Nunca sustituir una uñeta con otro objeto, como una moneda, pues lima las

cuerdas y puede reventarla.

Si nota que una cuerda se desgasta demasiado ó se peló de alguna parte, no lo

dude más; cámbiela.

No deje las cuerdas al alcance de los niños.


-¿Qué es una clavija?

-Describa las cuerdas de nylon.

-Mencione las precauciones que se requieren en el manejo de la guitarra.

-Describa las cuerdas de metal.

-Mencione 10 recomendaciones para el cuido de la guitarra.

-¿Cómo debe dar mantenimiento a su guitarra, según el tipo que sea esta?


Ejercicio #48.

Afinar la guitarra por el método de afinación de notas.

El instructor tocara una por una las cuerdas al aire en una guitarra debidamente

afinada, y los estudiantes deben afinar sus guitarras.

Ejercicio #49.

Afinar una guitarra por el método del quinto traste.


Lección 12. Bajos. Objetivo: identificar y conocer los ritmos básicos de los acordes.

Principios de la música contemporánea. La música actual basa sus creaciones y métricas en tres criterios fundamentales, las

cuales, son:

Ritmo: armonía y combinación de sonidos en diversos tiempos.

El ritmo, en sí es: la sucesión de sonidos en forma constante, que sirven de base para

la creación de canciones. Del ritmo se deriva otra función importante en la música,

sobre todo el pentagrama: el tiempo.

Tiempo: duración de cada sonido ó el silencio equivalente.

El tiempo es la duración precisa de un sonido, medido generalmente en segundos.

Melodía: conjunto de sonidos que debidamente, bien organizados en su tiempo y

ritmo, crean un concepto musical completo.

La melodía es el conjunto de sonidos que con relación al tiempo y el ritmo, ofrecen

una expresión precisa de alguna emoción.

Por naturaleza la melodía siempre será de carácter polifónico.

Armonía: combinación de sonidos simultáneos y diferentes.

Entonces la armonía equivale a polifonía. Un ejemplo de ello son los acordes que

combinan en un lapso de tiempo una gran cantidad de sonidos distintos, que al oído

humano son agradables.

Recordando, además, que la polifonía es la cualidad de producir sonidos simultáneos,

en consecuencia, la guitarra es un buen ejemplo de ello, ya que en un acorde, se

ejecutan varios sonidos a la vez.

La polifonía es uno de las principales cualidades de los instrumentos modernos, ya que

antiguamente, estos eran monofónicos, es decir, que solo podían producir un sonido a

la vez.

Similar a la polifonía es la politonia, el cual es la cualidad de un instrumento de

producir dos o más sonidos diferentes. Regresando al ejemplo de la guitarra, la cual

puede producir toda una escala musical, caso contrario es la monotonía, el cual es la

repetición de un solo sonido, buen ejemplo es un silbato, el cual produce un solo tono

inmodificable.

Bajos de acordes. Los acordes de la guitarra, se consideran de naturaleza múltiple, debido a que

involucra varias notas adicionales, que en cierta forma, adornan al acorde principal.

Aprovechando tales notas, pueden crearse ritmos de bajos.

Tales bajos son como adornos musicales, los cuales le dan mayor realce y entonación

a una pieza musical, otorgándole cierto matiz rítmico, el cual es muy necesario en la

mayoría de géneros musicales, y representa una opción al compositor, en la creación

musical.


Todo tocador, debe y necesita conocer los bajos de cada acorde, ya que estos

presentan un orden de ejecución, los cuales veremos mas adelante.

Ritmo de bajo de acorde Sol 7 bis. Como es necesaria la constante existencia de la armonía y su relación al ritmo en el

espacio de tiempo, para crear una melodía, surge la necesidad de hacer normas en

cada acorde, para mantener una constante. Para la guitarra ello se refiere a tener una organización en la secuencia de ejecución

del acorde.

Por ejemplo: para mantener una melodía constante en el acorde del sol bis es

necesario tocar en cierto orden los sonidos bajos con los sonidos agudos, y medios;

para ello se toca así:

El bajo se encuentra determinado por las notas que se encuentran en

la parte de arriba del diagrama del acorde, en donde, el que sea

mayúscula, es el primer bajo, y en minúscula el segundo bajo.

Para tocarlo, lo más básico el tocar la cuerda del primer bajo, luego

tocar las demás cuerdas armónicas, para luego tocar el segundo

bajo. Seguido de ello volver a tocar las cuerdas armónicas y tocar

nuevamente el primer bajo y luego las demás cuerdas. Mantenerse

en ese círculo hasta el cambio a otro acorde. Ritmo de bajo de Do4. Cada acorde lleva su propia armonía, en tal caso diferentes bajos.


-¿A que se refiere el termino “música contemporánea”?

-¿Qué es ritmo?

-¿Qué es melodía?

-¿Qué es armonía?

-Explique la diferencia entre monotonía y politonía.

-Explique la diferencia entre monofonía y polifonía.

-¿Qué es un bajo?

-¿Qué ventajas presenta el uso de un bajo en un acorde?


Ejercicio #50.

Tocar con el pulgar en primer bajo de Sol bis y con demás dedos, tocar las

cuerdas armónicas. Luego tocar con el pulgar el segundo bajo de sol bis y tocar

las demás cuerdas armónicas. Repetir este círculo cuantas veces lo requiera.

Ejercicio #51.

Tocar el primer bajo de Do4 con el pulgar, luego los demás dedos tocan las

cuerdas armónicas. Luego tocar el segundo bajo de Do4 con el pulgar y los

demás dedos tocan las cuerdas armónicas. Repetir este círculo cuantas veces lo

requiera.

Ejercicio #52.

Ejecutar el ejercicio #50 y luego el ejercicio #51 en combinación y manteniendo

ese circulo.


Lección 13 Bajos. Objetivo: Aprender a coordinar e identificar los ritmos de bajos de acordes

básicos.

Importancia de los bajos. Los bajos en la guitarra, y en cualquier interpretación musical polifónico, son

necesarios para marcar una armonía, y sobre todo, estabilizar y disimular un sonido

distorsionante al cambio de acordes.

Por ejemplo, al tocar F4, y luego tocar D5, se podrá notar una disonancia, además de

una repentina perdida de calidad auditiva. Para aumentar ello, justo en el cambio de

acorde, se tocan las cuerdas de bajo respectivas, logrando así una continuidad de la

armonía, y hacer así una disonancia casi imperceptible del cambio repentino.

Además de su utilidad en las interpretaciones musicales de dos o tres instrumentos

(por ejemplo tríos rancheros) en donde el bajo disimula alguna disonancia y

camuflagea algún espacio de silencio que no debería de existir, que se da muchas

veces en el cambio de acorde.

Posición y actuación de la mano de rasgueo. Para un buen toque, es necesario adiestrar la mano de rasgueo, hasta el punto de

perfección y sincronía. Para ello, si se piensa tocar durante un tiempo largo, es

necesario calentar la muñeca y los dedos, con algunos ejercicios vistos en la en las

lecciones 1, 2, 3, 4 y 5. Si usted aparenta una asincronía (fuera de tiempo) o lentitud en la mano de trasteo,

es necesario que repase los ejercicios desde las lecciones 6 hasta la 11 para obtener

más destreza y no atrasarse.

La mano de rasgueo es esencial, para ello hay que aprender a sincronizar e

independizar cada dedo. Para llegar a ello, depende de cada guitarrista el empeño que

le ponga, y de la experiencia que éste acumule.

Por lo general el pulgar toca las cuerdas de bajo y los demás dedos las cuerdas

armónicas, ello si se toca el ritmo popular.

Cuando se toca arpegio, cada dedo toca independiente del otro. Esto es un buen

ejemplo de la armonía y la sincronía.

Cuando se toca ritmos ligeros, como rock, por lo general sólo se usan los dedos índice,

medio y anular.

El pulgar. En ritmo popular, el pulgar toca las cuerdas de bajo, pero ello dependiendo de la

profundidad que se le quiera dar al bajo.

Si se quiere algo profundo y rápido, se tocan las cuerdas de bajo a la vez.

Si se desea algo más rítmico y ligero, se tocan los bajos en su ritmo correspondiente.

Es posible y muy certero combinar ritmos de bajos con arpegios.

El índice. El dedo índice es muy importante en ritmos modernos, pues casi sólo este se ocupa.

Es prácticamente tocar con uñeta.

El medio. Este dedo es muy importante en los arpegios, y sobre todo en ritmos; en que se

necesita un gran control en la armonía.


El anular. Al igual que el medio, es muy necesario en arpegios y en armonía.

El meñique. Es el dedo menos usado en el arpegio (a menos que se use en casos extremos) y

generalmente nunca es usado en otros ritmos.

Ritmo de bajo del acorde Re 5.

El ritmo de bajo del acorde Re5, obviamente se mantiene en todos

los acordes tendidos de Re5, es decir, por ejemplo, se mantiene el

mismo orden de toque, ya sea Re#5 ó Mi5.

Ritmo de bajo de acorde La 4.

Igual al acorde anterior, el orden de los bajos idealmente debe

mantenerse en todos los tendidos de La4.

Ritmo de bajo de acorde de Mi4.

Igual que en los anteriores, se mantiene el orden en los tendidos.


-¿Por qué es necesario un acorde?

-Mencione otras situaciones que no hayan sido citadas, en las que el bajo es

importante.

-¿Qué característica común encuentra en los bajos de cada acorde?

-¿Cómo debe tocarse los bajos de cada acorde tendido de los mencionados en

esta lección?



Ejercicio #53.

Tocar con el pulgar el primer bajo de Re5, luego tocar con los demás dedos las

cuerdas armónicas, luego tocar con el pulgar el segundo bajo de Re5 y luego las

cuerdas armónicas con los demás dedos. Mantenerse en este círculo.

Ejercicio #54.

Tocar con el dedo pulgar el primer bajo de La4, luego tocar las cuerdas armónicas

con los demás dedos. Posterior a ello, tocar con el pulgar el segundo bajo de La4,

y tocar las demás cuerdas armónicas con los demás dedos. Mantenerse en este

círculo.

Ejercicio #55.

Tocar con el dedo pulgar el primer bajo de Mi4, luego con los dedos, tocar las

cuerdas armónicas, luego tocar el segundo bajo de Mi4 con el dedo pulgar y con

los demás dedos, tocar las cuerdas armónicas. Mantenerse en este círculo.


Lección 14 Ritmo con bajos. Objetivo: Aprender a utilizar en ciertos momentos el ritmo de bajos para diversos

acordes y situaciones.

Aplicaciones de bajos en tendidos. Como ya se dijo, los bajos son de suma importancia en el toque de acordes.

Por ejemplo: los acordes tendidos, por obviedad mantienen el tiempo de bajo del

acorde de su secuencia, por ejemplo, el acorde D5 sirve como base para toda la

secuencia de sus tendidos. En D5 se omite la sexta cuerda, el primer bajo se hace en

la cuarta cuerda y el segundo bajo se hace en la quinta cuerda. Ello se mantiene en

todos los acordes tendidos de D5, ya sea en sostenido ó bemol.

Bajos en tendidos de Re y sus variaciones.

D

Dm

D7

DSus

D ‘sus

DM

D°

Bajos en tendidos de La y sus variaciones.

A

Am

A7

ASus

A ‘sus


AM

A°

Bajos en tendidos de E y sus variaciones.

E

Em

E7

ESus

E ‘sus

EM

E°

Bajos en tendidos de C y sus variaciones.

C

Cm

C7

CSus

C ‘sus


CM

C°

Bajos en acordes absolutos. Acorde absoluto: acorde que al ser bien tocado, su valor acústico se aproxima más al

valor ideal de la nota que representa. Por la naturaleza de estos acordes, es muy, muy

difícil ejecutarlos en tendidos, por lo cual los llamaremos absolutos.

G#

B

F

G

G7


-¿Por qué no son iguales los bajos para un acorde en sus diferentes variaciones?

-¿Qué relación común presentan todos los acordes?

-¿Cómo puede reconocer de manera fácil el primer bajo de un acorde?

-¿Qué es un acorde absoluto?

-¿Cuál es la diferencia entre un acorde tendido y un absoluto?


Ejercicio #56.

Tocar los tendidos de Re con sus bajos en base a sostenidos.

Ejercicio #57.

Tocar los tendidos de La con sus bajos en base a sostenidos.

Ejercicio #58.

Tocar los tendidos de Mi con sus bajos en base a sostenidos.

Ejercicio #59.

Tocar los tendidos de Do con sus bajos en base a sostenidos.

Ejercicio #60.

Investigue sobre otros acordes absolutos.


Lección 15 Ritmo con bajos. Objetivo: Aprender a coordinar los bajos con ritmos en diversos acordes.


Ejercicio #61.

Tocar los acordes D5 y A7 con sus bajos, tocando con el pulgar el primer bajo y

con los demás dedos las demás cuerdas. Tocar el segundo bajo de D5 con el

pulgar y tocar las demás cuerdas.

Luego tocar con el pulgar el primer bajo de A7 y tocar con los demás dedos las

demás cuerdas. Por ultimo toca con el pulgar el segundo bajo de A7 y tocar las

demás cuerdas con los demás dedos. Mantenerse en este círculo, en el ritmo

deseado.

Ejercicio #62.

Similar al ejercicio #61. Tocar con sus bajos el circulo de acordes Bm, G y E.

Ejercicio #63.

Similar al ejercicio #61. Tocar con sus bajos el circulo de acordes A, G, E y D8.

Ejercicio #64.

Similar al ejercicio #61. Tocar con sus bajos el circulo de acordes C, G7 bis, Am,

Asus y E

Ejercicio #64.

Tocar la siguiente secuencia de acordes sin tiempo de bajos: G, C, D8, B7, Em,

Am7, D8sus, D8, G, repetidamente en el ritmo deseado.


Lección 16 Arpegio y teoría de tiempo. Objetivo: Coordinar los ritmos necesarios para diversos matices de una

canción.

Arpegio.

Arpegio: sucesión más o menos acelerada de los sonidos de un acorde.

Entonces el arpegio es tocar cada una de las notas (en esta caso las cuerdas) que

forman un acorde, no como un solo sonido, sino como los sonidos que conforman un

conjunto; que expresan la sensación de una nota.

Ventajas del arpegio.

El arpegio mantiene la ventaja, según la teoría musical; de mantenerse constante la

armonía, y sobre todo, marcar un mejor ritmo y tiempo que un solo sonido

proveniente de un acorde, eso además de hacer más apreciable la melodía.

Pero cabe mencionar, que no siempre el arpegio compensará la exigencia musical

necesaria para una lírica, como el de una simple melodía ó el sonido de un acorde

completo.

Arpegios con bajos. Cuando se utiliza el arpegio cono fondo, pueden tocarse únicamente las cuerdas que

componen ese arpegio, pero cuando se utiliza el arpegio como melodía principal,

puede seguirse usando únicamente las cuerdas usadas. Pero el resultado podría ser

muy pobre, por lo cual deben usarse bajos.

Si se utilizan los bajos según los tiempos de cada acorde, se dará mayor realce al

ritmo y sincronía.

Pero si se utilizan las cuerdas de bajo como un solo sonido, se obtendrá una riqueza

tremenda en sonido, mejorando sumamente la calidad de la interpretación.

También cabe mencionar, que hay que saber seleccionar el tipo de bajo necesario para

cada canción, y eso dirá la experiencia de cada guitarrista.

La forma más común de utilizar los bajos con arpegios, es tocar primero los bajos

seleccionados seguidos del arpegio. Si se utiliza los tiempos de bajos de los acordes,

se toca el primer bajo y luego el arpegio, para luego pasar al siguiente acorde. Pero si

el arpegio es prolongado en un solo acorde, es necesario tocar el segundo tiempo de

bajo del acorde, a fin de mantener armonía y constante el ritmo.

Teoría de tiempos. Para la representación universal de los ritmos, la música contemporánea ha adoptado

(en su mayoría) los siguientes símbolos, loas cuales se utilizan en el metodo grafico

musical mas completo: el pentagrama. Cada símbolo significa nada mas que una

duracion de tiempo, que va desde segundos hasta fracciones pequeñísimas, tanto

como sonidos (tocar alguna nota) o silencios (no tocar ninguna nota)


nombre sonido silencio

Valor en base a

negra

1/2

breve

8=1

1

Semibreve o redonda

4=1

2

Blanca o mínima

2=1

4

Negra

1 =1

8

corchea

1=2

16

semicorchea

1=4

32

Fusa

1=8

64

Semifusa

1=16

Figura 16.1

La medida base en la música es la negra. El cual toma su valor, dependiendo del

tiempo asignado y el compás seleccionado.

Entonces la corchea valdrá la mitad de la negra. La semicorchea la mitad de la

corchea. La fusa valdrá la mitad de la semicorchea y la semifusa la mitad de la fusa.

Entonces la blanca vale el doble de negra la redonda el doble de la blanca.

Compás. Desde la época del renacimiento se opto por usar el compás como patrón musical,

surgiendo los tiempos fraccionarios.

El compás más usado es el que tiene 2 segundos exactos.

El compás es una línea vertical en el pentagrama, que indica un valor de tiempo, pero

generalmente no se trabaja gráficamente el compás en el aprendizaje del principiante.

Para crear el tiempo es necesario armar primero el denominador y luego el

numerador, en base a la numeración de la tabla anterior.

Numerador

Denominador

Tomemos como base la negra, el cual tiene el número 4:

4

X Entonces todavía falta de numerador.


El denominador indica el símbolo seleccionado, en este caso la negra, y el numerador

indica cuantas veces se repite en un compás. Supongamos que queremos se repita 4

veces:

4

4 Esto quiere decir que en un compás se tocan 4 negras.

Partiendo de allí los demás símbolos toman su valor.

Entonces para ser precisos, hemos creado un tiempo en donde cada negra equivale a

0.5 segundos. Si tocamos 4 negras obtenemos 2 segundos: la duración del compás.

Pero en la música contemporánea, se es más libre, y se deja a un lado el compás

como medida principal, asignándole un valor más directo a cada símbolo por ejemplo:

lo más común es tomar como medida el minuto, que equivale a 60 segundos,

entonces tomamos la negra y le asignamos un valor:

= 120

Quiere decir entonces que en un minuto se tocan 120 negras, partiendo de ahí los

demás símbolos toman su valor respectivo.

Pero haciendo una mejor observación si dividimos el minuto (60 segundos) entre el

tiempo (120) obtenemos que cada negra dure 0.5 segundos, entonces:

4

4 = 120.

La medida de compás es de igual duración que la medida de negra manteniéndose la

equivalencia.


-¿Qué es un arpegio?

-¿Cuáles son las ventajas y desventajas de un arpegio?

-¿En que situaciones es conveniente un arpegio?

-¿Explique cada uno de los valores de tiempo musicales?

-¿Para que se utilizan dichos valores de tiempos?

-¿Qué es un compás?

-¿Qué es un tiempo fraccionario y cual es su utilidad?

-¿Qué es un tiempo entero y cual es su utilidad?

-Explique las posibles relaciones que tengan los tiempos fraccionarios con los

enteros.


Ejercicio #65

Arpegiar los tendidos de Re en base a sostenidos así: tocar la tercera cuerda con

el dedo índice, la segunda cuerda con el dedo medio y la primera cuerda con el

dedo anular, en el orden índice, medio y anular. Una vez hecho subir un sonido y

repetir, en el ritmo deseado.

Ejercicio #66

Arpegiar los tendidos de La en base a sostenidos así: tocar la tercera, segunda y

primera cuerda con el dedo índice, medio y anular, respectivamente en el orden

índice, medio y anular. Una vez hecho subir un sonido y repetir, en el ritmo

deseado.


Ejercicio #67

Arpegiar los tendidos de Mi en base a sostenidos así: tocar la tercera, segunda y

primera cuerda con el dedo índice, medio y anular, respectivamente en el orden

índice, medio y anular. Una vez hecho subir un sonido y repetir, en el ritmo

deseado.

Ejercicio #68

Tocar el ejercicio #64 con sus bajos en el tiempo 4/4, donde un acorde por

compás, en grupo de tres personas, en el ritmo preferido, con el tiempo a

cabalidad.

Ejercicio #69.

Crear una ecuación de conversión de tiempos fraccionarios a enteros y viceversa.


Lección 17 Teoría de tiempos. Objetivo: Conocer loas diferentes formas de representación gráfica musical.

Teoría de tiempos. Existen diferentes formas de representar una melodía. Las cuales pueden ser:

1) Nomenclatura americana.

Consta de mencionar los acordes de una canción sin hacer referencia a tiempos.

(Según los visto en las lecciones 6, 7, 8, 9, 10, 11).

Por ejemplo, el primer verso de la siguiente canción:

Bm G A Bm

Conozco el atajo que llega al secreto que nunca dirás.

Bm G A Bm

sé de aquel sendero que llega a tus labios por cualquier lugar.

Em* A* Bm7*

descubrí la salsa que orquestan tus pasos en el adoquín,

Bm G A Bm

y el llanto que escondes tras esa sonrisa de casting barato.

G D A Bm

¿y de que me sirve?, no sirve de nada.

No sirve de nada / Ricardo Arjona / Santo Pecado / 2003

2) Tablatura.

Consiste en indicar los trastes tocados en las cuerdas, haciendo alusión a tonos puros

o acordes, representando con símbolos algunos tiempos. La tablatura no expresa con

precisión los tiempos exactos, pues ni siquiera, marca compás.

Por ejemplo, la introducción del verso anterior:

Intro: Bm

E |-----------------------2-- -|------------------------4---- ---|

B |-------2/3---------2-------|--------2/3---------2------- ---|

G |-----4-----4-----4---4----|------4-----4-----4---4---- ----|

D |---4---------4-------------|----4---------4------------- ----|

A |-2----------------------- --|--2-------------------------2*--|

E |--------------3-------------|---------------3-----------------|

No sirve de nada / Ricardo Arjona / Santo Pecado / 2003

Puede ver que las notas que se ubican a la izquierda son las notas en la que se afina

la guitarra, lo que indica a que cuerdas se refiere.

Los números indican los trastes en que hay que pisar, y la distancia que existe entre

ello, incluyendo los guiones, tratan, de cierta manera indicar el tiempo de ejecución.

Pero si usted nunca ha escuchado la canción, muy difícilmente le atinara al tiempo

justo que le dio su autor

3) Rasgueo y tiempo.


Consiste en agregar tiempos a la tabla de rasgueo, basándose en tiempos enteros sin

compás. No es muy útil para indicar trastes, pero es indispensable para indicar

posiciones de rasgueo.

4) Móviles. Los teléfonos móviles de 2° generación o posterior presentan la

posibilidad de crear melodías usando tiempos, ya sea en pentagrama o en un cifrado especial.

Para los últimos modelos móviles, la mayoría utiliza la siguiente

simbología:

nombre símbolo Sonido para

móvil

Silencio para

móvil

Semibreve o

redonda

1

-1

Blanca o mínima

2

-2

Negra

4

-4

corchea

8

-8

semicorchea

16

-16

Fusa

32

-32

Figura 17.1

Existe la posibilidad de usar tres octavas, las cuales están representadas:

octavas simbología nokia

Octava 3 1

Octava 4 2

Octava 5 3

Por ejemplo, para escribir D#5, debe colocarse la octava a la que hace referencia, por

ultimo, en este caso es el número 3. Luego hay que poner la nota (D#). Luego

supongamos que queremos que la nota dure 0.5 segundos, en tiempo de negra (4/4),

por lo cual agregamos el número 4 ahora solo falta ajustar el tiempo a 120 negras por

minuto.

El símbolo final es: 4D#3.


Por lo cual el móvil emitirá D#5 por 0.5 segundos. Puede existir cierta diferencia entre

los diferentes lenguajes de móviles, por lo que se sugiere revisar sus manuales.

5) Pentagrama.

El pentagrama es el lenguaje universal de la música, es la mejor y casi perfecta

expresión musical el pentagrama presenta 5 líneas, en donde la posición del tiempo

indica la nota. Es muy complejo usar un pentagrama por la enorme cantidad de

símbolos, por lo que se recomienda aprender la teoría de su uso con el tiempo,

dándole prioridad primero al aprendizaje de ejecución libre.

La clave de Sol al principio indica el uso de la octava 3, 4 y 5; entonces la guitarra se

toca y se ubica en clave de Sol.

El pentagrama adopta 3 símbolos principales, que se ubican al principio de la pieza. Su

función es indicar la octava a la que se le hace referencia.

En el ejemplo anterior se utiliza la clave de Sol, en la cual se

sitúan los sonidos medios, en este caso se refiere a la 3°, 4° y 5°

octava.

El siguiente es la clave de Fa, en donde se sitúan los sonidos

bajos, es decir, la 1, 2° y 3° octava.

La siguiente es la clave de Do, en donde se sitúan los sonidos

medio y agudos. Las octavas utilizadas en esta clave son la 5°,6°,

y 7° octava.

Basándose en esto, la guitarra, como es un instrumento limitado de octavas, pues la

nota pura mas grave que puede llegar es E3, mientras la más aguda es B6 o E7.

Además los acordes en guitarra se sitúan entre la 3° y 5° octava, pues los demás

acordes como E7 solo son aproximaciones a la séptima, pues no son agudos.

Entonces la guitarra se sitúa en la clave de Sol. Existen otros instrumentos más

completos, como el piano profesional, que presenta todas las octavas básicas de la 1°

a la 8°, este tipo de instrumento utiliza todas las claves mencionadas.

En el pentagrama profesional se utiliza estrictamente el compás como medida

principal de tiempo.

Lamentablemente en nuestro medio predomina el uso del sistema americano y la

tablatura, corrompiendo el tiempo original que el autor dio a la melodía, pues estos

métodos no representan con exactitud el tiempo.

Pare demostrar ello, hagamos una comparación utilizando los diversos métodos

descritos anteriormente utilizando la melodía principal de una canción conocida:

1) Usando simbología americano:

G#5-G#5-G#5-G#5-C6-C6-C6-C6-G#5--G#5-A#5-G5—G5-G5-G5-G5-A#5-A#5-

A#5-A#5-G5—G5-G#5-F5


2) Usando tablatura:

e | - - - - - - 8-8-8-8- - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - -|

B | 9-9-9-9- - - - - - - 9- -9-11-8- -8-8-8-8-11-11-11-11-8- -8/9- - - - - -|

G |- - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - 10 - - |

D |- - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - |

A |- - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - |

E |- - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - - -- - - - - - - - - - - -|

3) Usando cuadro de rasgueo:

4) Usando móvil:

8G#2 8G#2 8G#2 8G#2 8C3 8C3 8C3 8C3 4G#2 8G#2 4A#2 8G2 –4 8G2

8G2 8G2 8G2 8A#2 8A#2 8A#2 8A#2 4G2 8G2 4G2 4F2

5) Usando pentagrama:

Nombre de la canción: _________________________________________________

Como puede verse, usar la simbología americana y la tablatura son insuficientes, pues

no expresan ningún tiempo. Cualquier guitarrista que intente interpretar la melodía,

sin nunca haberla escuchado, podría jamás atinar con precisión al tiempo y ritmo

original.

Al utilizar el cuadro de rasgueo solo indicamos la dirección y duración del rasgueo,

pero no la nota. El cuadro de rasgueo solo es útil para indicar el rasgueo de una

melodía. Entonces es posible combinar el cuadro de rasgueo con la tablatura o el

sistema americano, para expresar así, con algo de exactitud el ritmo y tiempo de una

canción.

Al usar lenguaje de móvil, se presenta muy bien el tiempo, pero el lector puede

equivocarse fácilmente de línea, si la partitura es larga, por lo cual es insuficiente.

Al usar pentagrama, se representa gráficamente con exactitud el tiempo y el ritmo,

por lo cual es el método idóneo y esencial en la música: La única desventaja que

presenta, es que no es muy útil si el guitarrista no tiene amplio dominio de tiempos,

métrica y símbolos.



-Explique el uso de la nomenclatura americana

-Explique el uso de la tablatura.

-Explique el uso del cuadro de rasgueo.

-¿En que forma le seria útil utilizar el lenguaje de móvil?

-¿Explique el uso del pentagrama?

-¿Cuál es la principal desventaja de cada uno de los métodos vistos? Ejercicios de aprendizaje:

Ejercicio # 70.

Ejecutar el ritmo # 64 en su ritmo indicado tocando únicamente las cuerdas de

bajo.

Ejercicio # 71.

Tocar arpegiado el ejercicio # 64 así: la tercera, segunda, y primera cuerda lo

tocan los dedos índices, medio y anular respectivamente en el orden: anular,

índice, medio, anular y medio. Justo entonces cambiar al siguiente acorde y

seguir con el mismo arpegio, en el ritmo deseado.


Lección 18 Coordinación de bajos por ritmos. Objetivo: aprender a coordinar la continuidad de tiempos y bajos en grupos de

guitarras.

Sincronía. Sincronía: (de sincrónico) eventos simultáneos debidamente ordenados. La sincronía referida a la música, es el debido orden de los sonidos, originando el

término de unísono.

Unísono: mismo o único sonido.

Pero esta definición es muy vaga, pues únicamente encierra canciones ejecutadas por

un instrumento.

Entones, en música de grupo, se refiere a exactitud y precisión, en un lapso de

tiempo. En consecuencia, se puede decir que la sincronía es una cualidad de la

armonía y melodía.

Ritmos y coordinación de grupos. La debida coordinación y exactitud de una melodía, al ser tocado por un grupo de

intérpretes, genera una bella y hermosa expresión musical, que si es precisa será

perfecta.

Sin la sincronía y coordinación de grupo seria muy difícil llevar una secuencia de

ritmos en una orquesta, sinfonía ó canción; pues cada cual se perdería en la melodía,

originando un caos.

Para una interpretación con instrumentos de cuerdas, las asociaciones grupales más

comunes son:

Solista: cuando una sola persona ejecuta la canción. En este caso se recomienda

tocar únicamente los acordes de una canción sin arreglos o extravagancias.

Dúo: cuando dos personas ejecutan la canción. Para este caso se recomienda que

ambos ejecuten los mismos acordes, o bien que, que uno se dedique a ello, y el

otro se dedique a los arreglos.

Trío: cuando tres personas ejecutan la canción. En este caso se realiza lo mismo

como si fuese dúo pero la tercera persona toca las cuerdas de bajo, o algún

instrumento de bajo.

Cuarteto: cuando cuatro personas ejecutan la canción. En esta situación se realiza

como si fuese dúo. La tercera persona toca las cuerdas de bajos de cada acorde,

mientras la cuarta persona toca algún instrumento de bajo.

Quinteto: cuando 5 personas ejecutan una canción. Se realiza como si fuese

cuarteto, pero la quinta persona toca algún instrumento de cuerda como chelo ó

violín.

Orquesta: cuando varias personas ejecutan una canción: cada quien aporta un

instrumento conforme lo necesite la melodía.



-¿Qué es sincronía?

-¿Cuál es la importancia de la coordinación de grupo?

-Explique y describa cada ejemplo de música de grupo. Ejercicios de aprendizaje:

Ejercicio #72

Formar tríos. La 1° Y 2° persona ejecutan el ejercicio #64. La 3° toca el ejercicio

#70, todos en sincronía.

Ejercicio #73

Formar tríos. La 1° persona ejecutará el ejercicio #71. La 2° persona ejecutará el

ejercicio #68 sin bajos con un acorde por cambio y la 3° persona tocara el

ejercicio #68 únicamente los bajos; todos en sincronía.

.


Lección 19 Uso de bajos. Objetivo: Aprender a usar los bajos como fondo y entonación

Bajos. Como se ha dicho los bajos son sonidos profundos y graves. La guitarra, presenta 3

cuerdas (4, 5, y 6); las cuales crean un sonido de bajo, fácilmente reconocido por su

diferencia a sonidos agudos.

Sonidos graves. Los sonidos graves tienen frecuencias entre: 20hz y 200hz aproximadamente.

Cuando un sonido grave es originado por un cuerpo sin control, como un motor de

combustión es simplemente ruido. Cuando el sonido no tiene una frecuencia definida,

y es demasiado grave pero es originada por un instrumento musical; entonces es

ruido musical. Pero cuando esa vibración toma valor de una frecuencia precisa,

entonces es una nota musical.

Octavas para bajos. Las octavas para tonos bajos puros son las octavas 1, 2, y 3, pues recordando que las

octavas de los tonos puros van del tono más grave (C1) hasta el tono más agudo

(B8), no hay que confundirlo con las octavas para los acordes. Para instrumentos

como el contrabajo se encuentran entonces en la clave de Fa, pues a esa clave

pertenecen dichas octavas.

Amplitud para bajos. Amplitud: extensión vertical de una onda.

Entonces, musical y acústicamente, la amplitud es la extensión y proporción de una

onda sonora, que generalmente, se expresa en una gráfica verticalmente.

Figura 19.1

Cuando necesitamos sonidos bajos como simple entonación, es necesario, por lo

habitual, usar sonidos de muy baja amplitud, pues así el sonido es más discreto, como

al usar un contrabajo.

Figura 19.2


Cuando necesitamos sonidos bajos como instrumento secundario, es necesario usar

sonidos con una amplitud media, pero no una mayor a la del instrumento principal,

pues es muy probable generar una distorsión. En este caso pueden mencionarse las

percusiones y efectos electrónicos de batería.

Figura 19.3

Por lo general, los instrumentos de bajos y percusiones, tienen una forma irregular en

su frecuencia.

Figura 19.4

Bajos de la guitarra. Las cuerdas de los bajos de la guitarra de 6 cuerdas son la 4°, 5° y 6° cuerdas.

Ello debido al que al tocarse una nota en esas cuerdas, ser utiliza la tercera o cuarta

octava, en donde están los tonos más graves de la clave de Sol.

Además varía la amplitud de una nota tocada en esas cuerdas además de las notas.

Por ejemplo al tocar G4, en la sexta cuerda al mismo tiempo que tocar G4, pero en la

tercera cuerda, se notará que suenan relativamente igual, pues es la misma nota y la

misma frecuencia, pero la amplitud de la tercera cuerda es mayor la de la 6° cuerda,

haciéndola más notoria y perceptible su sonido.

Entonces las cuerdas de bajos de la guitarra, además de poseer octavas bajas,

también poseen una amplitud relativamente baja en comparación a las demás

cuerdas.

Instrumentos de bajos. En el ámbito musical, existen instrumentos que únicamente producen sonidos bajos,

los cuales cumplen una función muy importante según su naturaleza y uso, los cuales

los más populares son:

Cuerdas:

Bajo

Contrabajo

Piano forte

Percusiones:

batería

Bombo


Viento:

Trompeta

Tuba

Profundidad de bajos. Los bajos tienen la cualidad de tener una fuerte influencia sobre la percepción de un

melodía en las emociones del oyente, ya sea los bajos como entonación o instrumento

secundario.

Por ejemplo una canción electrónica tiene un efecto alegre por sus efectos de batería;

en cambio, una triste canción ejecutada por un violín; puede conmover al oyente, pero

si ese violín fuese acompañado por un chelo, dicha canción fuese capaz de tocar

emociones y provocar lágrimas.

Entonces la profundidad de un bajo, depende de la creatividad del músico, pues si se

desea que los bajos expresen las emociones del músico como melancolía, es necesario

emplear los bajos con pasión e intensidad. Pero si se desea transmitir alegría, es

preciso usar bajos más adecuados y ligeros.

Los bajos como entonación. Los bajos pueden ser usados como entonación, empleándolos en los cambios de cada

acorde, o bien entonando cada sílaba de una canción (siguiendo normas métricas).

Por ejemplo, para el siguiente párrafo los acordes son:

Eres tú, solo tú.

A A

Si se desea un tiempo alegre, puede tocarse los tiempos de bajos de cada acorde. Si

se desea mayor percepción, puede usarse las cuerdas de bajo como un solo sentido,

acompañado de algún arpegio.

Pero si se desea una mayor sencillez, puede tocarse en el bajo, directamente la nota a

la que se hace alusión. En este caso el acorde es A, entonces el bajo se toca en el tono

puro de A.

Los bajos como fondo. Los bajos pueden ser usados como instrumentos secundarios ó de fondo, ya no como

entonación, sino como parte integral en la pieza musical.

Por ejemplo, se tiene a las sinfonías en donde la mayoría de veces no existe un

vocalista que acompañe la música, entonces la composición es más libre, pues no se

sujeta a las entonaciones de una lírica. Entonces los contrabajos dejan de entonar una

lírica y entonan con mayor precisión y libertad la melodía.

Otro buen ejemplo de ello las interpretaciones instrumentales de jazz.

Los bajos como instrumento principal. Como se ha explicado anteriormente, los bajos son muy utilizados como entonaciones,

fondos e instrumentos secundarios. Pero últimamente, los ritmos con fuerte presencia

contemporánea, han optado por ocasiones de utilizar algún instrumento bajo como

instrumento principal, sobre todo en las introducciones musicales.

En este caso, dicho instrumento, deja de entonar una melodía y se convierte en el

ejecutor principal de la melodía.


-¿Qué es un bajo?

-¿Cuáles son las características de los sonidos bajos?

-En la música, ¿Qué utilidad tienen los bajos?

-Mencione y describa algunos instrumentos de bajos no citados en esta lección.

-¿Cuáles son las opciones de uso de los bajos?

-¿Qué es un bajo de entonación?


-¿Qué es un bajo secundario?

-¿Qué es una bajo de fondo?

Ejercicios de estudio:

Ejercicio # 74.

Tocar los acordes Dm5, Em, F, Am con sus bajos en tiempo de 2/4, un acorde por

compás.

Ejercicio # 75.

Tocar el ejercicio # 74 en un tiempo de 3/4, donde un acorde por compás.

Ejercicio # 76.

Tocar el Ejercicio # 74 en tiempo de 4/4, un acorde por compás.

Ejercicio # 77

Tocar el Ejercicio # 74 en tiempo de 8/4, donde dos acordes por compás.


Lección 20 Ritmos adecuados. Objetivo: Aprender sobre la historia y evolución musical de la humanidad.

Música de la prehistoria. La música, al principio de la civilización humana, no era precisamente música, era más

bien ruido, que toscamente había sido aprendida a usar y producirla en instrumentos

de percusión, lo cual era indispensable en ritos de la cacería, en las tribus nativas.

No se sabe precisamente en que momento el ser humano aprendió a apreciar sonidos

y sobre todo, a crear nuevas formas de producirlos.

Los sonidos producidos por el hombre en su prehistoria eran muy vacíos, no

melódicos, monótonos y monofónicos, pues solo eran golpes en rocas o pieles

tensadas.

Música egipcia. En la cultura egipcia deja de apreciarse los sonidos como simple ruido, e inclusive

surgen los primeros instrumentos musicales, que a pesar de ser estos monótonos o a

lo sumo bitonos, eran muy importantes en rituales, que habían pasado de ser

primitivos a religiosos, pues inclusive, se llegó a pensar que las divinidades se

expresaban a través del canto y la música. Debido a ello, las artes musicales se

consideraban como privilegio exclusivo de la alta sociedad.

A partir de esta cultura, la música formo parte crucial, hasta nuestros días, en eventos

religiosos, guerras y niveles sociales.

Música asiática. La música asiática, antes del renacimiento europeo, fue de vital importancia para la

música contemporánea, pues surgieron numerosos instrumentos de viento y de

cuerdas, algunos de ellos que se mantienen en nuestros días.

Estos instrumentos, a pesar de no ser de precisión, presentaban en su mayoría,

principalmente los de cuerdas, la polifonía, pues se podía ejecutar en ellos breves

melodías mayores a 5 sonidos diferentes. Ejemplo de ello es el Arpa y la cítara.

En Asia también surgen los primeros intentos de sistematización musical, por ejemplo,

en la actual india, se optó por dividir los sonidos musicales en 7, subdivididos en 22

notas.

Inclusive se crearon 4 formas de ritmos primarias, las cuales son el ritmo libre (alap),

un ritmo más o menos acelerado (el jog), un ritmo más rápido (jahl) y sobre todo el

ritmo o mejor dicho método de acompañamiento a un solista, (gat), el cual se podría

decir que era una forma rústica y sin métrica de la polifonía.

El islamismo, en otro caso, había dividido los sonidos musicales en cuartos de tonos

creando melodías muy complejas.

La música asiática seguía siendo ocupada en actos religiosos, aunque había surgido

también en una tendencia hacia la plebe.

A pesar de ello, cada civilización Asiática tenía su propia identidad social, el cual era

reflejado en sus composiciones musicales. Prueba de ello era la música profana de los

nómadas, los cánticos de los Salmos. Inclusive, la seriedad de la música china.


El baile, empezó entonces, a ser popular, donde las mujeres se movían al ritmo de

percusiones y ligeras entonaciones de cuerdas, acompañadas en ocasiones de

cánticos.

No tardó en invadir a Europa oriental los diversos cantos musicales asiáticos,

despertando inclusive la curiosidad de filósofos griegos por organizar la música.

Tal caso Pitágoras, Platón y Aristóteles, cuyos algunos principios, se basa la actual

escala diatónica más usada en el mundo. Dichos filósofos tocaron vagamente la

acústica, al darse cuanta que un sonido se repetía cíclicamente duplicando su

agudeza. Inclusive, Pitágoras llegó a postular que la actual nota A4 poseía 440

oscilaciones por segundo.

Entonces la música fue apreciada como excelente melodía en narraciones, surgiendo

las clásicas tragedias griegas.

Se llegó a pensar las divinidades se entretenían con música, pues inclusive, se

contaron leyendas de sirenas que hipnotizaban a los marineros con su cántico, o del

dulce arpa tocado por las ninfas.

A pesar de la tremenda importancia de la antigua música asiática, esta seguía siendo

monofónica, e improvisada en bailes, cánticos, actos religiosos, etc. Ya que no se

había ideado un método preciso para graficar cada sonido.

Música Precolombina. No quedan muchos rastros sobre la música de los nativos americanos.

La música, en las diferentes civilizaciones siempre estuvo muy ligada a rituales

religiosos y muy respetados, pues se llegó a creer que los dioses residían en sus

instrumentos musicales, considerados sagrados.

Los escasos instrumentos que todavía se fabrican y no han sido adaptados a la escala

cromática, poseen 5 sonidos básicos. Música medieval. La música de la edad Media estaba prácticamente estancada. No habían ocurrido

muchos cambios desde Roma. Lo que sí había cambiado era una la música dividida

socialmente, pues mientras la plebe bailaba melodías profanas, las iglesias mantenían

una constante distancia de ellas, a la vez que la música de orquesta, era privilegio de

personas de alto rango social.

Entre los pueblos se vuelven populares rústicos instrumentos de cuerdas como la

bandolía y la mandolina.

El progreso musical, se puede decir, es nulo.

Música moderna. La música moderna, empieza propiamente con la música renacentista.

Justo en ese lapso histórico empiezan diversos modos de arte, como el barroco o el

gótico.

El baile y la danza evolucionan sorprendentemente, junto con los ritmos, además de la

creación de nuevos y sorprendentes instrumentos.

Cambia individualmente los cánticos religiosos a cápela, mejorando las técnicas

vocales.

Se idean novedosos métodos para escribir la música, incursionando además, en la

polifonía.

Durante el período Post-renacentista surge la guitarra. Surgen grandes músicos que

establecen fuertes bases musicales, como la polifonía, el pentagrama y el dominio

matemático del tiempo en la música.


A partir del siglo XVII la música deja de ser simplemente profana o religiosa,

evolucionando como el romanticismo y el realismo.

Entonces la música descubre su potencial en ámbitos totalmente nuevos, como la

política a ejemplo de ello, la música revolucionaria.

Con la revolución industrial, los instrumentos europeos tuvieron mucho auge en el

resto del mundo, principalmente el occidental.

Con la electricidad y sus aplicaciones, surgen las primeras grabaciones musicales (de

muy baja calidad) impresas en un carrizo magnético, dando la posibilidad de

reproducirlas y prácticamente inmortalizarlas.

Además se incursiona en la electrificación y perfección de los instrumentos musicales,

al punto de hacerlo una ciencia.

La música alcanza su máximo auge, gracias a los medios masivos radiales,

divulgándose una grabación en diversos lugares.

Música contemporánea. Los métodos de grabación se perfeccionan, cambiando el carrizo magnético por cinta

magnética, el cual sufre diversas modificaciones hasta el actual cassette de 10x6.3

mm. Posterior a ello, se descubre la importancia de dos oídos, incorporando el estéreo

a las cintas de audio.

En las últimas décadas del siglo XX, se crean los discos, que graban en dos caras, los

cuales también sufren varios cambios de tamaño y velocidad, hasta llegar a los

actuales discos compactos, que conservan digitalmente la información contenida en

ellos. Mejorando la claridad del audio.

Surgen numerosos géneros musicales, que al combinarse con sus predecesores, crean

una diversidad de sonidos.

La música se perfecciona, adoptando la escala diatónica en la mayor parte del mundo.

Con el surgimiento de la electrónica, se crean nuevas formas de difusión y grabación,

además de nuevos aditamentos que facilitan el oficio musical.

La música deja de ser impersonal, pues se le otorgan los créditos al creador de una

pieza musical llegando hasta el punto de hacer de la música una atracción comercial.

Música del siglo XX. Los intereses políticos e ideologías marcaron a la música, al inicio del siglo XX. Sobre

todo el nacionalismo.

Surgen varios géneros que se venían levantando en los círculos sociales, pues la ópera

era privilegio de acaudalados, mientras los blues eran sonidos de los barrios negros.

A mediados del siglo surgen ritmos muy llamativos, incitadores al baile, sobre todo los

latinos, los cuales evolucionaron y algunos han cambiado radicalmente.

A finales del siglo, existen diversos estilos musicales, ya sean ligeros, pasivos, rápidos

o agresivos. Para diversos gustos, y más sorprendente aún la combinación de ellos.

La música es ahora polifónica y politónica, con varios métodos de representación y

métrica.



-¿Cuál es la importancia cultural de la música?

-¿En que forma influyen la música del mundo antiguo, en la música

contemporánea?

-Realice un profundo análisis sobre la evolución musical de la humanidad, y de

cómo Ud. Puede aprovechar tal patrimonio.


Ejercicio #78.

Elegir un ritmo, tiempo y melodía de una canción al azar y practicarla, de

preferencia en grupos de 3 a 5 persona.


Lección 21 Ritmos aplicados. Objetivo: Aprender a aplicar ritmos, además de conocer los ritmos regionales.

Ritmos asiáticos. Los ritmos asiáticos, se han caracterizado por su elegancia, sobriedad, y sobre todo

nostalgia.

Cada región asiático tiene su propio estilo musical, el cual en nuestros días, parece

fusionarse son la electrónica, la mayoría de las líricas románticas. Expresan un

ambiente entre lo étnico y artificial.

Aún así, se preservan muchos instrumentos antiguos, tocados casi igual que hace

cientos de años, sobre todo en culturas muy conservadoras de su esencia histórica.

Ritmos africanos. Los ritmos africanos siempre han sido excelentes para el baile y la danza.

Las civilizaciones de la región boscosa y sabanera siempre se han caracterizado por

percusiones muy alegres, voces entusiastas y aplausos de palmas.

Contemporáneamente dichos ritmos se mantienen y han mejorado con instrumentos

mejor fabricados y más precisos.

Las civilizaciones de las regiones desérticas se han caracterizado por una dulzura y

precisión además de unas ejecuciones vocales sorprendentes.

La mayoría de sus melodías expresan alegría y nostalgia. Actualmente la música de

esta región entra en una etapa de transición, hacia la electrónica, a causa de los

nuevos interpretes y la influencia europea.

Ritmos europeos clásicos. Lo que caracterizó a Europa durante y después del renacimiento fue sus increíbles

interpretaciones polifónicas de varios instrumentos.

La región occidental europea tuvo muchos logros musicales, como la creación de

varios instrumentos de cuerda, además de su perfección lo que más caracterizó a los

ritmos de esta región fue su soberbia, precisión y nostalgia, llegando a crear bellas

interpretaciones en complejos métodos musicales, como la sinfonía.

En las regiones del actual Reino Unido surgieron inigualables instrumentos de vientos

como la ancestral gaita.

En toda Europa, quizás los más increíbles instrumentos difundidos fueron el piano, el

violín y el chelo. Ritmos europeos contemporáneos. En Europa predomina ahora la electrónica, se llegó a ello cuando los interpretes de

hace una generación incursionaron en el teclado y al presentarse la oportunidad de

recrear electrónicamente el sonido de instrumentos, y más sorprendentes aún, el de

poder utilizar octavas que no se encuentran en un instrumento limitado como la

flauta, se empezó a convertir la música acústica en eléctrica.

Ahora los interpretes y autores enfrentan la dificultad de hacer sonar sus canciones

naturales y no artificiales Reino Unido fue cuna de grandes grupos rock, que han

encontrado el balance entre lo acústico y lo eléctrico.


Ritmos Norteamericanos. Norteamérica fue cuna de diversos ritmos que marcaron a varias culturas y

generaciones de las cuales, han servido de base para nuevos estilos muy radicales.

Los principales ritmos norteamericanos son:

*Blues *Country *Disco

*Jazz *Rock.

Ritmos mexicanos. La característica música mexicana es la ranchera, que surgió como ritmos afines entre

las haciendas después del periodo colonial.

Los instrumentos principales de las rancheras son las guitarras, los contrabajos, el

violín, las trompetas y sobretodo una voz fuerte y madura.

Actualmente México es la cuna de nuevos intérpretes, con fuertes influencias

románticas, acústicas, eléctricas y con gran interés en baladas pop ó rock. Ritmos centroamericanos. La principal música centroamericana es la de orquesta, con influencias tropicales, tales

como la salsa, el merengue y la cumbia. Además, se encuentra ahora diversos ritmos

como norteñas (con influencia de rancheras), el pop, el rock, y la música instrumental.

Ritmos suramericanos. Los ritmos predominantes en Sudamérica son ligueros y versátiles, similares a los

españoles, como el tango o la música andina. Tienen mucha importancia los

instrumentos de viento y de cuerdas.

Música caribeña. La música caribeña es música muy alegre y viva, donde los principales instrumentos

son los de viento y percusión. Las líricas ejecutan un juego de voces muy naturales.

La principal cualidad de esta música es la facilidad de expresar tristeza, alegría ó risa

en las líricas, prácticamente sin cambiar la esencia de la música, y sobre todo incitar

al baile.

Arte pop. El arte pop, es en su esencia, la expresión popular entre el pueblo.

Entonces puede decirse que en cada región tiene su propio arte pop, es decir de

dominio común, como la música escuchada en las conmemoraciones de

independencia, pues todo mundo conoce el ritmo y la lírica.

Pero no hay que confundir la música popular con la folklórica, pues esta ultima son

sonidos que identifican a una comunidad ó región, cuyo autor es considerado en

mismo pueblo (ya que el autor quedo en el anonimato), y ha sido transmitido a través

de las generaciones.

Entonces la música folklórica es popular, por ser parte de la esencia del pueblo.

Ahora se maneja el pop como la música más aceptada y escuchada. Entran en el

género pop las baladas, el rock, los ritmos tropicales, etc., pues son ritmos de gustos

masivos. A pesar de ello se considera que el pop es únicamente música ligera,

romántica y de personas “fresas”.

Rock. El rock actual dejo de ser “pasivo” y empezó a ser “agresivo”, dejo de ser bailable

pero mantuvo lo enérgico.

Existen variaciones muy distintas en el rock, desde voces pasivas, hasta voces

agresivas y agudas. Desde baladas, hasta ensordecedoras interpretaciones.


Cada tipo de rock tiene su esencia, pero han mantenido la guitarra como instrumento

principal.

Los tipos de rock más populares son:

*Metal *Punk

*No metal *Ska

*Electrónico ó industrial *Heavy metal

*Pop rock *Rock alternativo

*Rock sinfónico

Jazz y blues. Los blues son intensas interpretaciones vocales muy melancólicas, propias de la

cultura afroamericana.

De los blues surgen el rap y R&B, que a pesar de ser muy diferentes, mantienen el

deseo étnico.

El jazz es también música de afroamericanos muy movida y entusiasta, además de ser

muy libre.

Los principales instrumentos son los de viento (trompeta, saxofón tuba), y también los

de cuerda de tonos bajos (bajo, contrabajo) además de un piano tradicional o pipen.

Hip-Hop. El hip-hop es la música cuyas líricas tienen por objeto expresar con franqueza las

vivencias diarias, con una melodía profunda, sin adornos, y sobre todo percusiones.

Los ritmos pertenecientes al hip-hop son:

*Rap *R&B

*Blues

Sinfonía. La música sinfónica es la más compleja y la más sofisticada, conocida también como

música académica.

La principal característica de la sinfonía es que reúne a los más versátiles y

perfeccionados instrumentos musicales como: chelos, violines, violas, contrabajo,

flauta y piano; Los cuales crean en combinación un sonido asombroso.

La sinfonía es el mejor ejemplo de la polifonía, es decir, es la mejor expresión de la

armonía.

Electrónica. La esencia misma de la electrónica es reproducir con claridad y complejidad, cualquier

instrumento conocido, por medios netamente electrónicos.

El mejor ejemplo de la electrónica es la música sinfónica, reproducida con precisión y

calidad por medios electrónicos.

Aun así, se incursionó en nuevos ritmos muy artificiales, los cuales han invadido las

discotecas europeas.

Las diversas variaciones de la electrónica son:

Hip-hop.

Electrónica alternativa.

Tecno.

Electrónica sinfónica.

La música electrónica es la más aceptada en el mundo, ya sea ejecutándola

directamente, ó utilizándola como música de fondo en casi todos los géneros

musicales, presentándose desde un piano, hasta efectos vocales.


Pluralidad musical. Todo buen músico con experiencia acumulada sabrá que ritmos y géneros satisfacen

las exigencias de una lírica y sus gustos propios.

También el músico sabrá cuando detenerse, para no asfixiar una melodía con excesiva

cantidad de instrumentos, perdiendo la armonía y el sentido de la lírica.


-¿Qué influencia tienen los diferentes ritmos regionales en su concepto personal

de la música?

-Realice un profundo análisis sobre los ritmos regionales.

-¿A que se refiere la expresión ‘pluralidad musical’?


Ejercicio #79.

Elegir un ritmo, tiempo y melodía de una canción al azar y practicarla, de

preferencia en grupos de 3 a 5 personas.

Guitarra y música rev2014

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