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Historia de la Música
2º Bachillerato Humanidades
Conceptos preliminares
Monodia. Música a una sola voz, sin acompañamiento vocal o instrumental.
Ejemplo: el Canto gregoriano, música religiosa propia de los siglos VI al XIII, o las
cantigas de Alfonso X el Sabio o las de Martín Códax.
Polifonía: Música a dos o más voces o instrumentos. Puede ser de dos tipos:
Polifonía vertical, cuando las voces llevan ritmos simultáneos y el texto se
pronuncia a la vez. Ej. Fragmento de un Ave María a 4 voces de Tomás Luis de
Victoria, siglo XVI:
Polifonía horizontal, cuando las voces no llevan ritmos iguales y el texto, se
canta escalonadamente, como si las voces se fuesen persiguiendo, a modo de
imitación. Ej. Fragmento del motete “Ecce nunc benedicite Domine”, de Palestrina,
siglo XVI:
Todas las voces realizan la misma o parecida melodía, pero la comienzan en
momentos diferentes. A esta forma de hacer música también se le llama contrapunto,
estilo fugado o imitativo. Si la imitación es exacta se llama canon.
Estilos vocales
Al cantar una melodía podemos hacerlo de cuatro posibles modos, estilos o
tipos de vocalización:
Estilo salmódico, cuando a una o dos notas como máximo corresponde todo el
texto:
El rapp podría ser considerado un tipo de salmodia.
Estilo silábico, cuando a cada sílaba corresponde una nota diferente:
La mayoría de las canciones actuales están escritas en este estilo, especialmente
cuando se desea una buena comprensión del texto.
Estilo neumático, cuando a un grupo pequeño de notas diferentes corresponde
una sola sílaba:
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La mayoría de las canciones suelen ser silábicas con pequeñas figuraciones
neumáticas.
Estilo melismático, cuando a un grupo muy extenso de notas corresponde una
sola sílaba:
Los estilos neumático y melismático son más propios de la música culta. Al
cantar con largos melismas, la melodía aparece mucho más ornamentada, por lo que
se utiliza en ocasiones solemnes o especiales.
Historia de la Música de Occidente
Desde el punto de vista musical, a pesar de las diferencias que hay entre las
demás ramas del arte, podemos acogernos a la tradicional división de la historia que
reconoce los siguientes períodos:
1. Edad Media, siglos V al XIV y buena parte del XV.
2. Renacimiento, siglos XV y XVI.
3. Barroco, siglo XVII, hasta la muerte de Juan Sebastián Bach en 1750.
4. Clasicismo, siglo XVIII, desde 1750 hasta 1820.
5. Romanticismo, siglo XIX, desde 1820 hasta 1890
6. Las vanguardias del siglo XX.
Esta clasificación de la historia de la música en períodos, como la de las
restantes artes, se ha debido a una necesidad metodológica fundamentada en la
variedad de realidades sociales, históricas y estilísticas que la han hecho posible.
Coincide con las grandes divisiones de la historia general de la humanidad.
No establecemos fechas concretas por considerar que no existe un año o
momento determinado, en el que cambie un período, más aún, es sabido que al poco
tiempo de iniciado uno, ya se pueden vislumbrar las características del siguiente, por
lo que, únicamente, hemos señalado siglos a nivel orientativo cronológico.
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La Edad Media, (siglos V a XV)
En la Edad Media se distinguen dos estilos artísticos: el románico y el gótico.
Románico, siglos V al XIII, caracterizado por música monódica e inicio de la
polifonía. Se inicia con el Canto Gregoriano como lo más interesante de su música
religiosa, siglos VI al XII. En general la música de esta etapa es simple, acorde con la
sobriedad y austeridad características del románico. Desde el punto de vista musical a
este período se le llama Ars Antiqua, siglos XI-XII-XIII.
La primera música polifónica aparece poco antes del año mil de forma
rudimentaria. Dos o más voces siguen movimientos paralelos a un intervalo fijo de
distancia (normalmente quintas, lo que se conocía con el nombre de organum):
Gótico, siglos XIV y XV. La polifonía como recurso expresivo habitual, música
más complicada, sobre todo desde el punto de vista rítmico, acorde con la mayor
ornamentación y complejidad del gótico. Desde el punto de vista musical a este
período se le llama Ars Nova, siglo XIV y buena parte del XV.
Surge en este período una nueva forma de hacer polifonía más compleja: una
voz discurre con figuras largas, inspidada en el Canto Gregoriano o en la música
popular (se llama “vox principalis” voz principal), mientras una o dos voces
secundarias se mueven en diferentes intervalos, con figuras más breves (“vox
organalis” o voz organal). A este tipo de composición se le llama motete, término que
en el Renacimiento adquirirá el significado de canción religiosa.
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En cuanto a la música religiosa destacan en la Edad Media dos ejemplos: El
Canto Gregoriano y el Códice Calixtino en Galicia. Las características del Canto
Gregoriano y también de la música monódica del Códice Calixtino son:
1. Canto mónódico “a capella” sin acompañamiento instrumental
2. Se canta en latín, el idioma oficial de la Iglesia
3. Su ritmo es libre, no hay compás. Sigue las acentuaciones naturales del
texto.
4. Contiene fragmentos silábicos, neumáticos y melismáticos, dependiendo de
la necesidad de mayor o menor ornamentación según el destino.
5. La melodía evoluciona sin brusquedades y generalmente por grados
conjuntos. La amplitud es la de una 5ª o 6ª.
Un aspecto muy importante de la época medieval es su música trovadoresca.
El trovador era poeta-compositor no necesariamente instrumentista. Podía o no tener
buena voz, y podía o no gustarle aparecer en las cortes y salones como cantante. Si lo
hacía, probablemente utilizaba los servicios de un juglar como acompañante con
algún instrumento. Si no aparecía personalmente, usaba de estos servidores tanto para
la parte vocal como para la instrumental. Los juglares al servicio del noble trovador,
debían aprender de éste sus canciones, cantarlas públicamente y hacerlas conocer. El
juglar era el artista para el entretenimiento en la Europa medieval, dotado para tocar
instrumentos, cantar, contar historias o leyendas. Se diferenciaban de los trovadores
por sus orígenes más humildes, por tener como fin entretener y no ser autores de sus
versos, porque generalmente eran copias de versos de trovadores arreglados por ellos
mismos, aunque los había que componían sus propias obras.
Las características de la música trovadoresca son:
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1. Está escrita en lengua romance (lenguas procedentes del latín como el gallego
o el castellano). Son ejemplo de lo que acabamos de decir las cantigas de Santa
María, de Alfonso X El sabio. Su texto está escrito en gallego y en notación cuadrada.
2. Es monódica con acompañamiento instrumental
3. Silábica con ocasionales figuraciones melismáticas
4. Las melodías suelen tener una extensión máxima de una sexta
5. Su rítmica seguía sin más las acentuaciones naturales del texto, aunque más
marcado ritmo que en el Canto Gregoriano.
6. Por su temática se distinguen canciones históricas, dramáticas, pastoriles,
jocosas, etc., pero el tema fundamental es el amor.
Para el estudio y conocimiento de los instrumentos de la época medieval,
disponemos de escasa documentación, especialmente del siglo V al IX. Pinturas y
esculturas sirven de base de investigación. La lira y la cítara son los más extendidos,
así como la pandûra (especie de pequeño laúd de tres cuerdas). Al lado de estos tres
instrumentos, muy característico era la rota, instrumento de cuerdas pulsadas. De esta
época es el arpa y también el órgano, que no dejará de usarse desde la antigüedad y
muy pronto ocupa un lugar preferente en la música instrumental.
Dos instrumentos aparecen al final de la Edad Media y se desarrollarán
ampliamente en el Renacimiento y Barroco son el clavecín y el clavicordio. Su
técnica consiste en puntear o golpear (clavecín o clavicordio respectivamente) las
cuerdas por medio de una púa o plancheta unida a un teclado. Tuvo más aceptación el
clavecín ya que proporcionaba mayor cantidad de sonido y mejor afinación. Por ello
desplazó al clavicordio en su uso para la música de conjunto.
Una característica esencial durante toda la Edad Media y buena parte del
Renacimiento es que no existía conciencia instrumental precisa, por ello no se
solían especificar los instrumentos en las partituras. Unicamente se señalaban las
partes de los bajos y de los altos siendo indiferente qué instrumento o voz lo realizase.
Se dejaba a lo que en el momento hubiese disponible. Además, como los instrumentos
no estaban muy perfeccionados, los instrumentistas, tocaban varios tipos de
instrumentos. Por el momento no había una especialización instrumental y no llegará,
al menos, hasta finales del Renacimiento o principios del Barroco.
Autores de la Edad Media
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Guido de Arezzo. Siglo X-XI. Famoso teórico musical italiano. Se le considera
como el fundador o perfeccionador del actual sistema de notación musical, inventor
de los nombres de las notas, de las claves y de la pauta musical.
Alfonso X el Sabio. Toledo 1221-Sevilla 1284. Rey de Castilla y León, poeta,
músico y erudito que supo rodearse en su corte de los mejores cantores, trovadores e
instrumentistas de su tiempo. Se compuso bajo su mandato y con su posible
colaboración 423 Cantigas de Santa María, escritas en lengua gallega, máxima
aportación a la monodia musical medieval.
Martín Codax, (o Martim Codax) fue un juglar gallego, posiblemente de Vigo,
por las continuas referencias a dicha ciudad en sus poemas, de entre mediados del
siglo XIII y comienzos del siglo XIV. Se le atribuyen 7 cantigas de amigo que figuran
en los cancioneros de lírica galaicoportuguesa y en el Pergamino Vindel, en el que
figura su nombre como autor de las composiciones. El descubrimiento de este
pergamino fue fruto del azar: sucedió cuando Pedro Vindel a principios del siglo XX
lo encontró en su biblioteca, sirviendo de forro a un ejemplar del “De officiis” de
Cicerón.
De los 7 poemas de Martín Codax, 6 de ellos incluyen la música. Gracias al
pergamino Vindel, se conserva también la notación musical de estas composiciones.
El Renacimiento (siglo XV-XVI)
Durante el renacimiento hay un creciente interés por la música instrumental. El
primer paso consiste en un paulatino desarrollo de la conciencia instrumental que
culminará en el barroco. Los artesanos procuraron perfeccionar técnicamente los
instrumentos, buscando al mismo tiempo potenciar su valor artístico, tanto por su
belleza como por los materiales empleados. Los compositores, al disponer de mejores
instrumentos, escriben piezas de mayor dificultad que obligan a los instrumentistas a
especializarse en uno solo. Nacen así técnicas específicas para tocar cada instrumento.
Los teóricos idean nuevos sistemas de escritura musical, distintos a los de la
música vocal, a base de cifras, dibujos de las posiciones de los dedos, etc.
Se crean nuevas formas musicales exclusivamente instrumentales, entre las que
podemos mencionar:
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1. Variación, en la que el compositor presenta un tema sencillo y después
elabora diferentes variantes, pero de tal manera que el tema es reconocible. En España
esta forma recibió el nombre de diferencias.
2. Toccata, pieza breve para instrumento de tecla, empleada como preludio o
prólogo de otra de mayor importancia. Suele ser de tiempo rápido para que el
intérprete pueda mostrar su habilidad.
3. Fantasía, pieza de carácter libre, donde es más importante la imaginación del
compositor, o la improvisación, que la estructura, que pasa a un segundo término. En
España se llamaron tientos.
También se cultivaron en las cortes europeas muchos tipos de danzas, es decir,
obras escritas para ser bailadas: la pavana, la zarabanda, la gallarda, la giga, etc.
Pero además de una floreciente música instrumental existió la vocal, tanto
religiosa como profana. En unos momentos en que la práctica musical es signo de
refinamiento cultural, surgirán una serie de formas de recreo de las minorías. En
Italia, especialmente en la ciudad de Florencia, se cultivaron las formas más
significativas del espíritu humanista y desde allí se difundieron por Europa,
adoptando rasgos diferentes en cada país. Son en general formas ligadas a la
literatura, en las que la música tratará de expresar lo que diga el texto:
1. Madrigal, típicamente italiano, a dos o tres voces sin acompañamiento. La
música sigue la estructura libre del verso, con temas de carácter lírico, amoroso y muy
rico en elementos expresivos. Luca Marencio y Claudio Monteverdi fueron grandes
madrigalistas.
2. La chanson, esencialmente francesa, a varias voces y con acompañamiento.
Sobre texto estrófico en el que encontramos elementos descriptivos, resueltos
musicalmente con onomatopeyas, etc. De entre sus muchos cultivadores podemos
citar a Clément Janequin.
3. El villancico, cultivado esencialmente en España. Se estructura sigue el
esquema de copla estribillo, acabando con un verso que rima con el estribillo. Su
texto es libre, ordinariamente popular, sencillo y de gran fuerza expresiva. Suele ir
acompañado de instrumentos de tipo popular y eran cantados en las diferentes cortes
de los reinos de España. Juan del Encina fue uno de los más famosos de su tiempo.
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Además de estas formas menores, surge una nueva forma musical de
extraordinaria trascendencia al final del siglo XVI. En la ciudad de Florencia, tiene
lugar un acontecimiento que dará origen a la "Opera". Un grupo de poetas, reunidos
en torno al círculo cultural del conde de Bardi, con el ideal de resucitar el teatro
clásico, crearon un espectáculo dramático musical que será el punto de partida del
futuro género operístico. La acción, de argumento mitológico, se desarrolla sobre el
escenario con coros y orquesta, como en el teatro griego, pero con la diferencia de que
todo es cantado, incluso las partes llamadas recitativos (por ser recitadas). Sabemos
que se compusieron óperas a finales del siglo XVI, de las que sólo conservamos
Eurídice, con música de Peri, estrenada el año 1600 en el palacio Pitti de Florencia,
con ocasión de la boda de María de Médicis con Enrique IV.
En cuanto a los instrumentos del renacimiento, podemos decir que hubo un
especial desarrollo de los polifónicos y de los melódicos:
Polifónicos de teclado:
Órgano, el instrumento más preciado en la Iglesia. Es en el Renacimiento
cuando comienzan a construirse los grandes órganos de tubos de las iglesias.
Clavicémbalo y clavicordio, de cuerda pulsada o percutida respectivamente.
Polifónicos sin teclado:
Laúd, instrumento muy utilizado en las cortes para interpretar danzas, por lo
que es tan frecuente verlo en las pinturas de la época, con su peculiar forma
abombada y con el mástil torcido.
Vihuela, que fue la variante española del laúd, con una caja de resonancia plana
por detrás y mástil más corto.
Melódicos:
Que podemos agrupar en cuerda frotada (violas y violines) y viento (madera y
metal, es decir flautas, oboes, clarinetes o trompas, cornetas, etc.).
En cuanto a la música religiosa vocal del renacimiento, hemos de tener en
cuenta una serie de acontecimientos que la condicionarán. Sobre todo la ruptura de la
cristiandad. Cada una de las iglesias protestantes buscará nuevos caminos, mientras
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que la católica, con una tradición musical muy fuerte, llevará la polifonía a su punto
más álgido.
En Alemania, a principios del s. XVI, Lutero se separa de Roma, estableciendo
el protestantismo. Era un gran aficionado a la música y convencido de su gran valor
ético, procuró impulsarla en su iglesia reformada. Tradujo la Biblia al Alemán,
obteniendo gran cantidad de textos a los que poner música, iniciando una etapa de
gran creatividad. Solían ser a cuatro voces y fueron llamados corales.
En el seno de la Iglesia Católica existía una cierta preocupación por la
complejidad a la que había llegado la música polifónica del Ars Nova. Los
compositores se recreaban elaborando obras de gran dificultad técnica y a muchas
voces, por lo que el texto quedaba confuso. Por este motivo, algunos eran partidarios
de suprimir la polifonía, volviendo a la pureza del canto gregoriano.
Durante el Concilio de Trento (1545-1563) se nombró una comisión de
cardenales para estudiar la situación de la música, adoptándose los siguientes
acuerdos:
1. El canto gregoriano sigue siendo el canto oficial del la Iglesia.
2. Se admite plenamente la polifonía pero se recomienda la claridad del texto, la
dignidad en la expresión, etc.
Se recuerda también el papel de la música en la Iglesia, donde está presente "no
para satisfacción del oído, sino para ayudar a los fieles a elevar el alma a Dios".
Estas disposiciones, con la ayuda del mecenazgo de papas, reyes y príncipes,
fueron seguidas por los compositores, que elevaron este siglo a la categoría de "Siglo
de Oro de la polifonía".
Había una extensa actividad musical que se dasenvolvía en las Capillas de la
nobleza y de las catedrales principalmente. Allí se reunían los mejores
instrumentistas, organistas, cantantes que eran dirigidos por el Maestro de Capilla.
Éste era el encargado de organizar y componer la música que debía interpretarse en
los diferentes actos, ya fuesen religiosos o profanos.
Autores más destacados del Renacimiento.
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Tomás Luis de Victoria. (Avila 1549- Madrid 1611).
Durante cuarenta años, a partir de 1565, ocupó varios cargos importantes en
Roma. Es uno de los más grandes compositores del Renacimiento, seguramente
discípulo de Palestrina. Escribió abundante música de iglesia sin acompañamiento, en
el estilo contrapuntístico propio de la fecha. Su característica esencial es un
misticismo apasionado.
Juan del Encina. (Salamanca, 1468, León 1529).
Músico, poeta y dramaturgo. Trabajó en Roma para diversos papas. Su
producción musical se encuentra dispersa en diversos cancioneros (Upsala,
Colombina, Palacio…), casi todas sus composiciones son profanas y a varias voces,
tomando la estructura de romance, canción y villancico profano y religioso.
El Cancionero de Palacio (1474-1516) se encuentra en la Biblioteca del Palacio
Real de Madrid y reúne más de cuatrocientas composiciones de diversos autores,
además de un buen número de otros anónimos. Juan de la Encina destaca por encima
de los demás con unas sesenta obras. El Cancionero de Palacio constituye una
antología de la canción polifónica que se podía escuchar durante el reinado de los
Reyes Católicos. De hecho, la corte de Isabel y Fernando se convirtió en centro de la
actividad musical y atrajo a muchos instrumentistas y compositores en su mayoría
españoles. Este repertorio era interpretado en gran variedad de escenarios y con
instrumentaciones diversas, según disponibilidad.
Recopilado durante al menos un periodo de cuarenta años, evidencia cambios
en estilo y forma y acoge gran cantidad de temas (histórico-político, caballeresco,
amoroso, religioso, …) así como diversas formas musicales desde elaboradas piezas
hasta sencillas composiciones de marcado carácter popular. Aunque la mayoría de las
canciones están en castellano también encontramos algunas en francés o portugués y
lo que es más original, algunas en que se mezclan idiomas (castellano e italiano en
“Fata la parte”).
Giovanni Pierluigi da Palestrina. (Palestrina 1525-Roma 1594).
Figura cumbre de la escuela romana de polifonía clásica. La pureza, claridad,
precisión y equilibrio de sus obras, fueron tomadas como ejemplo de las normas del
Concilio de Trento. Compuso 110 misas y cerca de 600 obras más cortas entre
motetes, salmos, himnos, lamentaciones…
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Orlando di Lassus. (Mons 1532-Munich 1594).
El más importante de los compositores flamencos y uno de los más grandes
polifonistas del renacimiento. Sus primeros madrigales le dieron gran fama. Viajó por
toda Europa, asimilando y sintetizando con facilidad los diferentes estilos de
canciones francesas, alemanas, italianas y flamencas. Gozó de grandes honores y
privilegios.
El Barroco
Comprende aproximadamente el siglo XVII y primera mitad del XVIII hasta
1750, año de la muerte del compositor cumbre de esta etapa, Juan Sebastián Bach. Se
crearon formas musicales nuevas, algunas de las cuales serán fundamentales en el
período clásico (ópera, oratorio, cantata, sonata, sinfonía y concierto). Las
características que definen este siglo son:
1. La música profana adquiere más importancia y llega a prevalecer sobre la
religiosa por el creciente auge de la ópera.
2. Creación y desarrollo de la ópera y oratorio como grandes géneros del
barroco, además de la sonata, la sinfonía, suite, concierto y concerto grosso.
3. Independencia del estilo vocal e instrumental, es decir, se compone pensando
en unos determinados instrumentos o voces para la realización práctica de las obras.
4. La disonancia se utiliza como elemento indispensable del lenguaje expresivo.
5. Las melodías suelen estar muy ornamentadas y siempre son aconpañadas por
el clave que realiza lo que se conoce con el nombre de bajo continuo1.
Fragmento de un aria de la cantata 82 de J.S. Bach:
1 El bajo continuo es el acompañamiento obligado que lleva la melodía en el barroco. Suele estar a cargodel clave, violoncello y órgano.
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6. Coexisten los dos estilos, vertical y horizontal, llegando éste último a
desarrollos muy brillantes, especialmente con las figuras de Bach en Alemania,
Haendel en Inglaterra y Vivaldi en Italia.
7. Efecto expresivo de forte y piano a base de contrastar grupos de muchos
instrumentos y de pocos instrumentos.
La música se desarrolla en el marco de Capillas Musicales en Catedrales y
palacios de nobles. Los compositores encargados de componer la música para los
actos de la liturgia eran los Maestros de Capilla. Estaban al frente de una serie de
músicos (instrumentistas y cantores) que servían las necesidades musicales del culto y
constituían la capilla de música de la catedral o casa noble a la que servían. En una
capilla de música había las siguientes funciones:
1. Maestro de capilla (dependiendo de la importancia de la capilla, podían
llegar a ser dos, un primer y un segundo maestro de capilla).
2. Organista, uno o dos.
3. Coro de niños, todos varones, que estudiaban en la escolanía (centro de
enseñanza donde aprendían todas las materias, especialmente la música).
4. Cantores adultos (bajos, tenores y contratenores), siempre varones.
5. Instrumentistas, de cuerda y viento.
Para cubrir las plazas remuneradas (organista, instrumentista y maestro de
capilla), se hacía por medio de una oposición.
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Era frecuente que los músicos de la capilla, desde su maestro, pasando por los
instrumentistas, hubiesen sido de niños cantores en la escolanía, comenzando allí sus
estudios musicales. También se consideraba requisito indispensable el sacerdocio para
ejercer algún puesto en la capilla, especialmente el del maestro. Este hecho limitó
mucho, o al menos no favoreció un desarrollo más brillante, en la música española del
siglo XVIII, XIX y XX, siglos que coinciden con su período de decadencia
económica, por lo que las figuras destacadas en la labor de composición ya no
optaban por el sacerdocio como medio para desarrollar su profesión de músico.
En cuanto a las formas musicales barrocas, podemos hacer la siguiente
distinción:
Formas instrumentales
Durante el barroco se alcanzada en los instrumentos, especialmente en los de
arco, un alto grado de perfección, al igual que en los de tecla (clavicordio y
clavicémbalo) y naturalmente en el gran órgano de las iglesias. Esquemáticamente las
formas más cultivadas son:
Preludio, toccata, fuga ... formas breves para ser interpretadas en instrumentos
de tecla.
Sonata a trío, generalmente para dos violines, que llevan la parte melódica, y
un clave, que realiza el contínuo.
Concerto grosso, para orquesta y un pequeño grupo de solistas.
Concierto solista, para orquesta y un solista.
Suite, ordinariamente para un grupo de cuerda y contínuo.
Formas vocales
Por lo que se refiere a la música vocal, se trata de las mismas formas del
renacimiento, pero con el nuevo estilo de la melodía acompañada:
Cantata, para coro, solistas, cuerda y contínuo, sobre texto religioso, muy
utilizadas en el culto de la Reforma Protestante: cantatas de Bach..
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Oratorio, similar a la cantata pero de mayores proporciones. Se dice que un
oratorio es la reunión de varias cantatas.
Opera, que procede del Renacimiento.
Autores más destacados del Barroco.
Juan Sebastián Bach. (Alemania, Eisenach 1685-Leipzig 1750).
Organista, clavecinista, violinista y compositor alemán que representa sin duda
alguna el cenit del barroco en Alemania. Al igual que Haendel, su coetáneo, no
inventó formas ni estilos nuevos. En vida fue conocido más como intérprete que
como compositor, por eso su música cayó en el olvido, hasta que Mendelsshon la
descubrió en 1829. Huérfano de padre a los 10 años, se encargó de su educación su
hermano Christoph. A los 15 aparece como cantor en San Miguel de Lüneburg, donde
estudió violín y clave. Después de su breve servicio en la Corte de Weimar (1703),
ocupa el puesto de organista en la iglesia de Arnstadt hasta 1707, cuando pasa a
desempeñar el mismo cargo en Mülhausen. De su matrimonio con María Bárbara
tuvo 7 hijos. En 1708 está de regreso en Weimar, primero como organista y luego
como director de la orquesta de cámara. Dará conciertos de órgano y clavecín en
algunas Cortes y ciudades, extendiéndose su fama de intérprete. En Weimar compone
abundante música religiosa. Pasados 9 años, se traslada a Cöethen como director de
cámara del príncipe calvinista Leopoldo; aquí producirá sus obras maestras de cámara
y clavecín. Muerta su esposa en 1720, se casa en 1721 con Ana Magdalena. En 1722
gana la plaza de cantor de la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, donde permanecerá
hasta su muerte, acaecida en 1750. Sus ocupaciones en esa ciudad consistirán en
esencia en dar lecciones al coro de niños y jóvenes, componer semanalmente sus
cantatas y dirigir el coro y orquesta. En total tuvo 20 hijos, la mayoría destacados
músicos y para los que escribió muchas obras. Era un hombre profundamente
humano, místico, cristiano sincero, de carácter pacífico, afectuoso, humilde y de un
fino humor. Su obra vocal se reduce casi en su totalidad a lo religioso. Era natural que
un hombre que pasó la mayor parte de su vida al servicio de la Iglesia, dedicase a ésta
gran parte de su producción. Su música religiosa, que alcanza a veces gran
dramatismo, nos habla con el mayor sentimiento místico de las alegrías y sufrimientos
del cristiano, así como de la Pasíon de Cristo. Tiene unos 371 corales a 4 voces, con o
sin acompañamiento de órgano. Compuso más de 300 cantatas para el culto luterano,
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1 0ratorio de Navidad, varios de Pascua y de Ascensión. Pero por encima de toda la
producción sacra destacan sus 2 Pasiones (según San Mateo y según San Juan). De
entre sus misas (4 luteranas) merece destacarse la católica en si menor. También
compuso para casi todas las combinaciones y géneros instrumentales entonces en uso,
a los que aplicó el principio de la imitación, canon y fuga. Sin embargo sus
preferencias instrumentales se decantan hacia el rey de los instrumentos, el órgano.
Sus formas preferidas para este instrumento son el preludio y la fuga. Es considerable
también el número de obras que compuso para clave, muchas también en forma de
preludio y fuga. Compuso música de cámara, para toda clase de instrumentos solistas,
destacando por su especial belleza los Conciertos de Brandemburgo.
Jorge Federico Haendel. (Halle-Alemania 1685-Londres 1759).
Compositor, organista violinista y clavecinista contemporáneo de Bach. Su
padre, quiso que se dedicara a las leyes, pero pudo más su inclinación artística hacia
la música. En 1707 visita Italia, donde presenta con éxito varias óperas. Allí
permanece hasta 1710, en que pasa a Londres, donde es tal su prestigio como
organista y compositor de óperas que pronto empieza a ser considerado como el
sucesor del famoso compositor inglés Henry Purcell. Comparte su vida entre
Inglaterra y la Corte de Hannover en Alemania, hasta que el elector de esta Corte es
proclamado rey de Inglaterra. Entonces fija definitivamente su residencia en Londres.
Compuso óperas (Julio César, Jerjes…), oratorios (Mesías, Judas Macabeo,
Esther…), música instrumental y religiosa, caracterizada por su gran brillantez y
efectos grandiosos, siempre con los medios más simples.
Antonio Vivaldi. (Venecia 1678-Viena 1741).
Violinista y compositor italiano. Figura cumbre de la música de cámara de la
primera mitad del siglo XVIII. Ordenado sacerdote, renunció pronto a celebrar misa,
debido a una enfermedad no especificada. El color rubio de sus cabellos le valió el
sobrenombre de "Il prete rosso". Fue violinista de San Marcos de Venecia y maestro
de conciertos y coro del "Ospedale della Pietá" para niños y niñas abandonados o
huérfanos. A sus conciertos asistía mucho público femenino. Murió pobre y
abandonado en Viena. Destacan sus conciertos L'estro armónico, y sobre todo las
"Cuatro estaciones, en las que sobresale su insinuante carácter descriptivo de la
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naturaleza. Compuso también diversos conciertos para instrumentos solistas como la
mandolina, oboe, fagot, flauta,…
El Clasicismo
Interesa aclarar algunos conceptos en torno al término clasicismo. Arte Clásico,
en sentido estricto, es el arte del período correspondiente a los siglos V y IV antes de
Cristo. Y clasicismo se ha llamado a los períodos en los que se ha imitado de un
modo más o menos libre los modelos de la antigüedad clásica. Tales períodos han
sido principalmente el Renacimiento y segunda mitad del siglo XVIII, que en Francia
se adelanta al último tercio del siglo XVII. Esta última época es a la que se ha
designado comúnmente en las artes y en la literatura con el nombre de Clasicismo.
Por extensión e impropiamente, el nombre de Clasicismo se aplicó también a los
momentos de culminación y perfección de un período histórico, que es como suele
entenderse en música. Abundando en este sentido, el concepto de música clásica ha
sido aplicado también indebidamente, no sólo a la música comprendida en la segunda
mitad del siglo XVIII, sino a cualquier género de música histórica ya consagrada y
anterior a nuestra propia época, y hasta aún más impropiamente, a toda música no
ligera y folklórica.
Comprende el siglo XVIII (1750 a 1820) y se caracteriza por:
1. Música más objetiva y fría, contenida en sus emociones, cortesana, elegante y
en general pensada para las cortes de la nobleza y clero. Se aleja de todos los
ornamentos típicos del barroco. Este período surge como oposición y contraste al
anterior, como lucha contra sus exagerados y exuberantes ornamentaciones. Se
establecen una serie de normas rígidas para la composición, que son seguidas por
todos los compositores y evitan el peligro de los excesos de mal gusto que hubo por
parte de algunos compositores del período anterior.
2. Nace la sonata clásica procedente de la antigua suite barroca y el concerto
grosso da paso al concierto solista para un instrumento con orquesta, en la forma de
sonata de tres movimientos (Allegro, Andante, Allegro).
3. Predominio del estilo vertical. El conjunto se presenta como una melodía
que es acompañada por un sencillo sistema de acompañamiento que habitualmente
repite los mismos diseños rítmicos. Esta melodía está compuesta siguiendo unos
esquemas muy rígidos: dos secciones de cuatro compases, de modo que la frase
completa tiene ocho. Fragmento desde el primer compás, primer movimiento de la
sonata en fa mayor KV 300 de Mozart:
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4. Uso de acordes sencillos con pocos cromatismos y escasas disonancias que
rápidamente resuelven en consonancias.
5. Empieza a desarrollarse el piano que llegará a sustituir al clave en su papel.
Fue ideado por Bartolomeo Cristofori a fines del XVII y aventaja al clave en las
buevas posibilidades expresivas que permite (diferente graduación entre el piano y el
forte, incluyendo el crescendo y el diminuendo, todo ello dependiendo de la
intensidad con se actúe sobre la tecla del piano-forte). Se sientan las bases de la
moderna orquesta, ya más amplia que en el Barroco. La extensión de los instrumentos
es aún reducida (generalmente evitan registros extremos), y los instrumentos que aún
no son usuales en la orquesta clásica son: trombones, tuba, flautines, corno inglés,
clarinete bajo, contrafagot, arpa, platillos, xilofón…
6. Uso de matices y signos expresivos (nunca bruscos) a base de fuerte, piano,
crescendo y diminuendo. El ritmo es sencillo y regular (cuadratura rítmica), con
silencios intercalados, como descansos contrastantes entre temas y melodías; por
regla general, guarda un movimiento regular a través de una sección. En el
acompañamiento del bajo es frecuente el diseño a base de acordes de tres sonidos en
forma sucesiva, que se repiten como muestra rítmica (llamado "bajo de Alberti", por
atribuirse a éste su introducción).
7. Continúa desarrollándose la ópera que llegará a grandes niveles con Mozart y
menor importancia de la música religiosa, siempre en favor de la ópera.
8. Clasificación de las obras no por su nombre sino por números agregados a la
palabra latina "opus", que significa obra (op.).
8. Aparecen los conciertos públicos y un gran desarrollo de la música editada.
9. Melodía. Claridad y simplicidad melódicas. Frases melódicas nítidas y más
cortas, regulares y cuadradas que en época precedente (es corriente la frase de ocho
compases), las cuales se abren y cierran con ciertos reposos. Incorpora en parte los
característicos adornos del Barroco.
18
Autores más destacados del Clasicismo.
Francisco José HAYDN. (Rohrau-Austria 1732-Viena1809).
Fue uno de los más grandes músicos del clasicismo junto con Mozart. De
familia humilde, se instruyó musicalmente como niño de coro en la Catedral de San
Esteban en Viena y en la composición como acompañante del cantante Pórpora. En
1761 pasó a formar parte de la Corte del príncipe Esterhazy en Eisenstadt, cerca de
Viena, en donde permanecería como director musical la mayor parte de su vida, a
excepción de algunas cortas estancias en Londres entre 1790 y 1795, por las fechas en
que se disolvía temporalmente la orquesta de palacio. Largas temporadas las pasaba
también en Viena, donde tuvo lugar su muerte en 1809. No es un innovador de formas
musicales, sino sólo perfeccionador. Divulga la sinfonía, consagra definitivamente el
cuarteto de cuerda y es un maestro consumado del tema con variaciones. Su música es
ingenua, sencilla, transparente, llena de gracia y delicadeza. No es profunda, seria ni
dramática, sino algo juguetona, con algunos rasgos descriptivos necesarios para
recrear la Corte, si bien no deja de reflejar la seguridad y proporción clásicas. Emplea
frecuentemente una temática de raíces populares, montada sobre frases cortas y claras
y ya con cierta individualización de los instrumentos. Compuso cerca de 104
sinfonías, cuyos títulos reflejan un alma alegre y candorosa, que se divierte
humorísticamente con esas pintorescas denominaciones: así la sinfonía sorpresa o del
timbal, para despertar a las cortesanas de sus sueños, la del reloj, la de Londres, etc.
También compuso 30 tríos de cuerda, 20 conciertos para clave y orquesta, 9 para
violín, 5 para celo, 2 para trompa, 2 para oboe, 60 sonatas para clave o pianoforte, 17
óperas, 14 misas, 40 cantatas, el gran oratorio La Creación, y un sin número de obras
religiosas y profanas. Podemos decir que Haydn es, en número, el compositor más
pródigo de todo el período clásico.
Wolfgang Amadeus MOZART. (Salzburgo, 1756-Viena, 1791).
La vida de Mozart está llena de alternativas; triunfos, incomprensiones,
sinsabores. Comenzó como niño prodigio explotado por su padre, Leopoldo, que lo
exhibió entre los 6 y los 11 años, junto a su hermana Nanerl, en varias giras de
conciertos por las cortes, teatros y salones de Europa. Sorprendía a cuantos le oían
tocar e improvisar al clave, órgano o violín, solo o acompañado por su padre o
hermana. Un slogan publicitario de un concierto dado en Francfort lo anunciaba de
19
este modo: " Toca el clave con las teclas tapadas, nombra desde lejos los acordes
que le den al instrumento, improvisa al clave y al órgano en cualquier tono".
Estableció su residencia como músico en la corte del arzobispo de Salzburgo (1769),
que combina con múltiples giras por Europa hasta 1778. Se trasladó a Viena en 1782,
casándose con Constanza Weber. Pasó por graves limitaciones económicas sufridas
durante los últimos años, lleno de deudas: componía y daba lecciones de clave por
precios casi irrisorios para poder sobrevivir. En medio de tales aprietos es cuando
compuso, hacia 1781, La flauta mágica, que tanta fama le daría a los pocos días de
morir, y el misterioso Requiem, encargado por un personaje anónimo que Mozart
creía venido de ultratumba para anunciarle su próximo fin; la obra fue completada por
un alumno suyo.
Asombra contemplar la gran cantidad de obras producidas en tan corta vida:
más de 600 (sin contar las atribuciones dudosas), no habiendo género alguno que no
cultivase. Creaba con la más sorprendente naturalidad y espontaneidad, siendo su
música ingenua y sencilla como su persona; la alegría de la misma oculta los
nubarrones de su existencia, siendo más graciosa y adornada que la de Haydn, además
de amable y galante, como correspondía a su carácter. Sus continuos viajes y
contactos demuestran su cosmopolitismo y sorprendente poder de asimilación de
estilos; así, amalgama la gracia melódica italiana y la claridad y elegancia francesa
con el rigor germánico. Compuso óperas (Las bodas de Fígaro, La flauta mágica, Don
Juan, El rapto del serrallo, Cosi fan tutte, etc), sonatas para piano, para violín y piano,
conciertos para piano y orquesta, cuartetos, quintetos, suites, marchas, y abundante
música religiosa.
Ludwig van BEETHOVEN. (Bonn, 1770- Viena, 1827).
Beethoven es uno de los más grandes genios de todos los tiempos y su música
representa el nexo entre el clasicismo que clausura, después de llevarlo a la cima, y el
romanticismo, cuyas puertas abre. Su principal éxito quizá resida en ser el
transformador del cambio de función social de la música: de ser patrimonio de unos
cuantos aristócratas, convierte a la música en patrimonio de toda la humanidad, al
conducirla desde los salones de los nobles a los conciertos públicos en teatros. Su
obra domina como una sombra toda la producción instrumental del siglo XIX.
20
El trato antieducativo de su padre, alcohólico, dejará honda huella en toda su
existencia. Se dedicará de lleno a la composición, viviendo de sus publicaciones y de
las lecciones que daba entre las familias aristocráticas, cuyas amistades y ayuda
económica se granjeó: Lichonowitz, Rasunowsky, Lobkowitz, Brunswick, etc. Al
morir su hermano Carl, se hizo cargo de su sobrino de 9 años, quien le acarreará
grandes disgustos durante cerca de 10 años.
Políticamente y civilmente Beethoven se considera un moderno demócrata y
republicano. No soporta el dominio de los tiranos; por esto borrará de su 3ª sinfonía el
título Bonaparte, sustituyéndolo por el de Heróica, cuando supo que Napoleón
Bonaparte, a quien iba dedicada, se había hecho coronar como emperador. En el
aspecto afectivo no fue feliz. No se casó. Se han sugerido diferentes nombres de
posibles amores no correspondidos (Julieta Guicciardi, Teresa von Brunswick,
Bethina Brentano), sin que se sepa con certeza quién era la llamada "amada
inmortal", de la que él habla. La sordera marcará su vida y carácter con un imborrable
sello que se refleja necesariamente en su música. Se manifiestan exteriormente los
primeros síntomas de la misma hacia 1801, aunque hacía ya algún tiempo que él la
soportaba en silencio. Hasta casi pensó en el suicidio en 1802, como se entresaca del
famoso testamento de Heligenstadt. Los desequilibrios de su desgraciada infancia, los
fracasos amorosos, los impulsos revolucionarios y su sordera son los factores que
forjarán su temperamento pasional. De aquí, que como buen romántico, se refugie en
su música, en su soledad y en la contemplación de la Naturaleza, factores que
compensarán en él la ausencia de comunicación con el mundo exterior. Las
autoconfesiones de su diario constituyen las páginas más tiernas y sublimes que
hayan podido salir de un corazón desgarrado.
Hasta el siglo XIX ningún músico supo expresar tan conmovedoramente como
Beethoven los profundos sentimientos y emociones, las alegrías y las penas del
corazón humano. Su música es continua lucha interior, de dolor y rebeldía, como lo
fue su vida. Al no poderse comunicar con el mundo exterior mediante la palabra,
concentra toda la fuerza dramática en su música. Se diría que la pasión, la dinámica,
el contraste y los cambios impulsivos y emocionales dominan toda su producción.
Con Beethoven la música se convierte en una efusión lírica del mundo interior del
artista. La escritura de Beethoven es segura, firme y armónica; sólo incidentalmente
su estilo es contrapuntístico. No crea nuevas formas, sino que amplía las ya
existentes, dándoles nueva vida: libera a las normas clásicas del formulismo en el que
21
habían caído. La forma tipo sonata dominará la mayoría de sus obras (cuartetos,
sinfonías, sonatas y conciertos); por eso participa en alguna medida del clasicismo,
aunque son muy abundantes las variantes que establece.
Desde mediados del siglo XX es tradicional dividir la obra de Beethoven en tres
etapas:
1. Primer período clásico, de asimilación (1795-1801), con obras que se
encuentran muy relacionadas con Haydn y Mozart. Aquí se incluyen los 6 primeros
cuartetos de cuerda, las 10 primeras sonatas para piano y la 1ª sinfonía.
2. Segundo período de realización o transición, (1801-1815), representa una
síntesis del pasado y una mirada hacia el futuro; Beethoven, convencido de que
después de algunas sinfonías de Mozart y de La Creación de Haydn el clasicismo
había llegado ya a su culminación, y a pesar de sus primeros éxitos, cambia de rumbo.
Su música es ya expresión y confidencia de sus ideas y sentimientos. El primer logro
fue la 3ª sinfonía o Heróica. También pretenecen a este período la Octava, el cuarteto
número 11, la sonata nº 28 para piano y la ópera Fidelio.
3. Tercer período o de contemplación (1816-1827); al refugiarse en su mundo
interior, su inspiración vuela ya libre de toda traba; el genio se sublima y se acentúan
las innovaciones. Aquí podrían incluirse desde la sonata 28 a la 32 para piano, la
Novena sionfonía, los últimos 5 cuartetos y la Misa solemne.
Compuso 9 sinfonías, 32 sonatas para piano, cuartetos de cuerda, 5 conciertos
para piano y orquesta, 1 para violín, 8 tríos con piano, la ópera Fidelio, sonatas para
violín y piano, obras menores, y también abundante música religiosa.
La maestría consumada de Beethoven reside en el desarrollo de sus temas.
Asombra ver como de algo tan simple como las cuatro primeras notas de la quinta
sinfonía haya obtenido tanto desarrollo:
El Romanticismo
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Con este término solemos referirnos a la historia, el pensamiento y el arte del
siglo XIX. Hemos de precisar inmediatamente que el romanticismo es un aspecto del
siglo XIX, pero no todo el siglo puede ser calificado de romántico.
Los límites cronológicos son, como en cualquier estilo artístico, imprecisos.
Algunos estudiosos, la mayoría, le hacen coincidir con el final de las guerras
napoleónicas (1815). Para otros hay un primer romanticismo alrededor de la
Revolución Francesa (1789); otros, por último, lo hacen nacer con la Revolución de
1830, en la cual es liquidado irreversiblemente el "antiguo régimen". En definitiva, no
en todos los paises surgió al mismo tiempo ni en todos tuvo la misma intensidad.
Al igual que la literatura o que la pintura, la música supo expresar de manera
insuperable el alma romántica. El triunfo, incluso social, de algunos músicos en toda
Europa eclipsó a los restantes artistas. En primer lugar, en la ópera, el espectáculo
favorito de la burguesía: no sólo los cantantes, sino los compositores, fueron grandes
ídolos europeos. Pero también triunfan los pianistas y los violinistas, los grandes
virtuosos de un instrumento musical, que viajan constantemente de concierto en
concierto. Más aún, toda la concepción del arte se hace desde la música, el arte
expresivo por excelencia. Los más grandes triunfos del romanticismo son musicales.
La música romántica está hecha para la burguesía, la clase social dominante; las
orquestas tocan no en las salas de fiesta de los palacios, como en el Antiguo Régimen,
sino en salas de concierto o teatros que acogen a una mayor cantidad de público.
Consecuencia inmediata es el engrandecimiento de la plantilla orquestal; la orquesta
del período clásico, pequeña, dobla el número de sus instrumentos de cuerda y arco
(la familia del violín), y se puebla de instrumentos de viento y, en menor medida, de
percusión. Incluso la música de cámara, hecha para la intimidad, se hace en salones
burgueses o en centros especializados. Nace la llamada música de salón, fácil y
sencilla, que se convierte en la música de consumo del buen burgués.
El instrumento de la burguesía es el piano, que va adquiriendo poco a poco
grandes dimensiones y mayor sonoridad. Para él se escriben muchas de las mejores
páginas de la música romántica y es, sin duda, el instrumento al que se destina mayor
cantidad de composiciones. Podríamos decir que hace las veces de nuestros aparatos
de reproducción musical, ya que incluso la música que no está compuesta para el
piano es adaptada o transcrita para él, a fin de que se haga popular y la pueda tocar
23
cualquiera: desde las arias de ópera a las sinfonías orquestales. En muchos hogares
románticos hay un piano y un pianista no profesional, a través de los cuales se efectúa
gran parte del consumo musical.
Si nos fijamos en los distintos tipos del mismo instrumento que aparece en el
salón burgués o en la sala de conciertos, comprenderemos también la diversificación
de las funciones que cumple la música romántica. En el salón hay un instrumento
vertical, que ocupa poco espacio; en la sala de conciertos o el teatro hay un
instrumento mayor, horizontal, más poderoso y sonoro, el piano de cola. El primero
es tocado por el aficionado; el segundo, por el profesional virtuoso y brillante, al que
se escucha previo pago.
En general, la mayor cantidad de público que participa en los espectáculos
musicales exige una música más fácil, menos complicada y menos seria. Pero al
mismo tiempo para justificar el dinero que le ha costado, el buen burgués aplaude y
prefiere el virtuosismo técnico, el "más difícil todavía" tanto en los instrumentos
como en el canto. Este estado de cosas tiene como consecuencia el que el artista
"serio" se rebele y desprecie este tipo de música; pero otros se acomodan
perfectamente a este gusto musical dominante y, a veces, logran hacer buena música
halagando al mismo tiempo.
En líneas generales hay una lenta, pero progresiva, separación entre la música
culta o seria y la música de entretenimiento. Hasta el triunfo de la burguesía, ala
música no se distinguía por este punto de vista: incluso la música de entretenimiento
o de circunstancias estaba hecha de la misma manera y con igual calidad que la
"seria", pues el público receptor era el mismo: la aristocracia y la intelectualidad.
Desde ahora la música culta va destinada a una minoría que la comprende y la
estimula, y la música ligera es consumida por el gran público, con escasa exigencia de
calidad. Aunque a veces la separación es difícil de establecer, y en ciertos momentos
esta música de entretenimiento consigue obras excelentes.
Pero también se da otro proceso paralelo. La música culta pierde alegría y
jovialidad. Parece que es consustancial a lo culto y minoritario el carácter sombrío y
taciturno. Lo alegre, lo vivaz e irónico es generalmente rechazado como algo
superficial y frívolo. La música culta no está hecha para divertir, sino o para
ennoblecer al oyente, intentando expresar o sugerir sentimientos y emociones.
24
Esta separación entre el artista y el público burgués es, sin embargo, ventajosa
para el desarrollo del lenguaje musical, que evoluciona con más rapidez que en
épocas anteriores. Evoluciona su sintaxis: la armonía es cada vez más atrevida, así
como las búsquedas rítmicas y dinámicas. Al ser la música expresión individual de
sentimientos del artista, rechaza las formas musicales preestablecidas o, si las utiliza,
las rompe y magnifica. Así la sonata y la sinfonía de este período hacen saltar los
esquemas clásicos. Se prefieren las pequeñas formas, de estructura muy simple, pero
que tienen la doble ventaja de adaptarse con más comodidad al contenido que quiere
expresarse y son recibidas con más facilidad.
Frecuentemente, la inspiración musical recibe un poderoso estímulo de algo no
musical, lo que se conoce con el nombre de Música programática: tipo de música
sinfónica que sigue un tema o programa literario o artístico en general, este programa
es el que conduce la obra; resultado de la tendencia literaria de los músicos
románticos. La sinfonía o la sonata se hecen portavoces de estos programas literarios,
o pasan llanamente a denominarse "poema sinfónico".
El romanticismo comprende el siglo XIX aproximadamente y en él podemos
distinguir como característica esencial la libertad, es el siglo de las libertades. El
compositor ya no se siente obligado a componer para el servicio de algún noble o
clérigo. Prepara sus obras siguiendo lo que su ánimo y sentimiento le inspiran sin
sentirse limitado por unas rígidas normas o esquemas formales.
El romanticismo es un estilo internacional, un lenguaje que se entiende en todo
el mundo dominado culturalmente por la burguesía europea. Pero en música es un
estilo de neta supremacía alemana. De Beethoven a Wagner, los artistas germánicos
imponen su concepción de la música culta, salvo en la ópera, en la que triunfan los
italianos.
Sin embargo, el centro musical europeo, allí donde confluyen todas las
influencias y todas las escuelas, es París. En su Conservatorio, modelo de centro que
imitarán muchas ciudades europeas, y en su Opera se marcan los estilos y consagran
internacionalmente los artistas, casi todos extranjeros. París es la capital de la música
romántica. Junto a ella, Londres y Viena, ciudades de gran actividad y consumo
musical, y las ciudades-estado alemanas: Leipzig, Dresde, Weimar. Las italianas sólo
importan para la ópera.
La melodía continuó siendo considerada como la parte vital de la música, pero
25
se vio sometida a una exploración mucho mayor con tratamientos armónicos mucho
más complicados. Se inspira en gran número de casos en el folklore, respetándose, al
principio, los esquemas clásicos de los ocho compases. El músico romántico no sintió
mucha inclinación por las formas excesivamente racionales que dificultan la
expresión libre, como la sonata o la sinfonía. Ello lo llevó a dos mundos
diferenciados:
1. El poema sinfónico, pieza de un solo movimiento en la que se dasarrolla
musicalmente y sin el auxilio de la palabra un argumento o programa. En su
formación y desarrollo destacan dos figuras: Berlioz (1803-1869) y Listz (1811-
1886).
2. Las pequeñas piezas, de estructura libre y que dan mayor margen de libertad
al compositor: valses, polkas, mazurkas, baladas, scherzos, barcarolas, rapsodias, etc.
Hay también un gran dasarrollo y popularidad de la ópera (Verdi, Rossini,
Bellini, Donizetti, Wagner, etc.), de las canciones con acompañamiento de piano (los
célebres lieder de Schubert, Schumann o Brahms) y asistimos al nacimiento del ballet
moderno.
En al campo de los instrumentos se hacen grandes avances. Se perfecciona el
piano y la gran orquesta sinfónica adquiere la configuración actual. Se fundan
sociedades filarmónicas que organizan conciertos de modo que la música llega,
ayudada también por la fuerte expansión de la música impresa, a las clases medias. La
música pasa definitivamente de los salones y capillas de reyes y príncipes, al pueblo,
por medio de los conciertos públicos, tertulias musicales y una nueva forma de
educación musical, que se impartirá en los recién creados conservatorios. Asi mismo
se hace más deslumbrante, apasionada y espectacular como fruto del abandono de las
frías y rígidas normas de composición. Es el siglo en el que los compositores llevan al
más alto nivel las dificultades técnicas de interpretación en sus obras, con lo que los
ejecutantes (pianistas o violinistas principalmente), tienen ocasión de lucir al máximo
sus habilidades en el instrumento.
Autores más destacados del Romanticismo:
Johannes BRAHMS. (Hamburgo1833- Viena 1897).
Su obra, aunque ampliamente encuadrada entre las formas clásicas, es de
temperamento romántico y sin duda, del tipo más pronunciado del romanticismo
alemán del siglo XIX. Evitó el poema sinfónico prefiriendo la forma clásica y
26
consagrada de la sinfonía. Brahms fue hijo de un humilde contrabajista de los teatros
de Hamburgo. Recibió una educación completa de un maestro local, al mismo tiempo
que se ganaba el sustento tocando en cafés y salas de baile. A los veinte años realizó
giras con un violinista judío-húngaro (Reméneyi), y fue conocido por Joachim y por
Listz, cuya ayuda recibió. Durante algún tiempo Joachim y Brahms estuvieron
enrolados en las filas del partido de Listz, pero en 1860, cuando Brahms tenía 27
años, se separaron definitivamente. Durante cuatro años ocupó un cargo en la corte de
alemana; luego vivió durante un año o dos en Suiza; finalmente se estableció en
Viena, donde pasó los últimos treinta y cinco años de su vida. Fue honesto y sincero
de carácter, de modales francos y a menudo rudos. Nunca se casó; para él su vida era
el arte. Entre sus obras merecen ser destacadas: cuatro sinfonías, dos conciertos para
piano, un concierto para violín y un doble concierto para violín y violoncelo. También
compuso abundante música de cámara, para coro con acompañamiento de piano y
gran cantidad de canciones con piano.
Federico CHOPIN. (Varsovia 1810- París 1849).
Es el único gran compositor romántico que dedicó casi exclusivamente sus
composiciones al piano, instrumento en cuya ejecución ocupa uno de los más
relevantes puestos de la historia de la música. Nace cerca de Varsovia, y recibe de
niño una educación musical mediocre. Se establece definitivamente en París hacia
1830, al enterarse de la toma de la capital de Polonia por los rusos, sin poder regresar
jamás a su tierra natal, que siempre añoró. Se dedicó preferentemente a la
composición y a tocar en los salones aristocráticos y círculos de amigos, llegando a
convertirse en el ídolo de París. Allí mantuvo relaciones amorosas con Wodzinska y,
sobre todo a partir de 1836, con la novelista George Sand, amistad que duró hasta
1847. Ésta cuidará su precaria salud en las temporadas que pasó en Nohant y, sobre
todo, en Valldemosa (Mallorca), donde empeoró aún más. Muere de tuberculosis en
1849, rodeado de admiradores. En su testamento expresaría tres deseos: no ser
enterrado vivo, echar sobre su tumba un puñado de tierra de Polonia que había
conservado siempre consigo y enviar su corazón a Polonia.
Sus formas favoritas son fantasías de corta extensión, en las que subjetivamente
se deja llevar por sus atormentados sentimientos de ternura, nostalgia y exasperación;
de aquí que la mayoría de sus composiciones sean baladas, estudios, nocturnos,
preludios, valses, y scherzos. Su estilo melódico es es lírico y cantable, con adornos
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que semejan arabescos y filigranas. Escribió 58 mazurkas, basadas en la vieja danza
polaca, 16 heroicas y brillantes polonesas que Schumann llamaría "cañones
escondidos entre rosas", 14 impromptus de gran vistosidad y luicimiento pianístico, 4
scherzos, 4 baladas, 20 nocturnos, 26 preludios, 3 sonatas, 2 conciertos para piano y
orquesta y 3 rondós.
Félix Mendelssohn. (Hamburgo 1809- Leipzig 1847).
Uno de los más grandes sinfonistas de la primera mitad del siglo XIX. De
familia rica, se dedicó a la dirección y composición desde muy joven. En su casa se
realizaban conciertos habitualmente. A los 20 años, redescubrió y dirigió la Pasión
según San Mateo de Juan Sebastián Bach. Entre sus sinfonías más conocidas,
destacan la Escocesa y la Italiana. Es muy conocida y célebre la Marcha Nupcial
contenida en la obra Sueño de una noche de verano, basada en la novela de
Shakespeare.
Giuseppe Verdi. (Busseto 1813- Milán 1901).
Es el más grande operista italiano del siglo XIX. Sus primeros años
transcurrieron entre penurias económicas y desgracias, hasta que un comerciante le
pagó sus estudios en Milán. Después de algunos fracasos musicales, comenzó su
carrera de éxitos con Nabuco. Fijó su residencia definitiva en la granja campestre
Santa Agatha, de la que sólo saldría para jiras triunfales y estrenos. Fue hombre
sencillo, sincero a veces rudo pero humano. De entre sus 26 óperas destacan:
Rigoletto, La Traviata, Il Trovatore, La forza del destino, Don Carlo, Aida, Otelo,
Falstaff.
Giaccomo Puccini. (Lucca 1858-Bruselas 1924).
Es el más destacado representante del verismo musical. Entre sus óperas
destacan: Manon, La Boheme, Tosca, Madame Batterfly y Tourandot.
Richard Wagner. (Leipzig 1813- Venecia 1883).
No fue niño prodigio. Entre sus grandes aficiones se contaba la pintura y la
literatura, siendo hombre de gran cultura. Intentó plasmar el lenguaje musical en el
28
drama. Se resistía a las normas musicales de sus maestros por no ajustarse a las
necesidades técnicas de sus dramas. Creó el Leit Motiv: motivo musical que da
unidad musical y argumental a la obra. Entre sus óperas más famosas destacan: El
buque fantasma, Tanhäusser, Lohengrin, la tetralogía El anillo de los Nibelungos (El
oro del Rhin, La walkiria, Sigfrido y El ocaso de los dioses).
Francisco Asenjo Barbieri. (Madrid 1823- Madrid 1894).
En 1837 ingresó en el Conservatorio de Madrid y estudió piano , clarinete ,
canto y composición. Por motivos económicos ejerció como clarinetista en bandas
militares y orquestas de teatros, copió música, tocó el piano en bailes caseros y dio
lecciones de canto. En 1846 se estableció en Madrid donde destacó como compositor
y musicólogo. Emprendió una enérgica campaña en pro de la ópera española y
organizó una sociedad para la creación de un teatro de la zarzuela. En 1850 comienza
la carrera definitiva con su primera zarzuela ""Gloria y peluca" que obtuvo un gran
éxito.
Ruperto Chapí. (Valencia-Villena 1851- Madrid 1909).
Desde los cinco años comenzó a estudiar música y a los 9 ya había escrito
varias piezas para la banda de su pueblo. A los 12 dirigía y a los 16 se fue a Madrid
con objeto de perfeccionar sus estudios (armonía, piano y composición). Se dedicó a
la zarzuela. Compuso muchas y todas ellas alcanzaron gran éxito. Se debe a él la
creación de la "Sociedad General de Autores, Compositores y Editores de Música".
Compuso gran número de zarzuelas entre las que cabe destacar "La revoltosa", "El
rey que rabió", "El puñao de rosas", "La tempestad", "La bruja", "El tambor de
granaderos", "La patria chica", "El milagro de la Virgen", hasta un total de 115.
También compuso una sinfonía , una jota para violín y orquesta, tres cuartetos y un
oratorio.
Federico Chueca (Madrid 1848- Madrid 1908).
A la muerte de su padre se dedicó a la música, a pesar de que ello le supuso
dificultades económicas. Hubo de trabajar en un café como pianista y nunca pudo
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completar su formación musical, por lo que siempre necesitó de colaboradores que
armonizasen sus melodías y jocosos versos. Sus principales colaboradores fueron
Barbieri, Bretón y sobre todo Valverde. Fue uno de los creadores y más notables
representantes del llamado género chico. Destacan: "La alegría de la huerta", "El
chaleco blanco", "El mantón de Manila", "Cádiz", "El año pasado por agua", "La
Gran Vía", "Agua, azucarillos y aguardiente" y otras muchas más.
Los nacionalismos del siglo XIX y siglo XX
Este fenómeno musical que se desarolla en Europa durante el siglo XIX y XX
tiene las siguientes características:
1. Búsqueda de la esencia popular a través del folklore.
2. Como formas musicales, la danza y la canción folklórica ocupan un lugar
preeminente.
3. Implica un sentimiento de rebelión política, de unión (Italia), o disgregación.
4. La línea folklorista es típica del primer nacionalismo (S. XIX), mientras que
en el siglo XX se introduce una línea más creativa.
5. Introducción de nuevos lenguajes musicales, con escalas y harmonías de
paises lejanos (Rusia, Polonia, Hungría…), y nuevas leyendas, lo que lleva a una
especial riqueza melódica.
El siglo XX
Podemos dividirlo en dos grandes etapas:
La música hasta la Segunda Guerra Mundial.
Desde la Segunda Guerra Mundial hasta nuestros días.
La música hasta la Segunda Guerra Mundial.
Durante este primer período del siglo XX, al igual que en el segundo, nos
encontramos con variedad de tendencias, en muchos casos simultáneas y a las que se
adhieren, en ocasiones, los mismos compositores, de modo que es posible encontrar al
30
mismo autor como representante de diversas corrientes. Nos limitaremos a citar a
cada autor sólo en un lugar, aunque también pudiera aparecer en otros.
Posromanticismo. Pertenecen a este grupo, autores que se estabilizarán en las
formas tradicionales de la sinfonía, concierto y música de cámara, aunque llevándolas
hasta sus ultimas consecuencias, dada la grandísima influencia que el wagnerianismo
ejerció sobre toda Europa con todas sus innovaciones. Entre los autores más
destacados cabe citar:
Mahler (1860-1911). Compositor y director austríaco de ascendencia judía. Fue
uno de los más grandes directores de la época, dirigiendo la Metropolitan Opera de
Nueva York, realizando al tiempo jiras de conciertos por Estados Unidos. Lo mejor
de su producción son sus canciones (Canción de la Tierra) y sus nueve sinfonías (la
novena incompleta). Sus sinfonías parecen inmensas cantatas, como la octava,
llamada De los Mil, por el gran aparato vocal e instrumental que la misma requiere.
Richard Strauss (1864-1949). Compositor alemán que recorrió el mundo en
diferentes jiras, llegando incluso a Barcelona y Madrid. Entre sus obras destacan Así
habla Zaratustra, que es un comentario, desde el punto de vista musical, de la
doctrina de Nietzsche (música programática..También son célebres las variaciones
que titula Don Quijote.
Impresionismo. Tanto en pintura como en música, es un fenómeno francés que
tendrá trascendencia en toda Europa.. Se caracteriza por utilizar la naturaleza como
punto de partida. El autor intenta captar su impresión y crear en el oyente una imagen
visual tan fuerte como pueda. Se evoca el objeto creando una atmósfera sonora
imprecisa; para ello utiliza escalas raras o no usadas (escala pentatónica) y modismos
de música oriental, superponiendo varios sonidos que dan una belleza sensual. Entre
los autores más destacados cabe citar:
Claude Debussy (1862-1918). Compositor francés, impulsor de este
movimiento musical. Inspirado en la poesía de Mallarmé, compuso Preludio a la
siesta de un fauno. Basándose en la naturaleza, tres nocturnos titulados Nubes,
Fiestas y Sirenas , al igual que su composición más famosa El mar, para orquesta y
abundante música para piano solo.
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Neoclasicismo. Basado en una vuelta atrás en los modelos del barroco, con un
lenguaje de búsqueda de la belleza externa, utilización de formas barrocas y clásicas
(concierto, sinfonía, tocata…), recuperación de la melodía, y huida del cromatismo
wagneriano. Entre los autores más destacados cabe citar:
Igor Stravinsky (1882-1973). Considerado como un música incalificable, desató
todo tipo de reacciones al estreno de sus obras. Contribuyó a la evolución del ritmo,
instrumentación y sonido, provocando reacciones contradictorias en el oyente. Se
pueden distinguir tres períodos en su vida:
a) Período ruso: Explota el folklore de su país, y consigue obras revolucionarias
famosísimas como El pájaro de fuego, Petruchska y sobre todo La consagración de
la primavera (1913), cuyo estreno en París, dio lugar a un tremendo escándalo en el
teatro.
b) Neoclásico, con obras como Puchinella, Octeto o Edipo rey.
c) Dodecafonismo, con obras cono Cánticum o Lamentaciones de Jeremías.
(1950)
Expresionismo. Visión desesperada del mundo, distorsionante, angustiosa e
incluso fea. Niega las leyes tradicionales de la harmonía: todas las notas son iguales y
se pueden relacionar libremente. Es el comienzo del atonalismo. Uso de la disonancia
continua, por lo que el lenguaje asume un carácter de fatiga, dolor y tensión. La
música no se somete a ninguna forma. Entre los autores más destacados cabe citar:
Arnold Schoenberg (1885-1951). Compositor discípulo de Mahler, comienza
dentro de la línea posromántica. Sus obras más famosas de este período son
Gurrelieder y la noche transfigurada.. En su segundo período, expresionista, nos
ofrece la obra cumbre del expresionismo: Pierrot Lunaire. Y en su tercer período
dodecafonista, nos ofrece Cinco piezas para piano y Variaciones para orquesta.
Dodecafonismo. Agotada la estética del expresionismo, la Escuela de Viena, de
la que sus principales representantes son: Schoenberg, y sus discípulos Berg y
Webern, llegaron al dodecafonismo o música serial, como composición con doce
sonidos sin relación entre ellos, sacados de la escala cromática y colocados en una
serie, con lo que se consigue una música de claro carácter melódica, no armónico, que
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suena muy rara al oído, hasta que uno se habitúa.. Las series se pueden señalar con
números, con lo que sus transformaciones serán más claras.
Entre los autores más destacados, además de Schoenberg, cabe citar:
Alan Berg(1885-1935). Compuso la ópera Wozzeck, que causa un gran revuelo.
Su gran novedad consiste en la técnica de usar la voz en una mezcla de canto y
recitado en una especie de melodía hablada. Hay que destacar además su concierto
para violín y la suite lírica.
Anton Webern(1883-1945). Compositor de gran influencia en el mundo
moderno, tiene obras de duración mínima, algunas de 15 segundos.
Futurismo. Incorpora el ruido a las composiciones. Es un movimiento italiano
no importante por sus propias obras, cuanto por la influencia posterior; se exalta la
máquina como punto de partida de la nueva civilización. Su principal representante es
Russolo. El bruitismo es la línea francesa dentro del futurismo.
Generación del 27. En España, en general no se siguen las líneas europeas de
investigación en música, arrastrando durante mucho tiempo el nacionalismo, el
impresionismo y el neoclasicismo. Destacan: los hermanos Halffter, Federico
Mompou, Joaquín Rodrigo.
Desde la Segunda Guerra Mundial hasta nuestros días.
Por primera vez en la historia el sonido se considera como un fenómeno
independiente en sí mismo, y se experimenta con él en los laboratorios. La música
electrónica y la concreta adoptaron para sus obras sonidos absolutamente nuevos que
han abierto campos cuya exploración aún no ha terminado. Los mismos instrumentos
ofrecen nuevas visiones sonoras, experimentando todas sus posibilidades y formas de
obtención de sonidos.
Música concreta. Cualquier objeto ofrece posibilidades de producir sonidos. Se
parte de las ideas futuristas, para obtener sonidos a través de cualquier objeto. Se
consideran objetos abstractos los instrumentos tradicionales como el violín, flauta
violonchelo… El compositor recoge en cintas magnéticas los sonidos del mundo real,
los combina jugando con la velocidad, sobreponiendo grabaciones, poniéndolas al
revés… utilizando todo tipo de recursos, de tal forma que se desnaturalice. Sus
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principales representantes son: Pierre Henry (nacido en 1927) y el ingeniero, escritor
y músico Pierre Schaeffer (nacido en 1910).
Música electrónica. En la que el sonido se produce por medio de sintetizadores
o aparatos eléctricos. El punto de partida de esta música es el tono sinusoidal, es
decir, el sonido puro, sin harmónicos, que es físicamente desagradable y que hay que
elaborar con aparatos muy complicados. Se hace en laboratorio. Su principal
representante es Karl Stockhausen, nacido en 1928.
Cuando se mezcla la música electrónica y la concreta, surge lo que se conoce
con el nombre de Música electroacústica; utilizada por los autores ya citados. Todas
estas innovaciones son fruto de la sociedad superindustrializada en que vivimos. Es el
resultado de la evolución, avances e inventos más recientes.
Serialismo integral. Consiste en llevar el sistema dodecafonista a los demás
elementos sonoros: ritmos, timbres, intensidades, con lo que surge así una música
totalmente organizada. Su principal representante es el organista francés Messiaen,
quien partiendo del estudio del canto de los pájaros, y de la riqueza rítmica de la
música de la India, hace un estudio sobre ritmos.
Música aleatoria. Es una reacción contra lo anterior. Nació en los años 60. En
ella el autor no escribe o determina totalmente la música que hay que tocar, sino que
los músicos, en el momento de ejecutarla, tienen que inventar cosas nuevas o
completar la partitura. Depende en parte del azar.
Música estocástica. Música basada en el uso de ordenadores y estadística a la
hora de realizar la obra. Utiliza la teoría de la probabilidad matemática. Su principal
representante es Xenakis (nacido en 1922).
El Jazz. Tal como lo entendemos hoy, es el resumen de una serie de variantes o
facetas del canto afroestadounidense: espirituales negros, blues, cantos de plantación,
ragtimes y cantos de origen inglés e irlandés. Los espirituales negros son canciones
litúrgicas creadas por los esclavos y sus descendientes que encontraron gran consuelo
en el cristianismo. Plasman el dolor de quienes perdieron su patria sin esperanza de
volver a encontrarla. Sus letras están basadas en la Biblia. Los blues son canciones de
carácter melancólico que cuentan las dificultades económicas de la vida del hombre
negro. Son cantos individuales. Los cantos de plantación son canciones
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improvisadas para hacer más llevaderos los trabajos; su fuerza radica en el ritmo, que
se asocia al movimiento del trabajo. El ragtime son intentos de los pianistas negros
de copiar las bandas de música. Ritmo muy vivo, sincopado e incesante. Nació en
Nueva Orleans. Las bandas de Jazz están formadas por instrumentos melódicos como
la trompeta, saxofón, piano y clarinete, y rítmicos como la guitarra, contrabajo y
batería. Sus obras toman un tema como base a improvisar por los solistas, ayudados y
seguidos por los demás. Pronto los músicos blancos copian estos ritmos negros,
incorporándolos a sus propias bandas y orquestas.
Nuevas tendencias del Jazz:
Swing, evolución del Jazz que ocupa el tiempo de la Segunda Guerra Mundial.
Tiene ritmos bailables y temas más elaborados. Bestaca Benny Goodman y
Ellafitzgerald como solista vocal.
Bop, a partir de la Segunda Guerra Mundial. Utiliza armonías y ritmos más
complicados, llevados especialmente por el bajo, con la colaboración de timbales y
tambores.
Cool, reacción contra el bop, más sobrio y tranquilo.
Aportaciones del Jazz:
Fue utilizado por Debussy, quien emplea ritmos de Ragtime en su obra
Children's Corner; en Strawinski en su obra Ragtime para once instrumentos solistas;
y en la Historia de un soldado; en Geershwinn con su Rapsodia en azul y Un
americano en París y sobre todo en su ópera Porgiyand Bess.
Marcial del Adalid. (La Coruña 1826- La Coruña 1881).
Nació en el seno de una familia acomodada, lo que le permitió entregarse
plenamente a los estudios musicales y frecuentar Londres, París, Madrid… Murió en
La Coruña en 16 de octubre de 1881.Los compositores europeos influyeron
notablemente en su estilo. Estudió en Londres con Moscheles y se dice, que recibió
algunas lecciones de Chopin. Compuso la ópera "Inese e Bianca", una colección de
piezas para canto y piano tituladas "Cantares viejos y nuevos de Galicia" y abundante
música para piano solo. Recopiló canciones populares, comenzando a partir de él la
edad de oro de la música popular gallega.
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Juan Montes Capón. (Lugo 1840 - Lugo1899).
Compositor nacionalista y figura "do rexurdimento". Director del orfeón
gallego de Lugo. Es autor de Negra Sombra, Lonxe da terriña, Unha noite na eira do
trigo…
Forma Musical
Una composición musical es un conjunto organizado de ideas musicales, y esa
organización constituye su forma. No es suficiente con la inspiración de ideas
musicales, es necesaria también la inspiración en la manera de tratarlas. Si se dicen
demasiadas cosas se corre el peligro de no expresar claramente ninguna, por ello es
preciso saber elegir las ideas, centrar la atención en las necesarias presentándolas de
una manera ordenada y desechar las innecesarias.
Cada forma musical tiene su historia más o menos larga y no puede darse por
cerrada, pues los compositores, en ocasiones, vuelven sobre ellas, dándoles nuevas
orientaciones. Por todo ello se deduce que una forma musical tiene, en sus primeras
etapas, unas determinadas características que poco a poco van evolucionando, al
tiempo que la transforman. No hay que esperar que una sonata de hoy en día se ajuste
a los moldes de las primitivas.
Como conclusión podemos decir que forma musical el la organización y
ordenamiento de ideas musicales según una estructura determinada. Podemos
distinguir dos grandes grupos:
1. Formas religiosas: motete, misa, oratorio, cantata, etc.
2. Formas profanas: suite, fuga, sonata, sinfonía, concierto, ópera, formas libres,
etc.
Conceptos preliminares: tema, motivo, diseño y estructura.
Tema es un fragmento musical breve con sentido completo y presonalidad
relevante, sin pausas que lo seccionen. Constituye el elemento básico de una
composición y por ello está sujeto a posteriores repeticiones, modificaciones y
desarrollos. El motivo suele considerarse como la cabeza del tema y el diseño es la
denominación que generalmente se aplica a un dibujo melódico, de ritmo uniforme,
sobre el cual se insiste y que carece de la precisión del tema. Veamos un ejemplo en
el tema de la fuga a tres voces de Juan Sebastián Bach del libro "El clave bien
Temperado", vol. 1, nº 2:
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Un tema puede ser repetido, transformado introduciéndo modificaciones que le
aportan una nueva expresión. La manera de realizar todos estos desarrollos, entre
otros aspectos, es lo que da lugar a la forma musical.
Entendemos por estructura la disposición interna en que se sucede el tema y sus
desarrollos a lo largo de la obra. Las estructuras más frecuentes son:
1. Estructura binaria, que consta de la presentación de un tema y su
desarrollo. Se suele escribir con letras: A-B.
2. Estructura ternaria, que consta de una presentación del tema, un desarrollo
y una vuelta al tema en su forma de origen: A-B-A.
3. Estructura rondó, que supone la alternancia de un estribillo después de cada
copla. Gráficamente podríamos representarlo con las letras: A-B-A-C-A-D-A-E-A,
etc.
Fuga.
Es una forma musical que tiene su período de esplendor en el siglo XVII,
especialmente con la figura de Juan Sebastián Bach. El nombre de fuga parece
provenir de la impresión que produce el comienzo de esta clase de composición, pues
cada voz al entrar, da la idea de perseguir a la precedente, que huye ante ella. Puede
ser vocal y también instrumental, especialmente se han compuesto para órgano y
clave.
Su elemento esencial es el contrapunto o polifonía horizontal. Consta de varias
voces (dos, tres, cuatro o incluso cinco) que van entrando por turnos presentando
escalonadamente el tema, también llamado "sujeto", hasta que llega un momento en
que las voces están cantando todas juntas. Una vez que todas las voces han expuesto
el tema, pasan a la siguiente sección llamada "episodio", en la que siguen tratando
sobre el tema, pero con multitud de modificaciones. Una vez que el compositor
considera suficientes todas estas exploraciones sobre el tema, lo vuelve a repetir en su
forma original, en lo que se llama "conclusión".
En conclusión, podemos establecer las siguientes partes en una fuga:
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1. "Exposición", es la presentación escalonada del sujeto por parte de cada una
de las voces.
2. "Episodio", que incluye las modificaciones del sujeto. Viene a ser un
desarrollo.
3. "Reexposición" o "Conclusión", es el retorno al tema en su forma original.
La mayoría de las fugas suelen ir precedidas de lo que se conoce con el nombre
de "Preludio", escrito en el mismo tono y que de algún modo prepara su entrada.
Suele estar basado en un diseño melódico y rítmico diferente del tema de la fuga, que
desarrolla libremente al modo de una fantasía.
Tema con variaciones.
La variación, como forma musical, consiste en un número indeterminado de
piezas breves, todas ellas basadas en un mismo tema que casi siempre se expone al
principio de la obra.
La melodía del tema puede ser modificada en su ritmo, en su línea de sonidos o
en otros aspectos, sin que por ello quede desfigurado hasta el punto de no permitir la
identificación. Todo consiste en que se acierte en conservar sus puntos básicos. La
obra comienza con la exposición del tema, en movimiento reposado y sobrio de líneas
para poder enriquecerlo desde todos los aspectos posibles (melódico, rítmico y
armónico). Luego siguen sus variaciones, en número que fija libremente el
compositor. Algunas variaciones terminan con una pieza que no pertenece a la forma
variación: una fuga, cuyo elemento básico es el tema general de la obra.
Suite.
El vocablo francés suite, que significa serie, se utiliza para designar la reunión
de diversas piezas instrumentales independientes entre sí, pero combinadas para
ejecutarse seguidas. Fue una de las formas más importantes de los siglos XVII y
XVIII y en sus primeros tiempos la constituían exclusivamente canciones y danzas
populares de la época medieval, muy breves y sin desarrollo alguno. En su evolución
fue abandonando la simplicidad de modo que se redujo el número de piezas y
aumentó su extensión. Definitivamente quedó organizada como un conjunto de
danzas de movimientos alternativamente rápidos y lentos de estructura interna
binaria, es decir, con dos secciones diferenciadas que normalmente se repetían. En las
repeticiones, el intérprete introducía las ornamentaciones que considerase más
oportunas.
Las danzas más habituales en la suite son:
1. Allemande, de tempo moderato y compás 4/4.
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2. Courante, las hay de tiempo rápido y también lento en compás ternario, 3/4.
3. Zarabanda, de tempo lento y carácter noble con una melodía muy expresiva.
Por lo general su compás es 3/4.
4. Pavana, danza lenta de compás binario a la que normalmente seguía otra de
movimiento más rápido.
5. Minue, danza francesa de origen cortesano que se utilizaba en los bailes de
los salones de la nobleza. Su compás es ternario, 3/4, y su movimiento casi lento,
porque su objeto no era otro que expresar un saludo, con toda la gracia y elegancia
que se pedía en la sociedad de la época
6. Giga, de tempo rápido y normalmente en compás 3/8.
Estas danzas solían estar presentes en casi todas las suites, especialmente la
Allemande, Courante, Zarabanda y Giga, aunque a veces podía incluir otras
diferentes, de similares caracteres estructurales.
La suite es una forma musical que generalmente se escribe para la orquesta
barroca (más pequeña de la romántica) o pequeño grupo instrumental, que podría
estar formado por voilín 1, violín 2, viola, violoncello, contrabajo, algún instrumento
de viento y continuo. También las hay para instrumentos de tecla (clave por ejemplo)
y otras agrupaciones instrumentales.
Sonata.
Sonata significa sonar. Se trata de una palabra italiana creada para designar las
obras que debían ser "sonadas" en un instrumento, en contraposición a cantata, que se
refiere a las que debían ser cantadas. Su período de esplendor coincide con el siglo
XVIII (Haydn, Mozart y Beethoven) y el piano el instrumento en que más se ha
desarrollado este tipo formal.
La sonata clásica es fruto de la evolución de la suite. Representa la
transformación de ésta en los siguientes puntos:
1. Reducción de su número de piezas hasta un máximo de cuatro, desligadas de
las antiguas danzas de la suite.
2. Abandono de la estructura binaria (A-B) por una ternaria (A-B-A).
La sonata consta de varios tiempos o movimientos, dependiendo ello, del
momento histórico de su composición. La estructura de sus movimientos se ajusta al
siguiente modelo:
I. Primer tiempo (Allegro): A veces una breve introducción. Su estructura es
ternaria, exposición, desarrollo y reexposición:
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EXPOSICION
Tema A (vivo, rítmico, enérgico y bien definido)
Puente breve, de transición hacia el
Tema B (melódico, cantabile y en diferente tonalidad)
DESARROLLO
Manejo libre por el compositor del material precedente,
imitando, contrastando, ampliando…
REEXPOSICION
O repetición casi idéntica de la Exposición. Termina con un
grupo de cadencias que preparan el final.
II. Segundo tiempo (Lento): Su estructura puede ser diversa:
1. Tipo sonata (como el del primer tiempo).
2. Tipo Lied, consta de una idea principal A, una sección de transición B
con ideas nuevas y una repetición de la sección A. Su estructura sería:
A-B-A.
3. Tema con variaciones (tema modificado sucesivamente en ritmo,
armonía, melodía, etc.
4. Forma rondó (menos usual): A-B-A-C-A-D-A-E-A …
III. Tercer tiempo (opcional): Puede aparecer bajo la forma de un Minué,
derivado del antiguo que aparecía en las suites barrocas, o de un Scherzo, a partir de
Beethoven. Es más rápido, amplio, libre y juguetón que el Minué.
IV. Cuarto tiempo (vivo-presto): su estructura puede ser diversa:
1. Tipo sonata (como el del primer tiempo).
2. Tipo Rondó.
3. Otras estructuras menos usuales: fuga, variaciones, marcha (esto más
en el siglo XIX)
Concierto.
Obra para orquesta e instrumento solista. Éste, dialoga con la orquesta luciendo
sus cualidades virtuosísticas. Su estructura es la misma de la sonata, con la diferencia
de que en vez de cuatro movimientos aquí son tres (allegro, lento, rápido). En el
primer movimiento utiliza también el tipo allegro de sonata, con las modificaciones
que requiere el solista y orquesta: doble exposición, una de las cuales es encomendada
al solista y la otra a la orquesta, que es la que suele comenzar. Es característica del
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concierto una cadencia o largo reposo, colocada hacia el final del primer movimiento
(a veces también en el tercer movimiento), en donde el solista, sin acompañamiento y
muy libremente, resume virtuosísticamente el material temático precedente. Hasta
Beethoven esta cadencia solía ser improvisada por el intérprete; los abusos de mal
gusto le obligaron a Beethoven a escribirlas.
El concierto, a partir del S. XVIII, para solista virtuoso acompañado de
orquesta, sustituyó al concerto grosso del S. XVII, que consistía en la alternancia de
un grupo de solistas con la orquesta (ripieno). Los instrumentos solistas más
habituales en los conciertos clásicos son el violín y el piano, aunque en general lo
pueden ser todos, especialmente los de viento, como sucede en Haydn y Mozart.
La transición del concierto barroco al clásico es debida principalmente a los
hijos de Bach (Felipe Manuel y Christian). Pero serán Haydn y Mozart, antes que
Beethoven, los que le darán un gran impulso.
Sinfonía.
Significa sonar juntos. Viene a ser sinónimo de gran sonata orquestal. Se trata
de una obra con forma de sonata pero interpretada por una orquesta. Tiene sus
primeros cultivadores en los hijos de Bach y en la Escuela de Viena (S. XVIII).
Formas libres del siglo XIX .
Existen otras formas musicales menores y que tuvieron su período de apogeo
especialmente en el siglo XIX. Son entre otras, marchas, polonesas, mazurkas,
tarantelas, fantasías, caprichos, pastorales, impromptus, romanzas, baladas, nocturnos,
barcarolas, rapsodias.
1. Marcha. No es una danza, aunque puede ser considerada dentro de las
danzas andadas, puesto que su fin es regular el paso de una gran cantidad de personas.
Se escribe en compás binario o cuaternario (2/4 o 4/4). Las características y expresión
de la marcha son necesariamente distintas según la clase de la misma y el fin a que va
destinada. El lento andar de un cortejo fúnebre, el solemne de uno nupcial, el brillante
de un desfile militar, etc., no pueden igualarse y, en consecuencia, requieran un aire
propio y adecuado. De ahí los diferentes nombres para algunas marchas: marcha
fúnebre, marcha nupcial, marcha militar, pasodoble, etc.
2. Polonesa. Es de origen polaco, de compás 3/4 y movimiento moderado. La
polonesa es una danza andada cuyo origen hay que buscarlo en los ceremoniosos
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desfiles de la nobleza polaca. Fue con Chopin (1810-1849) con quien alcanzó su
mayor celebridad gracias a sus polonesas para piano.
3. Mazurka. También es de origen polaco, compás 3/4 y movimiento
relativamente animado. Comparado con el de la polonesa resulta más ligero. Es más
moderna y estuvo muy en boga en los salones del siglo pasado. Algunos opinan que
es una evolución de la polonesa que sustituye los pasos andados por los saltados.
4. Vals. Significa baile a vueltas, con algo de balanceo y que se escribe
ordinariamente en compás 3/4. Su movimiento es animado, pero no puede fijarse de
una manera general para toda clase de valses, ya que existe una extensa gama que va
desde el vals rápido hasta el vals lento
5. Fantasía. El mismo nombre nos indica que la estructura de este tipo de obras
es libre o no se ajusta a ningúm molde preestablecido. Suelen contener cantidad de
pasajes de mucha dificultad, meramente virtuosísticos y para el lucimiento del
intérprete.
6. Capricho. Es un tipo de obra muy parecido a la fantasía. En realidad es
difícil establecer diferencias, puesto que lo mismo que en la anterior, el capricho tiene
una estructura libre.
7. Impromptu. El término es equivalente a "de pronto, sin preparación". Quiere
decir que la estructura de la obra no es el resultado de una ordenación meditada, sino
que va desarrollándose espontáneamente según le vienen las ideas al compositor. Esto
no es del todo exacto, pues ninguna obra musical escrita se debe a la improvisación.
En todo caso podremos decir que parece haber sido improvisada, lo cual no quiere
decir que lo haya sido en realidad.
8. Romanza. Se trata de piezas con un elemento melódico intensamente
expresivo y con una estructura también libre
9. Nocturno. Se aplica a composiciones de carácter y estilo sereno.
10. Lied. Es una palabra alemana que significa canción. Viene a ser una canto
escrito para una sola persona. Muy expresiva, desprovista de efectismos vocales y con
acompañamiento de piano que refuerza la expresión y sentimiento de la palabra.
Schubert, Schumann y Brahms fueron grandes cultivadores de este género.
Hay muchas más formas menores. Tuvieron su apogeo durante el pasado siglo y
su característica esencial es su libertad de forma y especial atención que dedican a la
melodía.
Cantata y oratorio.
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La cantata es una forma musical para coro, solistas, cuerda y contínuo, sobre
texto religioso, muy utilizadas en el culto de la Reforma Protestante (Cantatas de
Bach). Es un término que hace referencia al medio de ejecución de la obra. Por tanto
significaba que la obra debía cantarse. Su período de apogeo coincide con el barroco,
siglo XVII.
Los creadores de la cantata y del oratorio fueron italianos, pero corresponde a
los barrocos alemanes la gloria de su florecimiento: Schütz, Bach y Haendel fueron
los más destacados.
El oratorio es una forma musical similar a la cantata, de mayores proporciones,
de carácter lírico-dramático, sobre textos bíblicos o religiosos, sin acción ni
escenografía.
Hay tres rasgos comunes a las cantatas y oratorios:
1. Desarrollan misicalmente y por entero un texto literario sobre tema religioso,
no litúrgico y, en consecuencia, no apto para el culto eclesiástico.
2. Toman de la ópera es estilo dramático, el recitativo musical y la melodía
acompañada, pero conservando la riqueza contrapuntística de la polifonía religiosa. El
recitativo musical es un tipo de discurso declamativo-musical en el que la música
sigue con cierta libertad de ritmo, compás y entonación, comparable a la prosa, las
inflexiones de la palabra
3. Tienen como base principal grandes fragmentos corales, entre los cuales
figuran, intercalados, recitativos, que explican la acción, y a los cuales siguen arias,
dúos, etc., de gran riqueza melódica, que la comentan y desarrollan. Todo ello
sostenido y enriquecido por la orquesta y, a veces, por el órgano.
La ópera.
Opera es una palabra italiana que significa obra. Es la denominación adoptada
universalmente para designar de una manera general toda obra escénica enteramente
musicada en que interviene el canto con palabras. Aparece por primera vez en
Florencia a finales del siglo XVI y el compositor que, según parece le dio su forma
definitiva, fue Claudio Monteverdi (1567-1643).
Según el carácter de su argumento, estilo, etc., se le dieron a la ópera diferentes
calificativos, como los de seria, semiseria, lírica, romántica, legendaria… De tales
deniminaciones salieron los diferentes tipos de ópera que hoy conocemos: Gran
Opera, Opera cómica, Opera bufa y Drama lírico.
La Gran Opera es aquella en la que se juntaron los elementos considerados
más eficientes en la época para despertar la atención y el entusiasmo del público:
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1. Argumento, casi siempre histórico, desarrollado a base de constante acción y
movimiento escénico, masas, desfiles, marchas.
2. Gran Ballet, como pieza importantísima e imprescindible.
3. Mucho lucimiento para los cantantes.
4. Efectismos de todas clases.
La Opera Cómica, de tradición francesa, hace referencia a un tipo de ópera en
el que se alternan la música y el diálogo.
La Opera Bufa, de tradición italiana, se aplica a óperas de asunto jocoso y
grotesco.
El Drama Lírico se debe a Wagner especialmente. Se entiende que es una obra
en la cual la música vive y desarrolla el drama en completa identificación y fusión
con la palabra y asunto, sin concesiones exteriores de ninguna clase, ni siquiera al
lucimiento personal de los cantantes. La estructura de la obra va en absoluta
consonancia con el drama y sentimientos del texto.
La zarzuela.
Drama musical en uno o varios actos con alternancia de fragmentos declamados
y cantados de origen español. Su nombre proviene del Real sitio de la Zarzuela
(Madrid), donde se representaban. Comenzaron a partir del siglo XVII. A partir del
siglo XIX tuvieron un gran impulso con Tomás Bretón, Barbieri, Chapi, Chueca, …
Aparece lo nacional y castizo, lleno de gracia y donaire.
La misa.
Es una composición generalmente de estilo polifónico, constituída por diversas
piezas que forman un todo. Escrita sobre textos peertenecientes a la ceremonia
religiosa de la cual toma su nombre, y para ser ejecutada durante la celebración de
ésta. Originariamente era monódica, pero ya desde el siglo XIII se hizo polifónica,
para coro y solistas en principio y más tarde se llegaron a componer para coro
orquesta y solistas. Aunque la misa puede ser musicada enteramente, los
compositores suelen limitarse a la parte que se conoce con el nombre de Ordinario, es
decir, las originariamente consideradas secundarias.
Partes de la misa:
1. Propio, cantos cuyo texto depende de la época del año.
2. Ordinario, que comprende el Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Agnus Dei.
Cada una de las partes del Ordinario tiene unas características peculiares, y el
compositor ha de musicarlas de acuerdo con el sentimiento que el texto expresa y con
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la finalidad de la misma misa. Habitulmente se hace utilizando el mismo tema en toda
la misa.
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