Introducción al Gótico: Contexto histórico 2018.pdf · Historia del Arte 2º Bach. IES La...

Historia del Arte 2º Bach. IES La Madraza. Elena García Marín

ARTE GÓTICO. 1. Características generales de la arquitectura gótica. 2. La

ciudad: la catedral y los edificios civiles. 3. La escultura: portadas y retablos. 4. La

pintura italiana del Trecento: Florencia y Siena. Giotto y la escuela sienesa

mediante Simone Martini. 5. Los primitivos flamencos del siglo XV: los Van

Eyck.

Introducción al Gótico: Contexto histórico

El Arte Gótico nace en Francia, desde donde se extiende al resto de Europa gracias a

los monjes blancos de la Orden del Cister, que inician un espíritu distinto al Románico.

Se desarrolla en la Baja Edad Media desde finales del siglo XII hasta el siglo XV,

pudiéndose diferenciar las siguientes etapas en su evolución:

a) El Gótico Arcaico o Protogótico, etapa de transición, de gestación del estilo, desde

finales del XII en Francia, caracterizado por su austeridad y limpieza decorativa.

Coexiste con el Románico.

b) El Gótico Clásico durante el siglo XIII.

c) El Gótico Manierista o Final, desde el siglo XIV, que presta una mayor atención a

lo decorativo.

d) El Gótico Flamígero, que en algunos lugares se prolonga hasta el XV,

caracterizado por el exagerado gusto por la decoración, hasta llegar a ocultar las

estructuras arquitectónicas

El nombre Gótico significa “godo” o “bárbaro” y se lo dio Vasari en el siglo XVI con

sentido despectivo. También llamado Arte Ojival, por las ojivas o nervaduras de sus

bóvedas.

En esta época se vive una evolución del pensamiento filosófico: fue la vuelta a la

filosofía aristotélica, gracias a la obra de Santo Tomás de Aquino. El hombre deja de

obsesionarse sólo por Dios y descubre al hombre y a la naturaleza que le rodea. El arte

se hace naturalista y tiende al realismo, no a la abstracción.

También se caracteriza por el despertar del humanismo: se redescubre al hombre

gracias a San Francisco de Asís, que considera al hombre como una criatura más dentro

de la naturaleza, como una obra de Dios que hay que respetar. El temor al pecado da

paso al amor de Dios y a la comunicación con Él. Esta religiosidad se traduce en la

aparición de las órdenes mendicantes (no monásticas), que deciden vivir en la ciudad

(gracias a la mendicidad), en vez de estar retirados del mundanal ruido. Destacan las

órdenes de los franciscanos, las clarisas y los dominicos.

Esta religiosidad más optimista se refleja en la escultura afectando a las figuras, que

ahora se parecen y se comportan como verdaderos seres humanos, se inclinan y giran,

sonríen, se lamentan, conversan, se comunican entre ellas. Se abandona el terror

milenario y se abre una era de amor a la naturaleza, a Dios y a la Virgen.

Otro importante factor fue el desarrollo de las ciudades, que se convierten en foco de

atracción de la población rural y dan lugar a una nueva estructura social gracias a la

expansión de los artesanos y comerciantes, que permitieron el triunfo de la burguesía,

cuyas nuevas formas y estilo de vida repercutieron en un arte más rico y decorado.

Por último destacar el papel de la catedral, edificio más representativo de la

arquitectura gótica, núcleo principal de la ciudad y centro de la vida medieval, de gigantesco tamaño, construidas durante largos períodos de tiempo.


1. Características generales de la arquitectura gótica.

Es un arte religioso y urbano, los edificios más importantes son las catedrales y los

monasterios urbanos. A partir del siglo XIV se desarrolla la arquitectura civil:

ayuntamientos, palacios, lonjas, hospitales, etc…

Las dos obsesiones de los nuevos constructores serán la verticalidad y la luminosidad.

La elevación, la gran altura e increíble esbeltez de la arquitectura gótica, simboliza el

deseo de ascensión hacia Dios. Con las innovaciones arquitectónicas del Gótico el muro

pierde su papel estructural, siendo sustituido por las vidrieras, ya que el nuevo sistema

constructivo concentra los empujes en puntos concretos, transformando a los muros en

cubrimientos exteriores, no en soportes. Es un arte de cálculo que permite construir un

esqueleto flexible de piedra y revestirlo de cristal.

Los dos elementos más característicos de la arquitectura gótica serán el arco apuntado

u ojival y la bóveda de crucería.

La bóveda de crucería concentra su peso en puntos determinados a través de los

nervios. Esta bóveda simple se denomina cuatripartita. A partir del siglo XIII se

aumenta el número de nervios y las bóvedas pasan a ser llamadas sexpartitas, de

terceletes, estrelladas, de abanico...

La bóveda de crucería permite ganar una gran altura, el adelgazamiento de los muros,

el muro pierde su importancia sustentadora y maciza, también permite la apertura de

grandes vanos y la aparición de la vidriera, y por último, en el exterior se utilizarán los

arbotantes y contrafuertes distanciados de la obra y los pináculos.

La obra capital del gótico será la Catedral, que traduce fielmente la espiritualidad,

ansiosa de luz y de elevación.

2. La ciudad: la catedral y los edificios civiles.

La ciudad gótica no sólo fue un lugar donde habitar, producir y comerciar, sino un

escenario de múltiples acontecimientos. La ordenación de la vida urbana se convirtió en

preocupación básica de la ciudad gótica.

Los problemas originados con el incremento de población obligaron a crear una

minuciosa normativa urbanística, que regulaba el ancho de las vías urbanas y de los

caminos, los materiales de construcción de ciertas edificaciones, la altura de las casas, el

carácter de los desagües y el horario de circulación de los carros por determinadas zonas

de la ciudad. No siempre hubo un verdadero cuidado urbanístico, careciendo muchas

ciudades de pavimentación en sus calles.

La catedral

La catedral preside las ciudades, es su edificio más representativo y su núcleo,

contrastando claramente con la iglesia rural o los monasterios del Románico.

Durante generaciones la ciudad trabajó para la catedral, siendo ésta el centro visual de la

urbe, llegando a ella todos los caminos y convirtiéndose en símbolo de riqueza de la

comunidad.

Es la iglesia mayor, y su nombre se debe a que en ella se asienta la cátedra del obispo,

desde donde preside el culto e imparte su enseñanza a los fieles.

Durante la baja Edad Media la catedral es testimonio de la gloria del prelado que la

mandó construir, exaltando la alianza entre el clero y la monarquía, y revelando el

orgullo de la burguesía.


No sólo fue casa de oración, convirtiéndose también en el marco adecuado para celebrar

los fastos reales (coronaciones, bautizos, bodas y funerales) y las reuniones civiles de

las corporaciones gremiales.

La iglesia llegó a emplear la riqueza como medio de visualizar el poder de lo invisible,

utilizando los reyes esta propaganda y llegando a costear las obras.

Sus partes son:

- La planta: de cruz latina con tres o cinco naves, principalmente. Desaparecen los

ábsides curvos y las girolas semicirculares, ahora son poligonales.

- El alzado: Los muros son menos gruesos que en el románico y con grandes

ventanales cubiertos de vidrieras (si es redonda se llama Rosetón). Destaca la gran

altura de las naves, sobre todo la central, contrastando esta acentuación de las líneas

verticales con la horizontalidad de la arquitectura románica. Sobre el triforio aparece un

tercer cuerpo llamado claristorio.

- Los contrafuertes: Los muros deben sustentar un peso menor que en el románico

porque las bóvedas se aligeran y los contrafuertes se despegan del muro, uniéndose a las

naves laterales por un simple arco exterior llamado arbotante o arco botarel que

recoge los empujes oblicuos. El arbotante descansa en un contrafuerte vertical o estribo

que está rematado por un pináculo que termina en una flecha o chapitel. Sobre el

trasdós del arbotante van los canales de desagüe que vierten el agua del tejado por la

boca de unas figurillas monstruosas, las gárgolas.

- Las torres, una o dos, ahora de elevación desmesurada, se dividen en varios cuerpos y

culminadas por un remate agudo y calado con tracería gótica llamado chapitel o aguja.

- El pilar de baquetones: se trata de un pilar cuyos elementos se complican al

multiplicarse los nervios de las bóvedas, ya que son su continuación, son por tanto

columnas muy estrechas, llamadas baquetones, adosadas al pilar.

- Los arcos: el arco más característico es el arco apuntado u ojival: con menor empuje

lateral que el de medio punto, generalmente aparece decorado con tracería calada en los

vanos, la denominada tracería gótica.

- Las bóvedas: La bóveda de crucería, de nervios u ojival: elemento principal del

estilo que revolucionó la arquitectura y permitió construir a alturas considerables.

Presenta dos partes: el esqueleto o nervios o arcos cruzados que desvían los empujes a

cuatro puntos y los plementos o material de relleno de la bóveda. Se compondrá de dos

arcos cruceros, dos fajones y dos formeros. Tipos: Bóveda cuatripartita, sexpartita,

octopartita, de terceletes, estrellada, de abanico.

- La decoración: El edificio gótico impone no sólo por su altura, sino también por su

riqueza de formas y recargamiento ornamental, en capiteles, retablos, sillerías de coro,

vanos y portadas (en tímpano, arquivoltas ahora apuntadas, jambas, parteluz con

esculturas bajo dosel y en gabletes o molduras triangulares que acentúan la

verticalidad). Los temas: La tracería gótica, se trata de motivos decorativos

geométricos que enmarcan o cierran los vanos. Los temas vegetales que ornamentan

capiteles, frisos o arquivoltas ahora poseen un fuerte naturalismo. Las representaciones

animalísticas, también ahora de gran naturalismo, aunque siguen representándose seres

fantásticos y bestias monstruosas. La figura humana, que veremos en detalle al estudiar

la escultura gótica, sigue idéntica línea naturalista.


Otros edificios civiles:

- Ayuntamientos: para el gobierno de las ciudades. La vitalidad que fue adquiriendo la

ciudad, hizo necesaria la construcción de un espacio donde se reuniese el gobierno de la

ciudad. Destacamos la Piazza del Campo de Siena, la Signoría de Florencia o la

Marienplatz de Munich.

- Palacios nobiliarios: residencias de nobles y alta burguesía (ricos comerciantes y

banqueros), suntuosas mansiones urbanas, adaptadas a los negocios y a la vida

doméstica. Son viviendas con almacenes, oficinas, salas de recepción, dependencias

para la servidumbre y habitaciones confortables donde residían los miembros de la

familia. Destaca el Palacio Ducal, en Venecia.

- Las Plazas del Mercado porticadas y las Lonjas o mercados para el comercio, son un

claro ejemplo del incremento de las contrataciones mercantiles, destacando la Lonja de

Yprés, la de Barcelona o la de Palma de Mallorca.

- Universidades: Las Universidades se trasladan de las grandes abadías rurales a las

principales ciudades, ofreciendo estudios de teología, medicina y derecho. La estructura

de estos edificios se inspira en la tradición arquitectónica monástica, con patios para

pasear y leer, alrededor de los cuales se sitúan las aulas, la biblioteca y la capilla, como

la universidad de Cambridge.

LA ARQUITECTURA GÓTICA EN ESPAÑA

Etapas:

1. Gótico Arcaico o período de transición: durante fin del siglo XII y principios del XIII

la Orden del Císter funda monasterios en la Península Ibérica, así llegan los nuevos

conceptos arquitectónicos y los avances técnicos del Gótico y aparecen en España los

primeros templos de planta románica pero con estructuras ojivales y con portada y

bóvedas de la nave central y el crucero ya puramente góticas. La Catedral de

Tarragona, La Catedral de Lérida, San Vicente de Ávila, La Catedral de Cuenca.

2. Gótico clásico o pleno Gótico del siglo XIII: sobresalen las tres catedrales españolas

de más clara influencia del Gótico clásico francés: La Catedral de Toledo, La Catedral

de Burgos, y La Catedral de León.

3. Gótico Marienista del siglo XIV: el protagonismo pasa a Cataluña, Baleares y la

Corona de Aragón, con un Gótico “mediterráneo” con influencias del sur de Francia. Se

caracterizan por su menor decoración, su mayor horizontalidad, la mínima diferencia de

altura entre las naves y la gran anchura de la central, los contrafuertes generalmente sin

arbotantes y con capillas entre ellos, las torres de sección poligonal, el menor número y

tamaño de sus vanos, etc. La Catedral de Barcelona, Santa María del Mar en

Barcelona, La Catedral de Gerona y La Catedral de Palma de Mallorca. Destaca

también la arquitectura civil: el Barrio Gótico de Barcelona, el Palacio de la

Generalitat de Barcelona, el Castillo de Bellver y la Lonja de Mallorca y la Lonja de

Valencia..

4. El Gótico Tardío o Flamígero o Isabelino (siglo XV): vuelve a ser Castilla la que

lleve la primacía con el Gótico Isabelino. La Reconquista condiciona las áreas de

extensión del gótico. Preferencia por plantas rectangulares, sin girola, los soportes muy

delgados, las bóvedas cada vez más complejas, la profusa decoración con tracería


flamígera y decoración heráldica, y bóvedas estrelladas cada vez más complejas, como

Las Flechas de la Catedral de Burgos de Juan de Colonia, La Iglesia de la Cartuja de

Miraflores, La Capilla del Condestable de la Catedral de Burgos de Simón de Colonia,

La Portada de la iglesia de San Pablo de Valladolid, El Colegio de San Gregorio de

Valladolid, La Iglesia de San Juan de los Reyes de Toledo, de Juan Guas, El Palacio del

Duque del Infantado de Guadalajara, La Catedral de Sevilla y La Capilla Real de

Granada de Enrique Egas.

5. Las catedrales góticas del siglo XVI: Realizadas aún en estilo gótico pero durante el

Renacimiento, por eso aparecen elementos de este estilo, sobre todo decorativos. La

Catedral de Salamanca y La Catedral de Segovia.

En general el Gótico español se caracteriza por su menor altura, su mayor anchura y

por unas torres y agujas menos determinantes, en definitiva, por una mayor

horizontalidad dentro de la verticalidad y ascensión góticas.

ARQUITECTURA GÓTICA EN EL RESTO DE EUROPA:

La arquitectura gótica en Francia: allí nace el gótico a mediados del siglo XII, como

reacción frente al románico; serán los monjes del Cister y los obispos y reyes franceses

quienes impulsarán el nuevo estilo frente al clero cluniacense y la nobleza feudal.

Desde el siglo XII y hasta el XV en Francia se puede seguir la evolución del Gótico a

través de una serie de construcciones:

- Del siglo XII: Abadía de Saint-Denis, promovida por el abad Suger, de finales del XII

es Notre Dame de París.

- Del siglo XIII son las grandes catedrales francesas: Reims, Amiens y Chartres. Y la

Sainte-Chapelle de París. La catedral de Reims representa el ideal arquitectónico de la

arquitectura gótica y el símbolo de la realeza francesa, en ella se coronaban los reyes.

- En el siglo XIV se frenan las construcciones por la peste negra. En el siglo XV se

construye la catedral de Rouen.

La arquitectura gótica en Inglaterra: Siglo XIII la Catedral de York, la Catedral de

Lincoln y la Catedral de Salisbury. Siglo XIV la Catedral de Wells y la Catedral de

Gloucester. Siglo XV el Claustro de la Catedral de Gloucester, la King’s College

Chapel del Colegio del Rey en la Universidad de Cambridge y la Capilla de Enrique

VII en la abadía de Westminster.

La arquitectura gótica en Alemania: la Catedral de Limburgo, la Catedral de Bamber, la

Catedral de Estrasburgo, la Catedral de Colonia y la Catedral deFriburgo.

La arquitectura gótica en Italia: la Catedral de Milán, del siglo XIV, por influencias

extranjeras. El gótico es aceptado más en lo decorativo que en lo constructivo, ya que se

mantienen generalmente los arcos de medio punto, los vanos pequeños y escasos, con

predominio del muro, lo que permite la pervivencia de la pintura al fresco como

decoración interior, los gabletes como frontones clásicos y el uso de mármoles de

colores en franjas paralelas y horizontales como decoración exterior, predominio de la

horizontalidad, aunque como contraste se mantienen las esbeltas torres adosadas. La

Basílica de San Francisco de Asís y la Iglesia de Santa María Novella. La Catedral de

Siena y la Catedral de Santa María dei Fiori de Florencia. En la arquitectura civil: El

Ayuntamiento de Siena y la Signoría de Florencia y el Palacio de los Dux en Venecia.


3. La escultura gótica: portadas y retablos.

En el Gótico la escultura será un arte muy fecundo y en constante evolución desde el

punto de vista estilístico:

- A finales del siglo XII fase de transición durante la que se aleja del hieratismo y la

frontalidad del Románico.

- En el siglo XIII se pone de moda un tipo alargado, de pliegues y ornamentos muy

sencillos, rostro triangular, sonrisa estereotipada y de cierto amaneramiento.

- En la segunda mitad del XIV las figuras se alargan, canon esbelto, y se curvan

finamente, sus ropajes con innumerables pliegues, es el denominado “estilo

internacional”.

- Por último, en el siglo XV, se experimenta una reacción frente a este arte amanerado y

triunfan tipos macizos y pesados, de un mayor realismo.

Creciente naturalismo de las figuras, que se llenan de vida, pareciendo más humanas,

con actitudes y gestos cada vez más realistas y expresivos, dejando traslucir sus

emociones. Al final las figuras aparecen con rasgos individualizados.

En las composiciones con varias figuras éstas se comunican entre sí. Ahora es un arte

narrativo, no simbolista.

La temática sigue siendo fundamentalmente religiosa, con repetición de los mismos

temas. Pero la mejor muestra del profundo cambio de la mentalidad europea es la

proliferación de temas profanos, como retratos o escenas satíricas y cómicas, aunque

en este caso generalmente en el segundo plano de los relieves y no como escultura

exenta independiente.

Tipos de escultura: exenta, relieves y nuevos géneros como retablos, sillerías de

coro y sepulcros:

a) La escultura exenta:

- Cristo Crucificado: no impasible como los románicos, los góticos se muestran

atormentados por el dolor y el sufrimiento de la Pasión, pretenden emocionar.

Ahora aparecen con los pies superpuestos y atravesados por un único clavo, lo

que provoca en la composición un ligero movimiento de la cadera que atraviesa

todo el cuerpo.

- La Virgen con el Niño: La Virgen no aparece impasible, inmóvil y frontal,

como Trono de Dios. Ahora esta composición se humaniza extraordinariamente,

la Virgen se siente maternal, se gira, sonríe, juega o habla con el Niño, como

cualquier madre.

- La Piedad: También empieza a ser frecuente la representación de la Virgen con

el Hijo Muerto entre sus brazos.

- Otros conjuntos exentos: de variada temática, desde escenas de la vida de

Cristo o la Virgen, como El Calvario, El Descendimiento o La Coronación, hasta

imágenes de Santos y Mártires.

b) Los relieves de las portadas de los templos destacan por su carácter narrativo:

- El tímpano se divide en el Gótico en franjas o frisos horizontales con

decoración narrativa, además son apuntados. Sigue albergando el tema principal,


Cristo, la Virgen, el Juicio Final, la Crucifixión u otras escenas evangélicas o de

las Sagradas Escrituras.

- Las arquivoltas, también ahora apuntadas y su decoración escultórica se sitúa

ahora longitudinalmente a ellas, en lugar de hacerlo verticalmente, de forma

radial.

- Las jambas, también con esculturas-columna adosadas de profetas, santos o

apóstoles, pero ahora sobre repisas y bajo unos doseletes muy característicos

decorados con tracería gótica.

- El parteluz con esculturas de la Virgen, Cristo o el Santo titular, también bajo

dosel de tracería gótica.

c) Aparecen nuevos géneros:

- Los retablos: El retablo es un armazón de madera o alabastro que se divide en franjas

verticales o “calles” y franjas horizontales o “cuerpos”, formando recuadros donde se

alojan estatuas exentas, relieves o pinturas con escenas referentes al santo titular del

templo, la Virgen, Cristo o los Evangelios. La parte inferior o pedestal se denomina

“banco”. Son una nueva forma de narrar propia del Gótico, que representa plásticamente

escenas una tras otra hasta formar un relato. El retablo es en el Gótico el receptáculo de

historias sagradas y método de formación. Función decorativa y didáctica.

- Las sillerías de los coros: en cuyos respaldos se realizan algunas de las más bellas

obras góticas, tanto de temática religiosa como profana.

- Los sepulcros: como reflejo de un hombre que evoluciona hacia el individualismo y

se preocupa cada vez más por perpetuar su nombre sobre su lecho mortuorio. De

tipología muy variada, destacan: exentos, con la figura yaciente, o bien adosados a un

muro, bajo arco, con un mayor acento arquitectónico, y con la figura yaciente, orante,

etc.

LA ESCULTURA GÓTICA EN ESPAÑA

La escultura del siglo XIII y XIV:

- Catedral de Burgos: La Puerta del Sarmental (siglo XIII). Decoración Escultórica de

la Capilla del Condestable.

- La Catedral de León: Portada de Nuestra Señora la Blanca y La Puerta del Juicio

Final (siglo XIII)

- La Catedral de Toledo: La puerta del Reloj y La Puerta del Perdón. La Virgen Blanca

de Toledo (siglo XIII y XIV). Retablo Mayor de la Catedral de Toledo. Sillería Baja del

Coro de la Catedral de Toledo

La escultura del siglo XV: es una época de auténtico barroquismo, de recargamiento

decorativo. Se tiende a ocultar las líneas arquitectónicas y las formas humanas entre

complicados ropajes. Destacan tres escuelas:

- Sevilla: Retablo Mayor de la Catedral de Sevilla. Lorenzo Mercadante, autor del

Sepulcro del Cardenal Cervantes.

- Toledo: Juan Alemán, relieves del tímpano de la Puerta de los Leones de la Catedral

y Sebastián de Almonacid, autor de El Sepulcro del Doncel de Sigüenza.

- Burgos: Gil de Siloé es el escultor más grande de finales del siglo XV, principal

representante del estilo Gótico Isabelino. Dotado de gran fantasía, no se somete a reglas,


gran maestría técnica que le permite satisfacer las exigencias del más exquisito burgués.

La portada del Colegio de San Gregorio de Valladolid y El Conjunto Escultórico de la

Cartuja de Miraflores de Burgos: el Sepulcro de Juan II y su Esposa Isabel de

Portugal, el Sepulcro del Infante Don Alfonso y el Retablo Mayor de la Cartuja de

Miraflores.

LA ESCULTURA GÓTICA EN EL RESTO DE EUROPA

- Francia como cuna de este estilo, será la que marque las pautas a seguir también en

escultura. Las Portadas de la Catedral de Chartres, de la Catedral de Notre-Dame de

París, de la Catedral de Amiens y de la Catedral de Reims

- Alemania destaca la Portada de la Catedral de Bamberg

- Italia podemos casi hablar de una completa carencia de ejemplares escultóricos

plenamente góticos, cabe destacar el Púlpito del Baptisterio de la Catedral de Pisa, el

Púlpito de la Catedral de Siena, y las Primeras Puertas del Baptisterio de Florencia.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA GÓTICA

Los precedentes de la pintura gótica hay que buscarlos en la pintura románica y en la

pintura y mosaicos bizantinos, muy especialmente sus iconos.

- Hay un gran cambio en la pintura debido a la sustitución de los muros por vidrieras, lo

que supone la búsqueda de otros soportes y técnicas: vidrieras, miniaturas y

pintura sobre la tabla.

A) Las Vidrieras: La técnica de las vidrieras comienza en Francia en el siglo

XII: se montan los vidrios, coloreados con tonos azules, rojos, amarillos y verdes

sobre un bastidor emplomado, logrando el efecto de un mosaico transparente.

Destacan las de la Santa Capilla de Paris, Chartres, Reims y León.

Posteriormente evoluciona: mayor gama cromática, carácter más narrativo, etc.

B) El retablo o pintura sobre tabla: será el soporte gótico por excelencia,

evolucionando al pasar de una tabla a dos (díptico), tres (tríptico) o a muchas

(políptico). A veces las tablas laterales eran abatibles con el fin de cerrar el

conjunto, en este caso su cara exterior se pinta con tonos grises, "grisallas", que

semejan esculturas. Sus partes:

+ En la predela o banco, parte inferior, pintan bustos de santos.

+ En el cuerpo central está representado el tema principal de la obra.

+ En las calles verticales se recogen las escenas secundarias o

complementarias del tema central, organizadas en cuerpos horizontales

que forman

+ En las entrecalles, pequeñas tablas pintadas con santos o finas

columnas, rematados con pináculos con decoración vegetal a base de

hojas.

+ Las cumbreras o espigas son los remates superiores de las calles. En la

central se pinta, casi sin excepción, el Calvario, en las restantes los temas

no están fijados.

- El dibujo tiene una gran importancia: delimita formas, marca modelados, crea ritmos

compositivos.

- Importancia del modelado, pasando con el tiempo desde los tonos planos al juego de

contraluces.


- La luz contribuye a destacar el volumen, pero en general no es una luz real y puede

tener contenido simbólico.

- El color es un elemento clave, pero con frecuencia es un colorido irreal lleno de

contenido simbólico.

- El interés por la perspectiva también evoluciona, apareciendo la preocupación por el

espacio pictórico a partir del siglo XIV, sobre todo con los primitivos flamencos

- Pero siguen siendo muy abundantes los típicos fondos neutros dorados a base de pan

de oro.

- La composición se basa en el eje de simetría, con los elementos orientados hacia el

centro del cuadro.

- Las formas de expresión reflejan un nuevo ideal estético hacia un naturalismo

idealizado individual y expresivo, individualizándose los rostros, incluso en los

grupos, al igual que en la escultura.

- Las técnicas empleadas son: el temple, con aglutinante de huevo o colas, y a partir del

siglo XV el óleo, con aceites como aglutinante del color; y el fresco en las pocas

pinturas murales (Italia).

- La temática es fundamentalmente religiosa: la vida de Jesús, de la Virgen, de los

Santos y de los apóstoles. En menor escala también encontramos ejemplos de pintura

profana, desarrollándose ahora el retrato.

- Por último decir que la pintura gótica tiene un carácter narrativo y una finalidad

didáctica y devocional.

- Evolución estilística:

+ Estilo Franco-Gótico o Gótico Lineal: siglo XIII y primera mitad del XIV:

el dibujo tiene gran importancia, las líneas limitan las superficies coloreadas, con

cromatismo vivo, naturalismo en las formas y los paños, perspectiva lineal en

fondos de paisajes o construcciones, convencionalismos como los doseletes con

ángeles, el tipo oval de la cabeza, la incurvación del cuerpo y el alargamiento de

las figuras.

+ Estilo Italo-Gótico o Primitivos Italianos: desde finales del siglo XIII a

mediados del XIV. Pintura italiana del Trecento en Florencia (Giotto) y Siena

(Simone Martini)

+ El Gótico Internacional: segunda mitad del siglo XIV y primera del XV.

Con riqueza cromática con colores brillantes a veces irreales, figuras de una

elegancia amanerada, se hacen alargadas y espirituales. Predominio de la línea

curva para reflejar movimiento y ropajes con plegados abundantes y sinuosos.

Técnica minuciosa, detalle realista y estudio de la perspectiva. Carácter

narrativo, apareciendo incluso elementos pintorescos sacados de la vida diaria y

el retrato se desarrolla en las pequeñas figuras de los donantes.

+ Escuela de los Primitivos Flamencos: segunda mitad del siglo XV y

principios del XVI. Van Eyck y Roger Van Der Weyden. Memling, Gerad

David o El Bosco


4. La pintura italiana del Trecento: Florencia y Siena. Giotto y la

escuela sienesa mediante Simone Martini.

Dos escuelas de pintores italianos desde finales del siglo XIII hasta mediados del XIV,

la Escuela de Siena y la Escuela de Florencia. Características generales del estilo:

- se mantiene el protagonismo de las pinturas murales al fresco.

- riqueza cromática simbólica (azules intensos, rojos profundos, amarillos, rosas

que no son naturales y se adaptan a la psicología de los personajes.

- Naturalismo en la representación de un espacio tridimensional por medio del

sombreado.

- El desarrollo de un marco real con paisajes urbanos o rurales donde superponen

las figuras.

- También naturalismo en la expresión del sentimiento, de los estados anímicos

por medio del gesto, la actitud que busca la aproximación al alma del personaje.

- Característica principal de la Escuela de Siena es su dulzura y elegancia y la

búsqueda de la belleza pura concentrada.

- También señalar la monumentalidad de las figuras, que van a tener

proporciones humanas, como característica principal de la Escuela de Florencia.

A) Escuela de Florencia

Giotto: principal pintor de la escuela de Florencia siglo XIV, es el gran iniciador del

espacio tridimensional, se caracteriza por la evidente observación de la naturaleza,

figuras modeladas e individualizadas en perspectiva, da volumen y peso a sus figuras.

Fondos dorados, monumentalidad de las figuras, profundidad en diversos planos con

fondo paisajístico y arquitectónico: Virgen en el Trono, Frescos sobre la vida de San

Francisco en la iglesia de Asís, Frescos de la Capilla de los Scrovegni de Papua,

Frescos de la Basílica de Santa Croce de Florencia

B) Escuela de Siena

Simone Martini: fue el gran maestro de la escuela sienesa. Debió de formarse en el

círculo de Duccio, pero desarrolló de manera muy personal el estilo de su maestro y le

añadió un gran interés por los efectos de perspectiva. Hizo un uso decorativista de la

línea y del color, y fue un creador genial de composiciones delicadas, elegantes y

amables, imbuidas de armonía y refinamiento. Idealización de las formas, poetización

del tema sagrado, fondos dorados, valor de la línea y colores brillantes. Retablo de la

Anunciación, Condotiero Guidoriccio de Fogliano del Palacio Comunal de Siena,

Frescos de la vida de San Martín en la Basílica de Asís.

5. Los primitivos flamencos del siglo XV: los hermanos Van Eyck.

En la segunda mitad del siglo XV y hasta principios del XVI una serie de factores

contribuyeron a producir un prodigioso florecimiento artístico en las ciudades de

Flandes. La influencia de la pintura flamenca se extiende por Europa. En España, por

ejemplo, la pintura de estos años se va a denominar estilo hispano-flamenco.

Características


- Los artistas que hoy en día conocemos como Primitivos flamencos desarrollarían un

estilo pictórico propio, caracterizado por un exacerbado naturalismo y un

extraordinario cuidado del detalle, que inmediatamente les supuso un reconocimiento

internacional. Captación de la realidad mediante:

+ El detallismo: es una pintura para ser vista de cerca y el artista tiene interés

por todo. Se recrea lo mismo en las personas que en las pequeñas cosas que

llenan la vida cotidiana, objetos, mesas, telas, etc.

+ Las telas las reproducen minuciosamente, pero las dota de unos pliegues

duros, metálicos.

+ El paisaje: los pintores flamencos fueron los creadores de amplios y

luminosos paisajes, así como los primeros en representar interiores llenos de

intimidad.

+ La creación de un espacio pictórico mediante la difusión de la luz sobre los

objetos.

- Sus obras, principalmente pinturas al óleo sobre tabla y obtenidas mediante la

minuciosa superposición de capas de color transparentes y luminosas, creando

veladuras. La veladura consiste en capas muy delgadas de pintura, de forma que se

transparente la capa inferior, así el color que veremos es el resultado de la mezcla del

color inferior más el de la veladura. El aglutinante tenía como base aceite secante que

le permitía superponer varias veladuras. La transparencia y profundidad conseguida dan

una gran calidad a las obras logrando mayor luminosidad y colores intensos.

- Los flamencos fueron los creadores del cuadro de caballete al ir simplificando el

retablo hasta reducirlo a una sola tabla.

- El desarrollo de escenas de la vida cotidiana en los temas religiosos, que son la

mayoría, así como los promotores retratados junto a Cristo, la Virgen o santos.

Introducción del retrato a través de la imagen del donante, hasta que acabó por tener

una autonomía en sí mismo.

- Amor al paisaje, que se aprecia en las luces del horizonte o en los brillos de las aguas.

- El predomino pictórico se ve favorecido por la aparición de una nueva clientela, la

burguesía ciudadana que se convierte en promotora de obras artísticas.

- En resumen, características entre el Renacimiento (el tratamiento de la luz y el paisaje)

y aún otras del Gótico (las figuras aún estáticas, la escasa relación entre las figuras,

representadas generalmente frontalmente, y que primen los detalles sobre el conjunto).

Principales pintores

a) Una primera generación de pintores, está compuesta por los hermanos Van Eyck

y Roger Van Der Weyden

Hermanos Van Eyck: conocidos por el uso extenso que hacen del óleo. En sus obras

confluyen elementos de una tradición aún medieval junto a arriesgadas novedades

formales e iconográficas de una sorprendente modernidad. Maestría técnica de Van

Eyck para modelar figuras y objetos con luz y color. Detallada representación de

superficies y texturas. Políptico de la Adoración del Cordero Místico, La Virgen del

Canciller Hollín, El Matrimonio Arnolfini, El Hombre del Turbante


+ Políptico de la Adoración del Cordero Místico: obra de Jan y Hubert Van

Eyck, pintada como un cúmulo de mensajes, de alegorías y de recreaciones

evangélicas; el políptico consta de 12 tablas en su posición abierta y ocho en el

reverso; la tabla central representa la adoración del cordero místico, cordero que

simboliza a Dios y que es adorado encima de un altar, que simboliza la

Eucaristía; dos semicírculos de personajes rodean la fuente, arrodillados en

actitud de adoración, los profetas, junto con los patriarcas a la izquierda, los

apóstoles a la derecha junto con Papas y obispos; destacables también son las

tablas extremas de la parte superior, que presentan a Adán y Eva, desnudos pero

tapándose sus intimidades tras el pecado original, son dos bellos y

exquisitamente proporcionados desnudos, iluminados en contraste con un fondo

oscuro; todas las escenas tienen como fondo un bellísimo y delicado paisaje con

árboles de variadas especies, flores, prados y ciudades, todo ello

extremadamente pormenorizado; por último mencionar las tablas intermedias,

que contienen los ángeles cantores y los ángeles músicos, en los que resulta

impresionante el tratamiento de los detalles en los ropajes, cabellos y rostros.

+ La Virgen del Canciller Rollín: Jan van Eyck introduce una nueva

iconografía, la Virgen en lugar de estar entronizada en el centro aparece en una

posición lateral, compartiendo a partes iguales con el donante la totalidad del

campo con positivo del cuadro; toda la composición, desde la distribución y el

realismo de las figuras y los objetos cotidianos que las rodean, la aparición del

paisaje de la ciudad en el fondo, la igualdad en el tratamiento de la figura del

donante y de la Virgen tiene una intencionalidad predeterminada y una clara

originalidad.

+ El Matrimonio Arnolfini: obra maestra de Jan Van Eyck; Van Eyck retrata a

un acomodado matrimonio burgués del Flandes de la época; la escena

aparentemente simple esconde algunas claves necesitadas de interpretación

puesto que objetos vulgares son alegorías de virtudes, el perrito significa la

fidelidad, estar descalzos la intimidad, la cama la vida conyugal, los frutos en la

ventana los alimentos compartidos; la luz entra por la ventana de la izquierda e

ilumina a los dos esposos; la lámpara es extraordinaria y el espejo, en el que

aparece el propio pintor, nos da la visión completa de la estancia.

+ El Hombre del Turbante: se considera un autorretrato del artista, de

impresionante verismo.

Rogier Van der Weydem: como buen pintor flamenco va a dedicar especial atención a

los detalles, el vivo colorido y el realismo de las figuras, pero a esto se debe añadir el

dramatismo que caracteriza sus escenas, como elemento esencial de su pintura. La

Piedad o el Descendimiento, La Crucifixión

+ La Piedad o el Descendimiento: llama la atención el cuidadoso estudio de la

composición de un numeroso grupo de figuras alojadas en un reducido y corto

espacio; el conjunto parece cerrada por dos paréntesis, a la izquierda San Juan y

a la derecha María Magdalena, sirviendo de eje la cruz y de centro de la

composición las dos figuras paralelas, dispuestas en diagonal, de Cristo y María;

el sentimiento de drama, y de contenida tristeza en el rostro de los personajes

consagra a Weyden como uno de los pintores más trágicos de la escuela

flamenca.

+ La Crucifixión: nota característica de su arte es el abandono del paisaje y del

mundo concreto, pero después de un viaje a Italia los incluye de nuevo, pero en


general se aprecia en su obra un cierto arcaísmo, como en este ejemplo, en el que

las figuras alargadas y sinuosas recuerdan el “estilo internacional”.

b) En una segunda generación de pintores flamencos, que se extiende hasta

principios del siglo XVI, destacan pintores como Memling, Gerad David o El Bosco.

El Bosco: una de sus fuentes de inspiración favoritas fue la cultura popular, los refranes,

los dichos, las costumbres y leyendas, las supersticiones del pueblo le dieron múltiples

temas para tratar en sus cuadros. Minuciosidad en el detalle, gusto por la variedad y

riqueza del color además del cuidado por la perspectiva. Gran originalidad en el

tratamiento del tema, al dar a los objetos de uso cotidiano un sentido diferente y

convertir las escenas en momentos delirantes, llenos de simbolismos, con imágenes

inquietantes, absurdas y fantásticas; todos sus cuadros están impregnados de un sentido

del humor burlesco. El Jardín de las Delicias, El Carro del Heno, La Adoración de

los Reyes Magos

+ El Jardín de las Delicias: esta es la pintura más famosa, la más estudiada,

y también la más enigmática y difícil de interpretar de las que pintó El Bosco; en

la tabla de la izquierda se presenta la creación del hombre; en la central los

placeres y pecados del mundo; y el castigo infernal a todos esos pecados en la de

la derecha; se considera una sátira moralizante sobre el destino de la naturaleza

humana.

+ El Carro del Heno: tríptico muy sugerente en cuya tabla central aparece un

enorme carro repleto de heno y un sinfín de personajes; en la cima del carro se

desarrolla una escena cortesana, unos amantes, la música, y un ángel y un

diablo; según todos los expertos, el tema alude a un versículo de Isaías: “Toda

carne es como el heno y todo esplendor como la flor de los campos, el heno se

seca, la flor se cae”, por tanto estamos ante una alegoría de lo efímero de los

bienes y placeres materiales y de lo pasajero de todo lo de este mundo; a la

felicidad terrenal y material, representada por el carro, quieren subirse todas las

clases sociales, reyes y obispos, pueblo llano; a los pies del carro vemos los

pecados capitales; la riqueza de detalles es sobrecogedora; en las tablas laterales

aparecen la creación del hombre, el paraíso y la expulsión (izquierda) y el

infierno (derecha) en un tratamiento algo distinto al de El Jardín de las Delicias.

+ La Adoración de los Reyes Magos: la Virgen tiene al Niño sobre su regazo,

mientras los Reyes Magos efectúan la ofrenda de los dones; se pueden apreciar

detalles muy precisos, llama la atención el personaje semidesnudo que se

encuentra a la entrada de la cabaña con una llaga en una de sus piernas,

simboliza al Anticristo, según algunas opiniones; los paneles laterales están

dedicados a los donantes, acompañados por San Pedro y Santa Inés.

Introducción al Gótico: Contexto histórico 2018.pdf · Historia del Arte 2º Bach. IES La...

Documents

Transcript of Introducción al Gótico: Contexto histórico 2018.pdf · Historia del Arte 2º Bach. IES La...