IntroducciónLA DANZA EN EL MUNDOLa danza es considerada una de las actividades artísticas más antiguas del mundo, muy complejas. El mejor camino para entender la danza y sus manifestaciones consiste en exponer la acción de bailar, danzar.

Ésta consiste en mover el cuerpo guardando una relación consciente con el espacio e impregnando de significación al acto o la acción que los movimientos “desatan”, el concepto o la idea de la acción dancística trae consigo el de música pero no explícito, o sea no lo pone en palabras, como tanto la música como la danza son acciones en el tiempo- tienen una duración, cubren un lapso, son fenómenos temporales, poseen un principio y un fin.

La danza puede sobrevivir y realizarse sin sonidos que la acompañen, porque la base de la música, el ritmo, se expresa en la acción dancística, en la obra de baile, incluso aunque no se oiga, se detecta visualmente.

En la definición se detecta e interviene el ritmo, además de otros elementos no especificados abiertamente básicos, que deben sobrevenir, que aluden en la realidad, se integran, se relacionan para que exista la danza, el arte de bailar.

La danza utiliza el movimiento como medio expresivo. La belleza de los movimientos, tanto individuales como en los conjuntos, se dan por medio de una armonía que se respalda con exclusividad en la simetría y el equilibrio. Un movimiento será bello o no con la finalidad expresiva, y con la veracidad de respuesta dada al sentimiento que la origina.

El espacio es donde el bailarín proyecta su emoción y del cual recibe estímulo o respuesta.

La danza busca siempre que el bailarín dance por una necesidad interior, mucho más cercana al campo espiritual que el físico.

En el ser humano sus movimientos van ordenándose en tiempo y espacio, son una válvula de liberación a una tumultuosa vida interior que aun escapa al análisis, constituyen formas de expresar los sentimientos: deseos, alegrías, pesares, gratitud, respeto, temor, poder.

Estos están relacionados con las necesidades de amparo, abrigo, alimento, defensa, conquista, de procreación, salud y comunicación, así nacen las formas artísticas de la expresión: la danza, la pintura, la palabra, el teatro.

La danza aparece como un hecho colectivo, una actividad ineludible, en cuya realización cada participante se funde en la acción, la emoción y el deseo con el cuerpo general de la comunidad.

La danza, es una expresión imprescindible de cualquier cultura o civilización.

Sea cual sea la cultura o civilización de la que hablemos, esta siempre expresa su cosmovisión de manera artística. La danza ha sido muestra importante de la religiosidad y estética de los pueblos, ha sido un ritual imprescindible para la satisfacción humana.

El impulso de la danza es esencial e inseparable del cuerpo humano, de la mente o de la conciencia.

LOS GÉNEROS DANCÍSTICOS

Según los grupos sociales que producen y realizan el arte de la danza o sea los que experimentan cada pieza dancística completa surgen los siguientes géneros:

1. Danzas autóctonas

2. Danzas populares

A su vez las danzas populares, se realicen en la cuidad se subdividen en :

Danzas folklóricas o regionales y Danzas populares Urbanas

Pero si consideramos las técnicas elaboradas y asimiladas, aceptadas, dominadas mundialmente para que los bailarines se adiestren y puedan convertirse en profesionales o especialistas, surgen los siguientes géneros:

3. Danza clásica

4. Danza moderna

5. Danza contemporánea

Danzas africanas

Aun teniendo en cuenta la gran diversidad musical existente en África, se puede generalizar el hecho de que música y danza son inseparables en todo el continente. Siempre que uno oye cantos y palmas, o los ritmos de un tambor, se puede casi asegurar que alguien, cerca, está bailando. Una siempre atrae a la otra.

Al igual que en el resto de culturas, en las culturas africanas las danzas tradicionales están íntimamente relacionadas con las fases de la tierra (cambio de estaciones, desgracias naturales, etc.) y con las fases de la vida (nacimiento, iniciación, matrimonio, muerte).

Existe una gran variedad de ritmos y cadencias según las diferencias culturales de los muy diversos pueblos africanos.

Aunque muchas danzas se atienen a coreografías definidas, en general los bailarines realizan sus movimientos con un alto grado de improvisación. Generalmente, el bailarín utiliza, no solo sus pies, sino que juega con sus caderas, sus piernas, cabeza y hombros, y en las músicas poli-rítmicas, donde cada tambor marca un ritmo diferente, cada parte del cuerpo puede seguir los diferentes ritmos marcados a la vez.

Hay muchos tipos diferentes de bailes, cada uno hecho con un estilo particular y para un propósito particular. El baile sirve para una gran variedad de funciones rituales y de simple diversión. Algunos bailes sirven para honrar a las fuerzas espirituales en las ceremonias religiosas, mientras otras son propias de las ceremonias concretas de iniciación o pasaje. Hay numerosos bailes sociales, como de competición, bailes militares, o bailes que honran a los jefes importantes.

La danza Mbende JerusaremaPaís: Zimbabwe

Inscrito en 2008 sobre la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad (originalmente proclamado en 2005)

¿Cómo surgió?

El Mbende/Jerusarema es una danza popular practicada por la población de Zezuru Shona, que vive al Este de Zimbabwe, particularmente en los distritos de Murewa y de Uzumba-Maramba-Pfungwe.

El nombre curioso de la danza es revelador de sus vicisitudes a lo largo de los siglos. Antes de la época colonial, esta antigua danza de la fertilidad se llamaba Mbende, (“topo” en lengua shona), animal considerado como símbolo de la fertilidad, la sexualidad y la familia. Bajo la influencia de los misioneros cristianos, que reprobaban claramente esta danza tan explícitamente sexual, el nombre de la danza se transformó en “Jerusarema”, una adaptación en shona del nombre de la ciudad de Jerusalén, para dotarla de una connotación religiosa. Hoy día, se utilizan ambos nombres. A pesar de su condena por los misioneros, la danza conservó su popularidad, convirtiéndose en una fuente de orgullo e identidad en la lucha contra el colonialismo.

¿Cómo se baila? - Vestimenta

La danza se caracteriza por los movimientos acrobáticos y sensuales de las mujeres y de los hombres, acompañados por un tambor poli-rítmico y por hombres que golpean con listones de madera y mujeres que baten

palmas, cantan al estilo “yodel” y tocan silbatos. Completamente distinto de otros estilos de danza rítmica de África del Este, el Mbende/Jerusarema no requiere encadenamientos complejos de pasos ni grandes conjunto de percusionistas. Al contrario, la música es interpretada por un solo percusionista, sin cantos ni letras.

Durante la danza, los hombres se acuclillan varias veces sacudiendo los brazos y golpeando vigorosamente la tierra con la pierna derecha, como si imitaran a un topo que cava su madriguera.

Danza Bamana o BambaraPaíses: Burkina Fasso: En la provincia de Kénédougou, cerca de N'Korola, Gambia: Al norte del rio Gambia. Los mandinga los conocen como Tilibonka, Mali: Siendo el 30 % de la población son el grupo étnico más importante de Mali y aunque se encuentran por todo el país su principal territorio es todo el valle medio del Río de Níger, Mauritania: Cerca del pueblo de Timbedra, Senegal: En el centro-este cerca de la frontera con Mali.

¿Cómo surgió?

Poco antes de que la llegada de las lluvias permita iniciar los trabajos en los campos, dos bailarines enmascarados, acompañados por los tambores, entran en los campos para rememorar y agradecer los conocimientos de agricultura que les proporcionaros sus divinidades, y para conseguir su bendición para el nuevo año agrícola que comenzará.

Al igual que los bailarines representan a un antílope macho y a otro hembra, y al igual que la unión del sol, la tierra y la lluvia hará crecer las plantas, hombres y mujeres participan en estos bailes de máscaras Chi Wara, por creer los Bamana que la obtención de los alimentos requiere de la cooperación entre hombres y mujeres.

El 2º jueves del 7º mes lunar los Bambara de la región de San, junto con los Malinke y Buwa celebran la Fiesta de Sanké mon en la laguna de Sanké

¿Cómo se baila? - Vestimenta

Estos bailarines pertenecen a la asociación Chi Wara, el antílope mitológico que enseñó al pueblo Bamana las técnicas de la agricultura. Cada una de las máscaras que portan representan a un antílope macho y a un antílope hembra. El tocado masculino de Chi Wara representa el sol. La máscara del Chi Wara hembra simboliza la tierra. La paja que lleva cada una de las máscaras representa el agua.

Los bailarines llevan pequeñas ramitas con las que durante el baile simularán que van plantando. En otros momentos del baile, el bailarín que lleva la máscara masculina tratará de colocar una de estas ramitas en la parte de atrás del bailarín que lleva la máscara de antílope hembra.

La danza isukuti de las comunidades isukha e idakho del oeste de KenyaPaís: Kenya

Inscrito en 2014 sobre la Lista del Patrimonio Cultural Inmaterial que requiere medidas urgentes de salvaguardia

¿Cómo surgió?

Es un baile festivo tradicional practicado por las comunidades isukha e idakho del oeste de Kenya, con acompañamiento de tambores y cantos.

Teniendo al tambor como instrumento esencial de transmisión de valores culturales y de convivencia armoniosa entre las familias y las comunidades, esta danza acompaña la mayoría de las etapas y momentos importantes de la vida de éstas: nacimientos, ritos de iniciación, matrimonios, funerales, conmemoraciones, inauguraciones, ceremonias religiosas, eventos deportivos y otros tipos de reuniones y actos públicos. La danza debe su nombre a los tambores utilizados para ejecutarla, que siempre se tocan en conjuntos de tres tamaños (grande,

mediano y pequeño) y suelen ir acompañados por un cuerno de antílope y sonajas metálicas. La danza la conduce un solista que canta coplas temáticas al ritmo marcado por los tambores y los pasos de los bailarines que forman dos filas separadas: una para los hombres y otra para las mujeres.

¿Cómo se baila? - Vestimenta

Ejecutada con ritmo rápido, enérgica y apasionada, la danza se realiza entre un hombre y una mujer que de frente generalmente o en grupos lineales con los brazos extendidos tirados hacia abajo marcando el ritmo de los tambores, una parte de la danza se ejecuta arrastrando los pies como raspando la tierra. El movimiento es de los brazos en diversas posiciones así como el ritmo de los pies es fundamental para esta danza. La vestimenta es llena de colorido y holanes, especialmente acentuados en los brazos.

Danzas asiáticas

En Asia las danzas folklóricas son bailes ceremoniales o recreativos, ejecutado por miembros de una comunidad, para los cuales la danza forma parte de la tradición cultural.

Se han utilizado criterios distintos para diferenciar la danza folclórica de otros tipos de danza: los pasos son simples y repetitivos, de tal forma que cualquier miembro de la comunidad puede participar; no requieren de la presencia de público y se van transmitiendo de generación en generación.

La ropa de los bailarines puede influir en la naturaleza de sus movimientos. Las bailarinas japonesas, por ejemplo, se encuentran limitadas por la estrechez de sus kimonos. El atractivo visual de una danza puede aumentar gracias al colorido de los trajes típicos del país.

El “nongak”, danzas y rituales comunitarios de la República de CoreaPaís: Corea del Sur

¿Cómo se origina?Los habitantes rurales coreanos que viven al pie de la Montaña Changbai en el noreste de China han estado involucrados desde antaño en la siembra de arroz. Para hacerlo más fácil el trabajo de cultivo de arroz en una vasta área, tienden a trabajar en grupo coordinando esfuerzos.

Cada vez que van al campo, toman sus "tambores planos" y "cuernos suona" junto con sus herramientas de granja. Durante un descanso, inician un espectáculo de baile improvisado con tambores rítmicos, alejando la fatiga con el canto de la alegría y el baile.

Con el tiempo se ha convertido en un arte escénico representativo de la República de Corea: músicas interpretadas por conjuntos de percusionistas, procesiones y cortejos, danzas, representaciones teatrales y números de acrobacia y malabarismos. Vestidos con indumentarias coloridas, los intérpretes locales de este arte ejecutan músicas y danzas en eventos comunitarios con diversos fines: apaciguar a los dioses, ahuyentar a los espíritus maléficos, impetrar buenas cosechas en primavera y celebrar su obtención en las fiestas de otoño, y recaudar fondos para la realización de proyectos comunitarios.

¿Cómo se baila? - Vestimenta

La danza popular, conocida como "nongak", o "baile del agricultor", es una actuación folklórica coreana que conserva algunas de las características de los antiguos rituales de sacrificio. Surge desde el trabajo agrícola, la danza se realiza generalmente en dos formas: 1) un programa de trazado con bailes y mimos; 2) la danza tradicional alegre con la participación masiva durante el Año Nuevo y celebraciones de la cosecha.

Hay cinco estilos regionales distintos del “nongak” que corresponden, en general, a otras tantas aéreas culturales. Dentro de cada región se dan variantes de un pueblo a otro, especialmente en lo que respecta a la composición de los conjuntos musicales, el estilo de las representaciones, los ritmos y los vestidos. Las danzas son interpretadas por grupos coreográficos y comprenden bailes con cintas. Los actores teatrales llevan máscaras y vestimentas peculiares e interpretan sainetes divertidos. Los números de acrobacia y equilibrismo comprenden juegos con platos chinos y payasadas ejecutadas por niños izados a hombros de artistas adultos. El público se familiariza con la práctica del “nongak” asistiendo a las representaciones y participando en ellas. Por su parte, los grupos comunitarios y los centros docentes desempeñan un papel importante en la enseñanza y transmisión de sus diversos componentes. El “nongak” contribuye a fortalecer la solidaridad y la cooperación en el seno de las comunidades, así como a crear un sentimiento de identidad común entre los miembros de estas. Un espectáculo de danza nongak se compone de 12 piezas, entre ellas "la danza del pequeño tambor" ejecutada por hombres jóvenes, "la pirámide humana" ejecutada por los niños, la tradicional "danza del tambor plano" ejecutada por un grupo de personas, "la danza del tambor de reloj de arena", realizada por hombres y mujeres bailarines, "la danza de los abanicos" originaria de la antigua "danza de brujo" por varias personas que sostienen grandes abanicos florales, "la danza de la grúa"

y, finalmente, la más impresionante "la danza Sangmo" ejecutada por bailarines masculinos. Las danzas tienen mayor riqueza artística conforme avanzan los contingentes de bailarines.

El biyelgee mongol, danza popular tradicional mongolaPaís: Provincias Khovd y Uvs –Mongolia

¿Cómo se origina?

El biyelgee mongol es una danza popular tradicional ejecutada por bailarines de distintos grupos étnicos de las provincias mongolas de Khovd y Uvs. Considerado el antepasado primigenio de las danzas

nacionales mongolas, el biyelgee encarna el modo de vida nómada del cual procede.

El biyelgee mongol desempeña un papel importante en acontecimientos familiares y comunitarios como fiestas, celebraciones, bodas y prácticas relacionadas con el trabajo. Además, es una expresión de la diversidad de identidades étnicas y, a la vez, de la unidad de las familias y del entendimiento mutuo entre los grupos étnicos mongoles. Tradicionalmente se transmite a las generaciones más jóvenes por intermedio de sesiones de aprendizaje o de lecciones impartidas en el seno de la familia, dentro del clan o en la vecindad. Hoy en día, la mayoría de las personas que transmiten el biyelgee mongol son de edad avanzada y su número está disminuyendo. Asimismo, la diversidad inherente a esta danza corre el peligro de desaparecer porque quedan muy pocos conocedores de las diferentes variantes distintivas de los diversos grupos étnicos.

¿Cómo se baila? - Vestimenta

En principio se ejecuta dentro del reducido espacio interior del ger (la vivienda nómada), en posición medio sentada o con las piernas cruzadas. Los movimientos de manos, hombros y piernas evocan aspectos del estilo de vida de los mongoles, en particular las tareas domésticas, costumbres y tradiciones, así como los rasgos espirituales característicos de los distintos grupos étnicos. Los bailarines de biyelgee llevan atuendos y accesorios con diversas combinaciones de colores, motivos artísticos, bordados, tejidos de punto de mano, guateados, guarniciones de cuero y joyas de oro y plata distintivas de la comunidad étnica a la que pertenecen.

La danza Saman o danza de las mil manosPaís: Indonesia

Inscrito en 2011 sobre la Lista del Patrimonio Cultural Inmaterial que requiere medidas urgentes de salvaguardia

¿Cómo se origina?

La danza Saman forma parte del patrimonio cultural del pueblo gayo, asentado en la provincia de Aceh, en la isla de Sumatra.

La danza Saman, ejecutada en las fiestas nacionales y religiosas, contribuye a estrechar las relaciones entre los grupos de aldeanos que se invitan mutuamente a los espectáculos. Tiene su origen en el grupo étnico Alas y normalmente se representa para celebrar el cumpleaños del Profeta Mahoma y en ocasiones importantes.

¿Cómo se baila? - Vestimenta

Sus intérpretes son niños y jóvenes varones que la ejecutan en cuclillas o arrodillados, formando filas apretadas. Esta danza tiene un patrón muy característico en el cual primero se saluda a los músicos, ya que generalmente se hace con música en vivo. Todos ellos llevan un traje negro bordado con motivos de colores típicos de su etnia, que simbolizan la naturaleza y valores nobles. El jefe se sienta en medio de una fila y canta versos en lengua gayo principalmente. Esos versos dispensan consejos y pueden ser de índole religiosa, romántica o humorística. Los bailarines dan palmadas, se golpean el pecho y los muslos, patean el suelo, chasquean los dedos y balancean o giran el cuerpo y la cabeza acompasadamente, ya sea al unísono o a contratiempo de los bailarines que tienen enfrente. Esos movimientos simbolizan la vida diaria del pueblo gayo y su medio ambiente natural. A medida que la música va avanzando ésta va haciéndose más rápida, lo mismo que los movimientos de los bailarines para terminar abruptamente.

Recientemente se han incorporado también mujeres a este baile pero tradicionalmente lo hacían los hombres, también es muy característico que los cantos incluyan elementos folclóricos de la cultura Gayo y también en algunas ocasiones se recitan versos con elementos islámicos.

Danzas caribeñas

Son las danzas de América Central y del Caribe, esta región también abarca las partes costeras de Venezuela y Colombia. Surgieron de la unión de ritmos europeos, africanos y nativos en distintas zonas, como parte del mestizaje americano. Los ritmos y danzas caribeños son pilares de lo que se conoce como ritmos latinos.

El área continental del Caribe colombiano está habitada, en su mayoría, por población afrocolombiana. Sin embargo, sus danzas también combinan elementos adoptados de las tradiciones indígenas y europeas. Cada uno de ellos influyó de manera directa o indirecta en la formación de la gestualidad de las danzas de la región. No obstante, en todas ellas predominan las características rítmicas heredadas de los ancestros africanos.

En especial en la cumbia, el bullerengue, el mapalé y los juegos propios del carnaval. En todas ellas el movimiento corporal se acentúa con un gran despliegue de sensualidad, cuyas cadencias se producen al ritmo de los tambores.

Las danzas del litoral sintetizan el quehacer social, emotivo, artístico y laboral de sus habitantes y de la comunidad. El cuerpo danzante representa la fertilidad de la mujer, el coloquio amoroso, la historia de resistencia de sus antepasados y las actividades diarias con las cuales aseguran su subsistencia.

Son cubanoPaís: Cuba

¿Cómo se origina?

Desde donde se tienen registros, los primeros sones fueron interpretados alrededor de la segunda mitad del siglo XVI. Un ejemplo de ello es el "Son de La Mateodora" de 1562, interpretado por dos hermanas dominicanas "Micaela y Teodora".

En su estructura el son contiene elementos de la música Bantú (africana) y la española. Entonces debemos deducir que este fenómeno musical es el resultado de la fusión de dos culturas, básicamente la africana y la española en determinado período histórico y en una muy marcada región geográfica.

En consecuencia podemos definir que el movimiento de este género es oriundo de las islas caribeñas colonias de España, a saber, Cuba, República Dominicana, Puerto Rico, Haití, y los países latinoamericanos Venezuela y Colombia.

Sin embargo, es bueno destacar que su asentamiento como género musical lo obtuvo en Cuba por ser la mayor de las islas de las Antillas y el centro cultural más concurrido de la época.

El son por su parte tuvo su origen en los suburbios montuneros de algunas ciudades de la zona oriental de cuba, como Guantánamo, Baracoa, Manzanillo y Santiago de cuba. Se trasladó a La Habana hacia el año 1909 por soldados del Ejército Permanente. Fue una de las representaciones bailables más representativas de las capas humildes de la población. Se bailó en accesorias, salones y academias de baile aunque al principio fue rechazado en los salones elegantes.

¿Cómo se baila? - Vestimenta

Desde el punto de vista coreográfico existen dos estilos fundamentales de interpretar este género: el son montuno y el son urbano. El son se empezó a ejecutar en todo el país y se caracterizó por realizar su paso básico a tiempo de clave o contratiempo de clave.

El son montuno es más movido. Se caracteriza por un movimiento acentuado del torso hacia los lados, profundas flexiones de las piernas que provocan un constante subir y bajar del cuerpo, y la acción frecuente de los brazos arriba y abajo. Se compone de cuatro compases y en donde el coro interviene dos veces entre cada solo. Dentro de este estilo vamos a encontrar el changüí, el sucu-sucu y otros.

En el son urbano los movimientos son más pausados, suaves y elegantes y la posición social de baile es más erguida. Las flexiones de las rodillas son menos pronunciadas y no se ejecutan los movimientos continuos de brazos descritos anteriormente. El paso básico del son en ambos estilos se ejecuta en 4 tiempos musicales, los tres primeros coinciden con 3 pasos y el cuarto es de espera, no se realiza paso alguno y la pareja se enlaza en posición de baile social cerrada. Esta forma de bailar el son es la que más incidencia tuvo en el casino.

El paso básico del son, en su esencia, es similar al del casino, no solo por los tiempos musicales que comprende sino, además, por la forma o diseños corporales y espaciales. Ambos estilos se ejecutan en 4 tiempos musicales, los tres primeros coinciden con 3 pasos y el cuarto es de espera, no se realiza paso alguno y la pareja se enlaza en posición de baile social cerrada.

La ropa es colorida en el caso de las mujeres y la de los hombres generalmente blanca y con sombrero. Esto sucede así en las zonas rurales del país (Cuba). Sin embargo en las zonas urbanas la ropa es normal como la que se usa en cualquier fiesta o baile tanto para hombres como para mujeres.

Guaracha cubanaPaís: Cuba

¿Cómo se originó?

Los orígenes de la guaracha se remontan a España, donde era un baile zapateado que se bailaba por una sola persona en el teatro bufo: Teatro popular que utiliza la imaginería social para denunciar los abusos. Los personajes principales eran el negrito, el gallego y la mulata. Se utilizaba la técnica del blackface (actores blancos que se pintaban de negro).

La guaracha se escucha en La Habana desde Abril de 1583, cuando Torrequemada y el Gobernador Gabriel de Luján competían por el poder político, mientras que los guitarristas en las calles y las plazas públicas les cantaban expresando su crítica a la situación vigente con un estribillo que decía: “Que Dios te perdone, Gobernador.” Desde luego, no tenían la misma tonada rítmica que las que conocemos desde el siglo XX.

Las guarachas también formaron parte del Teatro bufo, donde con mucha frecuencia las estrofas tenían propósitos humorísticos. Más tarde, cuando la guaracha se independizó y entró en los salones de baile, mantuvo siempre el propósito de bromear y de hacer reír. A comienzos del siglo XX, empezó a ser tocada y cantada junto a otros géneros, y desde entonces hasta nuestros días, no ha dejado de aparecer en el flujo creativo de importantes compositores como Osvaldo Farrés, cuyo volumen de boleros es increíble, pero que también escribió piezas de ese tipo (Mis cinco hijos, Un caramelo para Margot, La glotona, Cómo me gusta hablar español y Mario Agüé).

Reflejando siempre situaciones o acontecimientos que tuvieran elocuente repercusión en su momento, entre todos los compositores de guarachas el más importante quizás fue Benito Antonio Fernández Ortiz, aunque mencionarlo por ese nombre en el mundo de la música es como si no se dijera nada. En cambio, si lo llamamos por su nombre artístico, Ñico Saquito, enseguida reconoceremos a un maestro del género que, a través de sus composiciones, ha dejado un legado sin fronteras, un legado universal.

¿Cómo se baila? – Vestimenta

La melodía de la guaracha sigue las características de la música popular.

La guaracha es un ritmo esencialmente bailable, pero también se considera música de parranda navideña, así como música popular de conciertos. Varios de los ritmos populares de la actualidad heredan características de la guaracha, como, por ejemplo, la salsa y la rumba. Los pasos son esencialmente como los de son cubano mucho más alegres y divertidos.

Para bailar guaracha el caballero se viste igualmente con pañuelo anudado en la cabeza, y sobre él un sombrero alón, pantalón ceñido a la cintura y patas acampanadas, camisa por fuera, anudada al frente, una argolla en una oreja, y también pantuflas de piel de venado que sonaban jactanciosamente al caminar. Este personaje respondía también al nombre y actitudes de negro curro. En las mujeres los faldones son amplios con coloridos holanes lo mismo que las blusas.

VallenatoPaís: Colombia

¿Cómo se origina?

Llamado generalmente "paseo" o "son" Vallenato es otro de los aires folclóricos costeños más generalizados en Colombia y en especial en la Costa Atlántica. Es un aire musical originario del Valle de Upar (Valledupar) y en general del Departamento del Magdalena, relacionado en sus orígenes estructurales con los pueblos aborígenes chimilas, kogis y demás de la región, que fueron desapareciendo en los duros trabajos de las minas, en las fatigas de los caminos en donde servían como cargueros, y en la brega de los ríos, con canalete en las manos. Se sostiene que el nombre proviene del gentilicio popular de los nacidos en la ciudad donde tiene mayor arraigo este género. Según algunos, se trata de un neologismo que nació con los nativos viajeros en mulas, que cuando se les preguntaba en otras tierras de dónde eran, en su decir campesino respondían “Soy nato del Valle”, que es como decir “Soy del Valle nato”.

Su popularidad se ha extendido hoy a todas las regiones del país y países vecinos como Panamá, Venezuela, Ecuador, México y más alejados como Argentina. Se interpreta tradicionalmente con tres instrumentos: el acordeón diatónico, la guacharaca y la caja vallenata. Los ritmos o aires musicales del vallenato son el paseo, el merengue, la puya, el son y la tambora. El 29 de noviembre de 2013, el vallenato

tradicional fue declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Nación por el Consejo Nacional de Patrimonio del Ministerio de Cultura.

¿Cómo se baila? –Vestimenta

Por otra parte, los grupos de proyección le han dado formas coreográficas sofisticadas, donde predominan los desplazamientos lineales y movimientos rápidos de piernas y caderas bastante exagerados, lo que hace que este baile resulte vibrante y llamativo debido a la fuerza que se le imprime a los movimientos y a la vistosidad de los trajes que emplean para su presentación.

Para bailar, la mujer utiliza una falda amplia, o pollera, decorada con apliques y cintas y con un bolero en la parte inferior. Las blusas suelen tener los hombros destapados y las mangas abultadas. Es común que los colores del atuendo sean llamativos e incluso tengan estampados a cuadros. El hombre viste pantalón y camisa blanca, sombrero ‘vueltiao’ y pañoleta ‘rabo e gallo’ de color rojo.

Danzas mexicanas

La riqueza cultural de México encuentra uno de sus muchos medios de expresión en la danza folclórica. Dependiendo de cada zona geográfica del país, los bailes típicos hacen acto de presencia en distintos acontecimientos sociales como las festividades patronales y cívicas. Las danzas se diferencian de acuerdo a su lugar de origen, y en el caso de México, muchas de ellas tienen reminiscencias europeas e indígenas.

Las danzas folclóricas de México resultan alegres y coloridas, en parte por los trajes regionales que suelen utilizar los bailarines, así como por el acompañamiento de músicos que interpretan en vivo la pieza musical en turno.

Aún se conservan danzas de origen prehispánico como La danza del Fuego Nuevo, La Danza del Venado y La danza de La Pluma, que se transformó hasta ser una representación de la conquista de México. Unas fueron importadas de Europa, como La polka de las bicicletas y la Danza de Las Cintas. Otras se originaron por rebeldía hacia los

conquistadores, como La Danza de Los Cuchillos y la de Los Chinelos. La Bamba, una de las más populares, posee influencia española y africana.

El jarabe tapatíoEstado: Jalisco

¿Cómo se origina? El baile llamado jarabe gitano que trajeron los conquistadores españoles dio origen al famoso jarabe tapatío que hoy conocemos. Los jarabes empezaron a retumbar y a hacerse populares entre los distintos habitantes de la Nueva España, los cuales aportaban a la letra su ingenio y sentido del humor.

En aquella época se bailaba en forma burlesca, intercalándose durante la danza una o dos estrofas cargadas de sátira. Muchas coplas traían su popular agresividad mezclada con irónicas letras, haciendo alusión a alguna aventura amorosa, adulterio, desmanes o simples coqueteos de personajes de las clases privilegiadas como jefes políticos, alcaldes y

hasta el mismo virrey. Los jarabes más famosos que sobresalieron en aquella época fueron: El pan de jarabe, El pan de manteca, El charro, La señorona y La llovizna, entre otros.

En Guadalajara se le dio a este género popular su más perfecta expresión, y en 1683 adquirió su mayor auge. A principios de 1800 el Jarabe tapatío se fue dignificando hasta llegar a convertirse en un verdadero bailable, cargado de belleza y alegría.

¿Cómo se baila? - VestimentaEste Jarabe simboliza el cortejo del hombre a la mujer en una danza de coquetería y un pícaro vaivén entre la pareja que sucede mientras estos zapatean al ritmo de las tonadas melódicas del jarabe.

El hombre porta el tradicional traje de charro con botonadura de plata a los lados del pantalón, chaquetilla con botonadura al frente, sombrero de ala ancha de cuatro pedradas, camisa blanca con corbatín al cuello en colores de contraste, por ejemplo (rojo, azul, negro etc.), botín negro, cinto de cuero o a veces una faja de color con amarre a los lados. Hay que destacar un aspecto importante referente al traje del hombre que se utiliza para bailar los sones y jarabes de Jalisco. Por lo común, se porta el traje de caporal, con sus diferencias al tradicional de charro, porque lleva a los lados del pantalón una aletilla cosida con adornos de cuero y de igual manera la chaquetilla, que son figuras relativas a grecas y formas de la charrería mexicana. Lo que hace distinguir ser, una prenda única en su género.

Vestido de la Mujer

El vestido original es el de ranchera tapatía de la segunda mitad del siglo XIX. La falda llevaba sólo un holán y pequeños adornos de flores. El vestido de flores es una mezcla de los vestidos europeos y mexicanos, que se llenó de holanes y adornos para hacerlo más vistoso. El vestido de Blanco o de Gala se utiliza principalmente en las ciudades. El vestido de listón le da mayor dinamismo al baile.

Como el jarabe tapatío representa en general al país, México, también se suele bailar con los trajes naciones: el de charro, para los varones y el de china poblana, para las damas.

Los concheros – danza prehispánicaRegión: Centro de la República Mexicana

¿Cómo se origina?

Los concheros son grupos de danza ritual en México. Este fenómeno cultural tiene raíces mexicanas sincréticas (tanto prehispánicas como

cristianas) y está vinculado a diversas fiestas religiosas. Entre los nombres que se le dan a esta danza se encuentran: «danza de los concheros», «danza de la tradición», «danza azteca o mexica» o «danza de la conquista» y regionales. Entre las fiestas más importantes están la del Sacromonte (inicia el ciclo en enero o febrero), la Santa Cruz en Chalma (una semana después del 3 de mayo), Santiago Apóstol (el domingo más cercano al 25 de julio, en Tlatelolco), San Miguel (29 de septiembre) y el ciclo se termina con la danza a la Virgen de Guadalupe en el atrio y los alrededores de la Basílica de Guadalupe, el 12 de diciembre.

Entre las danzas más representadas se encuentran: Águila blanca, Paloma, Quetzalcóatl, El Sol, Tonantzin y la famosa Danza del Venado. Aunque esta última proviene del norte de México y se representa con un vestuario diferente, en varias ocasiones se anexa al número de los concheros y danzantes mexicas.

¿Cómo se baila? - Vestimenta

Actualmente, la vestimenta suele variar de unos grupos a otros, pero casi siempre consta de un faldellín, rodilleras, muñequeras, pectoral y un penacho de plumas. Las plumas ahora son de faisán, de pavo real, de gallo, artificiales o de avestruz. La tela del vestuario suele ser brillante y de colores muy vivos. Se utilizan los ayoyotes, también conocidos como tenabaris, en los tobillos, una sonaja en la mano derecha (ayacaxtli) o el estandarte. Todos los danzantes llevan una cinta que rodea la cabeza a la altura de la frente (izcualmecatl). Esto protege la individualidad y la armoniza con el grupo como un pequeño círculo dentro de otro gran círculo, en una metáfora universal.

Los pasos son ágiles y sencillos con los que se trata de integrar el cuerpo y el espíritu a la naturaleza. Las vueltas y los giros representan la fertilidad y otras combinaciones representan la tierra y las cosechas. Girando en el aire representan el alma, pasos atrás y hacia adelante el fuego, mientras que los pasos en zig zag significan el agua.

Las mesas de danza están organizadas como en la milicia, se cuenta con un general, capitanes, malinches, sargentos, alférez y la tropa. Existe un orden jerárquico con fines de mantener el orden y organización interna del grupo. Las ceremonias se dividen en dos fases, tomando como referencia el principio de dualidad, llamado Ometéotl. La primera etapa es la llamada “velación”, que representa la energía de la noche, el

jaguar, la madre tierra, el principio femenino. En esta ceremonia el danzante se purifica, se prepara a través del canto y alabanzas, el toque de instrumentos como la concha, el caracol, la sonaja, la chirimía, la elaboración y la presentación de ofrendas, los bastones y custodias, cubiertas de flor, para renacer al nuevo día purificado y limpio espiritualmente y así presentarse ante la vibración solar.

Aquí viene la segunda etapa que representa al día, al águila, la energía solar, el principio masculino. En la danza es importante la formación del círculo, el saludo de la comunidad a los cuatro vientos, a las seis direcciones del universo, lo que permite al conchero integrarse al ritmo de la vida del planeta y del cosmos. El centro del círculo de danza es considerado un lugar sagrado y es ahí donde se coloca al sahumador, la brasa sagrada con sus aromáticas esencias y las ofrendas que se portan. Ahí se marca el eje de energía, que reverbera en círculos concéntricos permitiendo que todo el grupo se transforme en una unidad.

Cada danza posee ciertas cualidades. Los movimientos están relacionados con cuentas matemáticas, la “geometría sagrada”. Con los pies se está haciendo un llamado a la madre tierra, se le saluda, con los brazos se realiza una conexión con el cosmos y así cada movimiento tiene la idea de sanar, armonizar, crear salud y abundancia. Finalmente, al levantar los brazos se señala un desprendimiento del espíritu.

Los voladoresRegión: Papantla, Veracruz

Los orígenes de la ceremonia de los voladores se remonta a la época prehispánica.Se cree que este ritual comenzó a realizarse hace 1,500 años en el centro de México, como una plegaria al dios del Sol, para la fertilidad y la buena cosecha.Aunque no se tiene una fecha exacta, se sabe que a la llegada de los conquistadores, sus principales cronistas consideraron esta danza como un juego, quizá porque originalmente el atuendo empleado consistía en trajes confeccionados con auténticas plumas de aves que representaban águilas, búhos, guacamayas, quetzales, etcétera.

Una leyenda totonaca cuenta que los dioses dijeron a los hombres: “bailen, nosotros observaremos”. Los “hombres pájaro” o conocidos popularmente como “Los Voladores de Papantla” son una tradición mexicana consistente en una danza espectacular, para agradar a los dioses. Es una danza ritual relacionada con la fertilidad. Este es un espectáculo para quien lo observa, pero para quienes lo viven, es el rito más solemne de fertilidad entre los totonacas.

Esta es una práctica ritual que se remonta a la época prehispánica. Actualmente, esta danza se practica en comunidades indígenas durante festividades patronales y también como entretenimiento para los turistas. Se trata de cinco hombres que suben a un enorme poste, cuatro de ellos se amarran con una cuerda y ya en la cima, se lanzan al vacío haciendo rotaciones alrededor del poste.

¿Cómo se baila? – Vestimenta

En este ritual, un grupo de 4 hombres (los danzantes) se suben a un poste de 25 a 50 metros de alto, se atan una cuerda a la cintura o a los pies y de espalda se lanzan al vacío con los brazos abiertos girando alrededor del poste. Al mismo tiempo, un quinto hombre (el sacerdote), toca música indígena con instrumentos musicales hechos de madera y a mano; la flauta representa el canto de las aves y el sonido del tambor representa la voz de dios.

Cada volador gira 13 veces, esta cifra, multiplicado por los cuatro voladores, resulta en 52 círculos en total; ello, porque según el calendario maya, cada 52 años se forma un ciclo solar y cada año está

compuesto de 52 semanas, después de las cuales un nuevo sol nace y el curso de la vida continua. Los voladores arriesgan así su vida, de manera que el nuevo sol pueda nacer y la tierra se llene de felicidad.

Originalmente la vestimenta de los voladores eran disfraces elaborados con plumas de aves, posteriormente, debido al proceso de mestizaje, la indumentaria fue cambiando ante la influencia española. Hoy el traje empleado en el ritual por los indígenas está colocado encima de sus tradicionales prendas de manta blanca.

Al realizar la ceremonia, el volador se cubre la cabeza con un pañuelo amplio o paliacate, sobre el que se coloca un gorro cónico, en cuya cima se colocan un pequeño penacho multicolor simulando el copete de un ave; además simboliza los rayos solares, un pequeño espejo redondo representando al sol se coloca sobre la frente.

Unos largos listones de colores se deslizan por la espalda del danzante, simulando el arco iris que se forma después de la lluvia. El resto del tocado está adornado con flores de diversos tonos, símbolos de la fertilidad de la tierra.

Representando las alas de los pájaros, sobre el pecho y espalda penden dos medios círculos en diagonal de tela o terciopelo rojo, sostenidos del hombro derecho. Encima de ellos se localizan figuras de plantas, flores y aves bordados con lentejuela. El pantalón de color rojo está adornado de chaquira y espiguilla.

El empleo del color rojo es considerado como representativo de la sangre de los danzantes muertos y la calidez del astro rey.

De la música se encarga el “sacerdote”, quien las ejecuta con un tamborcillo y flauta. El tamborcillo se sujeta a la palma de la mano por medio de un amarre a manera de pulsera; se golpea con una pequeña vara de madera. La flauta, hecha de carrizo, complementa las notas del ritual. Estos instrumentos demuestran una gran creatividad y los conocimientos de armonía y acústica que posee el pueblo totonaca.

Fuentes de informaciónhttp://www.monografias.com/trabajos90/baliles-populares-y-tradicionales-cubanos/baliles-populares-y-tradicionales-cubanos.shtml#ixzz3pv5rBivf

http://www.unesco.org/culture/ich/index.php?lg=es&pg=00011&RL=00052

http://lasdanzasdelacosta.blogspot.mx/p/las-danzas-caribenas-o-mejor-conocidas.html

http://www.ecured.cu/index.php/Guaracha

http://www.colombia.com/colombia-info/folclor-y-tradiciones/bailes-y-trajes-por-regiones/region-caribe/

http://losvoladoresdepapantla.blogspot.mx/