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El Renacimiento italiano 1

LA PINTURA DEL RENACIMIENTO

Rasgos

generales

- Técnicas variadas: pintura mural al fresco, temple sobre madera; y desde el S. XV aparece el

óleo (influencia flamenca) y el lienzo (inventado por los venecianos)

- Temas religiosos o profanos (históricos, mitológicos, etc.). Los temas religiosos se

secularizan. Importancia del retrato.

- Las escenas se enmarcan en la naturaleza o en una arquitectura clásica.

- Importancia de la perspectiva, sistema pictórico que trata de simular la profundidad en una

superficie plana. Es el principal logro de la pintura renacentista. Puede ser:

Lineal, ideada por Brunelleschi, parte de la idea de que cuanto más lejos están los objetos

más pequeños se deben representar. Para ello se utiliza una pirámide visual formada por

unas líneas que parte de la base y confluyen en un punto de fuga. Es propia del

Quattrocento.

Aérea, surge de las teorías de Leonardo, que se basan en el estudio de la transformación

de la percepción de los objetos en función de la distancia y de la luz. Los contornos de las

figuras se desdibujan a medida que se alejan porque aumenta la cantidad de aire entre ellas

y nosotros).

- Importancia del dibujo en el Quattrocento y del color en el Cinquencento y, especialmente, en

la escuela veneciana.

- La luz es uniforme en el Quattrocento y selectiva en el Cinquecento.

- La composición es simétrica y se organiza en esquemas geométricos, excepto en el

Manierismo.

- La expresión es figurativa, naturalista e idealizada, siendo el cuerpo humano bello y

proporcionado–como en la escultura- la principal preocupación. El desnudo permite al artista

alardear de sus conocimientos anatómicos. En el Manierismo se rompe la belleza ideal.

QUATTROCENTO

Florencia es el principal centro artístico aunque en la segunda mitad se forman escuelas de cierta originalidad en

otras ciudades italianas. Importancia del dibujo como delimitador de las formas. Preocupación por representar la

profundidad mediante las leyes de la perspectiva (las líneas de la composición tienden al punto de fuga), por el

volumen y por la composición. Interés por la anatomía humana y el

paisaje. Detallismo anecdótico. Pintura al fresco o temple; a finales del S.

XV se empieza a usar el óleo.

FRA ANGÉLICO. Artista de transición entre el Gótico (fondos dorados,

figuras curvilíneas, delicadas e irreales) y el Renacimiento (interés por la

perspectiva, elementos arquitectónicos y decorativos clásicos). La

Anunciación del Museo del Prado.

MASACCIO. Iniciador del nuevo estilo al aplicar las leyes de la perspectiva para

simular profundidad, espacio y volumen. Influencia de Giotto: volumen y

grandiosidad de las figuras gracias al sombreado, fuerte expresividad psicológica y

movilidad. Destacan los frescos de la iglesia de Santa Mª de Novella con la La

Trinidad y los de la capilla Brancacci con el Tributo de la moneda y Adán y Eva

expulsados del

Paraíso


PAOLLO UCELLO también domina la perspectiva y el escorzo.

Escenas de batallas de gran interés narrativo. La batalla de San

Romano.

PIERO DE LA FRANCESCA.

No trabaja en Florencia sino para grandes familias de ciudades

pequeñas. Su estilo es muy personal con figuras geométricas,

escultóricas y serenas; composiciones muy cuidadas, interés por

la perspectiva e importancia de la luz y el color. Destacan los

frescos de la Veracruz con el Sueño de Constantino donde

emplea luz artificial y la Flagelación de Cristo. Otras obras:

díptico con los retratos de los duques de Urbino y La Virgen,

los Santos y Federico de Montefeltro,

con el duque arrodillado ante la Virgen.

FILIPPO LIPPI. Imágenes dulces y angelicales de sus Madonnas en medio de verdes

parajes.

BOTTICELLI. Pintor de gran refinamiento y delicadeza, admirador de la belleza

femenina (cuerpos elegantes,

ligeros, de largas cabelleras y

rostros melancólicos y tristes,

vestidos con finas gasas que

trasparentan la anatomía).

Introdujo los temas mitológicos

con paisajes idealizados y cuerpos desnudos. La

primavera y el nacimiento de Venus. También fue un

importante retratista.

GUIRLANDAIO. Arte narrativo que muestra los usos y costumbres de la época

con gran minuciosidad. Los cuadros religiosos como la Adoración de los Magos

parecen cuadros de género. También es un gran retratista que capta la psicología

de los personajes como en El anciano con su nieto.

PERUGINO. Principal representante de la escuela de Umbría, preocupada por

los espacios abiertos, amplios y llenos de luz, y las composiciones simétricas y

ordenadas. Es el maestro de Rafael. Figuras

delicadas y de expresión soñadora. La

entrega de las llaves y El matrimonio de la

Virgen.

ANDREA MANTENGA, de la escuela

de Padua, con figuras duras y

grandiosas que parecen esculturas.

Dominio de la perspectiva y el escorzo.

El Cristo muerto o en La muerte de la

Virgen del Museo del Prado.


CINQUECENTO

Roma se convierte en el centro artístico gracias al mecenazgo de los papas. La pintura de esta etapa se caracteriza

por: claridad y sencillez en los temas –única escena sin elementos superfluos- y en las composiciones (casi siempre

triangulares; severidad y monumentalidad de las formas; pérdida de importancia del dibujo frente a la luz y el

color; iluminación más real –con matices- y con juegos de luces y sombras. Es la culminación de los ideales

clásicos: belleza ideal, orden, simetría, equilibrio y serenidad.

LEONARDO DA VINCI. Modelo de “hombre renacentista” que destaca en todos

los campos del conocimiento. Es contemporáneo de la 2ª generación del

Quattrocento pero su pintura representa al Cinquecento por la claridad y sencillez

de las composiciones, por la monumentalidad de las figuras y por romper con la

tradición florentina de predominio del dibujo al pintar de forma suelta y

preocuparse por los efectos del claroscuro. Interés por el hombre –sus rasgos físicos

y psicológicos- y la naturaleza. Sus aportaciones son la perspectiva área y el

sfumato (contornos vagos y difuminados que consigue con juegos de luces y

sombras). Sus obras principales: la Virgen de las Rocas, la Dama del Armiño, la

Última Cena, la Gioconda y Santa Ana, la Virgen y el Niño.

RAFAEL SANZIO. A partir de diversas influencias crea un estilo personal con

el que culmina el ideal renacentista (equilibrio, armonía y serenidad). Es un gran

dibujante, retratista y emplea una rica gama cromática. De su etapa de formación,

destaca la obra Desposorios de la Virgen, muy influida por su maestro Perugino

(composiciones ordenadas y rostros delicados). Al independizarse, se traslada a

Florencia donde recoge la influencia de Leonardo y Miguel Ángel. Sus

Maddonnas (del Gran Duque, del Jilguero o del Prado) recuerdan a la pintura de

Leonardo (composiciones piramidales, rostros y paisajes desdibujados por el

sfumato, búsqueda de la belleza idealizada y serena). Después marcha a Roma

donde el papa Julio II le encarga la decoración con frescos de estancias vaticanas.

En la Stanza della Signatura desarrolla escenas que representan los distintos

campos del pensamiento como La Escuela de Atenas que simboliza la verdad

filosófica o verdad racional. Como retratista destacó por la agudeza psicológica

(Retrato de un cardenal, Baltasar Castiglione, Julio II, etc.).

MIGUEL ÁNGEL BUONAROTTI. En su primera pintura, Tondo Doni, ya aparecen los rasgos de su estilo:

dominio del dibujo, figuras atléticas, musculosas, monumentales,

expresivas y dinámicas, en las que se deja ver la influencia de la escultura,

y una rica gama de colores. El papa Julio II le obliga a realizar los frescos

de los techos y partes altas de la Capilla Sixtina (sus paredes habían sido

decoradas por otros pintores renacentistas). Miguel Ángel establece el

programa iconográfico y realiza una obra colosal. La bóveda está dividida

en arquitecturas fingidas; en el centro pintó historias del Génesis,

separadas de las laterales por los ignudis (desnudos); en los laterales, los

siete profetas y las sibilas en distintas actitudes (leen, meditan o escriben

como siguiendo la inspiración divina). La escena de la Creación del

hombre es la más conocida.

De nuevo, los papas Clemente VII y Paulo III, le vuelven a encomendar

pintar la pared del fondo donde representa el Juicio Final, momento en el

que se manifiesta el pesimismo que ha invadido al autor y a sus

contemporáneos. En el Juicio final inicia el Manierismo: las figuras se

alargan hasta la desproporción, se retuercen en escorzos forzados, el

colorido se vuelve más lúgubre y transmiten dramatismo y angustia. Es

otro conjunto grandioso organizado en grupos cerrados pero dinámicos.


MANIERISMO

Desequilibrio e inestabilidad, desproporción,

confusión, movimiento, línea serpentina o

helicoidal, composiciones rebuscadas, cuerpo

humano alargado e irrealidad. Originalidad del

artista. Efecto sorpresa.

Colores estridentes e irreales. Luz artificial.

Los principales representante son: Miguel

Ángel (El Juicio Final), Pontormo (El

Descendimeinto), Bronzino (Venus abrazando

a Cupido), Corregio (Dánae, Ganímedes) y

Parmigianino (Virgen del cuello largo)

LA ESCUELA VENECIANA

Las condiciones de la ciudad de Venecia: neblina que desdibuja los contornos, la luz dorada, la alegría de vivir de

una sociedad rica y la influencia oriental por el activo comercio, favorecieron la creación de una escuela de pintura

original que influirá mucho en el arte barroco. Sus rasgos son: predominio del color sobre el dibujo; gran

sensualidad al captar las calidades de los cuerpos femeninos desnudos y de los

brillos de los objetos lujosos; exaltación del lujo y de la riqueza: palacios, telas,

joyas, etc.; importancia del paisaje y de los temas secundarios u anecdóticos;

aparición de elementos exóticos (objetos y animales), sobretodo en Veronés.

GIORGIONE es el creador de la escuela. La Tempestad y la Venus dormida son

obras de gran influencia.

TIZIANO es el más notable y completo de los maestros venecianos. En sus primeras

obras da importancia al dibujo

pero después crea un estilo a base

manchas en el que domina el

color. Es un portentoso retratista,

su retrato de corte (Carlos V,

Isabel de Portugal, Felipe II) en el que resalta la condición social

del personaje, creará escuela en Europa. Pinta multitud de temas:

mitológicos (Dánae y la lluvia de oro, La Bacanal, la Venus de

Urbino, Baco y Ariadna, etc.) religiosos (Magdalena, Santo

Entierro, La

Gloria,).

VERONÉS es el pintor del lujo y el refinamiento, sus cuadros son

auténticas crónicas sociales de la Venecia de su tiempo,

ambientados en fondos arquitectónicos muy amplios. Bodas de

Caná y Jesús ante los doctores.

TINTORETTO es un ejemplo de

pintor manierista (tensión e

inquietud, estilización de las figuras,

dinamismo, fuertes escorzos,

inestabilidad de las figuras, tonos

fríos, luz irreal y fuertes contrastes

de luz y sombra). El milagro de San

Marcos, el traslado de San Marcos,

El Lavatorio de los pies, Susana y

los viejos, etc.


IV. LA PINTURA RENACENTISTA

4.1. CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA RENACENTISTA.

El arte de la pintura experimenta durante el Renacimiento una importante evolución, a partir de las

experiencias de Giotto recogidas por Masaccio, aportando innovaciones que son la base de la pintura moderna. A

pesar de las peculiaridades de cada artista, se pueden establecer unos rasgos comunes:

- Las técnicas son variadas, pues se hace tanto la pintura mural al fresco-que alcanza su culminación en la

Capilla Sixtina- como la pintura de caballete, sobre madera con temple de huevo hasta mediados del S. XV,

momento en que se introduce el óleo por influencia flamenca y el lienzo inventado por los venecianos.

- Los temas son religiosos o profanos (mitológicos, alegóricos e históricos) dependiendo de quién encargue la

obra. Se observa una secularización de los temas religiosos: los personajes son tratados como personas

humanas. El retrato empieza a adquirir gran importancia en la Florencia del S. XV (Botticelli) como

consecuencia del culto al ser humano y el afán de los burgueses por inmortalizarse; en ellos se reflejan los

rasgos individuales físicos y anímicos del personaje así como su situación social.

- La arquitectura y la naturaleza se introducen dentro del cuadro como fondo en el que se desarrollan las

escenas.

- La perspectiva es la gran conquista del Renacimiento en el que se descubre la posibilidad de representar en un

plano, es decir en un elemento bidimensional, una tercera dimensión (la profundidad). En un primer momento

se consigue la perspectiva lineal y después llegará la perspectiva aérea.

La perspectiva lineal es característica del Quattrocento –formulada por Brunelleschi en 1416 y

desarrollada por Alberti en su tratado De pintura-. Toma como punto de partida la idea de que a más

distancia se encuentren los objetos más pequeños se han de presentar y para ello se trazaban unas líneas de

fuga que se unen en un punto creando una especie de pirámide visual. El espacio pictórico es como una

ventana abierta en la que las figuras se sitúan según un orden establecido marcado por la proporción.

La perspectiva aérea, surge de las teorías de Leonardo, y se basa en la idea de que cuanto más alejados

estén las figuras mayor es la cantidad de aire que se interpone entre ellas y nosotros; la lejanía desdibuja los

contornos y colores originando el sfumato.

- La composición es simétrica y se organiza en esquemas geométricos elementales: triángulo, círculo,

pentágono, excepto en el Manierismo.

- El dibujo tiene gran importancia entre los pintores del Quattrocento: los pintores delimitan las figuras con

líneas nítidas y firmes; mientras que en Cinquecento, en especial en Venecia, pierde interés frente al color.

- La luz en el Quattrocento es conceptual, es decir, no se puede adivinar la procedencia ni el foco que la genera

e ilumina todo el espacio por igual. En el Cinquecento surge la idea de la luz dirigida que ilumina

selectivamente.

- La expresión es figurativa, naturalista e idealizada, siendo el cuerpo humano bello y proporcionado–como

en la escultura- la principal preocupación. En muchos casos aparece desnudo, lo que permite al artista alardear

de sus conocimientos en la representación de la anatomía. En el Manierismo se rompe con este concepto de

belleza ideal.

4.2. LA PINTURA DEL QUATTROCENTO

Se caracteriza por la importancia del dibujo como delimitador de las formas, por la preocupación por

captar la profundidad del espacio usando las leyes de la perspectiva (la mayoría de las líneas de la composición

tienden hacia el punto de fuga) y por la composición. A esto se suma el gran interés por el estudio de la anatomía

humana y por el paisaje que enmarca las figuras. La luz se emplea para unificar el ambiente y definir los planos. En

la pintura mural se sigue utilizando el fresco y sobre tabla el temple y el óleo (2ª mitad del S. XV)


a) La primera generación florentina

En la primera mitad, hay artistas que mantienen aún la conexión con el gótico como Fra Angélico que huyen

de la realidad, con figuras refinadas, colores vivos y afán decorativo; pero también hay otro grupo de artistas

preocupados por el espacio y el volumen, con mayor sobriedad expresiva y la incorporación de elementos clásicos

como Masaccio, Paolo Ucello y Piero de la Francesca.

FRA ANGÉLICO (395-1455)

Es un fraile dominico, nacido en un pueblo de la Toscaza, que pasó su vida entre el convento de San Marcos

(Florencia), Orvieto y Roma, donde intervino en la decoración del Vaticano. Su obra representa la continuidad con

el gótico internacional y con el espíritu religioso medieval: fondos dorados, figuras curvilíneas, tiernas y delicadas

que recuerdan a la escuela de Siena. Pero desde 1430, por

influencia de Masaccio, introduce en sus composiciones la

perspectiva, el volumen y los elementos arquitectónicos y

decorativos clásicos. Por tanto, une elementos medievales y

renacentistas. Entre sus obras destacan los frescos del convento de

San Marcos y las Anunciaciones llenas de dulzura y tranquilidad.

La Anunciación del Museo del Prado (hacia 1432) es su obra

más conocida. Fue realizada para la iglesia de Santo Domingo en

Fiésole, en temple sobre tabla. Presenta a los personajes

principales (el ángel y la virgen) enmarcados en un pórtico

renacentista (influencia de Brunelleschi). En el fondo aparece la

escena de la expulsión de Adán y Eva del Paraíso. En la obra se

unen los elementos góticos (tonos dorados, figuras estilizadas,

curvilíneas, delicadas e irreales) con el interés por la perspectiva

y el volumen del nuevo estilo renacentista.

MASACCIO (1401-1428)

Su obra ha tenido una gran importancia en la historia de la pintura, a

pesar de su corta vida, al ser el primero en utilizar las leyes de la

perspectiva lineal creando la sensación de profundidad, espacio y

volumen. Por ello, se le considera el introductor del nuevo estilo

renacentista. Su pintura parte de la influencia de Giotto: sus figuras son

monumentales y grandiosas para lo que utiliza el sombreado, tienen fuerte

expresividad psicológica y movilidad en el espacio.

Sus obras más representativas son los frescos de la iglesia de Santa Mª de

Novella y los de la capilla Brancacci.

En Santa Mª de Novella realizó La Trinidad, una pintura al fresco

en el que las figuras se insertan en un marco

arquitectónico, característico del momento, regido

por las leyes matemáticas de la perspectiva: las líneas

rectas se unen en un punto de fuga y las figuras

ocupan un lugar estudiado y delimitado por unas

proporciones rigurosas, situándose en distintos niveles

de profundidad: Dios y Cristo, San Juan y la Virgen,

los donantes y, en primer plano, el sepulcro con un

esqueleto. La composición es totalmente simétrica:

está dividida en dos mitades iguales separadas por el

eje de la cruz. El espacio pictórico está organizado en

figuras geométricas. La línea predomina sobre el

color. El dibujo es sintético –con pocos detalles-

debido a la técnica al fresco. El color es utilizado para

dar mayor armonía al cuadro: el rojo y el azul (frío y

cálido) alternan para evitar que una parte del cuadro

sea más importante que otra. La luz contribuye a dar


volumen creando claroscuros que dan tridimensionalidad a las figuras

Los frescos de la Capilla Brancacci (1424-1427) de la iglesia del Carmen de

Florencia son la obra maestra de Masaccio. En ellos se observa el interés por los

volúmenes grandiosos, una fuerte expresividad y caracterización individual y, sobretodo,

preocupación por el espacio. En la escena de la Expulsión de Adán y Eva del Paraíso

expresa el dolor y la angustia o la vergüenza por haber cometido el primer pecado.

En la misma Capilla Brancacci encontramos el Tributo de la moneda, una escena de la vida de San Pedro,

que narra un episodio en tres secuencias. En el centro aparece Cristo rodeado de sus discípulos y el recaudador que

exige con la mano tendida el tributo para el templo. Cristo le dice a San Pedro que coja un pez y dentro encontrará

la moneda. En la escena de la izquierda, Pedro extrae la moneda y en la de la derecha se la entrega al funcionario.

En esta obra se vuelve a observar el interés por la perspectiva y por la expresión de los sentimientos (los rostros de

los apóstoles reflejan la tensión del momento). La luz es utilizada –creando efectos de claroscuro- para dar mayor

sensación de volumen a las figuras al igual que el sombrado. El tema se ha interpretado como una alusión al nuevo

sistema fiscal impuesto en la época por la Iglesia para recaudar más impuestos.

PAOLO UCELLO (1397-1475)

Es también un maestro en el dominio de la

perspectiva. Pinta escenas de batallas como La

batalla de San Romano en la que demuestra un

gran interés narrativo (como un cuento). Es

también un maestro de los escorzos1.

1 Escorzo: modo de representar una figura en posición oblicua o perpendicular a nuestro nivel visual. Un buen ejemplo aparece

en el Cristo muerto de Andrea Mantenga.


PIERO DE LA FRANCESCA (1416-1492)

No trabajó en Florencia sino en ciudades más pequeñas pero para las familias más conocidas del momento,

como los Malatesta de Rímini y los duques de Montefeltro de Urbino. Al estar apartado de Florencia, pudo crear un

estilo muy personal. Su interés por la perspectiva, por las matemáticas y la geometría, le llevó a escribir tratados.

Sus figuras son geométricas, escultóricas y serenas; sus escenas solemnes y sus composiciones muy cuidadas

siguiendo las leyes de la perspectiva. Uno de sus mayores atractivos es el uso de la luz –que contribuye a crear

sólidos volúmenes- y el color.

Sus obras más destacadas son los frescos de la Veracruz de la iglesia de San Francisco de Arezzo en los

que aparece el Sueño de Constantino en el que introduce una luz artificial o la escena de la Flagelación de Cristo.

Flagelación de Cristo (1458-1460).

La obra se distribuye en dos partes: a la derecha y en un primer plano, tres hombres conversan; a la izquierda se

desarrolla el tema principal, la flagelación de Cristo. La columna central separa ambas escenas. Desde el punto de

vista compositivo es de un gran rigor matemático al situar las escenas en distinto marco arquitectónico unidas por

las baldosas del suelo. El punto de fuga es el verdugo que está azotando a Cristo. Los personajes son angulosos y

geométricos. La luz proviene del espectador y es diáfana (clara, limpia), ilumina todo el cuadro por igual y

contribuye a crear un ambiente de calma, ausencia de emociones y de intemporalidad. La temática ha tenido

muchas interpretaciones. La tradicional ve en el grupo de la derecha al duque de Urbino, Oddantonio II de

Montefeltro rodeado de los responsables de una conjuración que acabó con su vida; de forma que se compararía su

carácter de víctima inocente con la Pasión de Cristo.

Otras obras destacadas

son el díptico con los

retratos de los duques

de Urbino y La Virgen,

los Santos y Federico

de Montefeltro, con el

duque arrodillado ante

la Virgen.


FILIPPO LIPPI (1406-1469) es conocido

por las imágenes dulces y angelicales de sus

Madonnas en medio de verdes parajes.

También se preocupa por el volumen y la

perspectiva.

Sus obras más conocidas son: Virgen con el

niño y dos ángeles del Museo de los Ufizzi y

Madonna con niño de la Galería de arte de

Washington.

b) 2ª generación florentina

Desde 1460, la pintura adquiere mayor detallismo, refinamiento decorativo, suntuosidad e interés por los aspectos

concretos de la vida como consecuencia de la influencia flamenca. Los pintores más destacados son Botticelli y

Ghirlandaio.

SANDRO BOTTICELLI (1445-1510)

Se formó en el taller de Filippo Lippi y hacia 1470 abrió su propio taller. Es un pintor más filosófico o poético

que científico sin mucha preocupación por la perspectiva. Es un gran admirador de la belleza femenina. Sus figuras

tienen cuerpos elegantes, sinuosos, sensuales, ligeros, dando la sensación de ingravidez, con largas cabelleras y

rostros melancólicos y tristes, vestidos con finas gasas que dejan traslucir la anatomía humana.

Su técnica destaca por el dibujo nervioso de contornos precisos, las líneas ondulantes, la delicadeza y el

refinamiento que recuerdan al gótico.

Sus obras más destacadas son las composiciones mitológicas – es el primer pintor desde la antigüedad en tratar

esos temas- con paisajes bastante idealizados y cuerpos desnudos que reflejan el espíritu humanista y neoplatónico

de la corte de los Médicis. Es también un gran retratista.

La Primavera (1482).Galería de los

Uffizi, Florencia. Temple sobre tabla.

Trata un tema alegórico que representa

un rito pagano, la llegada de la

primavera. En el jardín de la eterna

primavera, rodeada de naranjos, aparece

Venus, diosa del amor que destaca tanto

por su posición central como por tener

en torno a su cabeza una especie de

aureola con la vegetación. Sobre ella

vuela su hijo Cupido, que lanza los

dardos de amor hacia las tres Gracias

(Castidad, Belleza y Amor), unas

bellezas rubias, de ojos claros y

melancólicos, ataviadas con vaporosos

vestidos, que realizan una especie de

danza. Castitas, hacia la que apunta la

flecha de Cupido, se vuelve para

contemplar al dios Mercurio (mensajero de los dioses) y nexo de unión entre el cielo y la tierra. A la derecha,

Céfiro (dios del viento) que con su brisa ayuda a llegar a la primavera. Céfiro persigue a la ninfa Cloris, que en el

momento en que éste la toca empieza a expulsar flores por la boca para transformarse en Flora, diosa de la


vegetación y de las flores, que nos mira sonriente a la vez que parece ir esparciendo las flores que anuncian la

llegada de la nueva estación.

Aunque no existe unanimidad sobre el significado del cuadro, una interpretación muy extendida es la que lo

relaciona con un tema típico de la filosofía neoplatónica -el amor platónico-. Esta interpretación dice que bajo la

apariencia de un conjunto de escenas inconexas existe un hilo conductor en el relato: el amor carnal surge de la

tierra mediante la pasión (representada por Céfiro) y regresa al cielo como contemplación (la de la ninfa Castitas

hacia Mercurio y la de éste mirando al cielo). Esto significaría que el amor carnal no es el verdadero porque

desaparece al tocarlo (como Cloris) sino el contemplativo, espiritual e idealizado (amor platónico).

La búsqueda de la belleza ideal –rostros que reflejan paz y serenidad y cuerpos delicados-, los paños transparentes

que dejan traslucir la anotomía, el movimiento ondulante y el poco interés por la perspectiva son característicos de

Boticcelli. La composición estructurada a base de triángulos, la luz homogénea –sin sombras- y los colores suaves

contribuyen a dar al cuadro serenidad.

El nacimiento de Venus (1485). Galería de los Uffizi, Florencia. Temple sobre lienzo.

El tema procede de la mitología

clásica, de un tema homérico

recogido en las Metamorfosis de

Ovidio. Venus, diosa del amor

nació de los genitales de Urano,

cortados por su hijo Crono y lanzados al mar. El cuadro no muestra el momento de su nacimiento sino de su llegada

a la playa de una de las islas dedicadas a ella, posiblemente Citerea. La diosa llega sobre una concha (símbolo de la

fertilidad) empujada por el soplo de Céfiro (dios del viento) que está abrazando a Cloris (diosa de la brisa),

personajes que simbolizan el amor (unión de la materia y el espíritu). Las rosas que caen a sus lados con las flores

sagradas de Venus, creadas a la vez que la diosa, simbolizan del amor por su belleza y fragancia pero, con sus

espinas, recuerdan el dolor que pueden traer. En la orilla, está esperándola la Hora o ninfa de la Primavera, ataviada

con un manto bordado de acianos (la planta de la primavera) y una guirnalda de mirto (planta sagrada de Venus)

para cubrirla con su manto. La diosa está representada como una Venus púdica, de clara inspiración praxiteliana,

que oculta sus partes íntimas con una ondulante cabellera. Es el primer gran retrato femenino desnudo desde la

Antigüedad –posiblemente de una bella joven florentina, Simonetta Vespucci, que fue musa del pintor y de la que

se enamoró Giuliano de Médicis.

A diferencia de otros pintores renacentistas, Botticelli ignora la perspectiva de forma deliberada para centrar

la atención en el rostro de la diosa, que trasmite la melancolía y dulzura típica de sus figuras femeninas. El paisaje

está poco cuidado, formado por un sencillo fondo marino con olas y flores –referido a los orígenes de la diosa, y

un grupo de árboles –naranjos y laurel (representativos de la familia Médicis)- que serían el sagrado jardín de las

Hespérides (donde Céfiro raptó a Cloris).

Es una composición piramidal en la que todas las figuras convergen hacia la figura central; la luz, que emana

de Venus, contribuye a destacar la figura central. El dibujo es suave y preciso destacando la delicadeza del retrato

y el refinamiento de los detalles. Los colores son suaves y delicados, con un claro contraste entre la figura

masculina y la blancura de la Venus. Las figuras son de formas sinuosas y dan la sensación de ingravidez. Todo

ello hace que el conjunto transmita una sensación de calma y suavidad.

La obra no es una exaltación de la belleza física y del amor carnal sino de la inteligencia y el saber. Parece

expresar una idea neoplatónica que decía que el ser humano debía buscar la unidad entre la belleza, el amor y la

verdad, virtudes encarnadas en la Venus. Además, expresa otro rasgo del neoplatonismo: la unión del ideal

cristiano (bautismo que conduce a la vida) con el clasicismo.


DOMENICO GUIRLANDAIO (1449-1494)

Es el mejor ejemplo de pintor narrativo

que deja constancia de los usos y

costumbres de la época con gran

minuciosidad; por ejemplo, sus cuadros

religiosos como la Adoración de los

Magos parecen cuadros de género.

También es un gran retratista que posee

gran habilidad para captar la psicología

de los personajes.

Uno de los retratos más bellos es El

anciano con su nieto con una nariz

deformada por alguna enfermedad.

También pintó cuadros religiosos para

la Capilla Sixtina.

c) Escuela de Umbría

En la 2ª mitad de siglo se creó una escuela preocupada por el espacio abierto y por la creación de un paisaje

ordenado, claro, simétrico y lleno de luz. Su principal representante es PERUGINO (1448-1523), el maestro de

Rafael. Sus figuras son delicadas, femeninas, sentimentales y de expresión soñadora. Su obra principal es La

entrega de las llaves a San Pedro que decora la Capilla Sixtina y El matrimonio de la Virgen, en la que anticipa

las grandes composiciones de Rafael. También realizó muchas Madonnas de formas redondeadas y rostros dulces y

amables.

d) Escuela de Padua

En ella sobresale ANDREA

MANTENGA, un pintor muy

influido por la escultura de

Donatello, conocedor de la

perspectiva y los edificios de la

Antigüedad. Sus figuras son

grandiosas, por su dureza se

asemejan a esculturas, domina la

perspectiva y el escorzo como se ve

en su obra el Cristo muerto o en La

muerte de la Virgen del Museo del

Prado.


4.3. LA PINTURA DE CINQUECENTO

En el primer cuarto del S. XVI, durante el Pleno Renacimiento, Roma se convierte en el centro artístico hacia

el que los grandes artistas son atraídos por los papas. La pintura de este periodo se caracteriza por:

- La claridad y sencillez en los temas y en las composiciones. Se eliminan –como en la arquitectura- los

elementos superfluos: cada cuadro representa una escena o destaca con claridad la acción y la figura principal.

Las composiciones son sencillas, generalmente, de esquemas triangulares.

- Las formas son severas y monumentales.

- Se abandona la preocupación por el dibujo y los contornos muy definidos de las figuras y hay un predominio

de la luz y el color sobre la forma.

- La luz tiene un tratamiento más real con matices que hacen diferenciar los distintos momentos del día y un

interés por el juego de luces y sombras.

- La culminación de los ideales clásicos: búsqueda de la belleza ideal, del orden, de la simetría, el equilibrio y

la serenidad.

LEONARDO DA VINCI

Leonardo da Vinci (1452-1519) representa el arquetipo de “hombre renacentista” interesado por todas las

ramas del saber: pintura, escultura, matemáticas, biología, ingeniería, aeronáutica, música, etc. Se formó como

pintor en el taller de Verrochio y fue contemporáneo de la 2ª generación de Quattrocento pero los rasgos de su

pintura –claridad compositiva y monumentalidad de las figuras- lo convierten en un representante del

Cinquecento. Además, rompió con tradición florentina de predominio del dibujo para pintar de forma más suelta,

preocupándose más de los efectos de la luz, abriendo el camino a la escuela veneciana y a la pintura moderna.

La pintura es para él una actividad intelectual destinada a reproducir la realidad mediante el estudio de ser humano

–de sus rasgos físicos (estudios anatómicos) y de los gestos que reflejan el carácter y las emociones - y de la

naturaleza que le rodea.

El estudio de la naturaleza le llevó a sus dos principales aportaciones:

- La perspectiva aérea: representación de la profundidad haciendo menos nítidos los planos del fondo porque la

mayor cantidad de atmósfera que interfiere desdibuja los contornos y

colores.

- La técnica del sfumato: los contornos se difuminan utilizando contrastes

suaves de luces y sombras que dan a las figuras un aire enigmático y

mutable al envolverlo todo en una neblina que produce la impresión de

inmersión en la atmósfera.

Entre sus obras más destacadas están:

La Virgen de las Rocas (hacia 1483). Museo del Louvre. Óleo sobre

cartón trasladado a lienzo en 1841. Representa una escena religiosa con la

Virgen, San Juan niño, el Niño Jesús que hace un gesto de bendición con

la mano y un ángel. La obra tiene una composición piramidal con un

suave claroscuro para modelar los volúmenes. El fondo es un paisaje

rocoso verde y húmedo envuelto en neblinas de contornos difuminados

por la lejanía.

La Dama del Armiño, es uno de los

cuatro retratos de mujer que pintó

Leonardo. Se trata de Cecilia Gallerani,

la amante de Ludovico Sforza, duque de

Milán, para el que Leonardo trabajo

durante un tiempo.


La Última Cena, pintada entre 1495 y 1497 para el refectorio del convento de Santa María delle Grazie en Milán,

experimentando con una mezcla

de óleo y temple que aplicó

sobre una pared cubierta con un

barniz, de ahí su mal estado de

conservación. Recoge le

momento tenso y dramático en

el que Cristo comunica a los

Apóstoles que uno de ellos le ha

traicionado. Esto le sirve para

expresar las distintas reacciones

emocionales –mediante gestos-

de cada uno de los personajes

que reflejan distintos caracteres

humanos. En ella se aplica con

total precisión la teoría de la

perspectiva.

(Ver comentario)

El retrato de Mona Lisa, conocido como La Gioconda (1503).Museo del Louvre.

Óleo sobre tabla. Es un típico retrato renacentista pero no se sabe exactamente de

quién. La hipótesis más aceptada es la de que se trata de Monna Lisa, la esposa de

un comerciante llamado Francesco del Giocondo, que acababa de dar a luz a su

segundo hijo y era costumbre encargar un retrato para conmemorar el hecho. Sin

embargo, el cuadro no llegó a sus manos porque Leonardo era muy inconstante, y

probablemente lo terminó años más tarde cuando ya vivía fuera de Florencia. En el

retrato hay dos focos de atención: el rostro con una expresión tranquila, una sonrisa

apenas dibujada y misteriosa, y las manos de un minucioso modelado. Los detalles

están muy cuidados: un fino velo cubre los cabellos, el escote está decorado con

bordados y las mangas brillan de forma natural. El paisaje es casi onírico. La

composición es equilibrada y piramidal. En esta obra lleva al extremo el

tratamiento de la luz a través del claroscuro y el sfumato creando una atmósfera que

envuelve a la figura en un velo misterioso. El retrato tuvo gran influencia ya en su

época; por ejemplo, Rafael adoptó esta técnica en sus retratos posteriores.

Santa Ana, la Virgen y el Niño (c. 1508-1510). Museo del Louvre.

Óleo sobre tabla. El tema guarda relación con el culto a Santa Ana –

madre de la Virgen- muy extendido en la época. Representa a tres

figuras entrelazadas que transmiten una apacible dulzura que

acentúa la iluminación suave y azulada. Las figuras femeninas-

madre e hija tienen un gran parecido pero contrasta la serenidad de

la madre con la actitud de la Virgen que agarra al niño con fuerza

para separarlo del cordero que simboliza su pasión. La escena se

desarrolla en un paisaje idealizado y rocoso –como en la Virgen de

las Rocas- lo que refleja el interés de Leonardo por la geología. La

composición es piramidal. Utiliza la perspectiva aérea y el sfumato:

una suave neblina envuelve las figuras sobre todo los picos

montañosos parecen evaporarse en la atmósfera.


RAFAEL

Rafael Sanzio (1483-1520) sintetizó diversas influencias pero consiguió

crear un estilo personal que culmina el ideal renacentista (equilibrio, la

armonía y la serenidad); además de la maestría en el dibujo y la rica gama

cromática. Nacido en Urbino, mostró desde pequeño aptitudes para la

pintura. Empezó a trabajar para Perugino a los once años y colaboró con él

en distintos trabajos. De su maestro recoge el riguroso ordenamiento

compositivo y los rostros delicados.

A este periodo de formación se debe la obra de los Desposorios de la

Virgen –de mucha similitud con dos obras de Perugino (La entrega de las

llaves a San Pedro y el Matrimonio de la Virgen). En ella utiliza una

composición ordenada simétricamente: en el centro está la Virgen, San José

y el sacerdote y a los lados se sitúan los demás personajes. Al fondo un

templete octogonal (recuerda a la arquitectura de Bramante) hacia el que

escapa la mirada del espectador.

Más tarde se independizó y marchó a Florencia donde recibe la

decisiva influencia de Leonardo y Miguel Ángel. Es en esta época cuando

pinta las Madonnas que recuerdan la pintura de Leonardo. En ellas recurre a

las composiciones piramidales y a los paisajes desdibujados. Son ejemplos la

belleza idealizada y serena, propia del Pleno Renacimiento.

- La Madonna del Gran Duque. Palacio Pitti. Se llama así por haber pertenecido al gran duque de Toscana,

Fernando III. Parece que fue pinta en 1505 poco después de llegar a Florencia. La influencia de Leonardo es

muy fuerte (sfumato).

- Madonna del Jilguero. Museo de los Uffizi. La Virgen sostiene un libro, símbolo de la sabiduría, el jilguero es

un símbolo de la futura muerte violenta de Cristo. San Juanito le ofrece a Jesús el jilguero como advertencia

sobre el futuro. La influencia de Leonardo es patente: composición triangular, claroscuro y tratamiento

atmosférico del paisaje del fondo. Los rostros están desdibujados mediante el sfumato.

- Madonna del Prado. Museo de Historia del Arte de Viena. Aparece el mismo tema de la Virgen, el Niño y san

Juanito, frecuente en la pintura de la época. San Juan se arrodilla, sosteniendo un bastón que representa a la

cruz y el Niño lo coge. La composición piramidal (los dos niños desplazados a la izquierda se compensan con

la extensión del pie de la Virgen hacia la derecha), el paisaje idealizado y el sfumato que lo desdibuja. Son

rasgos típicos de Rafael el rojo intenso del traje y la importancia de la línea delimitando los contornos. Madonna del Gran Duque Madonna del Jilguero Madonna del Prado


En 1508 se traslada a Roma llamado por el papa

Julio II, que le encargó decorar al fresco varias

estancias privadas. La primera estancia que pintó fue

la Stanza della Signatura (lugar donde se celebran

sesiones de los tribunales religiosos). En sus muros

desarrolló todo un programa humanista con escenas

que aluden a los campos principales del pensamiento:

- La disputa del Sacramento, simboliza la verdad revelada o Teología que está representada por la Eucaristía

frente a la Escuela de Atenas que se sitúa enfrente que simboliza la verdad filosófica o verdad racional.

(Ver comentario).

- Otros frescos son las Virtudes o alegorías de la Jurisprudencia, que representa a la Justicia y el Parnaso,

que representa a las artes.

Continuó la decoración de las estancias vaticanas para León X, con El incendio del Borgo o La expulsión de

Heliodoro. En esta época ya se observa la influencia de Miguel Ángel en los estudios anatómicos.

Rafael también fue un gran retratista destacando el retrato de un cardenal, el Papa Julio II, de Baltasar de

Castiglione, etc. de gran penetración psicológica. Además, a la muerte de Bramante fue nombrado arquitecto de

San Pedro. Retrato de un cardenal Baltasar de Castioglione Julio II


MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI

Hacia el año 1503 Miguel Ángel realiza su primera pintura,

Tondo Doni, llamada así por la forma redonda (tondo) –alusión al

matrimonio en aquella época- y por el rico tejedor, Agnolo Doni, que

encargó la obra para conmemorar su matrimonio con la hija de una

familia de banqueros. Se encuentra en el Museo de los Uffizzi

(Florencia) rodeada del mismo marco que diseñó Miguel Ángel.

Representa en primer plano a la Sagrada Familia (San José, la Virgen

y el Niño) con una composición triangular; detrás de una balaustrada

está San Juanito y al fondo un grupo de desnudos (ignudi). El

equilibrio inestable en el que aparecen las figuras y la sensación de

movimiento ya anuncian el Manierismo. El significado de la obra

parece ser la unión del mundo cristiano y pagano (humanismo

cristiano)

En esta obra inicial ya aparecen las características de su original

estilo: dominio del dibujo – los contornos de las figuras están claramente delimitados por líneas-; figuras

atléticas, musculosas, monumentales, vigorosas, expresivas y dinámicas de mirada penetrante (la llamada

terribilitá de Miguel Ángel), muy influidas por la escultura y gama de colores muy amplia e intensa de tonos

encendidos, casi estridentes.

En 1505, Miguel Ángel acude a Roma llamado por el Papa Julio II para

realizar su tumba y, tres años después sin tener terminado el sepulcro, le

encarga pintar los frescos de la Capilla Sixtina, trabajo por el que no tenía

ningún interés –aconsejó que lo hiciera Rafael y se escapó de Roma- pero el

Papa le amenazó con la excomunión y se vio obligado a realizarlo

La Capilla Sixtina, llamada así por ser el papa Sixto IV quien la mandó

construir, es un espacio rectangular amplio dedicado a la reunión de los

conclaves papales y, actualmente, es el lugar del conclave de los cardenales

para elegir al nuevo Papa. Las paredes habían sido decoradas por los grandes

pintores renacentistas como Botticelli, Perugino, Ghirlandaio, etc. El techo

estaba pintado de azul simulando un cielo con estrellas hasta que Miguel Ángel

recibió el encargo de realizar las pinturas de las partes altas de los muros y la

bóveda. El propio autor estableció el programa iconográfico –y no el Papa

como era habitual.

Miguel Ángel nos ha dejado una obra de arte impresionante por su

colosalismo: 800 metros cuadrados de la bóveda pintados en cuatro años de

trabajo en solitario y en difíciles condiciones; anatomías titánicas, musculosas,

y rotundas, en las que se deja ver la influencia de la escultura; gran dinamismo

y el colorido rico y brillante.

La pintura de la bóveda, de dimensiones inmensas, fue abordada por Miguel Ángel como arquitecto, pintor y

escultor. La dividió en arquitecturas fingidas (pilastras, cornisas,..) donde situó más de 300 imágenes.

- Las escenas principales de la parte central se enmarcan en rectángulos sucesivos rodeados de ignudis (genios

jóvenes desnudos). La temática se refiere a la creación del mundo, de la tierra y el hombre, y sus primeros

tiempos (historias del Génesis). Las escenas van desde la separación de la luz y las tinieblas hasta el diluvio y

la embriaguez de Noé.

- A los lados representó distintos personajes bíblicos y entre ellos los siete profetas y las sibilas en distintas

actitudes (leen, meditan o escriben como siguiendo la inspiración divina). Llevan una inscripción indicando su

nombre.


- En los triángulos laterales se encuentran los antepasados de Jesucristo.

La escena más bella y conocida es la Creación del

primer hombre, Adán. Dios aparece representado como

un ser colosal de la mitología que desciende volando a

gran velocidad rodeado de ángeles y toca levemente la

mano de Adán para insuflarle vida mientras Adán que

parece despertar de un sueño profundo. La

monumentalidad de las figuras contrasta con la

delicadeza en el tratamiento del tema.

Las sibilas eran adivinas a las que acudían las personas importantes para

consultar los augurios. La Sibila de Delfos o délfica era una de las más

famosas del mundo griego. Miguel la representa, como a los demás profetas

y sibilas, sentada en un trono de piedra enmarcado por dos pilares con

amorcillos. Es una de sus más bellas figuras femeninas, con una

musculatura portentosa que contrasta con una expresión dulce y de

asombro, en una postura helicoidal (el cuerpo hacia un lado y la cabeza

vuelta en sentido contrario) y gran armonía en sus proporciones.

En 1536 es nuevamente llamado por los papas, Clemente VII y Paulo III,

para pintar la pared del fondo de la Capilla Sixtina donde representa el

Juicio Final que realizó entre 1536 y 1541. En este momento, Miguel Ángel

vive en un momento de crisis personal, el pesimismo se adueñó de él y de

sus contemporáneos al contemplar la ruptura de la Iglesia con la Reforma protestante y la destrucción de la ciudad

de Roma por los soldados mercenarios españoles y alemanes de Carlos V.

Miguel Ángel inicia el manierismo con esta obra, ya insinuado en las anteriores: las figuras se alargan

hasta la desproporción, se retuercen en escorzos forzados, se rompe con la perspectiva tradicional, el colorido se

vuelve más lúgubre y transmiten dramatismo y angustia.

El Juicio Final es otro conjunto grandioso con 400 figuras de diferente tamaño, cuerpos de todas las edades en

diferentes posturas y actitudes. Es un homenaje al cuerpo humano. A pesar del aparente tumulto hay en ella una

ordenación racional del espacio. Las figuras aparecen distribuidas por grupos cerrados, pero, al mismo tiempo, son

dinámicas.

- La parte superior es el mundo celestial. En el centro, presidiendo la escena, Cristo Juez con un gesto de

terribilitá y una postura en escorzo. A su lado, la Virgen, aludiendo al papel de María como mediadora entre

Dios y los hombres. A los lados seres celestiales, apóstoles y santos, entre los que destaca la imagen de san

Bartolomé con su piel en las manos (murió degollado) en la que se retrata el propio autor y la de San Lorenzo

con la parilla de su martirio. En los lunetos2 superiores aparecen los símbolos de la pasión (corona de espinas,

2 Luneto: bovedilla en forma de media luna.


cruz y columna). Todo ello simboliza la salvación de la humanidad por Jesucristo.

- En la zona intermedia hay tres grupos: en el centro los ángeles que toca las trompetas para despertar a los

muertos y a los lados un torbellino de cuerpos, unos que suben al cielo y otros bajan a los infiernos.

- En la zona inferior aparece la resurrección de los muertos que salen de las tumbas: en el centro la laguna

Estigia con la barca de Caronte, que traslada a los condenados ante Minos (demonio con serpientes enrolladas

a su cuerpo) y a la izquierda aparece el infierno y, en contraposición al eje en que se halla la figura de Cristo, se

representa la boca del Infierno.

Una vez concluida la decoración del muro de fondo de la Capilla, se suscitaron numerosas opiniones

contrarias a la manera de representar la temática con cuerpos desnudos y posturas poco adecuadas por tratarse de

una capilla. La congregación del Concilio de Trento ordenó en 1564 que se cubrieran las partes indecorosas de las

figuras. Se encargó la tarea a un discípulo de Miguel Ángel, Daniel de Volterra, que recibirá el apelativo Il

Braghettone. Así, durante cuatro siglos, las figuras de la Sixtina presentaron unos ropajes que no permitían adivinar

la forma casi escultórica con la que su creador les concibió.

4.4. LA PINTURA MANIERISTA

En este estilo artístico, surgido en Italia en el Alto Renacimiento (de 1527 a fines de siglo), la pintura

adquirió un gran desarrollo. El término proviene del nombre que los escritores del S. XVI, como Vasari, daban a

los artistas que pintaban “a la maniera de Miguel Ángel, Rafael o Leonardo”.

Se trata de un estilo intelectual y minoritario, caracterizado por:

- Anticlasicismo: rechazo del ideal de belleza equilibrada y serena, gusto por la desproporción, la tensión, el

movimiento exagerado, la falta de claridad y la ambigüedad.

- Figuras estilizadas, de cánones alargados, con exagerados escorzos, que dan la sensación de inestabilidad.

- Formas curvas y helicoidales que cubren todo el espacio.

- Los colores fríos e irreales (muchas veces no corresponden con la realidad de los objetos representados) y muy

contrastados.

- Las composiciones tienen diversos ejes, generalmente diagonales.

En Florencia es muy grande la influencia de Miguel Ángel en JACOPO

PONTORMO, un gran conocedor de la anatomía, que distorsiona y alarga los

cuerpos hasta extremos insospechados y los rodea de ropajes que flotan a su

alrededor en El Descendimiento.

Su discípulo es AGNOLO BRONZINO cuya obra más famosas es la

titulada Venus abrazada por Cupido o El descubrimiento de la

lujuria, donde se censuran los vicios (triunfo de la belleza sobre el

amor ya que Venus arrebata la flecha a Cupido) a través de largos y

seductores cuerpos pálidos que parecen desbordar los límites del

cuadro.


En Parma trabaja CORREGIO, un pintor muy influido por Leonardo y Rafael (sfumato y gestos suaves de sus

figuras). Pinta escenas religiosas y mitológicas como las que forman parte de la serie de “los amores de Jupiter”,

Dánae y el Rapto de Ganímedes3, que destacan por la belleza del colorido, por la sensación de ingravidez que

consigue mediante los atrevidos escorzos de los cuerpos que giran y se contorsionan, por la delicadeza y

sensualidad de sus figuras bañadas por una luz dorada. Dánae aparece en una postura inestable, resistiéndose a

quitar su vestido pero Cupido tira de éste y mira hacia Júpiter –representado por una nube dorada- indicándole que

ella está preparada para recibirle. Ganimedes aparece en el momento de ascenso, pero mirando al espectador,

cogido por el águila mientras un perro le mira. Numerosas líneas verticales y el formato del cuadro acentúan el

movimiento ascendente. Dánae Ganimedes

PARMIGIANINO, se forma en estrecha relación con Correggio, y es uno de

los ejemplos más típicos del manierismo antinaturalista. Su obra se

caracteriza por la tremenda estilización de la figura humana. La obra más

célebre es la Virgen del cuello largo, de una esbeltez desproporcionada,

colores fríos y una luz irreal blanquanquecina.

El pintor veneciano, Tintoretto, y El Greco se incluyen también en

esta corriente.

3 Ganimedes: hermoso príncipe troyano que residía en el monte Ida de Frigia adoptando la forma de águila. Zeus le convirtió

en su amante y copero, suplantando a Hebe.


4.5. LA PINTURA VENECIANA

En Venecia se desarrollo una escuela de pintura con una personalidad propia caracterizada por:

- El culto al color que predominó sobre el dibujo.

- La sensualidad: capta las calidades de los cuerpos femeninos desnudos y de los brillos de los objetos lujosos.

- La exaltación del lujo y de la riqueza: palacios, telas, joyas,..

- La importancia dada al paisaje y a los temas secundarios u anecdóticos.

- La aparición de elementos exóticos (objetos y animales), sobretodo en Veronés.

Estos rasgos propios son el resultado de las condiciones de la ciudad: la neblina que desdibuja los contornos, la

luz dorada de la ciudad que impresionaría a los pintores impresionistas, la alegría de vivir de una sociedad rica y la

influencia oriental debido al intenso comercio con los dichos países.

a) En el S. XV encontramos a GIORGIONE (1477-1510)

Es el creador de la escuela veneciana y uno de los personajes más misteriosos de la historia del arte por la falta

de datos biográficos, por el difícil significado de su pintura y porque muy pocas obras son atribuidas a él con

certeza ya que muere joven, por la peste que se declaró en la ciudad, dejando muchas inacabadas que fueron

terminadas por otros pintores como Tiziano. Se formó en el taller de Giovanni Bellini y pronto destacó por sus

cualidades de pintor, además de poeta y músico.

En sus primeras obras sigue el ejemplo de los pintores florentinos de Quattrocento pero evoluciona hacia un

estilo en el que da más importancia al color, usa el lienzo frente a la tabla (es más cómodo, económico y permite

mayor colorido), la técnica es de pinceladas más sueltas y sus protagonistas son paisajes y desnudos. Está influido

por Leonardo, utiliza el sfumato y la perspectiva aérea.

El contenido de su obra es principalmente profano. Destaca La Tempestad, de difícil interpretación, que

representa a una mujer desnuda en medio de la naturaleza amamantando a un niño bajo la atenta mirada de un

soldado al tiempo que un rayo amenaza tormenta. El cuadro se ha considerado el primer paisaje de la historia del

arte, siendo el tema un mero pretexto, y ha ejercido gran influencia en la pintura posterior.

La Venus de Dresde, de gran erotismo y placidez, fue terminada por Tiziano al que sirvió de inspiración. El

tema, que después se popularizará, supone una revolución al aparecer por primera vez una joven desnuda en medio

de un armonioso paisaje de formas redondeadas. También es de destacar la brillantez y textura de las telas.

La Tempestad Venus de Dresde

b) En el S. XVI están los tres grandes representantes de la escuela: Tiziano, Veronés y Tintoretto.


TIZIANO Vecellio (1480?-1576)

Es el principal representante de la escuela veneciana. Su producción es inmensa tanto por su larga vida (casi

cien años) como por su prestigio. Tiziano es un claro ejemplo del ascenso social de los artistas durante el

Renacimiento. Nació en una familia acomodada pero sin tradición artística y desde muy joven entró a trabajar en el

taller de Giovanni Bellini, el pintor más importante de Venecia, donde conoció a Giorgione con el que colaboraría

hasta la muerte temprana de éste.

Las obras de su primera etapa son muy

parecidas a las de Giorgione creando problemas

de autoría. En ellas, todavía el dibujo es muy

cuidado, por la influencia del Quattrocento

florentino. A esta época pertenece el retrato de

Flora, representación de la belleza ideal

femenina, y la pintura religiosa Noli me tangere

–“no me toques” frase que dice Jesucristo a la

Magdalena después de la resurrección.

Poco a poco, Tiziano irá creando un estilo

personal más libre en el que predomina el color

frente a la forma. Pinta a base de manchas

gruesas extendidas de forma rápida y casi

inacabada sin utilizar bocetos previos. Los

contornos de las figuras desaparecen y la forma se ha convertido en color. Sabe captar mejor que nadie las

calidades y los brillos de las telas y armaduras y la luz dorada de Venecia. La influencia de su estilo en los grandes

pintores de Barroco y del Impresionismo es muy grande.

Desde joven destacó por sus dotes como retratista lo que le daría gran prestigio a nivel europeo. Trabajó

para los grandes personajes de la época y recibió grandes honores por su trabajo. El emperador Carlos V le nombró

conde palatino y también recibió el favor de Felipe II.

Tiziano renovó el género del retrato pasando del busto sobre un fondo neutro al retrato de cuerpo entero en

un paisaje o habitación. Es el creador del llamado “retrato de aparato” en el que el personaje aparece

representado con toda su categoría social y dignidad. En ellos, el encuadre –el escenario y el traje- tienen tanto

valor como el aspecto físico y los valores morales del personaje. También retrata a los niños, algo inusual fuera de

la pintura religiosa, acompañando a sus padres e incluso tiene un retrato de una niña sola, Clarisa Strozzi, con su

perrito. El emperador Carlos V en Mülhberg Isabel de Portugal, esposa de Carlos V Felipe II

También cultiva la mitología con cuadros de gran sensualidad en los que domina el desnudo femenino y la

fusión con el paisaje como en La Bacanal, con formas blandas y redondeadas, la Venus de Urbino inspirada en la

Giorgione pero situada en un rico interior; Baco y Ariadna, Venus y Adonis o Dánae recibiendo la lluvia de oro.


Venus de Urbino Venus recreándose en la música

Los temas mitológicos eran los preferidos por la aristocracia para decorar sus palacios por lo que Tiziano recibió

numerosos encargos.

La Bacanal de los Andrios. Museo del Prado

Óleo que forma parte de un ciclo de pinturas

mitológicas encargado a Tiziano por Alfonso I D´Este,

duque de Ferrara, para decorar sus habitaciones

privadas. Terminaría pasando a la colección de Felipe

IV. La escena se desarrolla en un paisaje idílico en la

isla de Andros que, favorecida por Baco, tenía un

arroyo del que manaba el vino. Se celebra una Bacanal

o fiesta en honor al dios del vino, Dionisos o Baco. El

tema simboliza el canto a los placeres de la vida que

gustaban a los aristócratas de la época.

Los personajes beben, cantan, bailan y se pasan el vino.

Tienen entrelazados brazos y piernas formando líneas

curvas. La mujer dormida y desnuda de la derecha que

parece una Venus podría ser Ariadna. La mujer

recostada del primer plano podría ser Violante, la

amada del pintor, porque dejó su firma grabada en su

escote. Junto a ella hay una partitura con el texto de la

melodía que acaban de interpretar con sus flautas que dice:“el que bebe vino una vez y no vuelve a beber no sabe lo

que es beber”. Al fondo aparece el mar por donde llega el barco de Baco y sobre un montículo Sileno cae

derrumbado por la bebida. La jarra de cristal, que ocupa el centro del cuadro, es la exaltación del vino. La obra

destaca por la alegría que transmite con su dinamismo, el colorido cálido y brillante, la iluminación resplandeciente

y la maestría de autor a la hora de captar las calidades de los objetos y de los cuerpos. La influencia de Miguel

Ángel se refleja en los escorzos y el protagonismo del los cuerpos desnudos y la de Giorgione en el paisaje

inquietante.

Baco y Ariadna. National Gallery (Londres). Este óleo forma

parte del mismo ciclo de pinturas que la Bacanal. Representa el

momento en que Ariadna descubre que Teseo la ha abandonado

mientras dormía en la isla de Naxos y mira hacia el mar por

donde se ha ido Teseo (a lo lejos se ve el barco) pero, en ese

momento, gira la cabeza para ver al dios Baco que viene

acompañado de su cortejo de bacantes (sátiros y ninfas) entre los

que se ve a un dormido Sileno. Baco se enamora de Ariada y se

lanza a ella desde su carro. En la esquina superior izquierda se

puede observar la corona de estrellas que posteriormente Baco

regala a Ariadna cuando la hace su esposa y, que al morir ésta, la

convierte en constelación. En sus aspectos formales es similar a

la Bacanal.

http://es.wikipedia.org/wiki/Baco

http://es.wikipedia.org/wiki/Ariadna


Dánae recibiendo la lluvia de oro.

Museo del Prado.

Óleo realizado para Felipe II de tema

mitológico. Dánae, hija del rey de

Argos, fue encerrada en una torre por

su padre para evitar que se cumpliera

una profecía según la cual el rey sería

asesinado por su nieto. El dios Zeus

se transformó en lluvia de oro para

poder penetrar en la torre y seducir a

Dánae, que dio luz a Perseo, quien

acabó asesinando a su abuelo. La

criada se apresura a coger las

monedas que va a recibir a cambio de

la entrega. Por tanto, el tema

profundo de la obra es la venta de la

virtud y la aceptación del destino.

Dánae se presenta como el ideal de

belleza femenina, de gran

sensualidad, y en actitud de

abandono. La luz del cuadro incide

directamente sobre ella. El colorido es muy rico con tonalidades cálida.

Tiziano también cultivó la pintura religiosa. Algunas de sus composiciones como Magdalena, la Asunción

o la Anunciación se convirtieron en modelo para otros pintores. En algunos de estos cuadros, los donantes

adquieren tanta importancia como los personajes religiosos: en La Gloria en la que pinta para Carlos V aparece la

familia del emperador y también el pintor. En los años finales de su vida pinta escenas de la Pasión en las que se

acentúa el dramatismo y el ambiente nocturno como ocurre en el Santo Entierro del Museo del Prado o la Pasión,

que realizó para su tumba (terminada por un discípulo) aunque no se colocó en ellas, sino otra anterior (Pala

Pesaro). Santo Entierro Magdalena La Gloria


VERONÉS

Es el pintor del lujo, de grandes composiciones en espacios arquitectónicos muy amplio como palacios de

mármol con balaustradas y columnatas, jardines con fuentes, etc. Las figuras se envuelven en ropajes costosos y

muy coloristas y se adornan con joyas. Nos transmite un mundo de sensaciones alegres y placenteras.

Sus temas principales son los mitológicos y la exaltación de la gloria de Venecia junto a grandes

composiciones religiosas que son presentadas como fiestas venecianas de un ambiente fastuoso como las Bodas de

Caná de gran detallismo anecdótico o Jesús ante los doctores. Una cierta asimetría y la abundancia apretada el

acercan al manierismo. Bodas de Caná Detalle de las bodas de Caná

Jesús ante los doctores

Venus y Adonis es un cuadro de tema mitológico.

Presenta a Venus, que tiene sobre su regazo a

Adonis durmiendo, le acaricia y le da aire. Adonis

es un joven aficionado a la caza y la diosa intuye

que morirá por lo que intenta retenerle. Cupido

retiene al galgo para impedir que despierte a

Adonis. La postura de Adonis es un escorzo. Sus

rojos ropajes contrastan con la piel blanca de

Venus. La luz ilumina a Venus y Adonis permanece

en la sombra.


TINTORETTO

Jacobo Robusti, llamado Tintoretto porque su padre era tintorero de seda, es un discípulo de Tiziano del

que tomó la riqueza del color, el gusto por el paisaje y la luz; pero también se dejó influir por Miguel Ángel, al que

conoció en un viaje a Roma y Florencia, del que tomó el dibujo, la anatomía y las actitudes difíciles (escorzos y

movimientos tensos).

Es un representante del Manierismo por la tensión e inquietud, estilización de las figuras, mucho

dinamismo, fuertes escorzos, inestabilidad de las figuras, tonos fríos, luz irreal y fuertes contrastes de luz y sombra.

Sus obras son generalmente de gran formato y teatralidad, con multitud de personajes en composiciones

asimétricas, en general con amplias profundidades recortadas por elementos arquitectónicos laterales y las figuras

desplazadas hacia uno de los lados, contrastando espacios donde las figuras se amontonan con otros vacíos. Su

mayor preocupación son los efectos de la luz que utilizan con violentos claroscuros que dan teatralidad y

dramatismo a las obras. La luz es encendida y se utiliza con violentos claroscuros

Entre sus obras religiosas destacan las realizadas para la

Scuola Grande di San Marco sobre la vida de San Marcos: El

hallazgo del cuerpo de San Marcos, el milagro del San Marcos y

el traslado del cuerpo de San Marcos con una escenografía teatral

y gran dramatismo.

El hallazgo del cuerpo de San Marcos recoge la leyenda

del santo patrón de Venecia del que decía la tradición que había

predicado en Alejandría donde fue tomado por hechicero, linchado

y arrastrado por el suelo muriendo en un calabozo; posteriormente,

sus reliquias fueron robadas por comerciantes italianos que las

trasladaron a Venecia donde se construyó su basílica para guardar

sus restos:

El milagro de San Marcos narra la leyenda de los

tormentos que debía sufrir un esclavo para dejar la casa de su amo

e ir a rezar junto a la tumba de un santo. En la escena aparece San

Marcos flotando de forma teatral ante el asombro de los presentes,

que rompen los instrumentos de la tortura.

El traslado de San Marcos es otro ejemplo de los rasgos de su estilo: escenarios teatrales con espacios

arquitectónicos extraños e irreales y casi oníricos, amontonamiento de las figuras y espacios vacios, luces

tenebrosas, violentos escorzos, sensación de inestabilidad y composición asimétrica. Además, aquí introduce un

elemento exótico como es el camello que ha trasladado el cuerpo. Milagro de san Marcos Traslado de san Marcos


Una de sus obras religiosas más

conocidas es el Lavatorio de los

pies del Museo del Prado, otro

ejemplo de perspectiva exagerada

y los escorzos intensos al igual

que la Santa Cena.

También trató temas alegóricos como Susana y los viejos y Judith y Holofermes.

Susana y los viejos. Se basa en una historia del Libro de

Daniel4. El autor elige un momento de serenidad en el

que Susana se mira al espejo en medio de un jardín

idílico y los viejos la contemplan tras un seto de rosas.

El centro de atención es la blancura del cuerpo

femenino bañado por la luz, situado a un lado, aunque

las líneas de la composición llevan hacia el fondo. Al

lado de la mujer aparecen una serie de objetos que el

pintor cuida con detalle como si se tratara de un

bodegón, destacando el brillo del frasco de perfume.

Judith y Holofermes

Tintoretto es uno de los pintores que mejor

capta el dramatismo y la tensión. Este lienzo,

recoge un célebre pasaje del Antiguo

Testamento5. Judith acaba de decapitar al

general asirio, Holofernes, y está intentando

tapar el cadáver con la ropas del lecho mientras

su sirvienta guarda la cabeza en un saco. Entre

las dos mujeres hay una actitud de complicidad.

La escena se desarrolla en la tienda de campaña

del militar en la que el pintor ha colocado los

elementos necesarios para imaginar el

momento (el lecho, el arma utilizada, la mesa

con el mantel, restos de la vajilla, la armadura,

una ventana por la que se divisa el campamento

asirio). La figura central se encuentra ente dos

perfectos escorzos. La luz dirigida desde la

izquierda permite admirar la riqueza de los

trajes y aviva los colores estridentes típicos del

manierismo.

Tintoretto ejerció gran influencia en El Greco y los autores del Barroco por sus escorzos y su tratamiento

teatral de la luz.

4 Susana y los viejos. Susana, mujer bella y casada con el rico Joaquín, es espiada mientras se baña por dos viejos que le

exigen con amenazas que tenga relaciones con ellos pero ella se niega y ellos la acusan de adulterio. Susana está condenada a

muerte pero interviene el profeta Daniel que interroga a los ancianos y prueba la falsedad de las acusaciones. Ella es perdonada

y los ancianos ejecutados. 5 Judith y Holfernes. Es un pasaje del Antiguo Testamento en el que Judiht, un mujer israelita (viuda de Manasés) para liberar

aus pueblo del asedio asirio no dudó en seducir al general asirio Holofernes. Para ello, abandonó sus ropas de viuda, se

engalanó con sus mejores vestidos y joyas, y emprendió el camino acompañada de su sierva hacia el campamento enemigo,

para seducir al general.

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