La pintura en la 2ª mitad del siglo xx
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PINTURA DE LA 2ª MITAD DEL SIGLO XX 1945 - 2000
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PINTURA DE LA 2ª MITAD
DEL SIGLO XX
1945 - 2000
CONTEXTO HISTÓRICO
Tras el fin de la 2ª Guerra Mundial
se modifica el panorama socio-
económico y político, lo que
afecta el desarrollo de la
creación artística
GUERRA
FRIA
División del
mundo en
bloques
ideológicos
DESCOLONIZACION
AFIANZAMIENTO
POLÍTICO, ECONÓMICO
Y CULTURAL DEL
EE.UU. EN EL MUNDO
OCCIDENTAL
NUEVAS
FORMAS
ARTÍSTICAS
La complejidad del
arte en la segunda
mitad del siglo XX es
indudable. La
destrucción de
Europa por la guerra
y la emigración de
artistas,
coleccionistas,
críticos e
historiadores,
convierten a Nueva
York en el nuevo
centro mundial del
arte.
CARACTERÍSTICAS
GENERALES DEL ARTE
TRAS EL FIN DE LA 2ª
GUERRA MUNDIAL
- Convicción de la inviabilidad de un arte de
tradición clásica.
- Radicalización de los artistas respecto de:
técnicas, materiales y temáticas.
- provocó una división entre esta nueva
forma de arte y el gran público.
- Creciente dependencia del artista del sistema:
galerías de arte, marchands, críticos de arte.
- Mercantilización del Arte.
- Pérdida progresiva del compromiso político-social
del artista (con excepciones, en especial, en el 3er
Mundo)
Virgen con niño araña
2007
Giuseppe Veneziano.
Virgen con niño
Mosaico S. VI
Basílica de Santa Sofia
Estambul
-Creación de nuevas instituciones para difundir
esas nuevas tendencias:
- Museos de Arte Moderno.
-Galerías.
-Bienales.
-Exposiciones.
PRINCIPALES CORRIENTES
PICTÓRICAS DE LA 2ª
MITAD DEL SIGLO XX
EL INFORMALISMO.
(No constituye un movimiento, son obras
“individualistas”.)
Surge en EE.UU. hacia fines de la década
de los 40, y se mantiene hasta principio de
los 60.
Sede: Nueva York.
* Ausencia total de formas reconocibles.
* Fuentes de creación: exaltación de los
mecanismo irracionales y vitales.
Principales manifestaciones
del INFORMALISMO:
• Expresionismo Abstracto o
Action Painting.
• Arte informal.
• Pintura Sígnica.
•Arte Matérico.
Existen 4 tendencias dentro de
esta forma artística:
•La Gestual o de Acción (J. Pollock –
W. de Kooning)
•La Sígnica o Caligráfica (Kline –
Tobey)
•Espacialismo Cromático (Rothko)
•La Surrealista (Gorky – De Kooning)
ACTION PAINTING: es una forma de
pintar, donde la acción constituye el
método, es decir, el acto físico de
pintar.
* Se modifica la técnica de la pincelada
(movimiento de la muñeca o el brazo)
por el movimiento corporal.
* Abandono del pincel por el derrame
directo de pintura sobre el lienzo
(dripping creado por Pollock)
Jackson Pollock (1912 – 1956)
Nace el 28 de enero de 1912
1930 Expulsado de la Escuela, se va a vivir con sus hermanos a Nueva York en donde asiste a las lecciones de pintura de Thomas Hart Benton en la Liga de Estudiantes de Arte. Influencias de los mexicanos Orozco y Rivero.
1935 Se inscribe en el Federal Arts Project de la Works Progress Administration (WPA) en la clase de pintura mural. Sus primeros trabajos representaban
escenas de la vida cotidiana
estadounidense en estilo naturalista
bastante convencional.
Jackson Pollock : Su Vida Artística
1938 Es expulsado de la WPA. Se somete a una cura de desintoxicación.
1939 Comienza una terapia.
Lleva sus dibujos y bocetos a
las sesiones para facilitar el
tratamiento
1942 Primera participación importante en una exposición “American and French Painting”.
1943 Piet Mondrian convence a Peggy Guggenheim para que exponga la obra Stenographic Figure en el “Spring Salon for Young Artists” organizado en su galería.
Primera exposición en solitario con Peggy Guggenheim. A finales de año pinta la obra Mural para la casa de ésta.
1943 logra una exposición individual. Críticas extraordinariamente buenas, poniendo de relieve su combinación de abstracción y simbolismo, además de su evidente influencia picasiana, características perfectamente visibles en The Moon Woman, uno de sus cuadros más famosos de esta época.
1946 Primera participación en la “Annual Exhibition of Contemporary American Paintings” en el Museo Whitney
1947 Elimina de sus obras todo símbolo conocible y empieza a pintar composiciones absolutamente abstractas por medio de una técnica que ha de convertirse en leyenda junto con el propio artista: el dripping o chorreado
•El DRIPPING Consiste en gotear y salpicar la pintura sobre una tela
sin tensar colocada en el suelo, por medio de palos y cucharas, en
lugar de los tradicionales pinceles. Esta modalidad, vinculada a la
teoría del automatismo surrealista, implicaba una nueva relación entre
el artista y sus obras: la tela era pintada con el cuerpo entero ya no sólo con la mano, y el artista no la
tenía ante sí, por lo cual podía "sumergirse" dentro del lienzo
1948 Primera exposición en solitario. En la Biennale de Venecia, se expone la colección de Peggy Guggenheim, en la que se incluyen seis pinturas de Pollock. Éxito del tratamiento de su alcoholismo.
1949 La Revista Life publica un artículo titulado “¿Es Jackson Pollock el printor vivo más grande de los Estados Unidos?”
1950 Participa en la exposición “Young Painters in the US & France”. Empieza a tomar de nuevo inexplicablemente.
The Moon-
Woman
1942
Stenographic Figure 1942
Blue (Moby Dick) 1943
Shimmering
Substance
1946
“Mi pintura no procede del caballete (...) En
el suelo me siento mucho más a gusto. Me
siento más cerca del cuadro, más parte de
él..”
Jackson Pollock
Willem de Kooning 1904 - 1997
La obra del pintor holandés Willem de Kooning,
uno de los precursores del impresionismo
abstracto, comenzó a cambiar a medida que los
efectos del Alzheimer se hacían más evidentes.
Woman
1944
Excavation 1952
Composition 1955
...who's
name
write in
water
1975
untitled
5 1982
garden in
delft 1987
Mark Rothko 1903 - 1970
•Mark Rothko nació en Rusia en 1903
•Comenzó a pintar en 1925 y ya en 1933 tuvo su primera exposición en solitario.
•Al comienzo de su carrera como artista, exploró diversos estilos y tendencias antes de encontrar su estilo propio. Durante los años veinte y treinta realizó infinidad de obras figurativas —desnudos, retratos, interiores con figuras, paisajes urbanos— tanto en papel como en lienzo.
•A lo largo de la década de los treinta, sus obras muestran rostros planos y sin rasgos y figuras atenuadas que se funden con el marco arquitectónico, como ocurre en su exploración del metro de Nueva York de 1938, un tema recurrente entre las representaciones de los artistas de la época.
•A finales de los años cuarenta elimina de su
pintura cualquier elemento figurativo
dando paso, con sus obras de transición
realizadas entre 1946 y 1949 conocidas
posteriormente como Multiformas, a su
enfoque basado en los colores puros en el
espacio.
•En su madurez artística, explora el potencial expresivo de campos rectangulares de colores luminosos que parecen flotar sobre la superficie del lienzo.
•Durante este tiempo, utiliza un amplio espectro de colores y tonos para crear y transmitir diversos estados de ánimo impregnando su obra “del poder de la música y de la poesía”. Estas composiciones se convertirían en su estilo característico y en ellas plasma su ideal de “la expresión simple del pensamiento complejo”.
•Tras sufrir un aneurisma en 1968, el artista tuvo que abandonar el gran formato en favor de la pequeña escala y utilizar el acrílico sobre papel.
•Las Pinturas de negro sobre gris, que inicia un año antes de suicidarse en 1970, confirman la creencia de Rothko de que su obra encerraba una tragedia.
•Todas ellas tienen formato horizontal y están divididas en dos partes: la inferior, en colores grises y a veces marrones, y la superior, siempre negra. En ocasiones, ambas superficies están entreveradas mediante pinceladas gestuales. De esta forma, aunque parece predominar un nítido horizonte en torno a la divisoria central, es ahí precisamente donde el gris y el negro se entremezclan.
LA NUEVA FIGURACION.
Se desarrolla desde principios de los años 50 a
mediados de los 70, en EEUU y Europa, como
reacción emotiva a los efectos de la 2ª Guerra
Mundial.
• Gran distorsión de las figuras.
• Indeterminación del espacio.
• Fuerte conexión con el expresionismo de
la 1ª mitad del siglo XX.
PRINCIPALES
REPRESENTANTES
• NICOLAS DE STAËL
• JEAN DUBOFFET
• FRANCIS BACON
BACON ES UNO DE LOS
MÁS DIRECTOS
ANTECEDENTES DEL
ENCUENTRO
TRAUMÁTICO CON LA
REALIDAD EN EL
ÁMBITO DE LA PINTURA
DEL SIGLO XX.
FRANCIS
BACON
1909 - 1992
FRANCIS BACON EN SU ESTUDIO, 1984.
¿HASTA QUÉ GRADO DE DISTORSIÓN UN INDIVIDUO SIGUE SIENDO ÉL MISMO?
El arte pop (Pop Art)
fue un importante
movimiento artístico del
siglo XX (entre los 50’s y
los 70’s) que se
caracteriza por el
empleo de imágenes de
la cultura popular
tomadas de los medios
de comunicación, tales
como anuncios
publicitarios, comic
books, objetos culturales
«mundanos» y del
mundo del cine.
LOVE (1967)
Robert Indiana
CARACTERÍSTICAS DEL POP ART
Surge como reacción al
Expresionismo
Abstracto, al que
consideran vacío y
elitista.
Rechazan al DADAÍSMO, pero:
Coinciden en:
• Temáticas.
• Poca
importancia del
objeto de arte
final.
• Uso del collage
y del
fotomontaje.
• Crean nuevos
objetos a partir
de imágenes
tomadas de la
vida real (idem
Duchamp.)
No coinciden
en:
• No
consideran
sus obras
como Anti-
Arte.
Lenguaje figurativo y
realista referido a las
costumbres, ideas y
apariencias del mundo
contemporáneo.
Ausencia del planteamiento
crítico: los temas son
concebidos como simples
“motivos” que justifican el
hecho de la pintura.
Temática extraída de las grandes
ciudades, de sus aspectos sociales
y culturales: cómics, revistas,
periódicos sensacionalistas, anuncios
publicitarios, cine, radio, televisión,
música, espectáculos populares,
elementos de la sociedad de
consumo.
Preferencia por las referencias
al status social, la fama, la violencia y los
desastres (Warhol), la sexualidad y el
erotismo (Wesselmann, Ramos), los
signos de la tecnología industrial y la
sociedad de consumo (Ruscha,
Hamilton).
Intento de volver a poner
el arte en contacto con el
mundo y la realidad
objetual.
Representación del
carácter
inexpresivo, preferentem
ente frontal o repetitiva.
Artistas que, según el crítico, Alloway, “no sentían el disgusto
por la cultura comercial que sentía la mayoría de los intelectuales, sino que la
aceptaban como un hecho, la discutían en detalle y la
consumían con entusiasmo”
Aparece en los años sesenta mostrándose más extrema y radical
en sus planteamientos.
Las características pop se dan menos definidas y agresivas que en los
otros artistas. A diferencia del estilo más romántico, sentimental y humorístico de Inglaterra,
los artistas norteamericanos
produjeron obras de mayor fuerza y agresividad.
ARTE POP
Surge en Londres hacia mediados de
los 50 hasta principios de los 70, con
gran desarrollo en Inglaterra y EEUU.
Deriva del término inglés POPULAR
ART, designado por el crítico inglés
Lawrence Alloway.
¿Cómo surge en Londres?
• Un grupo llamado «Grupo
Independiente» (1952), y es
el precursor del movimiento
artístico pop.
• Las discusiones del grupo se
centraban en la cultura
popular y la implicación de la
aparición de dichos elementos
de comerciales, películas ,
tiras cómicas, ciencia ficción y
la tecnología.
PRINCIPALES
REPRESENTANTES
BRITÁNICOS
RICHARD HAMILTON
DAVID HOCKNEY
RICHARD
HAMILTON
1922 - 2011 Con claras influencias
de Cézanne, el cubismo, el
futurismo y la cronofotografía,
se interesa por el movimiento y
la perspectiva.
Se convirtió en el máximo
impulsor en Inglaterra de este
nuevo arte nacido de lo urbano,
provocador, cargado de humor,
colores chillones. También
barato, ingenioso que abogaba
por la producción en serie, la
cultura de masas y lo efímero.
Exactamente,
¿qué es lo
que hace que
las casas de
hoy sean tan
diferentes,
tan
atrayentes?
1956.
RICHARD
HAMILTON
HOTEL
EUROPA
1984
DAVID HOCKNEY
1937 Pintor, proyectista, escenógrafo,
impresor, y fotógrafo inglés.
Fue un importante contribuidor del
movimiento de Arte Pop en la década
de 1960, es considerado uno de los
artistas británicos más influyentes del
siglo XX.
A principios de 1980, Hockney
comenzó a producir "joiners", que son
collages hechos de fotografías,
primero empezó usando impresiones
de Polaroid y subsecuentemente
estampados de 35mm procesados
comercialmente. Hockney creaba
imágenes compuestas utilizando
fotografías hechas con película
instantánea o fotografías reveladas de
un sólo sujeto ordenadas de manera
irregular.
Beverly Hills wife - 1966
Madre Yorkshire –
1982
Fotomontaje
Polaroid
Carretera de Pearblossom, 1986.
Madera de invierno - 2009
¿Qué es y por qué surge en
EE.UU:? • El Pop Art crece en Estados Unidos, como reacción artística
frente al Expresionismo Abstracto, ya que lo consideraba vacío,
demasiado pretencioso y elitista.
N°1 A – Jackson Pollock
(expresionismo abstracto) Andy Warhol
(pop art)
ARTE POP NORTEAMERICANO * Fue el primer estilo norteamericano de destaque
internacional.
* Fuentes de inspiración: las grandes urbes, los
comics, los objetos de consumo masivo, las figuras
mediáticas.
* Tiene contactos con el Dadaísmo, aunque no es
una ANTI ARTE.
* Utiliza en sus creaciones: elementos
preexistentes, collages, fotografías, litografías,
estampados, etc.
Fue en los Estados Unidos donde el Pop Art arraigó de una
manera especial, adquiriendo su
El movimiento no fue bien acogido en un principio por parte de la
crítica norteamericana, pues daba la sensación de que los artistas
Pop echaban por tierra los logros alcanzados en la década
anterior por los artistas del
Pero al final acabó por implantarse y conseguir llegar al público
entendido e interesar a los grandes coleccionistas y marchantes.
Las grandes ciudades americanas, con su acumulación
abigarrada de objetos, arquitectónicos o publicitarios, con la
sociedad más capitalista y consumista del mundo, constituyeron,
no sólo el telón de fondo natural de esta nueva tendencia, sino
además su más importante fuente de inspiración.
PRINCIPALES
REPRESENTANTES
NORTEAMERICANOS
JASPER JOHNS
ROY LICHTENSTEIN
ANDY WARHOL
TOM WESSELMAN
Augusta, Georgia, 1930.
Pintor, escultor y artista gráfico
estadounidense que ha representado un
papel importante en el desarrollo del arte
de mediados del siglo XX en su país. En
1954 comenzó a pintar obras de un modo
radicalmente diferente al expresionismo
abstracto que dominaba la escena
artística estadounidense en aquel
momento. Sus obras se centraban en
temas tan conocidos como dianas,
banderas estadounidenses, números y
letras del alfabeto. Pintaba con objetividad
y precisión, aplicando gruesas capas de
pintura de modo que el propio cuadro se
convirtiera en un objeto y no sólo en la
reproducción de objetos reconocibles.
Esta idea de arte-como-objeto se convirtió
en una poderosa influencia en la escultura
y la pintura posteriores; solía integrar
objetos tridimensionales a sus pinturas.
JASPER JOHNS:"Tres banderas“, 1958. Encáustica sobre lienzo
En 1955, Jasper Johns pintó su primera bandera estadounidense: un gran panel
blanco dominado por la evidencia de barras y estrellas. Tres años más tarde creó
"Tres banderas", donde el artista superpuso tres pabellones de diferentes
tamaños, reforzando así la imagen y generando un interesante efecto óptico.
Johns no escogió pintar la bandera de los Estados Unidos porque fuese
especialmente nacionalista, sino porque quiso representar el motivo más banal y
reconocible que pudiese encontrar. Esta es una de las obras más conocidas de
Jasper Johns, figura emblemática del Pop Art.
Amo Los Ángeles. Amo Hollywood. Son
tan hermosos. Todo es plástico, pero amo
el plástico. Quiero ser plástico.
Andy
Warhol
1928 - 1987
Artista plástico estadounidense. Hijo de emigrantes
checos, inició sus estudios de arte en el Instituto
Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este
último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su
carrera como dibujante publicitario para diversas
revistas como Vogue, Harper´s Bazaar, Seventeen y
The New Yorker.
Elementos o imágenes del entorno cotidiano, en serie, que son un reflejo de la producción masiva capitalista.
, imágenes de difusión masiva. de numerosos personajes famosos por los que se sentía
fascinado, fue objeto de una gran parte de su creación. . Entre 1962 y 1964 se especializa en ella : suicidio,
bomba atómica, accidentes de automóvil, revueltas raciales, silla eléctrica. Todo ello era registrado con la misma y fría distancia con que registraba latas de sopa, revólveres, flores y cajas de brillo. Esta banalidad del horror consagra su éxito.
Warhol se apoderaba de una simple imagen y la revolucionaba. La intensa expresividad y el apasionamiento que dominan el arte desde las pinturas negras de Goya a las vanguardias artísticas, es sustituida aquí por una neutralidad que la aproxima al de la pura mercancía.
Fácil identificación del objeto.
(Aunque los colores puedan ser
complementarios y estridentes se reparten de forma armoniosa y
equilibran la imagen, no hay tensión final, sino belleza y armonía).
como en el cómic. Dibujo claro y
preciso.
que producen un efecto espectacular.
, de modo que los elementos armonicen.
proceso medio manual y medio mecánico, que se
había convertido en el favorito de los artistas comerciales después de la
Segunda Guerra Mundial. Repetían los mismos motivos una y otra vez en
una serie sin fin.
En cuanto a su lenguaje específico el pop art se caracteriza por la apropiación de las técnicas expresivas orientadas a la divulgación y el consumo, ya validadas por los medios de comunicación de masas. Ello tendrá consecuencias importantes en la construcción tanto de imágenes como de objetos.
Fue durante los años 60 cuando
Warhol empezó a pintar imágenes
de productos comerciales icónicos,
como latas de Sopa Campbell o
botellas de Coca-Cola. Estos
objetos eran para él iconos
culturales estadounidenses al
mismo nivel que Marilyn Monroe,
Elvis Presley o Elizabeth Taylor,
que retrataba mediante un
procedimiento muy similar. En esta
época funda "The Factory", su
estudio y al mismo tiempo un
ineludible punto de reunión de la
vanguardia neoyorquina por la que
pasaron artistas, escritores,
modelos, músicos y celebridades
del pujante underground. El taller,
cubierto de hojas de papel de
aluminio y decorado en color plata,
estaba en la calle 47th.
Introducción de procesos de repetición y producción propios del arte de masas, eliminación de la manualidad de la imagen a favor de la
reproducción tecnificada, uso de procesos de creación colectivos
ANDY WARHOL. “5 Coke Bottles”, 1962
LATA DE SOPA
CAMPBELL
ANDY WARHOL
1968
“Solía beberla [la sopa Campbell].
Solía almorzar lo mismo todos los
días, durante veinte años, supongo,
la misma cosa una y otra vez.”
Andy Warhol
“Me encanta América; para esto hay varias razones. Mis cuadros son mensajes simbólicos sobre los
estridentes productos impersonales y esos destellantes objetos
materiales sobre los que hoy en día se levanta Estados Unidos. Son la proyección de todo lo que puede comprarse
y venderse, símbolos prácticos, pero efímeros, que
nos mantienen en movimiento.”
ANDY WARHOL
ANDY WARHOL: “Símbolo del dólar americano” 1982. Serigrafía
sobre lienzo. 229 x 178 cm.
ANDY WARHOL: “Superman”, 1961
Empezó a pintar dibujos de tiras
cómicas de héroes como Popeye, Dick
Tracey y Superman con el fin de hacer por
si mismo su propio nombre
como un artista.
ANDY WARHOL: “Mickey Mouse”, 1981
ANDY WARHOL: “Mickey Mouse”, 1981
Antes de comenzar a hacer imágenes que se volvían omnipresentes por medio de, las técnicas que utilizaba, Warhol había experimentado pintando personajes de cómic. Había pocas diferencias entre la forma en que realizó sus pinturas basadas en cómics y la que poco después le llevaría a la fama y el éxito.
ANDY WARHOL: “Zapatos“, 1980
“Cuando “tienes”
Pop, nunca más
podrás ver un signo
de la misma
manera. Y cuando
has pensado Pop,
nunca más podrás
ver a los Estados
Unidos de la misma
manera.
ANDY WARHOL
ANDY WARHOL: “Cow”, 1966
Alcanzó su cota máxima de
despersonalización en 1962 al
utilizar como método de trabajo un
proceso mecánico de serigrafía,
mediante el cual reproducía
sistemáticamente mitos de la
sociedad contemporánea y cuyos
ejemplos más representativos son
las series dedicadas a Marilyn
Monroe, Elvis Presley, Elizabeth
Taylor o Mao Tse-tung, así como su
célebre tratamiento de las latas de
sopa Campbell, obras todas ellas
realizadas durante la fructífera
década de 1960. Representa la
América marginal y la angustia
existencial de los años sesenta.
ANDY WARHOL: “Audrey Hepburn”
WARHOL:
Audrey
Hepburn
1961
Desde
pequeño vivía
fascinado con
ser famoso
como los
políticos y
estrellas de
cine. Todas
esas
personalidade
s que él veía
en revistas.
“Warhol había convertido a Marilyn en un objeto comercial, que era precisamente lo que deseaba lograr. Aquello encajaba a la perfección con su intención de representar las maquinaciones del mercado hasta el último detalle. Había convertido a la actriz en un producto, pero también lo hacían los proveedores y los consumidores de la cultura pop.”
ANDY WARHOL: “Marylin
Monroe”, 1964
ANDY WARHOL:
“Marylin Monroe”
1967
De los cuadros más conocidos de Warhol son estas reproducciones de múltiples imágenes de la fotografía de Marilyn Monroe -sex-symbol e inalcanzable diosa del cine-, coloreada sin atención al detalle y con tonos planos y extremados.
ANDY WARHOL: “ Elizabeth Taylor”, 1964
La distanciación fría con que Warhol veía detrás de sus máscaras, especialmente en la serie de fotografías de la alta sociedad, proporciona a su obra el carácter de un inventario desapasionado y desinteresado de nuestra época. En su imaginería, los futuros arqueólogos que exploren el siglo XX encontrarán un rico filón.
ANDY WARHOL:
“Ingrid Bergman” 1983
ANDY WARHOL: “Ingrid Bergman” 1983
ANDY WARHOL: “Doble Elvis”, 1963
Desde pequeño
vivía fascinado
con ser famoso
como los
políticos y
estrellas de
cine. Todas
esas
personalidades
que él veía en
revistas.
ANDY WARHOL: “Mick Jagger”,
ANDY
WARHOL:
“The
Beatles”
ANDY WARHOL: “John Lennon”, 1985
ANDY WARHOL:
“Beethoven” 1987
ANDY WARHOL: “Muhammad Al ”, 1973
ANDY WARHOL: “Muhammad Alí”, 1973
ANDY WARHOL:
“Jacquie III”, 1966.
ANDY WARHOL:
“Che Guevara”, 1968
ANDY
WARHOL:
“Reina
Isabel II”
Andy Warhol - Mao, 1972
ANDY WARHOL: “Sigmun Freud” 1980
ANDY WARHOL:
“Einstein” 1980
ANDY WARHOL:
“Green Disaster”
1963.
“Bomba atómica" “Disturbios raciales rojos“, 1963.
“La aparición del pop art a finales de los años cincuenta y comienzos de los sesenta fue uno de los momentos más liberadores de la historia del arte. Su adscripción decidida a la nueva cultura de la tecnología y el consumo echaba por tierra los anhelos heroicos y subjetivos de las vanguardias anteriores y reintegraba el arte al mundo real. Con el incesante intercambio entre el arte y todo tipo de objetos de la cultura visual y de la cultura popular, el pop acabó con la separación entre la "alta" y la "baja" cultura y abrió un nuevo debate sobre las relaciones entre lo estético y lo antiestético. Para elpop toda imagen era reciclable, todo objeto era susceptible de convertirse en arte y su verdadero propósito era ofrecer una nueva interpretación de la imagen en la cultura contemporánea.” MUSEO THYSSEN BORNEMISZA
Estados Unidos,1931-2004.
Pintor y escultor estadounidense
perteneciente al movimiento Pop Art. Cursó
estudios de psicología en la Universidad de
Cincinnati de un modo discontinuo debido a
su preferencia por los estudios de Arte que
cursó en la Academia de Arte de Cincinnati.
Durante este periodo de formación, pensó
en dedicarse al dibujo de cómics. Fue
cuando estudió en la Escuela de Arte y
Arquitectura de la Unión Cooper (Nueva
York) cuando su trabajo se orientó
definitivamente hacia la pintura y la
escultura. Imbuido del ambiente artístico
que reinaba en Nueva York a final de la
década de los cincuenta, cuando la
tendencia del expresionismo abstracto
convirtió a la ciudad en capital mundial del
Arte, Wesselmann comenzó a pintar influido
por una de las figuras más importantes de
este movimiento, Willem de Kooning aunque
pronto se distanció y se acercó más a
Matisse, Van Gogh y Modigliani.
TOM WESSELMANN: “Still Life nº 20”,
1964. Collage y assemblaje con pintura.
Papel. Madera. Bombilla. Interruptor etc.
A finales de los
cincuenta
comenzó a
explorar las
posibilidades del
collage. Para ello,
utilizó papeles y
folletos de
publicidad,
constituyendo
estas obras una
de las primeras
expresiones del
mundo
publicitario que
luego serían tan
utilizadas por el
resto de artistas
pop
norteamericanos.
En la década de los sesenta simultaneó el tema del desnudo con otras series como la serie de ”Collages” de la bañera. Sus desnudos, al hacerse más
realistas, adquirían una mayor carga erótica.
TOM WASSELMANN; " Collage de la bañera “, 1962. Collage sobre madera incorporación al cuadro de objetos de uso común.
GRAN DESNUDO AMERICANO
TOM WESSELMANN - 1963
TOM WASSELMANN; “Paisaje no. 2”, 1964. Óleo. collage y ensamblaje
sobre tela
Tom Wesselmann: “Naturaleza muerta n º 24” 1962
“Descubrí mi vocación
a los diez años. Estaba
en quinto grado dela
escuela y me iluminé:
‘Voy a ser artista
plástica’. Mis padres
querían otros estudios
para mí, pero yo era
muy rebelde y no
pudieron conmigo. A
los 12años entré en
Bellas Artes. Y ahí
descubrí que era una
genia.”
Buenos Aires - 1943
“Estoy
segura que
la locura
pasa por
otro lado. Yo
nunca fui
una loca. Yo
soy una
persona
diferente.”
El pago
de la
deuda
externa
con
choclos
1985
Su obra, de carácter conceptual, pop, psicodélico y de
acción, se ha convertido en el paradigma de la generación
baby boomer que, en los años 1960, revolucionó las
normas sociales preestablecidas y estableció una
contracultura.
Revuélquese
y viva
1964
(original)
1985 (nueva
realización)
Durante fines de los años sesenta, Minujín se adhirió
al movimiento contracultural hippie en Nueva York tras
haber ganado la Beca Guggenheim, donde se volcó
al arte pop y el arte psicodélico. Durante esta época y
más tarde en la década de 1970, Minujín trabajó tanto
en Buenos Aires como en Nueva York.
OBELISCO
ACOSTADO
1978
GARDEL DE
FUEGO
Medellín 1981
PARTENÓN DE LIBROS – Buenos Aires -
1983
LOBO
MARINO DE
MINI
HAVANNA
Mar del
Plata
2014
INSTALACIÓN (original 1965) – RECREACIÓN (2015) –
Buenos Aires
“La Menesunda fue brutal
porque era de participación
masiva y fueron como un millón
de personas. Fue como
representar la ciudad en todas
sus sensaciones. Se hizo acá en
el Instituto Di Tella. Era divino
porque vos entrabas por una
pared de acrílico que era la
silueta de un hombre y primero
te metías en un túnel grande con
luces de neón que se prendían y
se apagaban, con olor a fritura
porque era una representación
de la calle Lavalle.”
“Era un circuito de aislada participación. El público
entraba de a uno, y era sometido a 16 situaciones
diferentes: aroma, colores, etc.”
“…por una
escalera te metías
en la cabeza de
una mujer
gigante, toda llena
de maquillaje, y
allí te
maquillaban.”
“Después te metías en una especie de calesita, con una sola
puerta, que te llevaba a distintas habitaciones, y nunca sabías
donde ibas a parar.”
