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ORIGENES DE LA ESTAMPA Y EVOLUCION A LO LARGO DEL TIEMPO

Estampa, estampación o estampado es un proceso de impresión para obtener

un diseño, que puede ser plano o en relieve. Normalmente se usa una plancha

grabada y entintada sobre un papel húmedo a través de un tórculo o prensa.

También se realiza sobre distintos materiales.

La estampa es un documento complejo, ya que, de una parte, su fabricación

por procedimientos mecánicos se mezcla con el carácter de obra de arte por lo

que tiene de creatividad, y a la vez es medio de comunicación de ideas y

conocimientos, por lo que son obras destinadas tanto al gran público como a la

minoría. A veces las que nacieron con la sola intención de ser popular, se

convierten en obras de arte. Esta complejidad, unida a la continua evolución de

los procedimientos técnicos de su fabricación, a las distintas apreciaciones que

como obra histórica han recibido en las distintas épocas ha hecho que sean

muy variadas las formas de acercarse a ellas para su examen e investigación.

El objetivo de la estampa y del arte gráfico ha sido el de transmitir información

visual, a veces con intencionalidad artística, por lo que se llegó a convertir en

un poderosísimo método de comunicación entre los hombres, que produjo

grandes efectos sobre el pensamiento y la cultura occidental durante cinco

siglos.

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Las primeras estampas conocidas en Europa son las realizadas a comienzos

del siglo XV con la técnica llamada de grabado en relieve o entalladura, es

decir, cortar la madera o metal blando de tal manera que la superficie que

queda en relieve se emprime sobre el papel por medio de una prensa vertical.

Son muy escasas las que se conservan, casi todas de temática religiosa y un

gran número de ellas iluminadas. En cambio son muy numerosas las estampas

que ilustran los libros publicados en el siglo XV en Alemania, Italia y Francia, no

quedando la Península Ibérica ajena a esta actividad.

Las estampas de grabado en relieve más perfectas corresponden a libros del

siglo XVI, cuando los modelos renacentistas italianos se incorporaron al libro y

los impresores se esforzaron por presentarlos con adornos, sobre todo en la

portada, que los convertían en más atractivos.

La técnica del grabado en talla dulce surge en los talleres de los plateros

italianos en el siglo XV, la misma que realizaban comúnmente estos artesanos,

es decir, abrir finos surcos sobre una lámina metálica por medio de un afilado

buril. Cuando este grabado se entintaba y estampaba sobre papel, con el fin de

apreciar mejor la labor de grabado, recibía el nombre de nielado. Éste parece

ser el origen de las estampas que se atribuye al florentino Maso Finiguerra

(1426-1464).

Teniendo en cuenta este origen y similitud, es fácil deducir que las primeras

estampas realizadas mediante esta técnica iban dirigidas, debido a su alto

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costo, a la nobleza y el clero, habituales clientes de los plateros; y que en sus

orígenes, dado su distinto sistema de estampación que el grabado en relieve

(la llamada entalladura) no se utilizara en la ilustración de libros, sino

únicamente como estampas sueltas y que sus asuntos no fuesen sólo

religiosos, ya que al público al que iban destinados también se interesaba por

los temas mitológicos, paisajes, historia e incluso el retrato.

Las primeras impresiones europeas en talla dulce datan de hacia la segunda

mitad del siglo XV, caracterizándose en un principio por los trazados de líneas

intensas y paralelas que se aproximan cuando se buscan los efectos de

sombra.

Los maestros del cuatrocientos italiano, son los que alcanzaron una mayor

perfección y elevaron a la categoría de arte las estampas que realizaron, entre

ellos Andrea Mantegna (c.1431- 1506), pero sobre todo Antonio Pallaiuolo

(c.1432-c.1498) con solo una obra conocida, Combate de hombres desnudos,

obra a la que se considera como la más célebre e insigne del grabado italiano

renacentista, y la primera estampa en gran formato (402 x 600 mm) que sale de

un taller de grabador.

Alemania es otra de las zonas en que surge y se desarrolla con profusión esta

nueva técnica de la talla dulce. Las obras maestras de Martin Schongauer (c.

1450-1491), Cristo con la cruz a cuestas y Las tentaciones de san Antonio,

ejercieron un gran impacto sobre los artistas europeos de los siglos XV y XVI. A

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Schongauer, elegante y refinado grabador, se le puede considerar el gran

maestro de los grabadores de buril, técnica a la que convirtió en un nuevo

medio de expresión artística.

La admiración de sus contemporáneos es conseguida en grado máximo por

Alberto Durero (1471-1528), al aunar un alto grado de creatividad y la

perfección técnica al conseguir el dominio del claro oscuro ejecutado a través

de las variaciones del espesor lineal, así como sus efectos lumínicos. El

empleo de una línea incisiva y la minuciosidad en la descripción de los detalles

más ínfimos que logra con exactitud sorprendente, le convertirán en el

grabador más apreciado y en el creador de los modelos más difundidos del

renacimiento. El caballero y la muerte, La melancolía, Adán y Eva y Las cuatro

brujas son algunas de las obras que alcanzaron el más alto reconocimiento.

La técnica del aguafuerte surge como una alternativa más rápida y menos

laboriosa que el riguroso trazo del buril. La facilidad con la que se dibuja sobre

una plancha barnizada y el control del valor de las líneas según el tiempo de

inmersión en ácido contribuyeron a su rápida expansión. El aguafuerte se

convirtió en la técnica preferida por los pintores, mientras que los grabadores

de interpretación, dedicados a la reproducción de pinturas de otros artistas,

siguieron utilizando y desarrollando la talla dulce.

Albrecht Altdorfer (c.1480-1538) es uno de los precursores de la llamada

Escuela del Danubio, grupo de artistas que se dedicaron al dibujo de paisajes,

utilizando la pluma, el lápiz o el pincel, y muchos también el aguafuerte, ya que

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es una técnica que no necesita años de práctica como el buril, sino que al ser

muy similar el dibujar con lápiz y grabar con una punta, además, los pintores

prefirieron el aguafuerte al buril, que se adaptaba más a la línea de arabescos

del paisaje y al carácter pintoresco de los temas en el que la naturaleza

quedaba privilegiada frente figura humana.

En el último cuarto del siglo XVI aparecen las primeras estampas realizados

por medio del grabado calcográfico formando parte del libro. El libro barroco se

caracteriza, entre otros aspectos, en primer lugar, porque la técnica del

grabado en relieve se sustituye por la talla dulce sobre lámina de cobre, lo que

hace que el proceso de estampación se encarezca, quedando, en gran parte,

las ilustraciones reducidas a la portada, ejemplo de ello son las realizadas por

la imprenta de Cristóbal Plantin en Amberes.

Durante el Barroco hay que constatar la necesidad de grabadores que tenía la

monarquía, la nobleza y el alto clero, porque la imagen gráfica se había

convertido en un poderoso medio de difusión de la ideología mantenida por el

poder, y esta oportunidad no fue desaprovechado por los estamentos que lo

detectaban. De ahí que la gran mayoría de los grabadores se establecieran en

las cortes y que pusieran sus dotes de diestros dibujantes y técnica de

aplicados grabadores de buril al servicio de lo que sus clientes les dictaran;

clientela a la que se sumó gran cantidad de escritores propagandistas, que bajo

la protección o mecenazgo de los poderosos pusieron su pluma y erudición en

defensa del ideario político y religioso de la época. Así, la principal actividad del

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grabador era la de abrir láminas para las estampas, que como portada o

frontispicio, se incluían en los libros y que consistían en la mayoría de las

ocasiones, en el retrato y escudo de armas del rey o de algún noble al que se

glorificaba y ensalzaba por medio de símbolos y alegorías que visualizaban la

magnificencia, poder y virtudes del representado. La Corte de Luis XIV con la

creación del Gabinet du Roy es el máximo exponente de esta actitud.

Los grabadores franceses especializados en la interpretación por medio de la

talla dulce, como Robert Nanteuil, autor de distinguidos retratos cortesanos,

dibujados por él mismo o copiando pinturas de otros artistas, crearon obras que

alcanzaron gran popularidad y llamaron la atención sobre el trazado

escultórico, la calidad de moldeado y la delicadeza que esta técnica permitía.

Característica del grabado español del siglo XVII fue la incorporación a los

talleres peninsulares de artífices flamencos y franceses que dominaban la

técnica del grabado en talla dulce. Entre los artistas más destacados se

encuentra Pedro Perret (1555-1637), que llegó a España en 1584 para pasar al

cobre las vistas de El Escorial.

Entre los pintores del siglo XVII se acepta el grabado como una de las

manifestaciones del dibujo y, por tanto, una de las artes liberales.

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En Francia, Italia, Flandes y Holanda fue bastante común que los pintores

ensayaran o se dedicaran al aguafuerte como lo demuestran las obras que se

conservan de Jacques Callot (1592-1635), Claudio de Lorena (1600-1682),

Guido Reni (1575-1642), Simone Cantarini (1612-1648), Guercino (1591-1666),

Carlo Maratta (1625-1713), Luca Giordano (1632-1705), Salvatore Rosa (1615-

1673), Adriaen van Ostade (1610-1685), Anton van Dyck (1599-1641),

Hercules Seghers (c. 1590-c. 1640) y Rembrandt (1606-1669).

Jacques Callot fue el primer artista importante en desarrollar el aguafuerte

como técnica artística; con su abundante producción, aproximadamente mil

cuatrocientas estampas y numerosos dibujos, contribuyó en gran manera al

desarrollo del aguafuerte como técnica puramente artística. Descubrió que con

varias inmersiones del cobre en el ácido se podía conseguir la ilusión de la

perspectiva en la estampa, creando los diferentes términos de una escena. Los

experimentos de Callot hicieron posible grabar al aguafuerte imágenes de gran

detalle en diminutas láminas.

Rembrandt dio a la estampa imágenes de extraordinaria fuerza, llegando a

eclipsar al resto de los artistas del género. Autorretratos, escenas bíblicas y

paisajes abarca su gama de temas. Entre sus estampas cabe destacar el

Autorretrato del artista recostado en un poyo de piedra, el grabado de los cien

florines: Cristo curando a los enfermos, el Ecce homo y las Tres cruces, todos

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ellos aguafuertes de extraordinaria intensidad en que la luz se hace

protagonista del contenido.

En España el número de pintores que se dedicaron al grabado es bastante más

escaso, no obstante existe un conjunto nada despreciable de estampas

realizadas directamente por los pintores. Característica común a todos ellos es

que su dedicación al grabado fue esporádica, en algunos casos más como un

mero acercamiento a la técnica, que sin duda les atraía, pero sin que tuvieran

ocasión de practicarla con intensidad, aunque las escasas estampas que de

ellos conocemos nos señalan cómo la técnica del aguafuerte fue apreciada y

cultivada por un representativo grupo de pintores que se pueden agrupar en los

focos de Valencia –Francisco Ribalta (1565-1628) y Juan Conchillos (1641-

1711)-, Sevilla -Juan de las Roelas (1558-1625), Francisco de Herrera el Viejo

(1576-1656), Francisco de Herrera el Mozo (1622-1685), Cornelio Schutz

(1600-1675), Juan Valdés Leal (1630-1691) y Matías de Arteaga (1633-1704)-

y Madrid –Vicente Carducho (c,1550-1638), Juan Carreño (1614-1685),

Francisco Ruiz de la Iglesia (c.1630-1704), Claudio Coello (1635-1693) y José

García Hidalgo (1656-1711)- más aquellos que su principal producción la

realizaron en Italia, como José Ribera (1590-1652) o Iusepe Martínez (1612-

1682).

La Ilustración europea con su defensa del "buen gusto", sus objetivos

didácticos, y su interés y fe en la ciencia y la técnica fue para el arte de la

estampa un periodo de auténtica eclosión, sobre todo por la perfección formal y

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técnica que alcanzó, estampación en colores, como por su enorme difusión: las

estampas se convirtieron en el medio más apropiado para propagar la ciencia y

la técnica. La edición de la Enciclopedia quizá sea el ejemplo más

sorprendente, no se puede entender su razón de ser y éxito sin su importante

componente de imágenes. Pero también lo fue para la trasmisión del nuevo

gusto y mentalidad cuando se puso al servicio de la reproducción de la pintura.

Francois Boucher (1703-1770) interpretó repetidamente a Antoine Watteau.

Gabriel de Saint-Aubin (1724-1780), delicado aguafortista, creó complejas

composiciones de género. Nicolas de Launay (1739-1792) se convirtió en uno

de los grabadores más apreciados por los pintores para pasar al aguafuerte

sus obras: Fragonard, Lavreince, Freudeberg, Baudouin y J.-B. Le Prince.

Inventado el grabado en color por Le Blon y Jacques Fabien Gautier Dagoty

alcanzó las más altas cotas de perfección con Jean-Francois Janinet (1752-

1814) y Philibert Louis Debucourt (1755-1832). La excelencia de la técnica,

aguafuerte y aguatinta, y extrema fineza de ejecución hicieron que las

estampas realizadas "a la manera de la acuarela" gozaran casi de la misma

estima que la pintura.

William Hogarth (1697-1764) reprodujo muchas de sus propias pinturas,

cargadas de intenciones educativas y satíricas.

Giovani Battista Piranesi (1720-1778) puso todo sus conocimientos de dominio

del aguafuerte al servicio de la imaginación.

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Especial interés presenta en la época ilustrada el caso español, es en este

momento cuando alcanza un lugar destacado en el conjunto de las más

avanzadas naciones europeas, que tenían una mayor tradición. La Real

Academia de San Fernando fue la institución clave para el desarrollo del

grabado ilustrado, ya que lo enseñó de forma sistemática e impuso el llamado

buen gusto. Tanto Juan Bernabé Palomino (1692-1777) como sobre todo

Manuel Salvador Carmona (1734-1820), director que le sucedió y que había

aprendido en los talleres parisinos fueron los artífices de que se creara una

nueva generación de artistas grabadores altamente especializados en el

grabado de interpretación, que dio lugar a que se pudiera crear en 1789 la Real

Calcografía y que se comenzaran ambiciosos proyectos como la "Compañía

para el grabado de las pinturas de los reales palacios" o que importantes

imprentas, Ibarra y Sancha, o la oficial Imprenta Real, mantuvieran una muy

destacada labor en la edición de libros ilustrados.

La acusada personalidad de Francisco de Goya (1746-1828) hace que las

estampas quizá sean el producto más puro del pensamiento de Goya en

cuanto a lo que entendía por ser artista, en el cultivo de esta técnica se mostró

con total libertad y pudo comunicar de forma gráfica su concepto de lenguaje

de invención, como ya había expuesto por escrito a la Academia de San

Fernando en 1792 en un informe que es todo un manifiesto de lo que más tarde

sería el Arte.

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Goya sabía el potencial que encerraba el grabado como técnica artística,

método de enseñanza y medio de difusión de su obra. Sus inicios en el arte del

grabado son expresión del entorno que le rodea, cercano a los modelos

italianos y la influencia de Tiépolo. Es lógico pensar que este primer contacto

con la técnica fue lo suficientemente reconfortante como para hacer que el

pintor se adentrara en sus secretos y posibilidades, no sólo como medio de

reproducción de pinturas propias o ajenas, sino como manera autónoma y

actividad paralela a su práctica pictórica.

En el grabado de invención Goya podía expresarse libremente al igual que

ocurriera con aquellas pinturas que nacían sin ser obra de encargo, en las

cuales, según el mismo pintor comenta, podía "hacer observaciones a que

regularmente no dan lugar las obras encargadas, y en que el capricho y la

invención no tienen ensanches". Por esta razón, no es de extrañar que siempre

estuviera ávido por incorporar todas aquellas innovaciones que pudieran abrir

nuevas posibilidades a su mundo de creación.

La evolución de la técnica de grabado en Goya es constante y permanente. La

simple y rígida linealidad de la aguja que se aprecia en sus primeras obras -El

ciego de la guitarra, San Francisco de Paula, San Isidro, La huida a Egipto, El

agarrotado- se rompe y multiplica casi desde sus comienzos como grabador

hasta alcanzar la perfecta combinación de todas las técnica y útiles:

aguafuerte, aguatinta, aguada, punta seca, escoplo, bruñidor, rascador..., se

van incorporando a la práctica artística con el objetivo primordial de obtener

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verdaderas calidades pictóricas en una combinación de luces y sombras que

crean un lenguaje dramático singular y difícilmente imitable.

En su afán por obtener nuevas calidades ensaya las posibilidades de la ruleta y

el aguatinta hasta el extremo de echar a perder el cobre que mayor dificultad

debió suponerle en la reproducción de las pinturas de Velázquez: Las meninas.

Esta primera forma de trabajar el aguatinta como complemento a una

composición enteramente grabada al aguafuerte, buscando la manera de

entonar la composición, fue pronto sustituida por la construcción de un lenguaje

de líneas y masas opacas que discurrían en una rica gama de tonalidades

obtenida con resinas de distintos grosores y diferente tiempo en la acción del

ácido, combinado con el trabajo del bruñidor para suavizar transiciones y

dulcificar las texturas. El resultado es una armonía dramática de contrastes

entre zonas luminosas y oscuras que dirigen al espectador en su lectura de la

composición. Sin duda, la consolidación de esta forma de grabar se da en los

Caprichos y se lleva a sus últimas consecuencias y perfección en los

Disparates. Entre ambas series Goya ha continuado sus investigaciones

midiendo las posibilidades de la aguada en los Desastres de la guerra, serie

donde el aguafuerte vuelve a ser protagonista, sobre todo en aquellas

composiciones donde se quiere extremar la violencia y dureza del tema

auxiliándose del escoplo y la punta seca; el aguatinta pasa a un segundo plano

y en múltiples ocasiones está trabajada con posterioridad con el bruñidor. En

cuanto a la Tauromaquia es un ejemplo singular de la belleza pictórica de la

técnica, es quizá la colección de estampas donde mejor puede apreciarse la

capacidad de Goya para recrearse en la habilidad, destreza y dominio de un

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arte lleno de recursos pero al que hay que doblegar casi del mismo modo que

al toro.

Por último, la invención de la litografía y su introducción como técnica

novedosa en España tiene lugar cuando Goya es ya un anciano. Pero, una vez

más demuestra el pintor su interés por la técnica, su capacidad de aprendizaje

y dominio, y su comprensión sobre las posibilidades y potencialidad de este

nuevo arte para expresar su voluntad creativa. Las primeras litografías de Goya

prolongan la actividad que el pintor desarrollaba como dibujante y con ello dejó

en sus estampas litográficas testimonio de su modernidad.

TECNICAS MAS UTILIZADAS EN LA ACTUALIDAD

El estampado textil es la más importante y versátil de las técnicas usadas para

agregar diseño, color y especialidad a las telas. Puede considerarse como una

técnica que combina arte, ingeniería, y tecnología de teñido para producir

imágenes que solamente existían en la imaginación del diseñador textil.

Al diseñar una superficie textil se debe tener en cuenta también que dicho

diseño formará parte del entorno en el cual se desenvuelve un individuo,

creando experiencias táctiles y visuales, en las cuales la percepción tiene una

gran importancia. Con lo cual, es indispensable generar superficies que

mantengan un ritmo y una unidad determinados por la idea original y teniendo

en cuenta para que tipo de soporte se va a utilizar el diseño. Si bien el

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diseñador no puede asumir responsabilidad de cada uso que tendrá tal diseño,

debe diseñar con estos posibles usos en mente, ya que la variedad de

productos sobre los cuales se puede utilizar una superficie textil es bastante

amplia, se deben tener en cuenta cuestiones tales como escala, paleta de color

y métodos de estampado, conceptos que se desarrollarán en capítulos

posteriores.

Este recorrido por la historia y el desarrollo del estampado con sus diferentes

técnicas, es entonces la principal herramienta que debe acompañar al

diseñador como punto de partida para su trabajo, otorgando un marco de base

para el desarrollo de nuevas ideas y aplicaciones de los estampados.

Técnicas de estampación más utilizadas para prendas de indumentaria, sus

procesos, ventajas y beneficios de cada una:

Serigrafía

El sistema de impresión por serigrafía es repetitivo, esto es, que una vez que el

primer modelo se ha logrado, la impresión puede ser repetida cientos de veces

sin perder definición. Es un tipo de estampación económico destinado a

producciones medias y elevadas ya que cada plancha tiene un coste asociado,

por lo que a más colores más costoso resulta pero es un método que se

abarata mucho para tiradas grandes.

Este sistema permite un máximo de 6 colores .La calidad de la serigrafía

garantiza la perdurabilidad de los colores la permanencia sobre el tejido por

encima de todos los otros sistemas de estampación.

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El proceso de estampación comienza cuando se proporciona el logo, gráficos o

textos que desea que sean impresos, en uno de los formatos gráficos digitales

comúnmente utilizados, a poder ser vectorizados. Luego se realiza un proceso

fotográfico. El logo se divide por colores en fotolitos. Usando una impresora, se

ha de realizar el fotolito, imprimiendo la imagen en una película o soporte

transparente.

El fotolito es usado para hacer la pantalla aplicando una sustancia foto

sensitiva sobre la superficie de una tela. La estampación se realiza mediante

una pantalla con una malla que se tensa alrededor de un marco rígido. El área

de la imagen que no se van a imprimir se enmascara creando una plantilla con

el diseño. Para realizar la estampación con la plantilla ésta se coloca sobre el

artículo a estampar. En la malla de la pantalla se coloca la tinta y con una

escobilla de goma (racleta) se presiona la tinta a través de la pantalla. La

pantalla se levanta entonces suavemente para evitar cualquier mancha. La tinta

se deja secar al aire o curado en función del producto y de la tinta utilizada. El

proceso es ideal para los colores planos sin variación de tonos.

La serigrafía no es solo un método de impresión rápido y económico, también

proporciona altos niveles de color y solidez a la luz. Ningún otro proceso de

marcaje permite la creación de tantos efectos de color en prácticamente

cualquier material. Esto es posible, gracias a que se puede utilizar una gran

variedad de pinturas de diferentes composiciones, que se pueden aplicar sobre

prácticamente cualquier tipo de soporte y grosor. Debido a lo simple del

proceso de aplicación, existe una amplia disponibilidad de tintas y colorantes,

superior al de otros procesos de estampación.

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Precio: El precio está basado en el número de colores que tiene el o los

diseños a estampar. La medida del diseño, no afecta mucho al precio, cuesta

prácticamente lo mismo tamaño bolsillo que DIN A4. La estampación sobre

prenda oscura requiere de un color adicional que hace de base incrementando

ligeramente el precio.

Uso/Materiales: Es sin duda la más versátil de todos los procesos de impresión

de artículos promocionales. Mediante esta técnica se imprimen

mayoritariamente artículos textiles con tejidos planos de algodón y poliéster,

plásticos y metales de superficie plana.

Pantallas: Para cada color que se utiliza en una impresión se necesita una

pantalla diferente. Cada pantalla puede ser reutilizada para decenas de miles

de copias. Para aplicar las pantallas sobre el producto promocional a imprimir,

existen tres tipos de prensas de impresión: cama plana, cilindro y rotativos. La

cama plana es la más comúnmente utilizada.

Este método requiere de una plancha por cada uno de los colores que

aparecen en el dibujo original. Cada color es una pantalla que se tiene que

confeccionar. Una estampación a 1 color es más económica que a 2 o más

colores. Las estampaciones sobre fondos oscuros, requieren de un color

adicional que hace de base, para que la estampación quede viva y brillante.

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Tránsfers de serigrafía o de plastisol

Es la técnica mediante la cual el grafismo se imprime por serigrafía a un

soporte de papel llamado “transfer” por sus propiedades de transferir la tinta a

otro material. Posteriormente la impresión del transfer se aplica en el artículo

mediante presión y calor.

Se define exactamente como el proceso de aplicar serigrafía en papeles que

nos sirven para transferir el diseño a las prendas .Son unas transferencias que

utilizan tintas de serigrafía de máxima resistencia y calidad y su mismo

proceso, pero en lugar de hacerlo directamente sobre el tejido, se estampa

sobre un papel siliconado. Una vez “curado” por el calor, se transfiere al tejido

con una plancha industrial mediante calor y presión. Para su aplicación es

necesario disponer de una plancha térmica de uso profesional.

Tiradas: Estos transferes son ideales para utilizarlos en tiradas medias –

grandes .Permite una impresión de hasta 6 colores planos/cuatricromía. La

calidad y la duración del producto son incluso superiores a la misma serigrafía.

Los resultados son colores vivos de tacto suave y liso con un acabado de gran

calidad.

Esta técnica se usa normalmente en textiles. En tejidos planos de algodón,

poliéster, Nylon, cuero y en lugares en que la serigrafía convencional es difícil

de imprimir. Muy útil para tiendas que desean vender su producto poco a poco,

sin tener que invertir en un total de prendas que se desconoce si tendrán salida

rápida. Se pueden almacenar sin problemas. Tiene la ventaja frente a la

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serigrafía convencional que se pueden transferir grafismos con un número

mayor de colores.

Vinilo textil de impresión y corte / Estampación con Xtransfer (Diseños a

todo color)

El vinilo es un material flexible que se fija por calor. La impresión se realiza con

plotter de impresión. El grafismo se imprime sobre un soporte plástico de doble

capa y al mismo tiempo se va cortando la capa impresa mediante control

digital. Cuando la capa impresa está cortada a la medida del logotipo se

transfiere sobre el producto mediante presión y calor.

Muy utilizado para impresión de fotografías o logos que posteriormente se

plancha con calor y que por presión adhiere la fotografía en la superficie del

producto o prenda. Una técnica cara pero que permite realizar espectaculares

estampaciones a varios colores en superficies donde la estampación en

serigrafía está limitada. Para poder ejecutar la preparación del trabajo es

necesario facilitar el diseño vectorizado (Corel, FreeHand, illustrator), ya que el

vinilo es un material que se corta mediante Plotter, lo que hace un trabajo

bastante manual, pero muy recompensado por su calidad de acabado.

Calidad: Solo se utilizan tintas eco solventes para la impresión de los vinilos.

Estas son ligeramente menos sólidas que las tintas solventes, pero mucho

menos nocivas para el medio ambiente. Lógicamente, a mayor calidad de

imagen, mayor calidad de impresión.

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Se logra calidad fotográfica. Sistema de estampación de alta calidad y muy

duradero, no se desprende ni se desgasta, no pierde sus propiedades ni

colores

Tiradas: No se necesita hacer fotolitos ni pantallas, por lo que es capaz de

hacer pequeñas tiradas a precios muy competitivos.

Precio: El presupuesto atenderá al tamaño del diseño no al número de colores.

Uso/Materiales: Se puede utilizar para la mayoría de los productos textiles.

Utilizado especialmente para estampar en algodón. Indicado para

personalizaciones de detalles amplios, a todo color, como pueden ser

fotografías, Destaca por su nivel de acabado y por su total durabilidad. Se han

de evitar los diseños reducidos, como textos pequeños, líneas muy delgadas...

No es aconsejable estampar sobre costuras. Para nylon muy fino, como puede

ser el caso de paraguas se suele utilizar un vinilo especial.

Sublimación

Sistema de impresión mediante transfer de papel en serigrafía o impresión

digital transferido con calor y presión. La sublimación es por definición un

cambio de estado físico; es decir el pasaje del estado sólido (tinta seca en el

papel) al estado gaseoso (por acción del calor de una prensa térmica) sin pasar

por el estado líquido.

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Las tintas de sublimación, tienen como característica principal, la capacidad de

realizar una unión química con ciertos materiales cuando se encuentran en

estado gaseoso.

El método de impresión de estas tintas puede realizarse mediante el proceso

tradicional de serigrafía, recomendado para medianas y grandes producciones

de gran formato que no requieran de imágenes de alta definición (ej.:

fotografías), siendo la estampación de camisetas de fútbol la aplicación clásica

de este proceso; o bien mediante el proceso de sublimación digital utilizando

impresoras o plotters adaptados para tal fin. Este sistema es indicado para

pequeñas imágenes en grandes o pequeñas producciones, o para grandes

formatos de pequeñas tiradas, o para medianos producciones de grandes

formatos que requieran alta definición.

El proceso de sublimación se completa con la utilización de un termo

estampadora, que mediante la aplicación de presión y temperatura realiza el

proceso de sublimación propiamente dicho.

Vale la pena destacar el concepto de unión química frente a otros procesos de

transfer en los que el proceso de transferencia se realiza mediante la acción de

algún termo adhesivo. En estos últimos la durabilidad está sujeto a la calidad

de este adhesivo mientras que en la sublimación, la imagen transferida ya

“forma parte de la materia”, el tacto es el de la prenda.

Existen 3 variables principales en todo proceso de transferencia: Presión,

tiempo y temperatura. El valor adecuado de cada una de ellas depende del tipo

de transfer y del material sobre el cual se realiza la transferencia

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Calidad: La durabilidad de este método de estampación es de por vida, antes

se estropea la prenda que la estampación ya que la tinta entra gasificada entre

los hilos, penetrando completamente. Consiguiendo que imágenes en alta

resolución aparezcan brillantes y ricas en color. Se obtienen resultados

asombrosos sin tacto y sin problemas a los lavados y con una gran potencia

de colores vivos

Tiradas: Tiradas pequeñas desde 1 unidad.

Precio: Usando la tecnología de la sublimación ya no hay costos de puesta en

marcha, no hay costos de pantalla, no hay costos de fotolitos obteniendo un

resultado final de gran calidad. El número de colores no influye en el

presupuesto y el tamaño influye ligeramente.

Uso/Materiales: Ideal para fotos en prendas blancas. Solo se puede transferir

en materiales con un alto porcentaje de poliéster. La personalización del nylon,

poliéster, colores vivos y durabilidad de por vida. Solo en tejidos claros. Cuando

hablamos de ciertos materiales nos referimos a los tejidos sintéticos tales como

poliéster, lycra, poliamida, acetato, raso, etc. Esto se explica porque no todos

los materiales son sublimables, sino solo aquellos que lo son por su

composición química, o que han sido previamente tratados para ser

sublimados. Lo ideal para estampar sobre acrílico. También se puede estampar

sobre algodones de fondo claro, aplicando previamente una capa que acepte la

sublimación. Sin embargo, si tenemos que usar colores directos con pantone o

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la superficie no es blanca, es mejor usar la tecnología convencional.

Básicamente los artículos que pueden sublimarse deben de ser blancos y tener

una superficie con un tratamiento especial de polyester.

ECO TINTAS Y ECO PAPELES

Los avances para reducir los efectos del calentamiento global no conocen

límites. Y una de las últimas tendencias en cuanto a conservación se refiere,

está íntimamente ligada al uso de tintas ecológicas.

La industria gráfica ha puesto su mirada en las innovaciones referentes al

cuidado de la naturaleza con mucho interés.

Pero, ¿qué diferencia a las tinas ecológicas de las normales? Las tintas

consideradas ecológicas están elaboradas en base a materias primas

renovables y de origen orgánico. Y cuentan con la cantidad mínima posible de

compuestos orgánicos volátiles (COV). En este sentido, muchas tintas pueden

considerarse ecológicas: acuosas, de base agua, de secado por energía, de

secado por radiación ultravioleta (UV) y las procedentes de pastas.

El papel de la tinta ha adquirido cada vez más valor entre los fabricantes de

envasado y las empresas fabricantes, para poder hacer frente a los temas y los

problemas de reciclado.

Algunas marcas, como HP o Bio ink, ya han lanzado al mercado productos con

estas características. Un ejemplo es la BIO 511, completamente libre de Metil

Etil Cetona. Esta tinta se desarrolló con disolventes de derivación

exclusivamente vegetal, y no libera ningún componente orgánico volátil nocivo

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en el entorno de trabajo. HP, en cambio, lanzó las impresoras L26500 y

L28500, que funcionan con tintas a base de látex y agua para lograr que la

impresión perdure sin ocasionar daños al medio ambiente ni a la salud.

Lo que hizo la empresa fue utilizar en las tintas el látex, un polímero que junto

con el agua permite que la tinta se pegue al papel y la impresión sea exitosa,

sin solventes. Como las tintas son a base de agua, no son inflamables ni

combustibles, y tampoco requieren de un equipo de ventilación especial, ni de

un secador externo para tener una operación segura, lo que además reduce el

consumo de energía.