José Luis Bermúdez Artistas en Fucina

PRECIO Y APRECIO DEL ARTE ACTUAL …otra mirada hacia el mercado

le papier des arts

Le papier des arts /Boletín de Fucina Des Artistas Año I . No.5 agosto – septiembre 2015

A casi un año de inaugurado el estudio Fucina Des Artistas, y en un empeño por mejorar y enriquecer todo lo que hacemos, le Papier des Arts se modifica en función de un superior y más global desempeño. De esta manera, los análisis y publicaciones de textos referidos al complejo mundo del Mercado del Arte, siempre sumidos en una bruma de seriedad y trascendentalismo, serán refrescados con la visión que tienen, desde el humor, a través de la mirad de grandes creadores cubanos del medio gráfico. Como mismo nos centramos en el estudio y acercamiento a estos fenómenos, también nos interesa la desmitificación y ruptura de los tabúes que los envuelven. Humor&Arte, nuestra nueva sección, propone entonces revelar diferentes aspectos del mundo de las artes visuales. Para ello contaremos con la colaboración de Abel Molina Macías. Las caricaturas e historietas incluidas estarán relacionadas con la creación y recepción de la obra de arte por críticos y público en general; la misión social del arte y el artista; las preferencias estéticas y de consumo cultural, entre otros temas. Sirva como homenaje a los humoristas gráficos cubanos y reconocimiento perenne a su importante labor. En este número continuaremos con el texto que se acerca de manera crítica al afamado y controversial “El tiburón de los 12 millones” y, debido a la extensión de este, así como otros trabajos que irán apareciendo en nuestras páginas, ofreceremos a los lectores referencias exactas donde pueden localizarlo y consultarlo íntegramente. Por otra parte continuaremos otorgándole espacio al reciente quehacer de nuestro estudio, entre lo que destacamos la inauguración de “Cinta Negra”, muestra colectiva de grabado cubano, que se encontrará en nuestras salas hasta inicios de noviembre.

Editorial

El tiburón no es como lo pintan II

Leonardo Salgado Cardó Creador y Director

STAFF

Leonardo Salgado Director

Lisandra Díaz Padrón Gestora

Javier Yhanes Abogado

Guido Corbellini Asesor financiero

Fucina Des Artistas Ave. 23 No. 1159 e/ 10 y 12

Vedado, Plaza de la Revolución

La Habana, Cuba

CP: 10 400

Mov: 005353301298

Tel: 005378352031

fucinadesartistas@gmail.com

www.fucinadesartistas.com

En portada:

Obra de

José Luis Bermúdez

S/T

Óleo/lienzo

2015

Diseño y Edición Lisandra Díaz Padrón

Textos Montalván Estudio

Lisandra Díaz Padrón

Fotografía Andy Llanes

Susana García

Artistas en Fucina:

José Luis Bermúdez

Precio y aprecio del arte

actual (II)

Cinta Negra

Expo de grabado

Humor&Arte

…la nueva sección

Andy Llanes: el regreso a Fu

José Luis Bermúdez

«…el instinto de preservación nos exige alterar nuestro

metabolismo y esperar por tiempos mejores…»

Este joven artista visual ocupa actualmente uno de nuestros talleres. Junto a Andy Llanes se inserta en la dinámica del espacio, haciendo gran

énfasis en Hibernar, serie en desarrollo que alude al sentido de conservación y preservación como actitud natural frente a los tiempos de crisis.

San Antonio de los Baños, 1987. Graduado del Instituto Superior de

Arte (ISA), La Habana (2012).

Muestras personales suyas han sido acogidas en la Academia Provincial de Artes Plásticas Eduardo Abela, en San Antonio de los Baños. En 2014 llega al espacio Fucina Des Artistas con una propuesta de retratos. De 2007 a

2012 tuvo participación en muestras colectivas, especialmente en el

Instituto Superior de Arte y otros escenarios como el Centro de

Desarrollo de las Artes Visuales. Su obra también ha sido expuesta en el

marco de la 10ma, 11na y 12ma Bienal de La Habana.

Fue merecedor del primer premio en

el 2do Salón De Mayo, a nivel provincial, celebrado en la Academia Provincial de Artes Plásticas Eduardo

Abela, San Antonio de los Baños.

Morón, 1989

Graduado de la Academia Provincial de Artes Plásticas de

Morón, Ciego de Ávila.

Acumula más de diez exposiciones personales y una

veintena de proyectos colectivos, dentro de su

provincia natal y fuera de ella. Participó en la Expo venta de Arte Contemporáneo POST-IT en su segunda edición, y este mismo año exhibió en Madrid “Encuadres”, su más reciente

proyecto individual.

Ha sido galardonado en distintos eventos de artes

plásticas, especialmente en salones de paisaje.

Precio y aprecio del arte

actual*

II parte

Por Elena Vozmediano

Mientras que Thompson ha ido preguntando aquí y allá, y recoge a menudo informaciones que sus informadores han oído de otros dándoles crédito sin más comprobaciones, el autor de otro libro sobre el mercado del arte basado en entrevistas, Talking Prices. Symbolic Meaning of Prices on the Market for Contemporary Art (Princeton, Princeton University Press, 2005), Olav Velthuis, es más metódico y utiliza un cuestionario, así como herramientas estadísticas. Thompson no da ni una sola referencia bibliográfica y resume al final las pocas fuentes utilizadas; Velthuis conoce al dedillo la bibliografía sobre la economía del arte y la utiliza profusamente en su estudio.

Olav Velthuis, sociólogo, se basa en datos empíricos recogidos en Ámsterdam y Nueva York, así como en corrientes recientes de la sociología y posturas heterodoxas en las ciencias económicas que defienden el papel constructivo de la cultura en la vida económica. Su argumento es que los mercados son siempre constelaciones culturales en las que se produce una interacción ritualizada que implica una gran variedad de valores simbólicos.

Los precios son también entidades culturales y producen significado: son, antropológicamente hablando, una forma de «sacrificio», contribuyen a construir el valor del arte en un contexto de incertidumbre y subjetividad, garantizan la preservación del patrimonio artístico para las generaciones futuras y ofrecen al artista una compensación emocional. Velthuis identifica lo que en su opinión son peculiaridades del mercado del arte, como la existencia de precios fijos, el hecho de que el mercado primario no se ajuste a los precios del secundario y no sea «democrático», la casi imposibilidad de bajar los precios de acuerdo con la demanda, la existencia de «motivos correctos» para comprar obras de arte, los esfuerzos para que éstas no circulen una vez que han salido de la galería, el famoso efecto Veblen –el gusto de la clase ociosa se basa en un criterio pecuniario– o los llamados scripts que los galeristas utilizan para fijar los precios.

Hay momentos en que queda diáfanamente claro que no toma en consideración las características, las necesidades, el funcionamiento del sistema del arte y que tampoco contempla la importancia de la creación y la conservación del patrimonio artístico: rechaza la conveniencia de ofrecer ayudas a los artistas; niega que los diferentes agentes del arte puedan decidir a quiénes se subvenciona con el peregrino argumento de que «son sospechosos de estar predispuestos hacia lo tradicional, pues su ámbito de competencia se vería disminuido si surgiera una nueva forma de arte»; dice que las obras que los museos no exponen deberían ponerse a la venta o, al menos, alquilarse.

Damien Hirst, catalogado como máximo campeón de las subastas

Frente a este acercamiento plural y atento a las complejidades, Thompson se hace eco, de forma simplista, de los procedimientos y las actitudes que describe Adam Lindemann en Coleccionar arte contemporáneo (Colonia, Taschen, 2006): las listas de espera, las manipulaciones varias o las exigencias de los galeristas, como si lo que ocurre en contadas galerías de Nueva York y Londres fuera la norma. Lo que refiere sobre las prácticas de las casas de subastas es interesante pero, dada su tendencia a dar por bueno todo lo que le cuentan, hay que tomárselo con reservas.

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La verdad es que es difícil conocer con certeza las cifras del mercado del arte. La mayoría de los estudios se basan en los datos que hacen públicos las salas de subastas, pero éstas sólo constituyen una proporción del mercado: algunos cifran ese porcentaje en el 50% y otros dicen que el mercado primario dobla al secundario. Si lo que medimos son los importes, sí es posible que ambas esferas estén equilibradas, pero si nos guiamos por el número de transacciones me parece que el primario debe incluso triplicar al secundario. Me refiero siempre a ventas de arte contemporáneo. Para hacerse mejor una idea, resumo a continuación los resultados de las últimas subastas nocturnas –las que reúnen las obras más deseadas y tienen mayor repercusión social– de Christie’s.

Las subastas diurnas, más cercanas a los niveles de precios del mercado primario, incluyen mayor número de lotes y menos cifras mareantes. En marzo de 2010 se realizó la subasta «First Open» de arte de posguerra y contemporáneo en Nueva York, con 145 lotes: sólo ocho por encima de los cien mil euros y cincuenta y nueve por debajo de los quince mil. En diciembre de 2009 se subastaron en Ámsterdam 158 lotes, sólo tres por más de cien mil euros y 121 por debajo de quince mil. Con pocos días de diferencia, en París se adjudicaron 113 obras, pero sólo diez pasaron de los cien mil euros –ninguna llegó al millón–, mientras que sesenta y dos se vendieron por debajo de los quince mil. Francia figura todavía entre los mercados importantes y, sin embargo, las cifras son relativamente modestas.

Articulo tomado de: Revista de Libros, nº 162, junio de 2010 Imagen tomada de: www.losandes.com.ar

Aun sabiendo que 2009 fue un año muy malo para las casas de subastas, que sufrieron un recorte de dos tercios en sus resultados, sorprende el reducido número de lotes que se rematan en esas veladas. Uno de los mercados más potentes es ahora Londres: la venta nocturna de arte de posguerra y contemporáneo celebrada en febrero de 2010 subastó cuarenta y seis lotes, de los que trece superaron el millón de euros. También Hong Kong; en noviembre de 2009 se subastaron sólo treinta y dos lotes, pero siete de ellos pasaron del millón de dólares. En Nueva York, la venta nocturna de arte de posguerra y contemporáneo de ese mismo mes se redujo a treinta y nueve lotes; diecinueve de ellos por encima del millón de euros.

El número de obras vendidas en una sola feria de arte de nivel medio-alto, de las muchas que se celebran en el mundo, supera con creces el número de lotes de una de las subastas más destacadas, y las más fuertes (Art Basel, Frieze Art Fair) pueden igualar sin problema el importe de lo vendido en las subastas nocturnas.

Los artistas convocados a Cinta Negra, permiten diagramar múltiples posibilidades del grabado como manifestación artística. Formados tanto en el Taller Experimental de Gráfica de La Habana, como en el Instituto

Superior de Arte, estos 10 creadores trabajan con diferentes conceptos y modos de hacer. Ellos son conocedores de las técnicas del grabado, y de sus complejos y variados procedimientos, en los que han

alcanzado apreciables niveles de dominio y reconocimiento.

Curada por Montalván Estudio, a solicitud de Fucina Des Artistas, la exposición apuesta por la tradicional estampa de mediano formato, que concebidas desde depuradas técnicas, remiten a diversos temas, tanto

desde el ámbito metafórico como desde el propio lenguaje artístico.

Una colaboración entre Fucina y Montalván Estudio

Las piezas en xilografía exhiben la personalidad plástica bien definida de cada artista en el trabajo sobre la madera: la gubia en cada caso dibuja líneas diferentes, a veces más precisas y abigarradas como las de Julio César Peña y Osmeivy Ortega, otras más geométricas y calculadas como las de Dairán Fernández, algunas más sueltas como las de Alejandro Sainz, o en libertad abstracta como las de Yillian Marie Torres, realizadas a taco perdido.

En Cinta Negra la calcografía, una de las técnicas más versátiles, tiene como exponentes un retrato impecablemente literal en la cuidada mezzotinta de Eduardo Leyva. Orlando Montalván y Daniel Rodríguez apuestan por la punta seca: el primero sobre metal, concentrado en un ícono, y el segundo sobre acrílico, en una búsqueda abstracta.

La más joven y experimental de las llamadas técnicas tradicionales es la colagrafía, la cual tanto Yeny Ferro como Octavio Irving utilizan de manera diametralmente opuesto: la primera superponiendo materiales diversos en una figuración humana sugerente; el segundo deconstruyendo una forma a través de capaz de pasta.

En el imaginario colectivo el artista es una persona dotada de habilidades especiales para realizar una actividad, así como cinta negra es una calificación como maestro. Sin embargo, en las artes marciales, esta categoría, que es un logro muy importante, no significa que se hayan completado todas las habilidades en esta especialidad. Una vez que se obtenga ese rango, existen todavía 10 niveles que se deben cumplir.

Texto: Montalván Estudio

La obtención de dicho grado es también símbolo de habilidad y madurez, en la que el practicante sabe aceptar y ejercer la responsabilidad para con la sociedad en que vive. Es justamente sobre esta provocación a la que se remite Cinta Negra en Fucina Des artistas.

Humor&Arte

Firma: Ajubel (Morales

Ajubel,Alberto,1956-) www.ajubel.com

Publicado en: dedeté (La Habana), número 58, 1ª quincena junio, 1987, página 5.