LOS 40 LOS 40 PRINCIPALESPRINCIPALES

LOS 40 LOS 40 PRINCIPALESPRINCIPALES

1º GRADO EN EDUCACIÓN PRIMARIA. 1º GRADO EN EDUCACIÓN PRIMARIA. TURNO T5TURNO T5

DIDÁCTICA DE LA CREACCIÓN DIDÁCTICA DE LA CREACCIÓN PLÁSTICA Y VISUAL EN E.P.PLÁSTICA Y VISUAL EN E.P.

ALBERTO HERNÁNDEZ ALBERTO HERNÁNDEZ SÁNCHEZSÁNCHEZ

20 PINTORES…20 PINTORES…

Claude-Oscar Monet

NACIMIENTO:14 de noviembre de 1840 (París, Francia)

FALLECIMIENTO:5 de diciembre de 1926 (86 años)Giverny,  Francia

NACIONALIDAD:Francesa

Conocido como Oscar Claude Monet y Claude Oscar Monet, pintor francés a quien a partir de la mitad de su carrera artística se le adjudica el estilo impresionista. Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de un estilo realista, logrando exponer algunas de ellas en el Salón de París.

Monet Observó que sólo la luz tiene la fuerza necesaria para unir figuras y paisajes. Su primer objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y directa. Para ello se centraba en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos. Practicó el pleinerismo, es decir la práctica de la pintura al plein-air (en francés: 'aire pleno, total': AIRE LIBRE).

Su carrera fue impulsada por el mercader de arte Paul Durand-Ruel, pero a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de 1890. En esta época, Monet desarrolló el concepto de la "serie" en las que un motivo es pintado con distintos grados de iluminación. Al mismo tiempo comenzó a plantar su famoso jardín en Giverny que luego utilizó como motivo para sus pinturas.

Museo: Museo Marmottan de París

Características: 47 x 64 cm. Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Impresionismo

Impresión, sol naciente

Impresión, sol naciente

Fechado en 1872, aunque pintado más probablemente en 1873, su motivo es el puerto de Le Havre en Francia, usando muy pocos toques de pincel que sugieren en vez de delinear. La imagen fue tomada directamente del natural por Monet en Le Havre, representando las neblinas del puerto al amanecer mientras que el sol "lucha" por despuntar, creando magníficos reflejos anaranjados en el mar y en el cielo. La sensación atmosférica domina una escena en donde las formas desaparecen casi por completo. Los colores han sido aplicados con pinceladas rápidas y empastadas, apreciándose la dirección del pincel a simple vista, resultando una imagen de enorme atractivo tanto por su significado como por su estética.

Museo: Museo Nacional de Arte Occidental de Tokio Características: 200 x 200 cm. Material: Oleo sobre lienzoEstilo: Impresionismo

Los nenúfares

Los nenúfares

 

Los nenúfares es un ciclo de pinturas al óleo que ejecutó el pintor francés Claude Monet al final de su vida, 1920-1926, sobre amplios paneles, como el de la ilustración. Actualmente se exhiben en el Museo de la Orangerie de las Tullerías, en París, Francia.La disposición de los nenúfares en el agua y los reflejos de los sauces son los únicos motivos interesantes para el artista, en un proceso de desaparición de la forma que es eliminada casi por completo. Las pinceladas son cada vez más sueltas, trabajando con manchas de tonalidades oscuras que se animan con los colores de las ninfeas

Autor: Claude Oscar Monet Fecha: 1866

Mujeres en el jardín

Mujeres en el Jardín

Claude pintó la obra en el jardín de su casa, tomando la escena directamente, al aire libre, renunciando a trabajar cuando no había suficiente iluminación solar. Las figuras son de tamaño natural, siendo Camille (la compañera del pintor la protagonista de la imagen al posar para varias de las mujeres).

Esta composición es una de las más novedosas al incorporar importantes elementos que configuran la teoría impresionista de la luz y el color: contrastes de color; las sombras son de color tomando el malva como se aprecia claramente en la mujer que coge las flores; las pinceladas son cortas y rítmicas, aplicando los tonos con manchas; los colores están mezclados con blanco para aclararlos. En definitiva, esta imagen puede considerarse como una de las características de la pintura impresionista. Sin embargo, cuando fue presentado al Salón de 1867 fue rechazado, confirmándose que las instituciones no estaban a favor de esta pintura revolucionaria.

Joseph Mallord William Turner

Nacimiento:23 Abril de 1775 en Londres, Reino Unido.

Fallecimiento:19 Diciembre de 1851 (76 años.)en Chelsea, Reino Unido.

Nacionalidad:Británico

Fue considerado una figura controvertida en su tiempo, pero hoy en día es visto como el artista que elevó el arte de paisajes a la altura de la pintura de historia.

Es renombrado por sus pinturas al óleo, Turner también es uno de los grandes maestros de la pintura paisajista británica en acuarela.

Es considerado comúnmente como "el pintor de la luz" y su trabajo es considerado como un prefacio romántico al impresionismo.

El temerario, remolcado a dique seco

El temerario, remolcado a dique secoSe trata de un óleo sobre tela que mide 91 centímetros de alto por 122 centímetros de ancho. Actualmente se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido).

La pintura representa una escena de la que el propio Turner fue testigo en 1838: el destino final del HMS Temeraire, en el momento en el que fue remolcado desde la base de la flota, Sheerness, en la desembocadura del Támesis, hasta su destino final: el desguace.

Es una obra crepuscular, fascinantemente romántica y repleta de significado. Bajo la superficie se encuentra una nostálgica reflexión sobre el fin del buque, de como los días de gloria ya han pasado y el que fuera uno de los mayores símbolos del poder de la Marina Real Británica , navega rumbo a su muerte: los astilleros de la flota, donde será desarmado. El ocaso del sol coincidiendo con el ocaso del navío... El cuadro también sugiere una reflexión sobre la suplantación de la vejez por la juventud así como el enfrentamiento de valores entre la modernidad de la máquina de vapor (rápida, técnica, eficaz... pero sin gloria) y la tradición ya pasada de la navegación a vela (grande, gloriosa, hermosa, noble), que representada en el cuadro por el Temeraire se ve humillantemente halada por la máquina de vapor que la lleva a la muerte.

Este cuadro era uno de los preferidos de Turner. Ha sido interpretado también como una reflexión del pintor sobre su propia vejez.

Lluvia, vapor y velocidad. El gran ferrocarril del Oeste

Lluvia, vapor y velocidad. El gran ferrocarril del Oeste

Se trata de un óleo sobre tela que mide 91 centímetros de alto por 121,8 centímetros de ancho. Actualmente se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido).

Esta pintura fue exhibida por vez primera en la Royal Academy en 1844.La fecha es significativa porque los ferrocarriles eran aún algo nuevo.

Turner admiraba la técnica moderna y por ello pinta la locomotora más moderna de su género y el entonces vanguardista puente de Maidenhead. El tren es usado como recurso para representar un objecto a gran velocidad, para desmaterializar la forma.Turner realizó apuntes del natural y luego creó el cuadro en su taller.Pinta a un tren que corre a lo largo de las vías. El paisaje está definido muy vagamente.Recurre a una luz muy intensa que transmite más la emoción que la realidad objetiva. Así logra crear la atmósfera que pretende, más que ofrecer una representación verídica. A través de empastes se logra reflejar el humo del ferrocarril y el aire mismo.Los elementos sólidos (el tren, el puente) apenas están insinuados, desaparecen en la atmósfera neblinosa e irreal del cuadro. Se difuminan y mezclan la neblina que exhala el agua, la lluvia que pone un velo ante el cielo y el vapor de la locomotora.

Con su particular técnica obtiene una textura inconfundible, efectos lumínicos cambiantes. Aplicaba los colores rascándolos hasta extraer esquemáticamente del fondo las formas figurativas.

Pierre Auguste Renoir

NACIMIENTO:25 de febrero de 1841 (78 años)

  Francia, Haute-Vienne, Limoges

FALLECIMIENTO:3 de diciembre de 1919Francia, Giverny

NACIONALIDAD:Francés

Perteneció a la escuela impresionista, pero se separó de ella rápidamente por su interés por la pintura de cuerpos femeninos sobre los paisajes.

El impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del siglo XIX, en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino.

El objetivo impresionista era conseguir una representación del mundo espontánea y directa, en pinturas creadas directamente "in situ", no elaboradas en el taller tal y como se estilaba hasta entonces. Para abreviar la ejecución, se recurre a una pincelada rápida y suelta, y a formatos manejables frente a los formatos monumentales típicos de la pintura académica. Ofrece una interpretación más sensual del impresionismo, más inclinada a lo ornamental y a la belleza.

En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores. Siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Trató temas de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino. En cuanto a su estilo y técnica se nota en él un fuerte influjo de Corot.

Renoir posee una vibrante y luminosa paleta que hace de él un impresionista muy especial. "El palco", "El columpio", "El Moulin de la Galette", "Le dèjeuner des canotiers", "Bañistas", son sus obras más representativas

Autor: Pierre Auguste Renoir Fecha: 1876 Museo: Museo de OrsayCaracterísticas: 131 x 175 cm. Material: Óleo sobre lienzoEstilo: Impresionismo

Le Moulin de la Galette

Le Moulin de la GaletteRepresenta a las diferentes figuras en un espacio ensombrecido con toques de luz, recurriendo a las tonalidades malvas para las sombras. En las mesas se sientan los pintores Lamy, Goeneutte y Georges Rivière junto a las hermanas Estelle y Jeanne y otras jóvenes del barrio de Montmartre. En el centro de la escena bailan Pedro Vidal, pintor cubano, junto a su amiga Margot; al fondo están los también pintores Cordey, Lestringuez, Gervex y Lhote. El efecto de multitud ha sido perfectamente logrado, recurriendo Renoir a dos perspectivas para la escena: el grupo del primer plano ha sido captado desde arriba mientras que las figuras que bailan al fondo se ven en una perspectiva frontal. Esta mezcla de perspectivas era muy del gusto de Degas, empleándola también otros artistas. La composición se organiza a través de una diagonal y en diferentes planos paralelos que se alejan, elementos clásicos que no olvida el pintor. Las figuras están ordenadas en dos círculos: el más compacto alrededor de la mesa y otro más abierto en torno a la pareja de bailarines. La sensación de ambiente se logra al difuminar las figuras, creando un efecto de aire alrededor de los personajes

Autor : Pierre Auguste Renoir Fecha: 1876-77 Museo: Museo de OrsayCaracterísticas: 46 x 38 cm. Material: Óleo sobre lienzoEstilo: Impresionismo

Madame Charpentier

Madame CharpentierEl estilo empleado por Renoir enlaza directamente con el impresionismo, al utilizar una pincelada rápida y empastada que no atiende a detalles, mientras que en el rostro podemos observar la calidad como dibujante del maestro. A pesar del estilo suelto y vaporoso, Renoir no renuncia a captar la psicología de su modelo a través del gesto y de la mirada de la dama, destilando fuerza y personalidad, sin renunciar a la elegancia

Autor: Pierre Auguste RenoirFecha: 1877 Museo: Museo Pushkin (Moscú)Características: 56 x 47 cm. Material: Óleo sobre lienzoEstilo: Impresionismo

Jeanne Samary

Jeanne SamaryLos críticos consideran este retrato como el más impresionista de Renoir. La modelo es la actriz de la "Comédie Française" Jeanne Samary a la que el pintor conoció en casa de su mecenas, el editor Georges Charpentier un año antes de realizar la obra. La joven posa con un escotado vestido azul adornado con rosas en la zona derecha. Apoya su bello rostro en la mano izquierda, adornada con un anillo dorado y una pulsera. Su mirada se dirige atentamente al espectador, destacando sus ojos claros y los labios pintados de "rouge". El fondo sobre el que se recorta la figura está obtenido con rápidos trazos, al igual que el vestido o el busto de la joven, apreciándose la base dibujística que tanto entusiasmaba al pintor.

Joaquín Sorolla y Bastida.

NACIMIENTO:27 de febrero de 1863 en Valencia. FALLECIMIENTO:10 de Agosto de 1923en Cercedilla

NACIONALIDAD:Española

Joaquín Sorolla y Bastida, fue un pintor y artista gráfico español impresionista. Fue uno de los pintores españoles más prolíficos, con más de 2.200 obras catalogadasPintor español. Formado en su ciudad natal con el escultor Capuz, estudió posteriormente las obras del Museo del Prado y, gracias a una baca, pudo residir y estudiar en Roma de 1884 a 1889. En esta época se dedico sobre todo a cuadros de temática histórica, que no ofrecen demasiado interés.Su vida se puede dividir en 4 etapas:- Etapa de formación (1863 – 1888): Marina, 1880.- Etapa de consolación (1889 – 1899): Madre, 1895.- Etapa de culminación (1900 – 1910): Saltando a la comba, 1907.- Últimos años (1911 – 1920): Retrato de la señora Pérez de Ayala, 1920.

Marina

Marina

Etapa de formación: firmado en 1880, en los inicios de su carrera artística. No ha terminado todavía su formación académica y Sorolla se muestra como pintor realista.

Madre 1899.

Madre

Etapa de consolación (1889 – 1899): La tela conmemora el nacimiento de su hija menor Elena, que nace en el mes de junio de 1895 en Valencia. Sobre un escenario sucinto a base de grises sitúa los rostros de su mujer, azulada por el esfuerzo del parto, y de su hija, rojizo por la misma razón.

Saltando a la comba

Etapa de culminación (1900 – 1910): El verano de 1907 transcurre para Sorolla en la Granja de San Ildefonso. Allí descubre los jardines del Real sitio y se entusiasma con sus rincones, en los que suele introducir figuras, en este caso su hija Elena jugando con una comba.

Saltando a la comba

Retrato de la señora de Pérez de Ayala

Últimos años (1911 – 1920): Pintando este retrato en el jardín de su casa, Sorolla sufre un ataque de hemiplejia que le deja invalido para los pinceles. Ocurrió el 17 de junio de 1920. Por ello la obra esta sin concluir, ya que el artista no puede volver a pintar. El marido de esta señora, Ramón Pérez de

Ayala, nos ha dejado testimonio escrito de este hecho.

Retrato de la señora de Pérez de Ayala

George Seurat

NACIMIENTO:2 Diciembre de 1859 en París

FALLECIMIENTO: 29 Marzo de 1891 (32 años)

NACIONALIDAD:Francesa.

Georges Pierre Seurat Seurat fue un pintor francés y el fundador del Neoimpresionismo. Su trabajo Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte es uno de los íconos de la pintura del siglo XIX. Seurat murió de difteria a la temprana edad de 31 años, y fue incinerado en el cementerio de Père Lachaise. Su muerte evitó que completara sus investigaciones en el puntillismo, el divisionismo y en la física de los colores. Fue el fundador de la teoría del divisionismo, para la cual aprovechó los postulados impresionistas, depurándolos y extremando el rigor científico.

 Autor: Georges Seurat  Fecha:1883-84  Museo: National Gallery de Londres Características: 201 x 300 cm.  Material: Oleo sobre lienzo

Un baño en Courbevoie

Este pintor francés inauguró una Escuela que combinaba la libertad y las innovaciones impresionistas con el cientifismo positivista de fines del XIX. Esta escuela se denominó puntillismo. La innovación consistía en utilizar la pincelada suelta y descompuesta en colores primarios, que ya habían establecido los impresionistas, para realizarla con exactitud matemática y rigurosa en puntitos de color básicos, cuyo efecto se combinaría equilibradamente en la retina del espectador. Esta ordenación tan estricta de la pincelada requirió unos contornos precisos, unas figuras estáticas y unas escenas compositivamente sólidas, sobre una base geométrica estable. El efecto fue de lo más heterodoxo, puesto que el aspecto era pálido y academicista, como pudiera serlo la pintura de Puvis de Chavannes; sin embargo, Seurat estaba utilizando los más revolucionarios métodos pictóricos al mismo tiempo. Ese cuadro fue uno de los primeros en experimentar a fondo con los avances del cromo-luminismo; como su nombre indica, esta técnica pretende resolver a través del color el problema de la luz en el cuadro, que a través del punteado minucioso destacaría con un brillo propio. El lienzo se realizó dentro de taller y no al natural, como pintaban los impresionistas. Sin embargo, el tema (unos domingueros bañándose en los alrededores de París) necesitaba ser tratado al natural.

Un baño en Courbevoie

 Autor: Georges Seurat Fecha: 1884-86  Museo: Chicago Art Institute  Características: 202 x 300 cm.  Material: Oleo sobre lienzo  Estilo: Neo-Impresionismo

Sábado por la tarde en la isla del Grande Jatte

Sábado por la tarde en la isla del Grande Jatte

Seurat nos muestra en este lienzo una típica tarde de Domingo en el Grande Jatte, un lugar muy frecuentado en una isla del río Sena al noroeste de París. Este cuadro constituye una de las más claras muestras del estilo puntillista del autor.

 Autor: Georges Seurat Fecha: 1889-90  Museo: Courtauld Gallery  Características: 95,5 x 79,5 cm.  Material: Oleo sobre lienzo  Estilo: Neo-Impresionismo

 Una mujer empolvándose

Vincent Willem Van Gogh

NACIMIENTO:

30 Marzo de 1853 Zundert, Países Bajos

FALLECIMIENTO:

29 Julio de 1890 (37 años) Auvers-sur-Oise, Francia

NACIONALIDAD:

Paises Bajos

Pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del posimpresionismo.

Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y 1.600 dibujos. La figura central en su vida fue su hermano menor Theo, quien continua y

desinteresadamente le prestó apoyo financiero.

La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte considerándose uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y los fauvistas como Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen.

Por medio de numerosas reproducciones muchas de sus obras son muy conocidas y se encuentran profundamente enraizadas en la consciencia artística general y mantienen su actualidad en todo el mundo

 Autor:Vincent Van Gogh  Fecha:1885  Museo: Museo Nacional Van Gogh Características: 82 x 114 cm.  Material: Oleo sobre lienzo Estilo: Neo-Impresionismo

Comedores de patatas

Los comedores de patatas

Los comedores de patatas, es considerada la obra cumbre del pintor en esta época. Como pintor realista, hablaba de la miseria y la desesperanza que retrató en la gente humilde. Opinaba que los agricultores debían ser pintados con sus características en bruto, sin adornos.

Época: Finde Siglo 2Inicio: Año 1875Fin: Año 1890Antecedente: El Postimpresionismo

El dormitoriodeVan Gogh en Arles (1888)

El dormitorio de Van Gogh en Arles (1888)

El dormitorio en Arles es el título que reciben tres cuadros similares, obra del pintor del siglo XIX holandés postimpresionista Vincent van Gogh. El título que Van Gogh le dio a esta composición fue simple: El

dormitorio (en francés: La Chambre à coucher).

Hay tres versiones auténticas descritas en sus cartas, que se distinguen con facilidad entre ellas por los cuadros que hay a la derecha de la pintura.

El cuadro representa el dormitorio de Van Gogh en el número 2 de la Place Lamartine en Arlés, Bocas del Ródano, Francia, conocida como su Casa Amarilla.

 Autor: Vincent Van Gogh Fecha:1888  Museo: Bayerisches Nationalmuseum (Munich) Características: 91 x 72 cm.  Material: Oleo sobre lienzo Estilo: Neo-Impresionismo

Doce girasoles en un jarrón

Doce girasoles en un jarrón(Agosto 1888)

Este jarrón de girasoles que contemplamos junto a Catorce girasoles y otros lienzos fueron realizados por Van Gogh para la decoración de la casa

amarilla en Arles.

El color está aplicado con pinceladas fuertes, agresivas, en pequeños toques salteados, destacando la plasticidad de la pintura, que crea un fino relieve en la tela, para dar volumen a los girasoles.

En esta pintura, buscaba el espíritu del simbolismo. La meticulosidad de las flores contrasta con la caótica situación de las hojas así como la

pastosa aplicación del color que, delante del fondo azul claro, consigue que el cuadro tenga un significado que va más allá que la simple reproducción de las flores.

Leonardo di ser Piero da Vinci

FECHA NACIMIENTO:15 de abril de 1452 Anchiano, Toscana, República de Florencia

FALLECIMIENTO:2 de mayo de 1519 (67 años) Castillo de Clos-Lucé, Turena, Francia

NACIONALIDAD:República de Florencia

Pintor florentino y polímata (artista, científico, ingeniero, inventor, anatomista, escultor, arquitecto, urbanista, botánico, músico, poeta, filósofo y escritor)

Fue arquetipo y símbolo del hombre en el renacimiento, genio universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita sólo puede ser equiparable a su capacidad inventiva, es considerado uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido.

Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, La Gioconda y La Última Cena, copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibujo del Hombre de Vitruvio.

Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló ideas muy adelantadas a su tiempo, tales como el helicóptero, el carro de combate, el submarino y el automóvil. Muy pocos de sus proyectos llegaron a construirse (entre ellos la máquina para medir el límite elástico de un cable)[ ]puesto que la mayoría no eran realizables aún en esa época.

Como científico, Leonardo da Vinci hizo progresar mucho el conocimiento en las áreas de anatomía, la ingeniería civil, la óptica y la hidrodinámica.

 Autor: Leonardo da Vinci Fecha:1495-97  Museo: Iglesia de Santa Maria delle Grazie de Milán Características:480 x 880 cm.  Material: Fresco Estilo: Renacimiento Italiano

La Ultima Cena

La Última Cena

La composición de Leonardo ha resultado crucial. Su éxito se basa en la fuerza psicológica de la escena. Contra lo habitual hasta el momento, el pintor no centra la escena en el momento de la consagración del pan, la institución de la Eucaristía, sino en el momento en el que Cristo denuncia la traición de uno de los discípulos. Ante su palabra, cada discípulo reacciona de una manera diferente, lo que permite realizar a Leonardo un completo estudio de los temperamentos humanos: la cólera, la sorpresa, la incredulidad, la duda... la culpabilidad. Judas no está, como tradicionalmente, a un extremo de la mesa, sino en medio, sin hablar con nadie. No sólo eso. La manera tradicional de organizar un grupo tan abundante en un friso horizontal, se solía colocar dos grupos de seis a ambos lados de Cristo. Pero Leonardo los distribuye en grupos de tres. Destaca a Cristo no con los atributos conocidos, como el halo de santidad, sino con una ventana tras él, abierta al paisaje, cuya luz natural destaca su figura. La composición tuvo un enorme éxito y su repercusión alcanzó la obra de artistas tan consagrados como Alberto Durero, que llegó a variar incluso la composición de un grabado suyo para distinguirlo de la obra del italiano.

 Autor: Leonardo da Vinci Fecha:1503-6  Museo: Museo Nacional del Louvre Características:77 x 53 cm.  Material: Oleo sobre tabla Estilo: Renacimiento Italiano

Mona Lisa, La Gioconda

La Gioconda

Es difícil tratar de hacer comentarios a la Gioconda. La fascinación que ha ejercido a lo largo de los siglos y el poder que tiene sobre la mirada del espectador obstaculizan un análisis objetivo, dado el icono en que se ha convertido para la cultura del mundo moderno y contemporáneo. En ella se citan todas las características de la pintura de Leonardo: el empleo del sfumato, esa técnica que difumina suavemente los rasgos hasta hacer indefinibles los contornos; el hermoso paisaje del fondo, agreste, salvaje y de un matizado tono azul que lo hace desaparecer en un degradado invisible; la ambigüedad del rostro, la indefinición sexual que la hace parecer una mujer, un adolescente... un mito de androginia que tiene referencias inacabables con teorías filosóficas y religiosas; y, por encima de todo, la sonrisa más melancólica y misteriosa de la historia del hombre. El retrato es el de Madonna Lisa, la señora Lisa, la esposa de Francesco del Giocondo, de donde toma su sobrenombre. Leonardo retuvo consigo el retrato hasta su muerte, no dejó de trabajar en él y, por supuesto, jamás se lo entregó a su cliente. De sus manos pasó a la colección real de Francia y hoy puede verse en el Museo del Louvre, protegida por un panel blindado y envuelta en un remolino de turistas que la fotografían sin cesar.

 Autor: Leonardo da Vinci Fecha:1485 h.  Museo: Museo Nacional del Louvre Características:199 x 122 cm.  Material: Oleo sobre tabla Estilo: Renacimiento Italiano

La Virgen de las Rocas

La Virgen de las Rocas

Esta pintura al óleo sobre tabla mide 189,5 × 120 cm., existe otra versión en la National Gallery de Londres, corresponde a la etapa milanesa de Leonardo y fue realizada hacia 1485 para la capilla de una iglesia.El grupo en primer plano se organiza en una composición piramidal típicamente renacentista, que denota equilibrio y serenidad.Los personajes, de belleza idealizada, se vinculan entre sí a través de las miradas y los gestos de las manos: la Virgen sujeta por detrás a San Juan Bautista niño, que esta adorando a Jesús mientras este, situado a un nivel mas bajo y protegido por un ángel, le bendice con la mano derecha. Las figuras aparecen perfectamente fundidas con el espacio, que las envuelve de forma natural y convincente, y no como mero telón de fondo. Para ello Leonardo recurrió a su peculiar técnica del claroscuro y el sfumato o difuminado de los contornos, que permite una suave transición de las luces a las sombras.Destaca asimismo el empleo de la denominada <<perspectiva aérea>>, que en su tratado de la pintura definió como la disminución de la intensidad de los colores y la perdida de definición de los objetos con la lejanía, por la interposición de capas de aire. También es un ejemplo de dominio de la perspectiva el magnifico escorzo de la mano de la Virgen.

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez

FECHA NACIMIENTO:

6 Junio 1599 Sevilla, España.

FALLECIMIENTO:

6 Agosto 1660 Madrid (61 Años)

NACIONALIDAD:

Española

Conocido como Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y figura indiscutible de la pintura universal.

Pasó sus primeros años en Sevilla donde desarrolló un estilo naturalista de iluminación tenebrista por influencia de Caravaggio y sus seguidores. Se trasladó a Madrid y a los 24 años fue nombrado pintor del rey, cuatro años después fue ascendido a pintor de cámara, (cargo más importante entre los pintores del rey). A esta labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo a partir de entonces consistía en pintar retratos del rey, de su familia, así como otros cuadros para decorar las mansiones reales. Su estilo evolucionó hacia una pintura de gran luminosidad con pinceladas rápidas y sueltas. En esta evolución tuvo mucho que ver el estudio de la colección real de pintura y su primer viaje a Italia donde estudió tanto la pintura antigua como la contemporánea.

En su madurez, a partir de 1631, pintó grandes obras como La rendición de Breda. En su última década su estilo se volvió más esquemático y abocetado alcanzando un dominio extraordinario de la luz. Este periodo se inauguró con el retrato del papa Inocencio X, pintado en su segundo viaje a Italia y a él pertenecen sus dos últimas obras maestras: Las Meninas y Las Hilanderas.

Su catálogo consta de 120-125 obras. El reconocimiento como pintor universal se produjo tardíamente, hacia 1850. Alcanzó su máxima fama entre 1880 y 1920, coincidiendo con los pintores impresionistas franceses para los que fue un referente. Manet se sintió maravillado con su pintura y lo calificó como «pintor de pintores» y «el más grande pintor que jamás ha existido».

 Autor: Velázquez  Fecha:1656  Museo: Museo del Prado  Características: 318 x 276 cm.  Material: Oleo sobre lienzo

Las Meninas, La Familia de Felipe IV

Las Meninas

En cuanto a la técnica con que Velázquez pinta esta obra maestra -considerada por Luca Giordano "la Teología de la Pintura"-, el primer plano está inundado por un potente foco de luz que penetra desde la primera ventana de la derecha. La infanta es el centro del grupo y parece flotar, ya que no vemos sus pies, ocultos en la sombra de su guardainfante. Las figuras de segundo plano quedan en semipenumbra, mientras que en la parte del fondo encontramos un nuevo foco de luz, impactando sobre el aposentador que recorta su silueta sobre la escalera. La pincelada empleada por Velázquez no puede ser más suelta, trabajando cada uno de los detalles de los vestidos y adornos a base de pinceladas empastadas, que anticipan la pintura impresionista. Predominan las tonalidades plateadas de los vestidos, al tiempo que llama nuestra atención el ritmo marcado por las notas de color rojo que se distribuyen por el lienzo: la Cruz de Santiago, los colores de la paleta de Velázquez, el búcaro, el pañuelo de la infanta y de Isabel de Velasco, para acabar en la mancha roja del traje de Nicolasillo. Pero lo que verdaderamente nos impacta es la sensación atmosférica creada por el pintor, la llamada perspectiva aérea, que otorga profundidad a la escena a través del aire que rodea a cada uno de los personajes y difumina sus contornos, especialmente las figuras del fondo, que se aprecian con unos perfiles más imprecisos y colores menos intensos. También es interesante la forma de conseguir el efecto espacial, creando la sensación de que la sala se continúa en el lienzo, como si los personajes compartieran el espacio con los espectadores. Como bien dice Carl Justi: "No hay cuadro alguno que nos haga olvidar éste".

 Autor: Velázquez Fecha: 1648  Museo: National Gallery de Londres  Características: 122 x 177 cm.  Material: Oleo sobre lienzo

La Venus del Espejo

La venus en el espejoEs la única obra conservada de Velázquez en la que aparece una mujer desnuda, aunque sabemos que pintó alguna más. Por supuesto, nadie duda de su autenticidad, pero sí existen discusiones en torno a la fecha: unos piensan que la hizo en 1648 y otros que fue en Italia, entre 1648-1650. Lo que sí es cierto es que apareció en un inventario en 1651 como propiedad del Marqués de Eliche, gran amante de la pintura de Velázquez y de las mujeres, por lo que se piensa que puede representar a su esposa o a una de sus amantes. Quizá por despistar, el pintor coloca el rostro del espejo difuminado para así reflejar el cuerpo desnudo de la dama que el marqués amaba. Existen numerosas referencias en la obra: Rubens, Tiziano, Giorgione e incluso Miguel Ángel. Pero el sevillano supera a todos ellos y coloca a una mujer de belleza palpable, de carne y hueso, resaltando aun más la carnación gracias al contraste con el paño azul y blanco, o el cortinaje rojo que da gran carga erótica al asunto. Posiblemente esto provocó que una sufragista inglesa acuchillara el cuadro en 1914 con siete puñaladas que apenas sí se notan. Da la sensación de que el artista ha sorprendido a Venus mientras Cupido, resignado, sostiene el espejo en el que se refleja el rostro de la belleza, aunque lo que deberíamos ver sería el cuerpo de la diosa. En cuanto a la técnica, cabe destacar cómo el pintor utiliza una pincelada suelta, que produce la sensación de que entre las figuras circula aire, el famoso aire velazqueño.

 Autor: Velázquez Fecha:1618  Museo: National Gallery (Edimburgo)  Características: 99 x 169 cm.  Material: Oleo sobre lienzo

La Vieja friendo huevos

La vieja friendo huevosEntre las obras realizadas por Velázquez durante su etapa sevillana, Vieja friendo huevos es una de las pocas que se fechan casi con total seguridad, apostándose por el año 1618. Su popularidad ha hecho de ella una de las escenas más significativas del Barroco español. El asunto tratado por el maestro supone una absoluta novedad, ya que hasta ahora nadie se había atrevido a representar en la pintura española escenas tan aparentemente triviales como ésta. En primer plano vemos a una anciana cocinando unos huevos en un hornillo de barro cocido, junto a un muchacho que porta un melón de invierno y una frasca de vino. Ambas figuras se recortan sobre un fondo neutro, empleado para destacar aun más los contrastes entre la luz y la sombra, una de las características que le sitúan en la órbita del Naturalismo tenebrista. En la zona de la derecha contemplamos uno de los mejores bodegones del arte español, formado por varios elementos metálicos, vasijas de cerámica y una cebolla colorada. Para que el espectador pueda contemplar con más facilidad estos elementos, el maestro nos levanta el plano de la mesa y el hornillo de barro, empleando de esta manera una doble perspectiva con la que se anticipa a los impresionistas. El realismo de los personajes es digno de mención; la suciedad del paño con el que se cubre la cabeza la anciana o el corte del pelo del muchacho nos trasladan al mundo popular que contemplaba a menudo Velázquez. Incluso se piensa que la anciana podría ser el retrato de su suegra, María del Páramo, mientras que el muchacho sería un ayudante de su taller, posiblemente Diego Melgar. Los tonos empleados indican el conocimiento de obras de Caravaggio, bien a través de copias bien de grabados; así destaca el uso de los tonos ocres y pardos que contrasta con el blanco, reafirmando ese contraste la utilización de tonalidades negras. La minuciosidad de la pincelada, a base de pequeños toques que apenas son apreciables, contrasta con la factura suelta de sus últimas obras como Las Meninas. Más intrascendente es el debate provocado entre los especialistas por la manera que la anciana prepara los huevos, afirmando unos que los está friendo, otros que los está escalfando y otros que los cuece.

Jean-Francois Millet

FECHA NACIMIENTO:

4 Octubre 1814 en Gruchy, Gréville-Hague,

Normandia.

FALLECIMIENTO:

20 de enero de 1875 en Barbizon, 60 años

NACIONALIDAD:

Francesa.

Pintor realista y uno de los fundadores de la Escuela de Barbizón en la Francia rural. Destaca por sus escenas de campesinos y granjeros, donde quiere expresar la inocencia del hombre campesino en contraposición a la degradación que acompaña al ciudadano inmerso en la sociedad industrial.

Después de 1840 se alejó del estilo de pintura oficial y cayó bajo la infuencia de Honoré Daumier, de quien aprendió el sentido del contraste de luces y sombras, así como la construcción del cuerpo humano, con simplicidad de volúmenes. En 1849 llegó a Barbizon, entrando en el círculo de la escuela que toma el nombre de esta localidad.

Poseía un profundo sentido de la naturaleza: la interpretaba comprendiendo las voces de la tierra, los árboles o los senderos. Afirmaba sentir en la naturaleza más de lo que los sentidos le daban. El tono a ratos sentimental de sus obras : Al Angelos

El autor buscaba retratar a la gente humilde y campesina en un gesto de admiración por la gente pobre del mundo rural, seduciendo a los republicanos y exagerando a la burguesía por tratar esto como tema central en su obra.

Millet y Rousseau pronto intimaron y Rousseau, con más recursoseconómicos ayudaba al pobre Millet. Ambos fallecieron con pocos años de diferencia y se encuentran enterrados a muy poca distancia uno de otro.

 Autor: Jean-François Millet  Fecha:1857  Museo: Museo de Orsay  Características: 83 x 110 cm.  Material: Oleo sobre lienzo  Estilo: Realismo Francés

Las espigadoras

Las espigadoras

Millet se especializará en los temas campesinos, siendo acusado de socialista por algunos críticos de la época. Hombre de extracción humilde, pasará toda la vida sumido en la pobreza, pintando a la gente que le rodea por lo que es considerado uno de los artífices del Realismo. Su interés estriba en mostrar la verdadera cara del trabajo rural, en su aspecto más duro, alejado de idealizaciones bucólicas. En Las espigadoras presenta a tres mujeres en plena faena, agachadas para recoger las espigas; son mujeres de carne y hueso, ataviadas con los ropajes de la región de Normandía donde el pintor vivía. Al fondo contemplamos los almieres y la carga de la carreta, en un ambiente de atardecer que envuelve toda la escena. Quizá ese efecto lumínico haga enlazar a Millet con el Impresionismo, aunque el artista no se interese aún por ese tipo de conceptos ya que su deseo es criticar las duras condiciones de las espigadoras. Los colores son vivos, aplicados con seguridad para resaltar el dibujo firme, acentuando los volúmenes en una de las obras más impactantes del movimiento realista.

 Autor: Jean-François Millet  Fecha: 1859-60  Museo: Museo de Orsay  Características: 55´5 x 66 cm.  Material: Oleo sobre lienzo  Estilo: Realismo Francés

El Angelus

El AngelousEl Angelus es la obra maestra de Millet y pone de manifiesto su adhesión al Realismo. Millet muestra a dos campesinos orando y dando gracias a Dios por la cosecha obtenida con el sudor y el esfuerzo de muchos días. El hombre y la mujer agachan piadosamente las cabezas, agarrando él su sombrero y llevando ella sus manos al pecho. A sus pies contemplamos la cesta con los frutos y el apero de labor. La escena se desarrolla al atardecer, quedando las dos figuras en zonas de luz y sombra respectivamente, en un contraste lumínico de gran belleza. Este interés por la luz natural acerca a Millet al Impresionismo. Su pincelada es firme y segura al igual que el dibujo, emplea colores suaves para el campo y más oscuros para los personajes, reflejando las vestimentas de los campesinos a la perfección. No en balde, Millet convivió siempre con ellos, sufriendo sus mismas condiciones. La temática empleada por el maestro hizo que los críticos le tacharan de socialista; si Millet tiene algo de socialista es del tipo evangélico al transmitir la espiritualidad de los trabajadores en su faceta más realista, alejada de tópicos.

Michelangelo Merisi da Caravaggio

NACIMIENTO:

Milán, 29 de septiembre de 1571

FALLECIMIENTO:

Porto Ércole, 18 de julio de 1610

NACIONALIDAD:

Italiana

Considerado como el primer gran exponente de la pintura barroca. Produjo mayormente pinturas religiosas. Sus figuras religiosas rozaban el naturalismo. Escogía modelos de entre el pueblo: prostitutas, chicos de la calle, mendigos para los personajes de sus cuadros. Para La Flagelación, compuso una coreografía de cuerpos en claroscuro con un Cristo en movimiento de total abandono y de una belleza carismática. Para el San Juan Bautista con el carnero, muestra a un jovenzuelo de mirada provocativa y en posición lasciva –se decía que el modelo era uno de sus amantes.

Caravaggio se preocupaba por el realismo en la ejecución de sus figuras: rechazaba corregir las imperfecciones de sus modelos para representarlos más «bellos» o de un modo más acorde a las visiones que la Iglesia tiene de sus santos.

La pintura de Caravaggio que causaría el mayor escándalo a los ojos de la Iglesia fue La muerte de la Virgen, por la representación tan realista del cuerpo de la Virgen María con el vientre hinchado -acompañado de sulfurosos rumores según los cuales el modelo habría sido el cadáver de una prostituta encinta ahogada en el Tíber.

En 1606 asesinó a un hombre durante una reyerta, huyó de Roma pues las autoridades habían puesto precio a su cabeza. En 1608 se vio nuevamente envuelto en otra riña, lo que se repitió más tarde en Nápoles hacia 1609, ocasionado posiblemente por un atentado en su contra, realizado por sus enemigos. Tras estos incidentes, su carrera fue decayendo, lo que le ocasionó una depresión que degeneró en su muerte dos años más tarde.

La contrarreforma motivó la necesidad de crear más iglesias para difundir la doctrina, por lo que las pinturas fueron imprescindibles para su decoración. Caravaggio creó una nueva forma de naturalismo, combinó figuras cerradas con observación física, dramática y teatral de objetos, a lo que sumó el uso de luces y sombras.

Baco

Autor: Caravaggio  Fecha:1597.  Museo: Galería de los Uffizi  Características: 98 x 85 cm.  Material: Oleo sobre lienzo Estilo: Barroco Italiano

Este cuadro al óleo sobre lienzo fue pintado hacia 1597, cuando Caravaggio estaba bajo la protección del cardenal Del Monte, quien probablemente se lo encargo para hacer un regalo de bodas a un miembro de la familia Médicis.

En la pintura mitológica de Caravaggio algunos historiadores han querido ver un significado profundo de carácter religioso, pero esto es muy discutible. En cualquier caso, en este cuadro no represento a Baco del modo habitual, como un viejo gordo y alegre o como un joven de belleza idealizada, sino como un personaje vulgar, afeminado y con el rostro enrojecido por la ebriedad, que en una actitud típica del Barroco trata de implicar al espectador ofreciéndole una copa de vino. Se ha insinuado que pudiera ser un auto retrato (obsérvese que sujeta la copa con la mano izquierda, que seria en realidad la derecha reflejada en el espejo).

En esta obra los contrastes luminísticos no son aun demasiados acusados, pero ya se aprecian dos rasgos característicos de su pintura: el dibujo preciso y bien definido, impropio del Barroco, que primaba el color sobre los elementos lineales; y la presencia de un magnifico bodegón en primer plano.

Baco

Vocación de San Mateo

Autor: Caravaggio Fecha:1599-1600  Museo: Iglesia de San Luis de los Franceses de Roma  Características:322 x 340 cm.  Material: Oleo sobre lienzo  Estilo: Barroco Italiano

El primer encargo eclesiástico que recibió Caravaggio fue en 1599 para realizar tres cuadros al óleo sobre lienzo, con destino a una capilla de la iglesia romana de San Luis de los Franceses, sobre la vida de San Mateo: la vocación (llamada), la Inspiración (para escribir el Evangelio) y el Martirio. En la Vocación se representa el momento en que Cristo, acompañado de San Pedro, al pasar junto a la oficina de San Mateo, que era recaudador de impuestos, le llamó para que le siguiera.La oficina es una taberna del siglo XVII y los personajes llevan indumentarias de esa misma época, salvo Jesús y San Pedro (a la derecha), que van vestidos con una túnica. Es, pues, un claro ejemplo de aggiornamento.Destaca la utilización por primera vez del recurso lumínico del tenebrismo, con una intensa luz focal cuya fuente esta fuera del cuadro en la zona superior derecha.No podía faltar el papel igualmente importante del color, emparentado siempre en el ejercicio de los efectos de luz. Un color rico, cálido, suntuoso y de una marcada gama veneciana.Asimismo, llama la atención el lenguaje de los gestos, en particular el de la mano de Jesús, que recuerda la de Dios creando a Adán en la Capilla Sixtina, y que se repite en la de San Pedro y en la del propio San Mateo, señalándose a si mismo con sorpresa.Contrastan, por ultimo, las dos figuras de la izquierda, que continúan ensimismadas en su labor de recuento de monedas, al margen de lo que esta ocurriendo.

Vocación de San Mateo

Muerte de la Virgen

Autor: Caravaggio Fecha: 1605-06  Museo: Museo Nacional del Louvre Características: 369 x 245 cm.  Material: Oleo sobre lienzo Estilo: Barroco Italiano

Este cuadro, también al óleo sobre lienzo, fue realizado en 1606 para una iglesia romana de los carmelitas.

La representación del tema carece por completo de toda idealización religiosa. En efecto, la escena se desenvuelve en un ambiente de gran humildad y crudo realismo, en el que la Virgen aparece simplemente muerta, sin ningún elemento sagrado que anuncie su próxima asunción, como la presencia de ángeles, por ejemplo.

La propia Virgen es una mujer vulgar, con la palidez de la muerte, y los pies y el vientre hinchados.

Este ultimo detalle, unido a su juventud, se ha pretendido ver como símbolo de su maternidad intemporal. Pero también circulo la leyenda de que Caravaggio había tomado como modelo a una prostituta ahogada en el Tíber, lo que explicaba la hinchazón del vientre.

El caso es que la obra fue rechazada por los carmelitas, que pusieron en su lugar otro cuadro del mismo tema realizado con mas decoro por otro autor. Tras pasar por varios propietarios, fue adquirida finalmente por Luis XIV, por lo que hoy se encuentra en el Museo del Louvre de París.

Muerte de la Virgen

Rembrandt Harmenszoon Van Rijin

Nacimiento:

15 Julio de 1606, Leiden

Fallecimiento:

4 de octubre de 1669, Amsterdan

Nacionalidad:

Holandesa

La historia del arte le considera uno de los mayores maestros barrocos de la pintura y el grabado, siendo con seguridad el artista más importante de la historia de Holanda. Su aportación a la pintura coincide con lo que los historiadores han dado en llamar la edad de oro holandesa, el considerado momento álgido de su cultura, ciencia, comercio, poderío e influencia política.

Habiendo alcanzado el éxito en la juventud, sus últimos años estuvieron marcados por la tragedia personal y la ruina económica. Sus dibujos y pinturas fueron siempre muy populares, gozando también de gran predicamento entre los artistas, y durante veinte años se convirtió en el maestro de prácticamente todos los pintores holandeses. Entre los mayores logros creativos están los magistrales retratos que realizó para sus contemporáneos, sus autorretratos e ilustraciones de escenas bíblicas. En sus autorretratos, especialmente, encontramos siempre la mirada humilde y sincera de un artista que trazó en ellos su propia biografía.

Tenía un profundo conocimiento de la iconografía clásica, y en sus pinturas y grabados solía interpretarla libremente para ajustarla a su propia experiencia. Así, en la representación de una escena bíblica, solía combinar su propio conocimiento del texto con su particular concepto de la composición clásica y algunas observaciones anecdóticas de la población judía de Ámsterdam. Por la empatía con que retrató la condición humana, ha sido considerado "uno de los grandes profetas de la civilización".

 Autor: Rembrandt Fecha: 1636  Museo: Colección Particular  Características: 118´8 x 96´8 cm.  Material: Oleo sobre lienzo  Estilo: Barroco Centroeuropeo

Abanderado

El abanderadoLos abanderados eran posiblemente las figuras más emblemáticas de las milicias holandesas. Normalmente eran solteros y gozaban de gran estima debido a su valor, siendo los últimos que abandonaban el campo de batalla. Esta heroica razón será por la que aparecen numerosos retratos de abanderados a lo largo del siglo XVII, vestidos siempre con sus mejores galas y portando elementos que le identifiquen como militar. El abanderado pintado por Rembrandt en 1636 posiblemente sea uno de los mejores, especulándose que podría tratarse de un retrato del propio maestro. El hombre dirige su mirada al espectador, acentuando el gesto desafiante de su brazo que se proyecta hacia el exterior. Su cabeza se recorta sobre la bandera que sirve de fondo, recibiendo un potente foco de luz procedente de la izquierda con el que acentúa el juego de volúmenes al crear zonas ensombrecidas y otras iluminadas. Los detalles de las telas están resaltados por la iluminación, mostrando la capacidad retratística de Rembrandt, especialmente en la expresividad del rostro del abanderado, pudiendo leer en sus ojos sus pensamientos y su bravuconería. El colorido es limitado pero consigue crear una amplia gama de tonalidades, obteniendo una gran riqueza cromática. Las pinceladas son aplicadas de forma rítmica y dinámica, provocando una sensación atmosférica inspirada en Tiziano y la escuela veneciana.

 Autor: Rembrandt Museo: Rijksmuseum Material: Grabado Estilo: Barroco Centro europeo

Madre del artista

Madre del ArtistaLa madre de Rembrandt protagonizará numerosas obras de su primera etapa, bien directamente o a través de dudosas atribuciones en figuras de avanzada edad. Neeltje van Siujtttbroeck se presenta sentada en una silla y ante una pequeña mesa, cruzando sus manos en el regazo, vestida como las ancianas burguesas holandesas. Su rostro es el elemento más interesante del grabado, demostrando su calidad como dibujante y grabador. La distribución de las masas oscuras en la plancha es tremendamente acertada, resultando una intimista obra de delicada belleza. Neeltje falleció en 1640 y dejó una considerable herencia, recibiendo Rembrandt 10.000 florines, lo que indica que descendía de una de las familias más adineradas de Leiden.

  Autor: Rembrandt Fecha: 1636  Museo: Städelsches Kunstinstitut  Características: 206 x 276 cm.  Material: Oleo sobre lienzo

Sansón cegado por los filisteos

Sansón cegado por los filisteosSansón era un israelita dotado de una gran fuerza sobrenatural. Se casó en dos ocasiones con mujeres filisteas, pueblo que era claro enemigo de los suyos. La segunda de ellas, Dalila, descubrió el secreto donde residía la fuerza de Sansón: en su cabello. Así que no dudó en cortárselo, momento que fue aprovechado por los filisteos para cegar y encadenar a Sansón. Este es el instante elegido por el artista para reflejar en la obra, viendo a Sansón iluminado por la luz al ser la figura principal, tumbado en el suelo por un filisteo, momento éste que aprovechan los otros para encadenarle y cegarle. Al fondo, Dalila se marcha con la cabellera en la mano izquierda y las tijeras en la derecha. La violencia de la escena está ratificada por el gesto de dolor de Sansón y por el rostro desencajado del filisteo de la derecha. La luz vuelve a ser la principal protagonista de la composición ya que procedente de la izquierda, ilumina a Sansón de lleno mientras que en los filisteos que le rodean solamente resbala por sus cascos y sus armaduras. Lo mismo ocurre con Dalila. Este uso especial de la luz la aprendió Rembrandt de los caravaggistas de Utrecht, quienes extendieron el tenebrismo por el norte de Europa. Interesa también destacar la especial atención dedicada por el artista a los detalles, tanto de las armaduras como de las telas.

Francisco de Goya y Lucientes

NACIMIENTO:

30 de marzo de 1746, Fuendetodos, Zaragoza.

FALLECIMIENTO:

Burdeos, Francia, 15 de abril de 1828)

NACIONALIDAD:

Española

Pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En estas facetas desarrolló el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del s. XX.

Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la decoración de los palacios reales. Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo denomina de capricho e invención, inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica.

Además, su obra refleja el periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi un reportaje moderno de las atrocidades cometidas y componen una visión exenta de heroísmo donde las víctimas son siempre los individuos de cualquier clase y condición.

Su obra culminante es la serie de pinturas al óleo sobre el muro seco con que decoró su casa de campo (la Quinta del Sordo), las Pinturas negras. En ellas Goya anticipa la pintura contemporánea y los variados movimientos de vanguardia que marcarían el siglo XX.

Familia de Carlos IV.

 Autor: Francisco de Goya y Lucientes Fecha: 1800  Museo: Museo del Prado Características: 280 x 336 cm.  Material: Oleo sobre lienzo

Familia de Carlos IV

Goya había sido nombrado Primer Pintor de Cámara en 1799, un año antes de la realización de este óleo sobre lienzo, que es su obra maestra como retratista.

Para su composición dispuso a los treces miembros de la familia real como en un friso, al modo neoclásico. Sin embargo, este cuadro nada tiene que ver con los principios del Neoclasicismo europeo, ya que la luz y el color se imponen sobre elementos lineales del dibujo, y la pincelada obedece a toques de libertad, con una gama cromática muy variada.

La visión de los personajes es realista y, al contrario de lo habitual en los retratos regios, sin concesiones a la idealización, plasmando la psicología de cada uno de ellos a través de gestos y actitudes que muestran sin rodeos su verdadera naturaleza: soberbia y altanera la de la reina María Luisa, en el centro y como figura dominante; débil y bondadosa la del rey; taimada la del futuro Fernando VII, a la izquierda. Pero es absurdo pensar que Goya pretendiera caricaturizarlos, como se ha dicho a veces.

Lo que si pretendió fue establecer una relación con <<Las meninas>> de Velazquez mediante algunos inequívocos detalles: se autorretrató a la izquierda y pintado de cara al espectador, colocó a la reina en la misma postura y posición que la infanta Margarita en el cuadro velazqueño, y tal vez simuló que todos miraban hacia un espejo, pero en este caso, al contrario que en <<Las Meninas>>, situado frente a ellos, fuera del cuadro.

Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808

Autor: Francisco de Goya y Lucientes  Fecha:1814  Museo: Museo del Prado Características:268 x 347 cm.  Material: Oleo sobre lienzo

El cuadro del autor Francisco de Goya datada entre 1813-1814.Se trata de un cuadro realizado en óleo sobre lienzo y representa la lucha del pueblo español contra la dominación francesa en el marco histórico de la Guerra de la Independencia.En este cuadro de Goya podemos encontrar que hay un predominio de la línea en figuras como los franceses que van a fusilar o en algunos de los españoles, sin embargo, en esta obra ya se va apreciando el uso del color para dar forma a las figuras.

En cuanto al color, Goya, como en toda su última etapa, tiende a la utilización de colores en unos tonos muy oscuros y con una preferencia hacia el gris y sus tonalidades. Los únicos focos de color son el hombre que se encuentra de pies esperando su fusilamiento, vestido de blanco y amarillo, el farolillo que da luz y la sangre del suelo, hecha con un potente rojo.

Goya crea en esta obra un foco de luz proyectado, el farolillo, que desde la derecha ilumina a los que esperan su muerte y el monte que hay tras de ellos. En cuanto a la perspectiva y planos hemos de decir que se trata de una perspectiva aérea en la que tienen una mayor nitidez las figuras del primer plano mientras que la pierden al fondo.

La obra presenta distintos planos como el de los fusiladores, el farolillo, los fusilados, el monte e incluso la arquitectura que se puede apreciar al fondo. En cuanto a la composición, Goya crea una composición compleja en la que usa fuertes escorzos e incluso figuras que no dan la cara al espectador.

Esta obra de Goya encaja a la perfección con el patrón de la época puesto que reúne todas las características del último periodo de su obra, un periodo caracterizado por la representación de figuras, una recuperación del color o una mayor definición de las figuras entre otras. Esta temática ha sido también representada por el autor en cuadros como "La carga de los mamelucos" .

Los fusilamientos del tres de mayo

Saturno devorando a sus hijos.

Autor: Francisco de Goya y Lucientes  Fecha:1820-23  Museo:Museo del Prado Características: 146 x 83 cm.  Material: Oleo sobre lienzo

Según la mitología, el dios Saturno o Cronos debía eliminar a todos sus hijos para evitar que lo destronaran. Así, cuando nacían de su mujer, Rea, él directamente se los comía. La pintura es una de sus pinturas negras, que colocó en su casa, la Quinta del Sordo, en la planta baja. Se trata de pinturas oscuras, realizadas originalmente con la técnica de óleo a secco, es decir, en la pared; posteriormente pasadas a lienzo. Se trata de una pintura muy desgarradora, que simboliza el paso del tiempo ya que Cronos o Saturno era el dios del tiempo. Así, el tiempo nos devora inexorablemente y de forma cruel, algo que atormentaba al pintor. Se trata de una pintura muy cruel, llena de dramatismo, sobre todo visto en dos puntos: la boca del dios desgarrando la carne de su propio hijo y la mancha de color representado la sangre. Esta última es verdaderamente desconcertante, ya que es una simple mancha, sin dibujo, resaltando el carácter espontáneo. Goya representa al dios como un verdadero monstruo, con unos ojos saltones y atormentados, locos de ira. Así, representa al tiempo como un animal inexplicable que nos devora. Sería una imagen del tiempo melancólica por parte de Goya, que ya mayor, representa su nostalgia del tiempo pasado. De fondo negro, nos representa de cuerpo entero a un personaje desdibujado, cuya deformidad es evidente y que produce mucho más dramatismo en la escena. Así, otro elemento que representa dicha crueldad es que apenas es dibujo, sino una simple mancha que sale de la nada oscura.

Saturno devorando a sus hijos.

Jean Auguste Dominique Ingres

Nacimiento:

29 de agosto de 1780 en Montauban, Francia

Fallecimiento:

14 de enero de 1867 en París (86 años)

Nacionalidad:

Francésa

Conocido como Dominique Ingres no es, en sentido estricto, neoclásico ni académico, sino un ferviente defensor del dibujo. Resulta a la vez clásico, romántico y realista.

Constituye un claro exponente del romanticismo en cuanto a los temas, el trazo abstracto y las tintas planas de intenso colorido.

Algunas de sus obras se enmarcan en el llamado «Estilo trovador», inspirándose en el ideal estético griego y gótico, además de en las miniaturas de los libros de horas de Fouquet.

Ejemplo de orientalismo, pues muchos de sus cuadros, especialmente desnudos femeninos, están dominados por un sentido irreal del exotismo propio del siglo XVIII

  Autor: J. Auguste Dominique Ingres Fecha: 1842  Museo: Colección Particular  Características: 158 x 122 cm.  Material: Oleo sobre lienzo  Estilo: Neoclasicismo Francés

Duque de Orleans, Ferdinando Filippo

Ingres adquirió un gran renombre como retratista en la corte italiana de Carolina Bonaparte, así como en su país natal, Francia. Todos los personajes de la aristocracia y alta burguesía francesa le encargaron sus retratos y la razón está en las características dela pintura de Ingres. Este pintor se debía por completo a la línea y a la pureza del motivo elegido. Su técnica era muy minuciosa y consistía en tomar innumerables dibujos preparatorios del modelo desnudo, para conseguir una correcta construcción anatómica. Luego los vestía con detalle y los iluminaba con equilibrio. Las gamas cromáticas que suele elegir son brillantes, muy hermosas. Pero lo que realmente hacía especial un retrato de Ingres era la preparación del modelo. El pintor se pasaba horas obligando al modelo a cambiar de postura hasta que hallaba la pose perfecta. De tal modo, todos los retratos de Ingres desprenden un aire elegante y desenfadado que parecen traslucir solemne familiaridad con el propio pintor. El modelo que aparece en este lienzo es el joven hijo del emperador francés Luis Felipe, que se había convertido en amigo y cliente de Ingres. Desgraciadamente, el heredero murió en un accidente en la calle, y será el mismo Ingres el encargado de decorar su capilla funeraria con varios santos en vidrieras.

Duque de Orleans, Ferdinando Filippo

 Autor: J. Auguste Dominique Ingres Fecha: 1856  Museo: National Gallery de Londres Características: 120 x 92´1 cm.  Material: Oleo sobre lienzo Estilo: Neoclasicismo Francés

Mme. Inès Moitessier

La especialidad de Ingres será este tipo de retratos, muy del gusto de la sociedad francesa del Neoclasicismo. Los detalles que consigue el artista con su exquisito dibujo se convierten en el elemento de mayor atracción para sus clientes. En este caso sobresale el estampado del vestido de la dama y la elegancia de la pose. Incluso la figura se refleja en el espejo situado en el fondo, creando un atractivo juego de perspectiva. Las joyas, los bordados, la textura de la piel, la madera, todos los detalles están realizados a la perfección, resultando un conjunto sumamente equilibrado en el que los colores tiene un papel protagonista. El blanco del vestido contrasta con el rojo del sillón y ambos con las tonalidades oscuras de los muebles. La expresión de la modelo no ha sido olvidada, centrando el artista la atención en el bello rostro de Mme. Moitessier, en el que apreciamos cierta influencia de las Madonnas de Rafael, el gran maestro para el pintor francés.

Mme. Inès Moitessier

 Autor: J. Auguste Dominique Ingres  Fecha: 1824  Museo: Catedral de Montauban  Características: 421 x 262 cm.  Material: Oleo sobre lienzo  Estilo: Neoclasicismo Francés

 Voto de Luis XIII

En agosto de 1820 el Ministerio del Interior de Francia encargaba a Ingres un gran cuadro con el tema de El voto de Luis XIII, destinado a la decoración del crucero sur de la catedral de Montauban consagrada a la Asunción de la Virgen. Un año después empezó la imagen en Florencia, finalizándola en 1824 y exponiéndola con clamoroso éxito en el Salón de París de ese mismo año. Representa la consagración del reino de Francia que había hecho Luis XIII un 15 de agosto de 1638, el día de la Asunción de la Virgen. Así vemos al rey arrodillado, con su manto de armiño y terciopelo en el que aparecen bordadas las flores de lis -símbolo de la monarquía francesa- ofreciendo su corona y su cetro a la Virgen María, situada sobre un trono de nubes, sujetando al Niño Jesús. A los pies del altar aparecen dos angelitos sujetando una cartela. Ingres emplea una iluminación anaranjada para representar la aparición sobrenatural, recurso muy habitual en el Barroco. Dos ángeles abren unos gruesos cortinajes para poder contemplar a la Virgen, otorgando una mayor sensación de efectismo. La figura de María es un evidente homenaje a Rafael, recordando las tradicionales Madonnas del italiano. Debido al deseo de satisfacer a su cliente y de cosechar un sonoro éxito, Ingres se dedicó concienzudamente a preparar la obra, realizando numerosos dibujos de todos los elementos que la conforman, apreciándose la calidad de los detalles de los ropajes y resaltando el dibujismo característico del maestro francés.

 Voto de Luis XIII

Paul Cézanne

Nacimiento: 19 de enero de 1839Aix-en-Provence, Francia.

Fallecimiento: 22 de octubre de 1906 (67 años)Aix-en-Provence, Francia.

Nacionalidad:Francesa

Pintor francés postimpresionista, considerado el padre del arte moderno, cuya obra estableció las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente.

Mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional.

Fue un «pintor de pintores», que la crítica y el público ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación (los nabis o la escuela de Pont-Aven).

 Autor: Paul Cézanne  Fecha: 1859-60  Museo: Museo de Orsay Características: 82 x 66 cm.  Material: Oleo sobre lienzo  Estilo: Neo-Impresionismo

El sueño del poeta

El sueño del poeta

En sus años mozos Cézanne se interesó especialmente por la literatura, llegando a componer algunas poesías de cierta calidad. Curiosamente, su buen amigo Zola se volcaba hacia la pintura; posteriormente los jóvenes cambiarían su actividad. Fruto de ese interés literario, surgen en los primeros momentos pictóricos de Cézanne una serie de trabajos marcados por la poesía como esta obra que contemplamos en la que la musa de la Poesía inspira el sueño del joven poeta, sentado en una buhardilla y apoyando su codo en la mesa de trabajo, donde podemos observar un pequeño papel y un tintero. La musa con sus alas desplegadas ocupa buena parte de la composición, disponiendo su figura en escorzo al igual que el poeta, creando el maestro una serie de líneas circulares encadenadas. La disposición de la figura en profundidad y el ventanuco abierto al fondo indican el interés del joven artista por los planteamientos espaciales. Las tonalidades oscuras se adueñan del conjunto, creando contrastes con la túnica rosácea de la musa y sus alas blancas. De esta manera podemos observar la cercanía con la pintura romántica que en estos primeros momentos manifiesta Cézanne.

 Autor: Paul Cézanne  Fecha: 1865-67  Museo: Kunsthaus Zurich Características: 27 x 35 cm.  Material: Oleo sobre lienzo Estilo: Neo-Impresionismo

Bodegón: pan y pierna de cordero

Bodegón: pan y pierna de cordero

A lo largo de toda su carrera Cézanne se sentirá especialmente atraído por las naturalezas muertas. En sus primeras obras presenta una significativa influencia de Rembrandt, Chardin y Goya, autores cuya obra conoció en sus numerosas visitas al Louvre. El joven maestro emplea una pincelada rápida y empastada, aplicando el color de manera violenta en sintonía con la temática utilizada. La pierna de cordero se ubica en primer plano, descansando sobre una barra de pan, buscando de esta manera los contrastes cromáticos. Los tonos amarillos y ocres de la barra de pan chocan ante los verdes de la mesa o los blancos y rojos de la pierna, recogiendo perfectamente la sangre coagulada y la grasa. El resultado es una obra tremendamente naturalista que se asemeja a los trabajos que también hará Manet en estos años. El Bodegón: azucarero, peras y taza azul es otra obra de esta etapa con características similares.

 Autor: Paul Cézanne  Fecha:1906  Museo: Colección Particular  Características: 66 x 54 cm.  Material: Oleo sobre lienzo  Estilo: Neo-Impresionismo

Retrato de Vallier

Retrato de vallierEn este retrato de perfil, el jardinero se encuentra rodeado de la naturaleza en la que trabajaba, con los brazos cruzados y respirando una profunda paz. Con esta postura rompe con la fórmula tradicional de retrato decimonónico para acercarse a modelos del Renacimiento italiano, concretamente del Quattrocento, legando a escribir a su amigo Joachim Gasquet: "Yo soy el primitivo de un nuevo arte". Los rasgos del rostro apenas han sido tratados mientras que en la chaqueta observamos todo un entramado de líneas oscuras con las que configura la volumetría de la figura. Las tonalidades oscuras del fondo contrastan con los colores más claros de la chaqueta , del rostro y del sombrero, resaltando de esta manera la figura. La aplicación de los tonos en facetas será un claro precedente del cubismo.

Wassily Vasílievich Kandinski

Nacimiento:

4 Diciembre de 1866 en Moscú, Rusia.

Fallecimiento:

13 Diciembre de 1944 (78 años)

Neuilly-sur-Seine, Francia

Nacionalidad:

Rusa

Pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte. Se traslada a Odesa. Estudia Leyes en Moscú. Rechaza un puesto docente en la Universidad de Dorpat para estudiar Arte en Múnich. Funda el grupo Phalanx, el propósito principal es introducir las vanguardias francesas en el provinciano ambiente muniqués, para lo cual abre una escuela en la que da clases.

Sus pinturas en los primeros años son paisajes ejecutados con espátula, al principio sombríos, para luego adquirir una intensidad casi fauve; también pinta temas fantásticos basados en tradiciones rusas o en la Edad Media alemana; este período está marcado por la experimentación técnica, en particular, en el uso del temple sobre un papel oscuro, para dar una impresión de superficie transparente, iluminada desde atrás. La consistencia tonal del claroscuro enfatiza el esquema borrando la distinción entre las figuras y el fondo, resultando una composición casi abstracta.

En 1902 realiza sus primeras xilografías. En 1904 expone en el Salón de Otoño de París. En 1909 es elegido presidente de la Nueva Asociación de Artistas de Múnich. Al final de la década, sus pinturas denotan una gran tendencia a la plenitud por la equivalencia en intensidad de las áreas de color y la superficie reluciente que destruye toda ilusión de profundidad.

Interesado también en la teosofía, entendida como la verdad fundamental que subyace detrás de doctrinas y rituales en todas las religiones del mundo; la creencia en una realidad esencial oculta tras las apariencias, proporciona una obvia racionalidad al arte abstracto.

Fue uno de los fundadores en Moscú del INJUK (Instituto para la Cultura Artística).Se traslada a Weimar, Alemania, donde imparte clases teóricas para la Escuela de la Bauhaus. En 1926 se publica su libro Punto y línea sobre el plano. Contribución al análisis de los elementos pictóricos. Una continuación orgánica de su trabajo anterior De lo espiritual en el arte

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso

Nacimiento:25 Octubre de 1881 Málaga, España.

Fallecimiento:8 Abril de 1973 Mougins, Francia. (91 años).

Nacionalidad: Española.

Conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador del movimiento cubista.

Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo.

Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales.

Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone)

Las señoritas de atinillo.

Autor: Picasso Fecha: 1907 Museo: Arte Moderno Nueva York Características: 243,9 x 233,7 cm  Material: Oleo sobre lienzo Estilo: Cubismo

Este cuadro, pintado al óleo sobre lienzo en 1907, marca el comienzo del nuevo lenguaje cubista, que desarrollaron después Picasso y Braque en un proceso continuo de comunicación.La escena representada se desarrolla en un prostíbulo de la calle barcelonesa de Avinyó. Los cuerpos de las mujeres tienen unas carnaciones de un tono rosado casi uniforme, como el de las obras que estaba realizando por entonces ( etapa rosa).Pero Picasso no pretende mostrar en esta obra la apariencia real, sino la verdad intelectual (lo que pensamos sobre algo, no cómo lo vemos). Y aprovecha para rendir homenaje al arte que más le interesaba en ese momento:- La escultura ibérica, cuta influencia se observa en las tres figuras de la izquierda. El año anterior se habían expuesto en el Louvre las esculturas ibéricas de Osuna, a las que pertenecía la Dama de Elche, descubierta ocho años antes.- La escultura africana, que deja su impronta en las dos figuras de la derecha, cuyos rostros nos recuerdan las máscaras de ese arte primitivo que tanta admiración estaba despertando en las nuevas generaciones de pintores.-La pintura románica catalana, apreciable en el hieratismo, el tratamiento de los ojos y las tintas planas.- los cuadros de El Greco, con su canon alargado de cuerpos y rostros.- La pintura de Cézanne, por la geometrización de las formas.La obra es, por tanto, una reflexión intelectual sobre el arte, que prescinde por completo de los incuestionables preceptos renacentistas: perspectiva para representar la profundidad espacial, luz y color como instrumentos de creación de volumen, imitación fidedigna de la apariencia real. Por el contrario, las figuras se descomponen y fragmentan en multitud de planos, que corresponden a puntos de vista diversos, en especial las dos mujeres de la derecha.

Las señoritas de atinillo

El Guernica.

Autor: Picasso Fecha:1937 Museo: Museo Nacional Reina Sofía Características: 777cm x 349 cm Material: Oleo sobre lienzo Estilo: Cubismo

El cuadro está compuesta como una obra clásica, con simetría (el eje medio de la pared blanca, los pilares verticales del toro a la izquierda y la figura con los brazos levantados a la derecha), perspectiva (del fondo, el biselado de la ventana), gradación de valores (la alternancia de los planos blancos, negros y grises) y ritmo creciente de acentos (desde el del caído que aprieta en su puño la espada rota, hasta el relincho hiriente del caballo herido de muerte).

Claro que al orden clásico se superpone una descomposición formal de tipo cubista, un lenguaje netamente moderno que el propio pintor había creado veinte años antes a partir de las “Señoritas d´Avignó”, en donde por primera vez un cuadro no representaba un espacio en el que ocurría algo, sino que era un espacio en el que algo estaba ocurriendo.

Con Guernica, el pintor hace explosionar el lenguaje cubista en cuanto a lenguaje que describe de manera analítica la realidad, ya que el análisis cognoscitivo se convierte en fragmentación violenta y destructiva, pues la violencia y la muerte mecanizan los rostros y los miembros de las figuras. Pero, en cierto sentido, la obra supone una recapitulación de otros de sus estilos anteriores, y aunque predomine la influencia cubista, destaca además la desfiguración de la figuras, cercana a la violencia subversiva de los surrealistas.

El Guernica

Los auténticos protagonistas son la violencia y el horror, mostrados a través de unos medios muy depurados, con pocos elementos, pocos colores y sobre todo con una fuerte carga expresiva que hace que la obra sea clasificada en muchas ocasiones como perteneciente al “expresionismo cubista”. Predomina la figura de la mujer, que simboliza a la humanidad inocente e indefensa que se transforma en víctima. Es sorprendente la trasposición del tema de la “Piedad” que Picasso realiza en la figura de la madre que grita sosteniendo a su hijo muerto en brazos. En la obra aparecen imágenes cargadas de simbolismo, como el toro o el caballo (por otro lado protagonistas de algo tan español y admirado por el artista, como es la “Fiesta Nacional”, las corridas de toros), o las diversas figuras, que nos remiten al mundo de los símbolos, quizás en ese afán de convertir al hecho concreto en un mito de validez universal

En su lúcida visión, Picasso comprende que la matanza de Guernica no es un episodio más de la guerra civil española, sino el principio de una guerra apocalíptica. No describe ni representa el hecho como hiciera Delacroix por ejemplo en “La matanza de Quíos”, ni recurre tampoco a la oratoria, sino que realiza una alegoría de la guerra y todo lo que ella conlleva, sin representar el hecho singular del bombardeo, sino llevando ese acto singular a la categoría de mito. Es un grito universal contra la irracionalidad y las crueldades de la guerra, un cuadro pacifista. Nunca, desde la obra e Goya “Los fusilamientos de la Moncloa” se había expresado con tanta rabia y sentimiento los horrores de la guerra, y por ello constituye una de las obras de mayor impacto emocional del siglo XX. La gran obra, después de pasar por el Museo Guggenheim de Nueva York, está hoy en España en el Museo Reina Sofía de Madrid.

 Autor: Picasso Fecha:1906  Museo: Museo de Arte de Filadelfia Características:92 x 73 cm.  Material: Oleo sobre lienzo Estilo: Cubismo

Autorretrato con la paleta en la mano

AutorretratoEn el invierno de 1906, antes de partir para Gosol, Picasso realizará dos retratos cumbres en su producción del periodo primitivista, antes de dar el salto al cubismo. Se trata del retrato de Gertrude Stein y del Autorretrato con paleta que contemplamos, de clara sintonía con el anterior. Si observamos con detenimiento ambos retratos, podemos comprobar que los rostros de los dos personajes están relacionados. La razón debemos encontrarla en el empleo de las máscaras ibéricas como fuente, marcando la mandíbula y las orejas al tiempo que las sombras bajo la mejilla y la barbilla se interrumpen de manera brusca. El cuerpo es volumétrico, casi arquitectónico, definido gracias a intensas líneas de color negro con las que consigue aportar mayor volumetría, tanto a la cabeza como al brazo. Sin embargo, el resto de la composición pertenece claramente al periodo rosa como podemos apreciar en la postura frontal de la figura o el colorido empleado, jugando con tonos rosas, azules, blancos y grises. Los ojos abiertos del artista parecen indicar la expectación sobre lo que pronto va a llegar: la revolución cubista.

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech

Nacimiento:

11 Mayo de 1904 en Figueras, España.

Fallecimiento:

23 de enero de 1989 en Figueras. (84 años)

Nacionalidad:

Española

Pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.

Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante.

Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que «vampirizó» innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en 1931.

Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística.

Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo», que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica

Muchacha asomada a la ventana

Autor: Salvador Dalí Domènech

Fecha: 1925 Museo: Museo Nacional Centro de Arte "Reina Sofía"Características :103 x 75 cm. Material: Óleo sobre lienzo

Muchacha asomada a la ventana

Óleo sobre lienzo realizado por Dalí en el año 1925 protagonizada por su hermana Anna Maria dentro de un estilo "neo-verista" inspirado en Ingres y el último Carrà. Contemplamos como maneja la profundidad a través de la ventana y el movimiento que le da a las olas.

Metamorfosis de Narciso

Autor: Salvador Dalí Domènech Fecha: 1937 Museo: Tate Gallery (Londres) Características: 50´8 x 78´3 cm. Material: Óleo sobre lienzo

Metamorfosis de Narciso

Se trata de una versión diferente de la imagen doble; es la misma imagen pero sucesiva, repetitiva. Alude al mito de Narciso, quien se enamoró de su propia imagen y murió al intentar alcanzarla Narciso se encuentra al borde del agua con la cabeza hacia abajo, casi forzada, para que se convierta en la mano fosilizada de al lado. Esta mano que ha sido muy representada en años anteriores pero nunca vieja, caduca, calcificada, osificada, sin vida, sin venas de la pasión como las anteriores, sostiene el bulbo del Narciso del que sale la flor.

Acompañan la escena otros personajes absurdos del mundo surrealista. El perro se ha interpretado con un contenido erótico perteneciente a la película de Buñuel "Un chien andalou"; un grupo heterosexual; el dios de la nieve, etc.

Gran Masturbador

Autor: Salvador Dalí DomènechFecha: 1929Museo: Museo Nacional Centro

de Arte "Reina Sofía"

Características: 110 x 150 cm.Material: Óleo sobre lienzo

Gran MasturbadorEs una composición llena de implicaciones autobiográficas, mitos, miedos, ideas fijas en donde aparece la forma expresiva del joven Dalí. Es el tema de la masturbación, muy poco conocido en la historia de la pintura. Existen algunas en el expresionismo europeo en dibujos y el único precedente es el de Goya en sus pinturas negras. El tema central es una masa viscosa dentro de lo blando, que es entendido como lo sentimental y lo duro. En la izquierda aparece una cabeza, el autorretrato de Dalí, cuyos orígenes comienzan en el año 1927 con sus cabezas desdobladas, como en la obra Naturaleza muerta al claro de luna malva, donde el retrato de Dalí está visto de perfil, como germen de donde saldrá el caricaturizado "gran masturbador".El perfil se reduce a una gran nariz, ojo y ceja; en el lugar de la boca aparece el saltamontes como animal repulsivo, idea de la muerte, desintegración de la materia ya que lleva hormigas en el abdomen. El peinado es muy marcado y en la cabeza está pinchada un ancla que podría aludir a las exigencias de su familia del año 1929. La otra figura, a la izquierda, puede ser también Dalí cortando las redes con su familia. Es la huida del contexto español, familiar y catalán a la vanguardia surrealista parisina.El modelo de la mujer pertenece a un cromo modernista que procede del prerrafaelismo inglés y alude a Gala. Es el dilema del mundo que le abre Gala; el lirio representaría la idea de purificación. El escenario crea una atmósfera desolada, un paisaje extenso que remite a la metafísica del italiano Giorgio de Chirico. La pareja abrazada debajo del saltamontes hace referencia a Gala y a Dalí. Por su parte, la mujer modifica su sustancia con carácter rocoso, aludiendo a sus primeros encuentros con Gala en las rocas de Cadaqués.

Bartolomé Esteban Murillo

Nacimiento:

31 Diciembre de 1617 en Sevilla, España.

Fallecimiento:3 Abril de 1682 en Cádiz, España.

Nacionalidad:

Española

Pintor español del siglo XVII. Una de las figuras más importantes de la pintura barroca española. Al morir sus padres con 10 años, pasa al cuidado de una de sus hermanas mayores.

Se formó en el taller de su pariente Juan del Castillo, pronto comenzó a destacar de entre sus discípulos. Pasó allí 5 años, siendo uno de sus compañeros de taller el pintor granadino Alonso Cano. Para aportar algún dinero a la casa, a los 14 años de edad pintaba pequeños cuadros, o bien hacía dibujos para las comunidades religiosas.

A los 22 años decidió establecer un taller de pintura barata que le permitía vender cuadros sobre todo en las ferias de los pueblos, pero a pesar de que se vendían bien, esto no terminaba de satisfacer al artista y surgió en él un fuerte deseo de perfeccionar su pintura. De gran realismo, aunque con un estilo que se estaba forjando a lo que sería después, su pintura recogió asuntos de sentido social y de estética naturalista en sus grandes temas, como los niños mendigos o las escenas de la infancia de Cristo. También cultivó una pintura suave de gusto burgués y aristocrático, como demuestran sus obras religiosas

A raíz de un par de cuadros que lleva a cabo para la Catedral de Sevilla, empezará a especializarse en los dos temas que más fama le han proporcionado, las vírgenes con niño y las Inmaculadas. Creador de tipos femeninos e infantiles: estudio de la vida popular. Se le encomendó la decoración de la iglesia del convento de los capuchinos de Cádiz, sólo concluyó los Desposorios de santa Catalina, falleció mientras trabajaba en ella, a consecuencia de una grave caída desde un andamio, aunque no en el acto, sobrevivió al accidente.

Sus restos descansan bajo la Plaza de Santa Cruz

 Autor: Murillo Fecha: 1638-40  Museo: Palacio Arzobispal (Sevilla) Características: 207 x 162 cm.  Material: Oleo sobre lienzo  Estilo: Barroco Español

Virgen entregando el rosario a Santo Domingo

Virgen entregando el rosario a Santo Domingo

  Hasta el presente se considera esta obra como la más temprana que conocemos de Murillo. Procede del convento de los Padres Dominicos de Santo Tomás en Sevilla y en su composición y técnica el pintor se presenta heredero de maestros de generaciones anteriores. Murillo todavía no ha creado un estilo personal y por eso en el dibujo muestra evidentes influencias de su maestro, Juan del Castillo, especialmente en los rasgos delicados y finos con los que describe los rostros y las sonrisas insinuadas. En el rompimiento de Gloria que aparece en la zona superior -formado por ángeles mancebos que tocan música y cantan mientras que angelitos arrojan flores a santo Domingo- se constata la influencia de Juan de Roelas. Los ropajes que cubren a los personajes, sobre todo el modelado recio de los pliegues. Quizá por esta amalgama de influencias, algunos especialistas consideran, injustificadamente, que no se trata de una obra salida de los pinceles de Murillo.

 Autor: Murillo Fecha:1650-55  Museo: Neue Pinakothek (Munich) Material: Oleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español

Dos niños comiendo melón y uvas

Dos niños comiendo melón y uvas.

Murillo se convertirá en uno de los principales pintores infantiles del Barroco, tanto a la hora de representar figuras divinas como el Niño Jesús o San Juanito o personajes absolutamente reales como estos niños que aquí observamos.

Se trata de una obra juvenil, fechada entre 1645-50 y en ella apreciamos la influencia naturalista en la pintura de Murillo. Las dos figuras aparecen ante un edificio en ruinas, interesándose el artista por presentarlos como auténticos pícaros, destacando sus ropas raídas y sus gestos de glotonería.

Los detalles están captados a la perfección -especialmente las frutas- creando Murillo una apreciable sensación de realidad. La pincelada comienza a adquirir una mayor soltura y los efectos de vaporosidad y transparencia empiezan a surgir gracias a su contacto con Herrera y la pintura veneciana.

 Autor: Murillo Fecha:1680  Museo: Museo del Prado Características: 123 x 162 cm.  Material: Oleo sobre lienzo

Martirio de San Andrés

El martirio de San Andrés.Murillo no representa habitualmente este tipo de asuntos religiosos, siendo el especialista en martirios el valenciano Ribera, pero en alguna ocasión lo hizo, al tenerse que someter a las exigencias del encargo.

En el Martirio de San Andrés, Murillo va perdiendo el estilo tenebrista que definía su primera etapa para pasar a fórmulas mucho más coloristas.

Rubens le influirá en la composición, mientras que de Ribera asimila el colorido y el efecto atmosférico que se puede apreciar en el Martirio de San Felipe, también en el Museo del Prado.

La cruz en aspa de San Andrés domina la composición, iluminada por un fuerte haz de luz amarillenta procedente del cielo, en el que se vislumbran unos querubines. A ambos lados del santo nos encontramos con grupos de figuras, destacando al efecto naturalista de las mujeres de la izquierda y el escorzo de los caballos en la derecha, así como el hombre de espaldas con el perro. El fondo está muy difuminado, aunque se observan varias arquitecturas clásicas inspiradas en Veronés.

Toda la escena se diluye por efecto de la atmósfera dentro del "estilo vaporoso" que caracteriza los últimos años del artista, en los que también destaca la pincelada suelta

Francisco de Zurbarán

Nacimiento:7 Noviembre de 1598 en Fuente de Cantos, (Badajoz)

Fallecimiento:27 Agosto de 1664 en Madrid

Nacionalidad:Española

Fue un pintor del Siglo de Oro español. Contemporáneo, destacó en la pintura religiosa, en la que su arte revela una gran fuerza visual y un profundo misticismo. Fue un artista representativo de la Contrarreforma. Sus representaciones se alejan del realismo y sus composiciones se caracterizan por un modelado claroscuro con tonos más ácidos.

Se inició en el arte pictórico en la escuela de Juan de Roelas. El único cuadro que hoy se conoce y que corresponde a los comienzos de su carrera es el de una Inmaculada de 1616. Tuvo tres hijos y se casó dos veces.

En 1622 era ya un pintor reconocido, por lo que fue contratado para pintar un retablo para una iglesia de su ciudad natal.

Considerado un pintor de imaginería (artista especializado en imágenes y estatuas) firmó un nuevo contrato en 1628 con el convento de Nuestra Señora de la Merced Calzada, y se instaló, con su familia y los miembros de su taller, en Sevilla.

Dotado con el título de "Pintor del Rey", volvió a Llerena, donde pintó, gratuitamente, un cuadro para la iglesia de Nuestra Señora de la Granada debido a la devoción que sentía por la Virgen María. Los encargos se le acumulaban: Nuestra Señora de la Defension, la Cartuja de Jerez de la Frontera, la iglesia de San Román en Sevilla...

Los encargos que tenía eran muchos, cual vendió a Buenos Aires y Perú quince vírgenes mártires, quince reyes y hombres célebres, veinticuatro santos y patriarcas (todos ellos a tamaño natural) y también, nueve paisajes holandeses. Zurbarán podía permitirse el mantener un taller importante con aprendices y asistentes.

  Autor: Francisco de Zurbarán  Fecha: 1653  Museo: Catedral de Chartres Características: 195 x 108 cm.  Material: Oleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español

Cristo con la cruz a cuestas

Cristo con la cruz a cuestas

Lo tardío de la fecha y lo iluminado de la escena nos hablan de que este cuadro pertenece a los últimos años de Zurbarán.

El pintor ha aislado un elemento de la Pasión de Cristo, dándole mayor importancia de esta manera. Al mostrar tan sólo la figura de Cristo con su cruz elimina otros objetos de distracción, como pudieran ser los romanos, los soldados, la multitud... Este efecto se busca para reconcentrar la atención del espectador sobre el auténtico tema de la Pasión: el sufrimiento de Cristo en la soledad, lo pesado de la carga sobre sus espaldas. Incluso el ambiente, con una hermosa luz azulada, se ha vuelto agobiante con el inteligente uso del espacio que Zurbarán ha hecho. En efecto, si Cristo se incorporara, se saldría literalmente del marco del cuadro. Los límites del lienzo se imponen a la figura y la estrechan. La técnica de Zurbarán se mantiene intacta en cuanto a la perfección de la pincelada se refiere. Respecto a los colores, como ya comentábamos al principio, se han aclarado y se orientan hacia las gamas del pleno Barroco que se cultivaba en el momento

 Autor: Francisco de Zurbarán Fecha:1630  Museo: Col. Mques. Perinat Características:136 x 128 cm.  Material: Oleo sobre lienzo Estilo: Barroco Español

La Sagrada Familia

La Sagrada FamiliaZurbarán en este lienzo representa a la Sagrada Familia como tal, puesto que hay otros cuadros con estos personajes que suelen aludir a episodios de la infancia de Cristo, y no a la Familia como idea, que es lo que aquí aparece. Esta idealización de la familia se acentúa con la presencia de Santa Ana y San Joaquín, padres de la Virgen, puesto que San Joaquín estaba muerto cuando la Virgen tuvo al Niño. También está San José, como un hombre joven y protector, al tiempo que les acompaña el niño San Juan Bautista. Este lienzo tiene un marcado acento italiano, que se aleja de la realización más personal de Zurbarán. Los rostros están mucho más idealizados, mientras que el maestro solía realizar auténticos retratos naturalistas en sus personajes. La belleza de María recuerda la de pinturas renacentistas por el perfil y el canon empleado. El San Juanito parece uno de los golfillos de pies sucios que solía emplear Caravaggio para sus ángeles. La escena está llena de significados ocultos, de los cuales desvelamos los tres más importantes: María lleva en su mano para entregarla a su hijo una manzana, que significa el pecado original del que ella está libre y que su hijo lavará de la estirpe del hombre. San Juanito ofrece a María un cesto lleno de rosas de tres colores, rosas, rojas y doradas, que simbolizan las oraciones del Rosario, una ritual sobre los gozos y los dolores de María por su hijo. Por último, el niño Jesús le da a su madre una pasionaria, flor que había sido recientemente descubierta en América.

Esta flor se caracteriza porque su cáliz y sus pistilos tienen la forma de los instrumentos de la Pasión -los clavos y la corona de espinas-, por lo que

rápidamente se identificó con Cristo.

  Autor: Francisco de Zurbarán  Fecha:1635-40  Museo: Museo del Prado Características: 38 x 62 cm.  Material: Oleo sobre lienzo

El cordero o Agnus Dei

El Cordero

Zurbarán realiza aquí una imagen del Cordero de Dios o Agnus Dei extraordinariamente naturalista. Podría tomarse como un estudio del natural para insertarlo después en composiciones como la Adoración de los pastores; sin embargo, hay corderos que contienen un sentido claramente religioso, sobre todo si llevan nimbo. La belleza del cordero puede sugerir que estamos ante Cristo pero, por lo demás, es un corderito exento de idealizaciones, según la religiosidad española de la primera mitad del siglo XVII. Zurbarán ha atado las cuatro patas del Cordero de Dios y las saca hacia el espectador para dar mayor sensación de volumen y hacerle partícipe de la escena. La figura se recorta sobre un fondo neutro que destaca la minuciosidad con que ha pintado el artista los bucles de lana

Sandro Botticelli

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi

Nacimiento:

1 Marzo de 1445 en Florencia, Italia.

Fallecimiento:

17 Mayo de 1510 en Florencia, Italia.

(65 años)

Nacionalidad:

Italiana

Pintor muy destacado del renacimiento florentino. Desarrolló un estilo personalizado, caracterizado por la elegancia de su trazo, su carácter melancólico y la fuerza expresiva de sus líneas.

Trabajó con el pintor y grabador Antonio del Pollaiuolo, del que aprendió el dominio de la línea, y también recibió gran influencia de Andrea del Verrocchio

Hacia 1470 Botticelli ya tenía su propio taller. Dedicó casi toda su vida a trabajar para las grandes familias florentinas, especialmente los Medici, para los que pintó retratos, entre los que destaca su Retrato de Giuliano de Medici, La adoración de los Magos no fue encargo de los Medici pero en él pintó a los personajes con rasgos muy parecidos a los de dicha familia.

Botticelli recibió la influencia del neoplatonismo cristiano de ese círculo, que pretendía conciliar las ideas cristianas con las clásicas. Esa síntesis se expresa en La primavera y en El nacimiento de Venus, dos obras realizadas para una de las villas de la familia Medici, que hoy se hallan en la Galería de los Uffizi y que, probablemente, son las obras más conocidas de Botticelli. Los expertos no han llegado a un acuerdo definitivo sobre la interpretación de estos dos cuadros, sus elegantes personajes, forman diseños lineales abstractos bañados por una suave luz dorada, podrían representar a Venus como símbolo del amor tanto cristiano como pagano. Dentro de este ámbito profano también destaca la serie de cuatro cuadros Nastapio degli Honesti (Museo del Prado, Madrid), donde recrea una de las historias del Decamerón, de Boccaccio.

Botticelli también pintó temas religiosos y en 1481 Botticelli fue uno de los artistas llamados a Roma para trabajar en la decoración de la Capilla Sixtina del Vaticano, donde pintó los frescos Las pruebas de Moisés, El castigo de los rebeldes y La tentación de Cristo.

 Autor: Botticelli  Fecha:1465-67  Museo: National Gallery de Londres  Características: 50 x 136 cm.  Material: Témpera  Estilo: Renacimiento Italiano

La Epifanía

La EpifaniaLa composición esta organizada en tres zonas separadas por pilares y columnas, existiendo una evidente descompensación entre la zona derecha más vacía y la izquierda recargada de figuras. Tampoco existe una conexión clara entre las tres partes citadas, empleando algunas figuras para este menester como el enano de la izquierda. A pesar de la multitud de personajes que se incluyen en la escena, apenas existe relación entre ellos, poniendo de manifiesto un evidente aislamiento. Dejando de lado las notas "negativas" que definen esta obra juvenil de Botticelli, debemos destacar el refinado tratamiento que otorga a la línea y al color así como la gracia con la que trata las figuras, especialmente la de María como repetirá más adelante en las Madonnas. El formato alargado de la tabla sugiere un elemento mobiliario - posiblemente el frontal de un arcón o el respaldo de un sofá - muy habitual en el Renacimiento

La PrimaveraAlegoría de la primavera

 Autor: Botticelli  Fecha:1478  Museo: Galería de los Uffizi  Características: 203 x 314 cm.  Material: Témpera

La PrimaveraLa primavera es una de las obras maestras del pintor renacentista Italiano Sandro Botticelli. Está realizado al temple sobre tabla. Mide 203 cm de alto y 314 cm de ancho. Es una obra impregnada de cultura humanística y neoplatónica de la corte de Lorenzo el Magnífico. Tiene un tono de narración situada fuera del tiempo real. Se presenta una atmósfera de fábula mitológica en la que se celebra una especie de rito pagano.

 Autor: Botticelli  Fecha:1485.  Museo: Galería de los Uffizi  Características: 172´5 x 278´5 cm.  Material: Témpera sobre lienzo Estilo: Renacimiento Italiano

Nacimiento de Venus

El nacimiento de VenusEl nacimiento de Venus 1482-1484 (en italiano: Nascita di Venere), es una pintura de Sandro Botticelli (1445 - 1510). El nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 184,5 centímetros de alto por 285,5 cm de ancho. Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.

El título de la obra no es, por lo tanto, exacto, ya que el cuadro no representa el momento del nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea. La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores.

10 ESCULTORES…10 ESCULTORES…

Escultor francés, que ha sido declarado como el mayor escultor francés del siglo XX.Henri Laurens "Amphion"(1952) ubicada en la Plaza Cubierta de la Universidad Central de Venezuela, Caracas.

Nació y murió en París. 1885-1954De origen humilde, tuvo que trabajar mientras iba escuela, ingresando como aprendiz en un taller de decoración en 1899. Fue allí, donde descubrió su interés por las artes plásticas, comenzando a tomar clases de dibujo pasando más tarde a realizar obras escultóricas bajo la influencia de Rodin.

Henri Laurens

En 1952, Carlos Raul Villanueva le pidio a Laurens que produjera esta obra a gran escala para convertir esta cultura en un punto focal de la composicion de

la plaza cubierta.

El Gran Amphion

Crieusse de Poison 1939

Head of a Young Girl 1920

Fidias

Fidias (498-432 Antes de Cristo): Nació en Atenas, Grecia. Artista que por sus obras es considerado representante emblemático de la escultura griega. Sus trabajos más importantes y conocidos fueron realizados para formar parte del templo Partenón, cuya construcción fue ordenada por Pericles. Fidias fue el arquitecto y decorador a cargo de este proyecto y para ello esculpió varias obras que en nuestros días aun son ejemplo de escultura helénica clásica. Debido a los destrozos y saqueos causados por invasiones extranjeras, pocos trabajos originales del maestro se conservan hasta hoy. En el interior del Partenón creó dos estatuas gigantes cuyos originales ya no existen y en su exterior labró el mármol en forma magistral logrando la combinación perfecta de sus tallados y el estilo Jónico utilizado en las edificaciones atenienses más refinadas. De estos esculpidos con escenas históricas, religiosas y mitológicas aun se guardan fragmentos. Fidias ejecutó sus obras en mármol, bronce y también materiales de alto valor como marfil y oro. Existen varias réplicas de sus estatuas, que otros artistas griegos de la antigüedad esculpieron para mantener vivo su magnífico legado. La escuela de escultura griega es sin duda parte fundamental del inicio y desarrollo universal de este arte. De ella nace la corriente inspiradora que llevó a otros pueblos europeos a conferir a esta plástica una importancia mayor que a otras artes, a veces incluso cercana a lo divino, y que sólo fueron logradas por escultores de máximo nivel.Fidias es un perfeccionista innato y la gracia presente en sus figuras consigue inmortalizar el sentimiento filosófico y espiritual en el arte de su época cuyo propósito principal era plasmar los aspectos imperecederos y permanentes de la belleza humana más que los detalles inherentes del modelo específico.

Las metopas del Partenón

Las metopas del Partenón son obra de diferentes artistas, lo que explica las notables diferencias de calidad existentes entre ellas.

Su pequeño tamaño y su posición elevada dentro del templo obligaban a simplificar las escenas representadas, que debían limitarse a un numero reducido de figuras.

Los temas narrados era cuatro, uno por cada lado del templo: los dioses contra gigantes (gigantomaquia), griegos contra troyanos (guerra de Troya), atenienses contra amazonas (amazomaquia) y lapitas contra centauros (centauromaquia); pero solo se conservan bien algunas metopas de este ultimo grupo.

Existe, pues, un común denominador en todos los temas : la lucha y victoria de las fuerzas del orden y la razón (dioses, griegos, atenienses y lapitas) contra las del caos y la sinrazón (gigantes, troyanos, amazonas y centauros). De este modo, a través de cuatro pasajes mitológicos, se simbolizaba la reciente victoria contra los Persas en las guerras Medicas, o lo que es lo mismo, el triunfo de la civilización griega, representada por Atenas, contra la barbarie oriental.

Un rasgo propio de la mentalidad griega era su preferencia por representar, en vez del hecho histórico, su transfondo filosófico y abstracto a través del mito, que es intemporal.

Atenea Parthenos

Fidias, amigo de Pericles, fue el escultor mas importante de su tiempo y el autor de tres estatuas monumentales de dioses, muy admiradas por sus contemporáneos: la de Atenea Promacos (<<guerrera>>), en bronce, situada en la Acrópolis de Atenas; la de Atenea Parthenos, criselefantina (de oro y marfil), en el Partenón; y la de Zeus, en su templo de Olimpia, también criselefantina; todas de mas de diez metro de altura.

Ninguna ha llegado hasta nuestros días y solo las conocemos por referencias literarias o copias mediocres.

La imagen reproducida corresponde a la conocida como Atenea Varvakeion, una de las copias en tamaño reducido de la Atenea Pártenos, probablemente la que reproduce con mas fidelidad los detalles de la estatua original.

Frontón oriental del Partenón

Fidias fue también el director de las obras de la acrópolis de Atenas y de los relieves de Partenón. El programa icnográfico y la dirección de estos relieves se deben a el, pero pocas fueron partes ejecutadas de su mano. Como se ha visto, en el periodo arcaico el problema del espacio triangular de los frontones se resolvía yuxtaponiendo diferentes historias y aplicando distintas escalas de representación. Pero esto no satisfacía el ideal griego de orden y proporción, por lo que se recurrió a otras formulas, que culminaron en los frontones del Partenón:

- Se narra una sola historia: el nacimiento de Atenea en presencia de los dioses, en el frontón oriental; la competición entre atenea y Poseidón por el patronazgo de Atenas en el occidental.- La escala de representación es la misma para todas las semanas.- Según disminuye la altura del frontón hacia los lados, las figuras aparecen sentadas o recostadas; de este modo se amoldan al marco las posiciones, y no los tamaños.

Además, la técnica del trabajo de délas figuras ilustra el alto grado de perfección alcanzado en el periodo clásico: sus actitudes son completamente naturales, los paños caen con soltura e insinúan unas correctas proporciones anatómicas, y y el tratamiento de las superficies con acusados entrantes y salientes produce efectos de claroscuro, que dotan a la escena de efectismo y fuerza dramática.

Donatello, (Donato di Betto Bardi) 1386-1466.

Nació en Florencia, Italia. Escultor célebre, preferentemente de temas religiosos, considerado el máximo exponente de su disciplina en el Renacimiento italiano. Donatello sentó bases claras respecto a la escultura renacentista y fue el estilo a seguir de todos los escultores posteriores a él. De raíz clásica romana, dejó un legado magnífico puesto que sus obras fueron realizadas utilizando una vasta gama de materiales y técnicas, las que dominó a la perfección. Contemporáneo del gran escultor y también innovador Della Robbia, la historia sitúa a Donatello sobre este, y se basa en el aporte realizado al movimiento de renovación artística que desterró los estilos medievales. Prolífico como el solo, el inigualable Donatello dejó un legado de, piezas de estilo original, que hasta su aparición nadie había creado. Esculpe, talla y graba utilizando mármol, metal, madera, terracota y piedras nobles.

David

Esta estatua en bronce le fue encargada probablemente por Cosme el Viejo para colocarla sobre un pedestal en el centro del Palacio Médici. Su fecha no es segura, tal vez hacia 1440.

En este caso se trata de una escultura concebida para ser observada desde diferentes puntos de vista, por su situación central dentro del palacio.

Fue el primer desnudo a tamaño natural del Renacimiento. Su rostro se inclina para contemplar la cabeza del vencido Goliat y esta inclinación, en su elevado emplazamiento original, facilitaba la contemplación desde su expresión de fiereza.

El héroe bíblico es tratado aquí como un adolescente de belleza andrógina con un acentuado contrapposto que nos remite a la antigüedad clásica.

El tema de David se convirtió, el la Florencia renacentista, en símbolo del patriotismo y la lucha por la libertad.

Gattamelata

En 1443 Donatello fue requerido en Padua para realizar la estatua ecuestre del condotiero Gattamelata, jefe de los ejércitos venecianos, que acababa de morir.

Donatello construyó este monumento en bronce entre 1445 y 1450.

Destinado a un espacio abierto de la ciudad, se convirtió en un autentico homenaje a la antigüedad clásica, ya que esta inspirado en la estatua ecuestre de Marco Aurelio y presenta el mismo sentido conmemorativo y heroico.

Una vez mas se resalta la virtud del guerrero, cuya actitud serena se corresponde con el equilibrio de la composición, y al mismo tiempo se refleja la nueva mentalidad de exaltación individual y aspiración a la fama.

María Magdalena

A su regreso a Florencia en 1453, después de diez años de permanencia en Padua, el anciano Donatello se aparto de las corrientes dominantes de la época y las obras que rehizo en su ultima etapa se caracterizan por un profundo dramatismo que no estaba del todo ausente en algunas de las producciones anteriores, aunque ninguna había alcanzado tal grado de intensidad.

Entre ellas destaca su María Magdalena, destinada al Baptisterio de Florencia (hacia 1454), en madera policromada, cuya expresividad desgarrada y patética se aparta por completo del ideal de belleza equilibrada y serena del Renacimiento, pero denota la vigorosa personalidad artística de un autentico genio que no duda en caminar en solitario.

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680)

Nació en Nápoles, Italia. Escultor, arquitecto y diseñador, artista célebre creador de la escultura estilo Barroco en el siglo 17. Hijo de un escultor florentino, Bernini consiguió acceso privilegiado al mundo de las artes y tuvo como patrocinadores a los papas Pablo V, Urbano VIII y a otros 4 prelados. Emigró a Roma junto a su padre. Estudios iniciales de la escultura grecorromana ya existente en el Vaticano y las obras de Miguel Angel fueron su fuente de inspiración. Los trabajos que realizó durante su vida son cuantiosos. Entre ellos se incluyen fuentes públicas, decoración de iglesias y obras arquitectónicas.Bernini fue famoso en vida y todas las cortes europeas deseaban sus servicios. Entre ellos estuvo el rey de Francia Luis XVI que lo llevó a trabajar a París cuando el artista ya contaba con 69 años de edad. La técnica de Bernini, cuando trabaja en marmol, es de un realismo exhuberante, sobre todo cuando se trata de expresiones del rostro. Y en lo relativo a la textura de la piel y las sombras fue un innovador en su época, apartándose de la manera de Miguel Angel e influenciando para siempre lo que conocemos como estilo clásico de escultura.

Constanza Buonarelli

Si el Retrato del cardenal Borghese (1632) es una obra genial por su coherencia compositiva, su tratamiento del mármol y su captación de los rasgos físico-psicológicos del personaje, el de esta joven romana, de la que estaba fieramente enamorado Bernini, es aún más inmediato. Captada en la intimidad, como por sorpresa, su espontaneidad de gesto y de aspecto prueban la fresca capacidad de síntesis plástica de Bernini. Mide 72 cm de alto, es de marmol y el estilo es Barroco Italiano

Apolo y Dafne

Apolo y Dafne, ejecutado también en mármol entre 1622 y 1625, es otra de las obras que realizo Bernini para el cardenal Scipione Borghese.

En este caso el tema esta extraído de <<Las metamorfosis>> de Ovidio (siglo I a. c.). Representa el momento en que Apolo alcanza a la ninfa Dafne, que huye porque no quiere ser seducida por el dios, y a su contacto invoca a su padre, el dios río Peneo, que la transforma en laurel. La escultura plasma el movimiento en pleno desarrollo: Apolo esta corriendo y la ninfa esta empezando a convertirse en laurel por las manos.

El dramatismo se acentúa mediante los gestos y actitudes ( sorpresa de Apolo, angustia de Dafne) y el tratamiento de las superficies n (modelado suave de los cuerpos, acusados entrantes y salientes del laurel, cabellos y telas), que generan fuertes contrastes de luces y sombras.

Éxtasis de Santa Teresa.

Realizado por encargo del cardenal Cornaro, el Éxtasis de Santa Teresa (1645–1652), una de las esculturas fundamentales de la historia del arte.El conjunto representa el mas claro ejemplo de fusión de escultura y arquitectura, característica de la obra de Bernini n: la capillas se convierte en un escenario teatral que enmarca la representación dramática del grupo escultórico, iluminando de forma efectista por una luz que penetra por la vidriera amarilla oculta tras el frontón. De esta modo, las dos figuras se destacan en la semioscuridad de la capilla y los rayos dorados parecen ser la verdadera fuente de iluminación.La escena sigue al pie de la letra la descripción de la propia santa, que se sentía desfallecer en arrebato místico por el dardo ardiente que el ángel clavaba en su corazón.En cuanto a sus características técnicas y formales podemos decir que es un grupo escultórico de bulto redondo, con una figura de pie y otra semiyacente. El material empleado es el mármol blanco para las figuras, trabajado mediante la técnica de la talla, y el bronce dorado para los rayos de sol. Las superficies presentan acusados entrantes y salientes y el esmerado pulido trasmite varias sensaciones táctiles.La composición es en aspa definida por dos líneas curvas que contraponen a ambas figuras.Es, por tanto, un esquema compositivo que sugiere en quien contempla la obra agitación y, una vez mas, intensa fuerza dramática.

Antonio Canovas

(1757-1822).Nació en Possagno, Italia. Escultor precoz considerado como el más importante del período Neoclásico. Sus obras más conocidas representan personajes mitológicos y religiosos, sin embargo su calidad artística, le permitió abordar todo tipo de temas. Aun niño (11 años), va a vivir a Venecia y a los 24 a Roma. Para ese entonces Canova ya deslumbraba con sus obras talladas en mármol, tanto así, que aun a su corta edad fue contratado para esculpir la tumba del papa Clemente XIV. En adelante, Canova fue requerido en toda Europa y trabajó para un sin número de notables de la época como Napoleón y la emperatriz Catalina de Rusia. El prestigio de Canova era inmenso. Ingleses y franceses lo recibieron con honores cuando visitó Londres y París. Al observar sus esculturas es fácil concluir que han sido creadas por un superdotado de las artes. Su estilo y técnica incomparables lo sitúan entre los más grandes maestros de la escultura clásica italiana.

Paulina Bonaparte

En la obra de Canova fue frecuente el tema mitológico, siempre tratado al modo clásico antiguo, del cual se sirvió en ocasiones para realizar retratos.

Tal es el caso de esta escultura de mármol, una de las mas famosas de su producción, realizada entre 1805 y 1808, en la que representa a Paulina Bonaparte, hermana de Napoleón ( también conocida como Paulina Borghese por el apellido de su segundo esposo), como Venus vencedora, que sujeta en su mano izquierda una manzana, en alusión a su triunfo en el Juicio de París como la mas bella. Aparece semidesnuda y yacente, sobre un diván, transmitiendo sensualidad y juventud, según el ideal clásico de belleza equilibrada y serena.

Eros y Psique

Esta obra de Canova fue encargada por el coronel inglés John Campbell (Lord Lawdor), pero acabó siendo adquirida por el marchante y coleccionista holandés Henry Hoppe en 1800 y al final por el mariscal de Napoleón Joaquín Murat, que la hizo transportar hasta su castillo, donde se dice que fue admirada por el propio Napoleón. El modelo fue comenzado en 1787, y la obra terminada en 1793.Según el propio Canova, esta obra representa el momento en que Eros (el amor) acude a despertar a Psique (el alma), del profundo e infernal sueño en el que había quedado sumida tras haber abierto el jarrón que le había entregado Proserpina, la diosa del Infierno, mujer de Plutón. La obra representa de una forma muy efectista todo el amor, la pasión y el deseo que surge repentinamente entre los dos amantes. En el abrazo mutuo, ambas cabezas quedan enmarcadas entre los brazos, creando un centro de atención principal. Las líneas convergentes de las alas y las piernas del dios forman un aspa que concentra aún mas la visión en ese centro. El cuerpo de la joven es una prolongación de esta estuctura, los brazos y las piernas, forman parte de una diagonal prolongada. Al mismo tiempo toda la composición tiene una forma espiral que acentúa la unión de las dos figuras y el sentimiento de liberación del sueño, en el gesto de Psiques de abrazar hacia lo alto, a quien viene a despertarla. Las figuras están dispuestas en una posición de tal dificultad que nos producen al mismo tiempo, una complejidad psicológica, y una carga fuertemente erótica. A pesar de ello toda la escena desprende una gran sensación de ternura. La escultura está formada por una estructura muy articulada que origina una composición centrípeta, con un gran contraste entre el material y el vacío, entre la luz y la sombra. Se convierte al mármol en el material ideal para representar el calor de los cuerpos, la vitalidad y el sentimiento, algo que parece alejado de un material en apariencia frío y alejado de la naturaleza viva. Canova se recrea en el conocimiento de los clásicos, vuelve sin complejos su vista hacia las composiciones griegas y romanas, hacia sus técnicas nunca superadas y hacia sus motivos, sus fuentes y sus misterios mitológicos. Es el retorno hacia la perfección de formas, el gusto por el desnudo y la recuperación de la delicadeza en el cincelado de las superficies.

Juan Martínez MontañésEscultor español. (Alcalá la Real, España, 1568-Sevilla, 1649) Es una figura sobresaliente de la escultura en madera policromada, la técnica escultórica que alcanzó mayor desarrollo en la España de los siglos XVI-XVII. Su nombre supone un punto culminante de este arte peculiar, que respondió al ambiente de piedad y devoción característico de la Contrarreforma. Martínez Montañés fue la cabeza visible de la escuela andaluza o sevillana.

Llevó a cabo una producción vastísima, religiosa en su totalidad con la única excepción de un busto de Felipe IV (perdido), que debía servir de modelo para la estatua ecuestre encargada al italiano Pietro Tacca. El Cristo de la clemencia y La Inmaculada Concepción de la catedral de Sevilla se cuentan entre sus estatuas más admiradas. Pero su obra maestra es el retablo mayor del monasterio de San Isidoro del Campo, en Santiponce, que incluye las magníficas figuras orantes de Alonso Pérez de Guzmán el Bueno y doña María Alonso Coronel.

Su obra influyó en escultores como Alonso Cano y Juan de Mesa, de quienes fue maestro, y también en los principales pintores de la escuela sevillana del siglo XVII, entre ellos Velázquez y Zurbarán. Pacheco mantuvo con él una estrecha relación y a menudo policromo sus estatuas.

Cristo de la Clemencia

Martínez Montañés, aunque era natural de un pueblo de Jaén y se formo en Granada, desempeño su labor mas importante en Sevilla, donde creo una serie de temas que tuvieron un éxito extraordinario, como la Inmaculada Concepción o el Cristo crucificado.

El conocido como Cristo de la clemencia fue un encargo de la catedral de Sevilla en 1603. El contrato especificaba <<que ha de estar vivo, antes de haber expirado, con la cabeza inclinada sobre el lado derecho, mirando a cualquier persona que estuviese orando al pie de el, como que esta el mismo Cristo hablándole y como quejándose que aquello que padece es por el…>>. Se trata, por tanto, de un ejemplo característico del Barroco de implicar directamente al espectador en el asunto de la obra de arte.

En cuanto a su tratamiento equilibrado y sereno contrasta con el patetismo de los Cristos crucificados de la escuela castellana.

Inmaculada Concepción

de la Catedral de Sevilla

Juan Martínez Montañés realiza esta obra como encargo del jurado don Francisco Gutiérrez de Molina, quien estaba casado doña Jerónima Zamudio, una piadosa mujer que quiso consagrar una capilla de la catedral a la Inmaculada Concepción de María en los comienzos del siglo XVII, en medio de la batalla mariana estallada en la ciudad por la polémica entre las órdenes religiosas por la defensa de unas y el ataque de otras a la creencia que propugnaba que la Virgen estaba exenta del pecado original desde el primer instante de su concepción.

Si analizamos la imagen, se representa a una joven doncella de pie, cuyos ojos entornados miran recatadamente al suelo, sumida en oración cuya actitud meditativa se aprecia en sus manos apenas unidas por los dedos a la altura del pecho. La acompañan tres querubines que se disponen a sus pies, que se apoyan en una luna con las puntas hacia arriba. Su hermoso y frágil rostro nacarado queda enmarcado por el cabello suelto que cae sobre su espalda, símbolo de la pureza de las doncellas. Viste la imagen túnica estofada que se cubre por un manto, el cual cae desde los hombros y se recoge en diagonal bajo uno de sus brazos.

La estética de Montañés está impregnada del más logrado naturalismo, aunque el ligero zig-zag de esta imagen, introducido por el contrapposto de su pierna, preludian ya el exacerbado sentimiento de lo barroco, siendo el propio Montañés maestro de uno de los principales artífices de la imaginería barroca sevillana: el cordobés Juan de Mesa, que ya en su obra consolida las principales características de la escuela andaluza barroca.

Los pliegues de la talla concepcionista se muestran más angulosos y marcados que en épocas anteriores introduciendo así un juego de luces y sombras, aunque aún están bastante alejados del movimiento exagerado que alcanzarán en la apoteosis del barroco, de tal forma que apenas sobresalen de la base del triángulo en que se organiza la composición.

Auguste Rodin (1840-1917).Nació en Francia. Escultor sobresaliente en mármol y bronce, artífice de la edad moderna de la escultura. Impulsó su evolución desde un estilo idealista romántico a uno crudo y realista llamado naturalismo, que persigue la expresión más libre e individual. Este cambio, aunque rechazado por muchos especialistas de la época, igualmente terminó siendo ejemplo para los artistas de la escultura moderna que vinieron.Rodin fue contemporáneo de los célebres impresionistas Pizarro y Monet que disentían como él, de los cánones establecidos para el arte, aun influenciado en esa época por la formas idealistas a manera de Miguel Ángel.

El pensador

Rodin recibió en 1880 el encargo oficial de realizar una puerta monumental para el futuro Museo de Artes Decorativas de París, que no llegó a construir. La denomino <<puerta del infierno>>, inspirándose en <<La divina comedia>> de Dante, y se integraban en ellas casi doscientas figuras de diferentes tamaños. Muchas acabaron siendo obras independientes, como esta de El pensador, figura principal destinada al dintel de la puerta. Rodin pensó denominarla el Poeta e identificarla con Dante, pero finalmente opto por que simbolizara al hombre pensante. Formalmente, parece inspirarse, en parte, en una obra de Carpeaux (Ugolino y sus hijos, cuyo dramatismo contrastaba con la comentada de La danza), pero, sobre todo, en Miguel Ángel: la postura recuerda al Pensador de las tumbas Mediceas de Florencia, y la disposición del codo derecho sobre la pierna izquierda nos remite a la figura de la Noche, en la tumba situada frente a la anterior.La combinación de superficies rugosas y pulidas y la multiplicidad de planos producen un juego cambiante de luces y sombras que relaciona esta escultura con las preocupaciones pictóricas de los impresionistas.

Los burgueses de Calais

Rodin recurrió en este encargo a la deformación anatómica para acentuar la fuerza expresiva, con lo que se anticipo al expresionismo.Representa el momento dramático en que los seis burgueses mas importantes de la ciudad de Calais se rinden ante el rey de Inglaterra en 1347, semidesnudos y descalzos, pero con la cabeza descubierta.El ayuntamiento de Calais erigió la obra en 1895 y la elevo sobre un pedestal, en contra de la idea de Rodin, que quería que estuviera a la misma altura de los ciudadanos que pasaran junto a ella.

El beso

Este grupo de 1898 pertenecía también al proyecto de la Puerta del infierno, y estaba inspirado en los amores de dos personajes descritos en la obra de Dante.Como en la obra anterior, Rodin combina las superficies pulidas con las rugosas, que recuerdan el non finito de Miguel Ángel. Pero el rasgo más destacado es la multiplicidad de puntos de vista que permite y que obliga a rodearlo.

Miguel Ángel Buonarroti.

Escultor, pintor, arquitecto, dibujante y poeta florentino. En 1488 entra de aprendiz en el taller de Ghirlandaio, trasladándose más tarde a la escuela de Bertoldo di Giovanni. Tras una breve estancia en Bolonia, en 1496, y hasta 1501, se establece en Roma donde realiza importantes piezas escultóricas, a la que añade un acabado perfecto. En Florencia de nuevo (1501 - 1505), realiza su escultura del David, símbolo de la madurez del renacimiento florentino, y recibe el encargo de pintar un mural de la Batalla de Cascina. Es entonces cuando se traslada a Roma llamado por el papa Julio II quien le encarga su sepulcro así como los frescos del techo de la Capilla Sixtina (1508 - 1512). En 1516 el nuevo papa, León X le encarga el diseño de la fachada de la iglesia de San Lorenzo, donde realiza la Capilla Medici y la Biblioteca Laurenziana, planteándose ambas obras como una fusión entre arquitectura y escultura. Con el tiempo, Pablo III le encarga El Juicio Final para la Capilla Sixtina (1536 - 1541), existiendo entre las pinturas una enorme distancia en cuanto a sentimiento y significado. Los últimos treinta años de su vida los dedica casi por completo a la arquitectura, siendo su encargo más importante el acabar San Pedro. Miguel Angel desarrolla en sus pinturas posibilidades de expresión totalmente nuevas, creando figuras de magnífica intensidad plástica, abordando el tema de su movimiento en el espacio y fundiendo en ellas, el espíritu de la antigüedad con el tema cristiano. Su vocabulario decorativo de la arquitectura se difunde, se aprecia y se emula a lo largo del siglo XVII, siendo una de las fuerzas creadoras que da forma al manierismo.

Tumbas Mediceas

Las denominadas tumbas mediceas fueron realizadas entre 1520 y 1532 para la sacristía nueva de la iglesia de San Lorenzo de Florencia, que diseño el propio Miguel Ángel.

En dos paredes enfrentadas se ubican las estatuas y sepulturas de Giuliano y Lorenzo II de Médicis. Ignorando su rasgos individuales, representó a uno en actitud reflexiva (el pensador) y a otro en actitud vigilante (el guerrero). No pretendió, por tanto, ejecutar retratos, sino personificaciones idealizadas de las dos vías de llegar a Dios según la filosofía neoplatónica:

-la vida contemplativa (El pensador),

-la vida activa (El guerrero).

A sus pies las figuras alegóricas de los cuatro momentos del día simbolizan el trascurso de la vida:

- la aurora y el crepúsculo, los momentos de cambio y transición, bajo el Pensador;

- el día y la noche, los momentos de máxima intensidad, bajo el Guerrero.

Sin embargo, los proyectos de Miguel Ángel para estas tumbas experimentaron tal cantidad de modificaciones a lo largo del tiempo, que algunos historiadores cuestionan que la disposición actual obedezca a las verdaderas intenciones del artista.

David

Encargado por el gobierno de Florencia para la fachada de la catedral, como símbolo de la lucha de la República por su libertad.

Fue realizado entre 1501 y 1503, a partir de un bloque de mármol de Carrara que había quedado sin utilizar por otro escultor. La estrechez y gran altura del bloque, de mas de cuatro metros, condicionaron en parte las características de esta obra.

Miguel Ángel renuncio a representar al David al modo tradicional, después de la victoria y como un joven frágil frente al gigantesco Goliat. Opto en cambio por una figuras colosal y desnuda, como un atleta o héroe de la Antigüedad, que se prepara para un enfrentamiento decisivo.

El perfecto estudio anatómico y la posición de contapposto remiten a la mas dura tradición de la estatuaria clásica griega. Al mismo tiempo, la tensión, que seria en lo sucesivo una característica de las obras de Miguel Ángel, se aprecia en la musculatura y sobre todo en la actitud expectante reflejada en el rostro.

Las manos son demasiado grandes en relación con el cuerpo y se distinguen en ellas, en especial en la derecha, todas las venas y tendones, como si con ello se pretendiese llamar la atención del espectador sobre la piedra oculta que dará la victoria.

Piedad del Vaticano

El grupo de la Piedad que se encuentra actualmente en la Basílica de San Pedro del Vaticano lo realizó Miguel Ángel en 1499 por encargo de un cardenal.Aunque se trata de una creación de juventud, es una de las obras maestras del clasicismo. Su composición piramidal es un modelo de estabilidad y equilibrio, y maravilla el tratamiento de las superficies, capaz de trasmitir todo tipo de sensaciones táctiles.El realismo del cuerpo inerte de Jesús contrasta con la visión idealizada de la Virgen, cuya belleza y juventud la sitúan al margen del paso del tiempo, y cuya serenidad y expresión de dolor contenido resultan realmente conmovedoras.Con esta obra Miguel Ángel inicio el tema de la Piedad, que abordó, aunque de forma mucho mas dramática, en varias obras de su madurez. De hecho, cuando le sorprendió la muerte estaba trabajando en la conocida como Piedad Rodanini, que dejó inacabada. Se ha querido ver en su predilección por el tema del dolor de la madre hacia el hijo muerto una correspondencia con su propio dolor por la perdida de su madre cuando solo era un niño.

Nació en Paredes de Nava, España. Pintor y escultor manierista durante el renacimiento europeo. Recibió educación artística en Italia, donde adoptó el estilo de su contemporaneo Miguel Angel. Vivió en Florencia y al regresar a su tierra natal, trajo consigo el estilo manierista, el que transmitió a sus pares, época en que el Renacimiento se introducía poco a poco en España. La escultura de Berruguete es ecléctica y mezcla estilos de varios otros artistas italianos célebres, entre ellos Rafael y Leonardo. Su especialidad fueron las obras decorativas para iglesia que superan largamente a trabajos de otros escultores ibéricos de la época.

Berruguete

  Autor: Alonso Berruguete  Fecha:1526  Museo: Museo Nacional de Escultura (Valladolid)  Material: Madera policromada

San Sebastián

Fue esta concepción singular de la imagen en Berruguete la que llevó al escultor a acentuar deliberadamente ciertas deformaciones que, en obras como el San Sebastián del Museo de Valladolid, suponen un intento de sustituir el canon de Vigarny por otro más estilizado y alargado, dando pruebas de su interés por el tema de las proporciones, aunque éste fuera asumido con una intención antinormativa, típicamente manierista.

Adoración de los MagosEl monasterio de San Benito el Real, cabeza de la congregación benedictina desde época de los Reyes Católicos, era uno de los más pujantes de Valladolid. Para la elaboración de su retablo mayor se eligió al mejor escultor del momento en la ciudad: Alonso Berruguete. La desamortización eclesiástica del siglo XIX motivó la fragmentación del conjunto, algunos de cuyos relieves se pueden contemplar en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid, destacando el San Cristóbal, el Sacrificio de Isaac y la adoración de los Magos. La gran expresividad de sus figuras, sus formas y proporciones estilizadas, y la variedad de recursos emocionales enfatizados por el uso de la policromía configuran una opción radical donde se combinan, de forma dramática, las más refinadas licencias del Manierismo con unas actitudes patéticas en consonancia con los valores más expresivos de la tradición goticista.

 Autor: Alonso Berruguete  Fecha:1526  Museo: Museo Nacional de Escultura (Valladolid)  Material: Madera policromada

Sacrificio de IsaacProcedente del retablo de San Benito, este grupo constituye un singular exponente de la formulación de los conceptos manieristas aplicados a la escultura con fines devocionales. La gran expresividad de las figuras, sus formas y proporciones estilizadas, y los mecanismos emocionales enfatizados por el uso de la policromía, caracterizan la producción de Alonso de Berruguete donde se combinan, de forma dramática, las más refinadas licencias de manierismo con unas actitudes patéticas, consonantes con los valores más expresivos de la tradición goticista. El San Cristóbal es su compañero.

Autor: Alonso Berruguete  Fecha:1526  Museo: Museo Nacional de Escultura (Valladolid)   Material: Madera policromada

5 ARQUITECTOS 5 ARQUITECTOS

Antoni Gaudí i Cornet

Nacimiento:25 Junio de 1852 en Riudoms o Reus

Fallecimiento:10 Junio de 1926 en Barcelona España (73 años)

Nacionalidad:Española

Arquitecto Español, máximo representante del modernismo catalán.

Gaudí fue un arquitecto con un sentido innato de la geometría y el volumen, así como una gran capacidad imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras antes de pasarlas a planos.

La arquitectura de Gaudí está marcada por un fuerte sello personal, caracterizado por la búsqueda de nuevas soluciones estructurales, que logró después de toda una vida dedicada al análisis de la estructura óptima del edificio, integrado en su entorno y siendo una síntesis de todas las artes y oficios.

Templo Expiatorio de la Sagrada Familia

El Templo Expiatorio de la Sagrada Familia (en catalán Temple Expiatori de la Sagrada Família), conocido simplemente como la Sagrada Família, es un gran templo católico de Barcelona (España), diseñado por el arquitecto catalán Antoni Gaudí. Iniciado en 1882, todavía está en construcción (octubre de 2010). Es la obra maestra de Gaudí, y el máximo exponente de la arquitectura modernista catalana.

Casa BatllóDe afuera la fachada de la Casa Batlló parece como si estuviese hecha de calaveras y huesos. Las calaveras son en realidad balcones y los huesos son pilares.

Gaudi usó colores y formas encontrados en la vida marina como inspiración para su creatividad en este edificio y los colores escogidos para la fachada son aquellos encontrados en un coral natural

El edificio fue diseñado por Gaudi para Josep Batllo , un rico aristócrata , como una casa de lujo.El senor Batllo vivió en las dos plantas de abajo con su familia y las plantas superiores se alquilaron como apartamentos.

Este edificio es un obra original e impresionante además de bien merecedora de una visita. Si te decides a mirar dentro descubrirás lo detallista que era Gaudi con sus diseños en cosas como variar el tamaño de las ventanas dependiendo de su altura . De esta forma pudo asegurarse de que la luz era uniforme en cada habitación de la casa.

Tienen audio guías disponibles en la recepción que te darán información de cada una de las habitaciones.

La Casa MilàEl edificio, por lo innovador, es una típica obra gaudiniana en la que las líneas geométricas son sólo rectas formando planos curvos. Toda su fachada está realizada en piedra calcárea de Villafranca, salvo la parte superior que está cubierta de azulejos blancos, cuya combinación evoca una montaña nevada. En la azotea se encuentran grandes salidas de escalera rematadas con la cruz gaudiniana de cuatro brazos, y chimeneas recubiertas de fragmentos de cerámica, con la apariencia de cabezas de guerreros protegidas por yelmos.

De formas orgánicas, la Casa Milà evoca sin lugar a dudas la naturaleza:

Cabe destacar la belleza del hierro forjado de sus balcones, que simulan plantas trepadoras, obra de los hermanos Lluís y Josep Badia i Miarnau. Posee un total de cinco plantas, más un trastero diáfano realizado en su totalidad con arcos catenarios y la mencionada azotea, así como los dos grandes patios interiores, uno de planta circular y otro de planta oval.

En la fachada destaca el arco ciclópeo de entrada, mientras que la cornisa superior, de forma ondulada, tiene esculpidos capullos de rosa con inscripciones del Ave María en latín

Alexandre Gustave Eiffel Nacimiento:15 Diciembre de 1832 en Dijon

Fallecimiento:27 de diciembre de 1923 en París

Nacionalidad:Francesa

Alexandre Gustave Eiffel, fue un ingeniero francés, especialista en estructuras metálicas. El apellido Eiffel fue adoptado por uno de sus antepasados a principios del siglo XVIII, tomado de su lugar de nacimiento: Marmagen, en la región de Eiffel, ya que en francés no se podía pronunciar su verdadero nombre: Alessandre Gustaf Bönickhausen.

Torre Eiffel

La Torre Eiffel (Tour Eiffel, en francés), inicialmente nombrada torre de 330 metros (tour de 330 mètres), es una estructura de hierro pudelado diseñada por el ingeniero francés Gustave Eiffel y sus colaboradores para la Exposición universal de 1889 en París.

Puente de las Tres Fuentes

Viaducto situado en Almonaster la Real (Huelva, España), próximo a las aldeas de Gil Márquez y Las Veredas. Este puente fue diseñado por discípulos del conocido ingeniero francés Gustave Eiffel.

Puente de Fuentidueña de Tajo

Puente de Fuentidueña, del siglo XIX, sobre el río Tajo.

El Puente de Fuentidueña de Tajo está situado en el municipio homónimo, en el extremo suroriental de la Comunidad de Madrid (España).

Fue construido en hierro sobre el cauce del río Tajo, en la segunda mitad del siglo XIX, por el ingeniero francés Alexandre Gustave Eiffel.

Frank Owen GehryNacimiento:28 Febrero de 1929 En Toronto, Canadá.

Nacionalidad: Canadiense

Arquitecto asentado en Norteamérica, ganador del Premio Pritzker, reconocido por las innovadores y peculiares formas de los edificios que diseña.

Gehry es uno de los arquitectos contemporáneos que considera que la arquitectura es un arte, en el sentido de que una vez terminado un edificio, éste debe ser una obra de arte, como si fuese una escultura. Para acercarse cada vez más a este ideal, Gehry ha ido trabajando en sus sucesivos proyectos en esta dirección, sin abandonar otros aspectos primordiales de la arquitectura, como la funcionalidad del edificio o la integración de éste en el entorno.

Sala de Conciertos Walt Disney

Es la cuarta sala de Conciertos en el Centro de Música de Los Ángeles.

La sala tiene un aforo de 2.265 personas y sirve de sede de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles y el Coro Magistral de Los Ángeles.

La Casa Danzante

La Casa Danzante es un famoso edificio deconstructivista situado en Praga.

Diseñado por el gabinete de arquitectos de Frank Gehry y Vlado Milunic en 1997.

Por su semejanza con una pareja de bailarines es también conocida como Ginger and Fred. A pesar de su estilismo deconstructivista, se integra perfectamente con el resto de las edificaciones que conforman la ribera este del río Moldava.

Torre Gehry

La Torre Gehry es un edificio de nueve plantas, construida por el arquitecto canadiense Frank Gehry, localizada en Hanóver, Alemania.

Su construcción comenzó en 1999, siendo inaugurado el 28 de junio de 2001, con un coste de 8,5 millones de marcos alemanes. Fue promovida por el Servicio de Transportes de Hanóver, el üstra, para el cual Gehry ha diseñado previamente una parada de autobús en la ciudad.

Revestida de acero inoxidable, la torre tiene una original forma estructural torsionada ejecutada con los medios tecnológicos más avanzados de la época, como las principales construcciones del arquitecto

Thomas TelfordNacimiento:

9 Agosto de 1757 en Langholm, Escocia

Fallecimiento:

2 Septiembre de 1834

NacionalidadEscocesa

Cantero, arquitecto e ingeniero civil y notable constructor de puentes, caminos y canales británicos.

Puente colgante de MenaiEs un puente colgante entre la isla de Anglesey y Gales.

Fue diseñado por Thomas Telford y se completó en 1826, es uno de los primeros puentes colgantes modernos en el mundo.

Acueducto de PontcysyllteAcueducto navegable que lleva el canal de Llangollen sobre el valle del río Dee, entre los pueblos de Trevor y Froncysyllte, en el condado de Wrexham al noreste de Gales.

Culminado en 1805, es el acueducto más largo y alto en Gran Bretaña, un monumento clasificado de grado I y un Patrimonio de la Humanidad.

Donato d'Angelo BramanteNacimiento:Año 1444 en Urbino, Italia.

Fallecimiento:

11 Marzo de 1514 en Roma, Italia.

Nacionalidad:

Italiana

Conocido simplemente como Bramante fue un arquitecto italiano, que introdujo el estilo del primer Renacimiento en Milán y el «Alto Renacimiento» en Roma, donde su obra más famosa fue el planeamiento de la Basílica de San Pedro.

Tuvo una formación quattrocentista pero su plenitud artística la alcanza en el siglo XVI. Su arquitectura está caracterizada por la severidad y el uso de planta central cubierta con cúpula

Basílica de San Pedro

Principal edificio del Vaticano, estado soberano dentro de Roma, se encuentra en la orilla oeste del río Tíber. Es el más importante edificio religioso del catolicismo, tanto en términos de volumen (193 m de longitud y 44,5 m de altura) como de renombre. No es la catedral de la diócesis de Roma, pero sí es la iglesia del papa, en la cual celebra las ceremonias litúrgicas más importantes. En su interior se halla la Cathedra Petri, o Trono de San Pedro. La auténtica catedral de Roma es la archibasílica de San Juan de Letrán.

En la basílica está efectivamente enterrado san Pedro, el primer papa, según las investigaciones realizadas por la arqueóloga y epigrafista Margherita Guarducci en 1965.

Santa María delle Grazie

La iglesia y el convento dominico de Santa María delle Grazie se encuentran en Milán, Italia. El refectorio del convento está decorado con el célebre mural de Leonardo da Vinci «La última cena».

En 1980, el conjunto fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Santa María della Pace

Santa María della Pace («Santa María de la Paz») es una de las iglesias de Roma (Italia), en el rione Ponte, no lejos de la plaza Navona.

Es un templo cardenalicio, que en la actualidad ostenta el Arzobispo de Santiago de Chile.

5 FOTÓGRAFOS…5 FOTÓGRAFOS…

OLIVIER GRUNEWALDComenzó su carrera como fotógrafo de deportes de montaña, y en esta calidad, se encontraba en situaciones extremadamente acrobática para capturar los movimientos de los escaladores y alpinistas de talento (el precio de la "La Fundación de la Vocación" en 1988). Atraídos por el desierto, él viaja por todo el mundo para encontrar la luz excepcional y sitios que capta con su cámara de gran formato. Su búsqueda lo ha llevado al extremo norte para ver la aurora boreal (Premio WorldPressPhoto 2002).Su trabajo se publica en muchas revistas, así como en libros.

En el desierto etíope de Danakil, una corriente caliente de agua termal transporta minerales coloristas. Éstos han sido arrastrandos a lo largo de dos kilómetros a través de una gruesa capa de sal.

Dallol, el templo de la Sal en Etiopía

El cráter del volcán está ocupado por un gran lago de

lava, uno de los entornos naturales más calurosos del

mundo, pues desde 2002 emerge magma de su interior. La superficie lacustre se solidifica al contacto con el aire y se

fragmenta formando una costra basáltica negra, por

donde brota la lava en forma de llamaradas. El espectáculo es comparable al nacimiento

de los continentes.

Nyiragongo en el Congo

Desierto de Atacama

Este volcán del desierto de Atacama se eleva a más de 6.000 metros de altitud y suele estar cubierto de nieve. Pero sus fumarolas nos recuerdan que el gigante blanco aún hierve. El origen morfológico de este estratovolcán se remonta, al igual que su vecino gemelo (detrás), al catastrófico colapso de un antecesor común hace unos 10.000 años.

Marcelo Gurruchaga

Gurruchaga se dedica profesionalmente a la fotografía, desde hace más de 25 años. Le interesa la arquitectura y la naturaleza, entre otras cosas. prestigioso fotográfo argentino. A bordo del buque retrato los mil colores de los

témpanos que flota lejos

Su viaje a la Antártida comenzó con una pregunta

y terminó con la certeza de

que allí, en el desierto más desierto del planeta, somos

un punto en la naturaleza.

Rompehielos en la Antártida

Esta fotografía fue realizada con la cámara Nikon de Marcelo Gurruchaga durante su viaje por la Antártida en mayo de 2009. Fue una toma directa, realizando sólo ajustes de contraste respetando la toma y los colores

originales.

Azulados témpanos en las Islas Orcadas

Los colores de la Antártida cambiaban minuto a minuto, los hielos, los atardeceres y amaneceres, los cielos azules y los nublados y las brumas se le presentaban como una paleta que deslumbraba. De esta forma, para Marcelo Gurruchaga, las fotografías tomadas sólo representan en forma muy parcial y acotada la grandiosidad de este continente que contiene en sí, la grandeza de lo infinito y la angustia de la finitud.

Atardecer en la Antártida

Valentí Zapater

Barcelonés de poco más de 40 años, después de licenciarse en Biología por la Universidad Autónoma de Barcelona, en 1989, decidió encaminar su vida hacia la fotografía. Tras varios cursos de formación, exposiciones y premios nacionales e internacionales, Zapater se ha consagrado como un gran fotógrafo de naturaleza . A la vista están los resultados. De hecho acaba de finalizar, en la Galería Kike Calvo , en Zaragoza, la exposición de uno de sus últimos trabajos: Huang-Shan, Poesía en el Paisaje.

Río Escarra, Pirineos

Cascada en el barranco del río Escarra.

Escarrilla, Pirineos

ESTALACTITA Y GOTA DE AGUA CUEVA DEL MOLINO DE ASO (PIRINEOS)

Barranco de Furco, Broto

Un rincón del barranco de Furco. Broto, Pirineos

Michael Martin

Este fotógrafo famoso lleva más de 20 años viajando por todos los desiertos de la Tierra. Como la primera vez que conoció este medio, Michael Martin siente hoy aún una gran fascinación por las insólitas formaciones naturales y los paisajes geográficos del desierto, por su extraordinario mundo animal y vegetal y por los hombres que lo habitan Michael Martin ha recorrido todos los desiertos de nuestro planeta. En sus espectaculares y conmovedoras fotografías muestra no sólo estos inhóspitos y a la vez seductores paisajes, sino a los hombres que han creado allí su hogar. Ellos constituyen el principal centro de atención de su trabajo

La luna en Bolivia

Salida de la luna en el salar de Uyuni, Bolivia.

Volcán ardiente

Cráter ardiendo en el desierto de Karakum, Turkmenistán

Dunas en Níger

Dunas en Arakao, Montañas de Air, Níger.

Kike Calvo

Este un fotógrafo español, afincado en Nueva York, nació en Zaragoza en 1972. Tras cinco años estudiando Economía en la Universidad de Zaragoza, y haber obtenido varios premios en Periodismo de la Universidad de Idaho, forjó su pasión por la fotografía.

Todo comenzó cuando realizó un viaje por Nicaragua con la cámara de su tío. Allí desarrolló su ojo para contar historia. Su cámara fue su único maestro para captar la esencia del país.

Este fotógrafo autodidacta ha refinado su estilo, estudiando formación profesional varias escuelas, entre ellas en la Unidad de Fotografía de las Naciones Unidas. Le han concedido varios premios, como son los caso del galardón de Periodismo en 1999 por su implicación en temas de cooperación y desarrollo.

El mayor de los felinosEl tigre es el felino más grande del

mundo, comparable en tamaño con los grandes félidos fósiles. El

tamaño de los tigres y demás características varían de una subespecie a otra. En estado

salvaje, los tigres machos tienen un peso que oscila entre los 100 y los 306 kg, y una longitud de 210-330 cm. incluyendo la cola (que

mide entre 60 y 100 cm). Mientras tanto, las hembras, mucho más pequeñas, tienen un peso de 85 -

167 kg.

Ojos de búhoLa mirada del búho, Atenea noctua, fue capturada por el fotógrafo Kike Calvo.

La imagen fue tomada en Aragón (España).

Existen más de 4.000 especies de animales que son o pueden ser llamados cangrejos. La mayoría viven cerca o dentro del agua, aunque algunos solo van al agua para reproducirse.

Los cangrejos no suelen ser grandes nadadores, sino que se desplazan por el fondo sobre sus patas, y en muchos casos son capaces de transitar fuera del agua e incluso de trepar por las palmeras

Pinzas de cangrejos