Bienvenidos a este espacio dedicado a la música, literatura y otros vicios: Palo de Lluvia, la música también se lee. Nuestro principal interés es difundir la música como cultura, tradición, creación, forma de expresión, así como aquellos espacios especialmente consagrados a la música. Palo de Lluvia nace cono un espacio abierto a las distintos géneros musicales, tantos, como el ser humano ha requerido para su propia extensión del “ser creativo”, en el mundo.

Reyna Rodríguez RoqueDirectora Editorial

Isaac H. Hernández HernándezDirección de Arte

Ana Laura Rodríguez RoqueDiseño Editorial

Julio Lara RodríguezCorrección de Estilo

Consejo EditorialLeonel Pérez MosquedaPablo Barrera QuintanaJuan Manuel González Tenorio

ColaboradoresGünter Rojas

Teatro Javier Barros Sierra. Pag 2

The Tzolkin, el proyecto que lo hace posible. Pag 16

Y jugaron a las Trovadas, Música Medieval. Pag 8

Reggae, Raíz e Identidad. Pag 28

Bumbury regresa... Pag 14

Storm Thorgerson y el Lado Oscuro de Pink Floyd. Pag 21

La Sinfonía Milenaria. Pag 22

El Monstruo. Pag 32

Palo de Lluvia Primera Época, Número 0, es una revista de divulgación cultural, la obra aquí contenida pertenece a sus respectivos autores, las opiniones aquí vertidas son responsablididad de sus respectivos creadores, por lo que no reflejan necesariamente el sentir de este grupo editorial. Certidicado de Derechos de Autor en trámite, Certificado de Derechos de Contenido en trámite, Certificado de Licitud en trámite.

Palo de Lluvia es una publicación del Grupo Cultural la Iguana apoyado por el Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico 2012 del Fondo Especial para la Cultura y las Artes del Estado de México.

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Reyna Rodríguez Roque, amante del periodismo, por lo que lo ve poco, aunque lo quiera mucho, esposa fiel de la docencia. Admiradora de los Beatles, pero ecléctica al momento de escuchar música, tanto el rock, como la música clásica pueden conmover mi alma. Fan de todos los ritmos bailables y de las fiestas patronales dónde la música es parte importante de la tradición de un pueblo. Principal interés: difundir la riqueza cultural y musical del Estado de México.

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Uno de los principales recintos que acogen no sólo a la música como expresión sublime del arte, sino a otras corrientes artísticas como la danza, el teatro, espectáculos multimedia, conferencias y cine, es el Teatro Javier Barros Sierra, enclavado en el noreste del Estado de México, se cuenta como parte primordial del Centro Cultural Acatlán, el cual es uno de los espacios culturales más apreciados y destacados de la zona.

Por supuesto, que la historia de este lugar no está desligada del surgimiento de la Escuela Nacional de Estudios Profesionales Acatlán, pues su creación tuvo una inminente razón académica de promover, difundir y llevar actividades culturales a los estudiantes de la UNAM, en la zona norte de nuestro estado.

Fue en la década pasada cuando el Consejo Universitario de la UNAM, reconoció a la ENEP, como Facultad de Estudios Superiores Acatlán, concretamente el 5 de marzo de 2004, un rango mayor, debido a su trayectoria y consolidación académica y cultural. Así la Facultad ha contribuido copiosamente al desarrollo cultural de la zona noreste metropolitana.

El teatro lleva el nombre de un destacado ingeniero, escritor y político mexicano, quien fue rector de la UNAM en 1968, trabajó como Primer Secretario de Obras Públicas y participó en el proyecto de ampliación de Ciudad Universitaria, así este espacio recibió el nombre de Javier Barros Sierra. Actualmente, el recinto

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es coordinado por Francisco Muñoz Ávila, Jefe del departamento de actividades culturales de la coordinación de difusión de la FES Acatlán. Es un gran equipo de trabajo el que se encarga de coordinar, diseñar y realizar la logística de todas las actividades que se realizan en el centro cultual, en coordinación con el departamento técnico quiénes de alguna u otra manera hacen que la magia suceda en el escenario de este teatro con una tradición cultural ya arraigada en esta zona del Estado de México.

El Teatro Javier Barros Sierra, se distingue, por ser una enorme construcción de concreto, es uno de los recintos mejor equipados, pues tiene una capacidad de 540 localidades que pueden observar o escuchar cómodamente una obra de teatro, un concierto, coros, ensambles, orquestas filarmónicas, grupos de rock, jazz o blues, todo debido a que el teatro cuenta con las características acústicas necesarias gracias al Lambrín Acústico, dispuesto en las paredes del recinto que permiten se distribuya de manera adecuada y armónica el sonido; ésto indicó, en entrevista el jefe del departamento técnico del Centro Cultural Acatlán, Hugo Moya.

Además, el recinto cuenta con una maquinaria teatral que permite hacer movimientos escenográficos para producciones grandes que así lo requieran, cuenta con una consola de luz bastante apropiada para generar ambientes y luces especiales, en cuestión de sonido el teatro tiene lo que se denomina una PA, una base

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de amplificación para toda la sala y bocinas extras

que permiten llenar todo el espacio con sonido

amplificado, además, cuenta con proyectores de

35mm, o cinematográficos, que han permitido

que este recinto albergue, ya tradicionalmente, la

Muestra Internacional de Cine y el Tour de Cine

Francés, privilegio del cuál goza, el Teatro “Javier

Barros Sierra”.

Por otro lado, en el teatro se cuenta con el

personal técnico capacitado y calificado en cada una

de las disciplinas teatrales como son la tramoya, la

iluminación, el audio, la utilería y proyecciones. En lo

que respecta a la logística cabe destacar que el equipo

que dirige Francisco Muñoz organiza, planea, pero

sobre todo difunde los eventos de tal manera que

con el adecuado diseño de un espectáculo, se cubran

las necesidades planteadas por los artistas o por la

gente que asiste a ver el espectáculo. “En términos

generales el teatro es el mejor espacio cultural de

la zona, no solo lo es por la infraestructura técnica

y en espacio, sino también por la habilidad y por la

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planeación que se tiene en cuanto a las actividades

programadas al interior de este espacio”, señaló el

director del Centro Cultural Acatlán.

Este año simplemente se han presentado

con gran éxito, Horacio Franco, dirigiendo al Coro de

Madrigalistas de Bellas Artes, Calacas Jazz Band, así

como el Festival del Blues con el fundador del grupo

Real de Catorce, José Cruz, se presentó también en

este acto el grupo Follaje; otros grupos destacados

fueron Desconecte y La Chilanga Habanera. No

cabe duda que el teatro es uno de los recintos más

significativos en lo que actividades culturales y

artísticas se refiere, no solamente es un lugar para los

universitarios, se ha convertido en un espacio abierto

a todo público, te invitamos a conocerlo y a gozar de

todas las propuestas culturales que brinda. Ésta es

nuestra primera recomendación en ACÚSTIKA, nos

vemos en la próxima.

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Pablo Barrera es Licenciado en Ciencias de la Comunicación, miembro de la Asociación de Escritores del Estado de México, del Grupo Cultural la Iguana, esgrimista de corazón, escritor-guerrero y declarado amante de la música medieval.

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“Me mantuve de rodillas, escuchando el sonido profundo de los cantos

sagrados y la salmodia proveniente de todos los presentes, la misa de la que formaba parte dejó paso a la música y al trance que los monjes provocaban con su embrujo. “

Esta imagen que te describo lector, no refleja toda la verdad sobre la música medieval, pues fuera de las grandes catedrales y lejos de los monasterios doctos, justo al salir de las iglesias otras melodías muy distintas eran interpretadas.

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Alrededor de los siglos del XI al XV existían artistas itinerantes llamados juglares y trovadores, los cuales guardaban diferencias importantes entre si, pues etimológicamente, juglar (del latín bromear, jugar) se refiere a los artistas que además de cantar e interpretar las melodías, realizaban piruetas y bromas, adaptaban y vulgarizaban las letras de las canciones el público, de acuerdo con la situación y lugar donde estuvieran, pues generalmente estos acróbatas - cantores - interpretes comerciaban con autorías ajenas.

La contraparte de esta interpretación popular es el trovador (del latín tropare, componer tropos y

mas tarde descubrir o inventar ) quien componía, cantaba e interpretaba sus

propias composiciones en un ámbito mas cortesano y de salón. Hoy en

día se conocen algunas de estas letras y composiciones

musicales en poemas y

recopilaciones de manuscritos franceses de origen en su mayoría occitano. En dicha región al sur de Francia, floreció esta cultura durante el siglo XII con trovadores de los que aun conservamos memoria, como Guillermo de Poitiers, Marcabrú o Eble de Ventadour.

La música es imparable en su andar; a principios del siglo XIII se extendió hacia el norte de Francia, Italia y España, fundándose academias y festivales en donde los trovadores competían en sus dotes musicales y poéticas, ayudando así a la movilidad cultural y social. Al extenderse la influencia creativa de estos artistas, se multiplicó su origen. Los trovadores provenían de diversos estamentos sociales como la nobleza, la burguesía, el pueblo e incluso el clero. Al ser la música del trovador una muestra de intelectualidad y arte, varios nobles poderosos fueron importantes exponentes del género, como el conde Teobaldo IV, quien posteriormente se convirtió en rey de Navarra.

Un aspirante a trovador podía empezar su carrera como juglar, interpretando la música y las

composiciones de otros artistas famosos, pues su principal función era la difusión social, así que adaptaba las canciones al gusto del público según la región en donde se encontrara. Aunque parezca que el juglar tiene

menos méritos artísticos, lo cierto es que en las recopilaciones es difícil entrever las aportaciones a las melodías entre trovadores y juglares, pues el juglar poseía mucha más libertad creativa, misma que el trovador, encerrado en un ambiente cortesano,

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envidiaba, ya que sus composiciones estaban destinadas a ser políticamente correctas.

Tanto trovadores como juglares interpretaban música con diversos

instrumentos de la época, como el laúd, las gaitas, diversas flautas y dulzainas, también estaba la viola de rueda, tambores y la cítara. Las flautas fueron bastante comunes en múltiples formas, algunas de ellas se conservan hoy en

día, como es el caso de la flauta dulce, las cuál, a diferencia de las versiones actuales, se fabricaba

en madera. También se adaptaban diversas modalidades que se ganaron la popularidad como la zampoña o flauta de pan, que ya era utilizada en otras latitudes y épocas para acompañar piezas teatrales y marchas. La cítara es un instrumento de pulsión de cuerdas, y había también múltiples instrumentos de percusión de carácter extranjero, como la Darbuka, de origen árabe.

Las obras de los trovadores y juglares se conservan en recopilaciones o cancioneros, que en ocasiones están ricamente decorados e ilustrados , pues eran encargados por señores poderosos. Los que se conservan, van del siglo XIII al XV. En México existen varios grupos y particulares dedicados al recreacionismo musical de gran calidad, como el maestro flautista Adalberto Cañez, cuya interpretación e investigación de música barroca y medieval es ampliamente reconocida, o el grupo Tempora Vagantibus formado en el año 2006, que recrea, compone e interpreta música y letra de la tradición medieval tanto profana como litúrgica, con instrumentos históricos y excelente calidad. Este grupo se ha presentado en diversos festivales medievales en nuestra ciudad y otros foros culturales como el Museo Nacional del Virreinato o el Museo Británico. Personifican tanto a la juglaría como a los trovadores, representando aquellos que llegaban a los castillos, condados, mercados, plazas y diversos lugares públicos para interpretar historias y melodías populares y cortesanas.

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“Me levanté del piso de la catedral, ya libre de pensamientos sagrados, pues otro tipo de llamado me llevó hacia la plaza, lejos de la ritualidad. Al salir me encontré de bruces con un rapaz vestido de arlequín que jugaba chanzas a los asistentes, la música de tambores, flautas y laudes se combinaba con gaitas y cantos, con los colores y los bailes de la fiesta de los simples, de los profanos, de la espiritualidad del trago amable. Miles de colores y disfraces por doquier, un hechizo acaso más poderoso colocó un vaso de aguamiel en mi mano y una tonada en el corazón. Alegre me uní a los bailarines o eso, por lo menos, es lo que recuerdo.”

Bibliografía: Beltrando-Patier,

Marie-Claire.Historia de la Música. Espasa Calpe 1996.

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Viernes 23 de marzo, 21:00 horas y el esce-nario principal del festival Vive Latino 2012 ya estaba abarrotado por miles de jóvenes dis-frutando de la actuación de Zoé, quien dio la sorpresa de la noche al presentar un dueto con Enrique Bunbury de la canción Nada. Sin duda una combinación de mucho contraste, pero que en vivo arrancó gritos, aplausos y emoción del público.

Minutos después llegaba la tan esperada par-ticipación de Bunbury uno de los consentidos de America Latina pero sobre todo de México. Verlo en el escenario es todo un placer para sus fans; música, voz, personalidad, y ambiente se conjugaron esa noche en el foro sol, en donde presentó su nueva producción discográfica titu-lada El licenciado cantinas, disco que refleja su pasión por el folklore latino.

Ánimas que no amanezca

que sea puro a media noche

que hasta que el cuerpo aguante

hay que darle cuanto quiera

sin dudas y sin reproches...

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El mar, el cielo y tú marco el inicio del show por parte de los santos inocentes quienes son los músicos que acompañan al español, dos minutos después entre gritos apabullantes Bunbury comenzó así: Lléevame, lléevame, lléevame al cora-zón... Dale flaco!!! Y al fondo se escucha el acordeón... todo parece una combina-ción perfecta.

Claro no podía faltar un caluroso salu-do “Muchas gracias México es un inmenso placer estar con todos ustedes esta noche, en el festival del rock en español más im-portante del mundo venimos con algunas canciones cantineras, algunas revolucio-narias y otras canciones melancólicas para los corazones solitarios”. De mi parte diría ¿Cómo no disfrutar de este tipo?

Es así como fueron pasando canciones como: Ódiame, El extranjero, Que tengas suertecita, El diario de un borracho, La se-ñorita hermafrodita. A pesar del cansan-cio, las chelas y lo fresco de la noche el público no dejaba de cantar las canciones que rápido se fue el tiempo y las elegidas para el final fueron Sí y El hombre delga-do que no flaqueara jamás . Sin embargo ante la insistencia del publico, el ex Héroe del Silencio como todo un triunfador que es aclamado por sus fans, salió a interpre-tar otras dos canciones.

Amado y odiado por muchos al mismo tiempo,

la curiosidad por verlo siempre sale ganando.

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A finales de marzo del 2006, Voltan esperaba con ansiedad que Dream Theater terminara los retoques finales a su disco Score, con el cual celebraban veinte años liderando el escenario del metal progresivo. Ese mismo año, a principios de mayo, Danimerol lamentaba que por problemas de incipiente locura Martin López abandonara Opeth (sólo entonces la canción Ghost of Perdition tuvo sentido). En ese mismo año, Voltan y Danimerol se conocieron, sin saber que darían principio a la historia de uno de los proyectos más interesantes del escenario nacional: Tzolkin 2012

Voltan estaba por terminar la carrera de psicología. Intrigado por las teorías interconductistas,

logró posicionarse en el prestigiado círculo de investigación de la Facultad de Estudios Superiores Campus Iztacala, el denominado Grupo T. Danimerol estudiaba Biología en la misma facultad. Su primer encuentro tuvo lugar en el conocido bar Las Bombillas. Tras un profundo intercambio de palabras, o mejor dicho, de intereses musicales, ya estaban planeando el primer ensayo.

Voltan a la batería (era un modelo desvencijado que no sorprendía a nadie) y Danimerol en la guitarra (una Fender Stratocaster que ganaría en un concurso propiciado por Evanescense) sin otro ánimo más auténtico que el de crear una música que sonara «No a lo que se escuchaba en la radio,

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Leonel Pérez Mosqueda, Sociólogo, melómano, escritor frustrante. Imparte clases de literatura y otras hierbas en una escuela privada; cursa el diplomado de creación literaria por parte del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA).

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sino a eso que sonaba día y noche en nuestra cabeza» formalizaron las reuniones,

A mediados 2007 Danimerol presenta los primeros borradores de The Mirror. De inmediato empiezan a componer: terminaron en ocho sesiones. The Mirror refleja la lucha constante del ente frente al espejo, el eterno conflicto de percepciones. «Es una balada obscura, su acústica nos remite a una atmósfera etérea. Es una conversación instrumental, quizá un tanto barroca» Nos comenta en entrevista Danimerol «La pieza nunca abandona la calidez acústica que la construye. Es esa guerra con uno mismo; esa guerra que siempre tememos perder.»

Siguiendo los principios del miedo al reflejo de su imagen, en 2008 componen Scared: ahora con acordes y una rítmica bien acentuada que busca disfrazar el rencor y odio que subyace a la canción. «Es el miedo, sí, pero también es el odio interno que incita las diversas facetas de la violencia» Señala Voltan «Incluso es la muerte hacia lo que se ama» I Have to pull the trigger… se presiente un dolor -¿sentimental, acaso?- pero también una necesidad de escapatoria.

Con tendencias al progresivo más metaleroso, no evade su gusto por las modulaciones rítmicas que a ratos se tornan irregulares; elegantes cambios de compases compuestos in crecendo hacia una atmósfera caótica, de tensión, de Thriller, pues.

Con estas dos canciones Tzolkin sabía que estaban logrando materializar un proceso musical largamente esperado; «Sin embargo, como en todo proceso creativo, existen ciclos que deben cerrarse para dar continuidad a nuevas etapas» Comenta Danimerol, «Debía existir un eslabón que mantuviera viva la esencia de ese primer ciclo, pero a la vez que nos impulsara al paso siguiente». Ese eslabón fuer Beyond Myself.

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Pieza de 11:21 minutos, la canción más larga del proyecto, es todo un mosaico sinestésico, «Como su nombre lo dice, la canción habla de ir más allá de uno mismo» Señala Danimerol «Creemos que ir mas allá consiste en que la música nos motive a elevar nuestro espíritu, pero también nuestras capacidades creativas» agrega Voltan.

¿Qué escuchamos en Beyond… definidas altas y bajas emocionales. Una canción compuesta en cinco movimientos:

1er movimiento: Introducción de metal progresivo, con un elegante 5/4.

2º movimiento: Énfasis de la línea vocal con una estructura típica verso-coro, jugando con los centros tonales.

3er movimiento: Introducción que gira entre atmósferas acústicas hasta una base rítmica más estable, con desarrollos típicos de rock progresivo.

4º movimiento: descenso (anticlímax) con una atmósfera emotiva; es el corazón de la canción.

5º movimiento: Regreso a las modulaciones rítmicas, cierre con una modificación del redoble inicial, intentando captar un concepto cíclico.

Han pasado ya dos años y el proyecto Tzolkin ha terminado su primera etapa. Fue hasta este punto que consideran necesario realizar las primeras grabaciones. A finales del 2008 decidieron grabar en dos estudios diferentes, sin que los resultados cumplieran sus expectativas, por lo cual decidieron destruir los demos. Explica Danimerol: «Decidimos dejar esos asuntos y regresar al proceso compositivo, que es donde nos sentíamos más cómodos. Sabíamos que Beyond… marcaba un final de ciclo, pero no teníamos muy claro el paso siguiente. Nos sumergimos en la búsqueda de ritmos y géneros que escapaban a nuestra tendencia; desde la música más autóctona, hasta los más variados estilos latinos [...] No buscábamos hacer una

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fusión» explica Voltan «o en el peor de los casos, una pretenciosa sucesión de ritmos».

Esta búsqueda los llevó a componer en 2010 dos canciones más.

Another Daylight. (5:45 min) una balada que coquetea con el funk y el alternativo de tendencia progresiva «Es una melodía correcta, aventurada, y de inspiración femenina» explica Danimerol «Descubre el sentimiento recíproco de un afecto que nunca se consolida».

Relatividad (10:19 min) Es sin duda la canción más importante de este proyecto. Con una evidente madurez y crecimiento musical, el tema sabe incorporar influencias y sensaciones nuevas. Desde un sonido latino hasta un metal propio de la vieja escuela, no se estanca en un mero listado o collage de ritmos pegados con la estricta finalidad de sonar a eso que los incautos llaman fusión; es algo más. Es el resultado de los años de trabajo y de búsqueda constante por obtener lo que toda banda anhela desde su primera melodía: U n sonido propio.

Relatividad, no sólo resume la línea temporal de este proyecto destinado a permanecer en la historia, sino el principio de un estilo que se mantendrá en la boca y en los oídos del melómano más exigente.

En enero del 2012 Mauricio Hernández se incorpora como segundo guitarrista, acompañando a la banda en la inauguración de su primer EP, producido por Tzolkin 2012 en colaboración con el ingeniero de sonido Bosta, grabado en el estudio Calibre Records.

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Storm Thorgerson, Diseñador Británico que debemos recordar por ser el artista tras las portadas surrealistas de los discos de Pink Floyd. La favorita de chicos y grandes: Dark Sise of the Moon.

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La historia de la música ha comenzado en el silencio, en el gran eco milenario que ha atravesado a todas las culturas del mundo. El primer ritmo que escuchamos como humanidad fue el latido del corazón materno, cuya resonancia aun nos acompaña. Fue ese latido que más tarde pasó a escucharse en los tambores ceremoniales de todas las culturas del mundo.

La música como fenómeno físico, psicológico, estético y cultural es una expresión profunda que nuestros sentidos captan en toda su complejidad, tanto así que cuando la etnomusicología empezó por estudiar la historia y la cultura de los pueblos a través de su música, se hicieron manifiestos nuevos rasgos de autenticidad y particularidad en dichos pueblos. Ejemplo: en un estudio comparativo entre las culturas del mundo se han de encontrar expresiones musicales únicas ligadas a cada cosmovisión y tecnología. La música es un rasgo cultural con el que podemos comprender al espíritu humano como algo más abstracto, subjetivo y universal, y cuya naturaleza guarda misteriosamente relación con una percepción mística que las tribus primitivas comprobaron en su andar.

La música, la poesía, los cantos, las danzas, etc, surgieron de una simbiosis de la más honda expresión humana. Estudiar el transcurso evolutivo de la humanidad, ligado a la historia de la música, nos lleva a hablar, forzosamente, de una manifestación del subconsciente colectivo, el que a su vez, nos arrojará a investigar las relaciones entre las cualidades sensoriales, la imaginación y el conocimiento genético musical. En otras palabras la música es un lenguaje interplanetario de la psique humana y un testimonio intangible de la humanidad. Todos somos capaces de compartir generación tras generación este conocimiento de ritmos milenarios, melodías, sonidos y silencios,

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no obstante como diría Rousseau: “la música es cultural y no natural”, igualmente que el lenguaje: necesita crecer dentro de una sociedad, para completar el ciclo funcional de comunicación, ejecución, recepción.

Ubiquémonos en las raíces de nuestra cultura para hablar de nuestros instrumentos y artilugios sonoros. El “huehuetl”, tambor de cantos y danzas, su significado es “viejo y venerado”. Es el instrumento que representa al latido materno, creación, vida y movimiento y que comparte una conexión entre el pulso de la tierra y el latir del corazón de los hombres, dentro de la “toltecayotl”, que fue el tronco común filosófico-teológico de todas las culturas del antiguo Anáhuac y la periferia de todo el país; y que es hoy nuestro legado.

La palabra florida o “xochitl in cuicatl” es el concepto de alta poesía para el idioma Nahuatl. Significa hacer de la palabra un rezo con el que se regrese la vitalidad esencial que los hombres toman con sus ojos, con su olfato, con su vida misma a la existencia. Con este concepto, la palabra se dirige, buscando entablar los pactos con los elementos formadores de la vida, de la noche, del maíz, los ríos, el tiempo y el espacio. Pactos que nos conectan con el gran espíritu creador. Mezclando la música, la danza y el lenguaje poético, la expresión humana se eleva en la más alta expresión artística jamás creada. De este modo, sabemos, por las crónicas de la Nueva España, que los rituales fueron, y siguen siendo, verdaderos símbolos de fiesta y amor por la vida.

¿Alguna vez han asistido a una velación medicinal con los huicholes, o mejor como ellos se hacen llamar: los Wirrárikas? Los cantos de los mara’akames (compréndase chamanes pero en lengua wirrárika), son lanzados a las entidades incorpóreas creadoras del universo, por ejemplo: al tatewari, que quiere decir “el abuelo fuego”. En ese canto donde se entabla un diálogo con los elementales, el pensamiento mágico hace visible lo invisible, pero lo más increíble de ese diálogo es el ritmo y la musicalización con que se lleva

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a cabo. El mara’akame puede estar cantando por varias horas e incluso toda la noche. La ejecución de un canto así sorprendería a cualquiera, porque el conocimiento milenario dentro de su canto, como un medio para elevar el espíritu, experimenta una conexión mística con el gran espíritu o la mente del universo. La experiencia de velación de la medicina del peyote trasciende las barreras de lo racional y lógicamente comprensible.

La música ha de revelarnos esa parte de nuestra condición humana en donde el proceso de percepción y expresión son ininteligibles, a menos que usemos el mismo lenguaje para decodificar esa realidad imaginativa: la música y las artes en general.

Sabían que el estudio de la Cimática ha comprobado científicamente que toda la materia en el universo es alterada o modificada directamente por las ondas electromagnéticas que son generadas por la misma energía dentro de toda materia, asimismo, el pensamiento humano refleja esos efectos, haciendo un análisis de las distintas formas humanas inmersas en su cultura, la mente es moldeada dependiendo de la música que se escuche y el pensamiento que se arraigue. Existieron culturas antiguas en donde los conceptos de música y danza o poesía y música significaban lo mismo. Nosotros podemos entender a la danza como una consecuencia de la música, íntimamente ligadas. La danza podría ser música, en teoría de la danza contemporánea, no se necesita realmente música para llevar a cabo la ejecución dancística. Lo que se ha propuesto acerca de la danza desde hace ya un siglo,

es que el

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movimiento del cuerpo es una forma de hacer música, más sutil, silenciosa, interna pero sin que deje de ser precisa. La danza es la verdadera pareja de la música, nos invita a transformarnos en ella; nos pide que la acompañemos, existencia de un misterio que se resiste a las llaves de lo material y de la lógica, la danza secreta música, tu música interna.i

Hablando de las muchas culturas folklóricas mexicanas de las que conocemos gracias a una viva tradición que permanece hoy en día con rituales, danzas, cantos, literatura, etc. aunque con muchos problemas mismos que los orillan a la extinción de su cultura. Si realmente nos dirigiéramos a aprehender de la tradición oral que por siglos secretamente viene trascendiendo, seguro que crecería en todos nosotros una nueva memoria de amor por nuestro planeta y una consciencia más humanística, que respetase en el hondo corazón las ideologías y creencias de todos nuestros semejantes culturales, por el simple hecho de haber tenido todos un mismo origen. Además que, las prácticas religiosas donde exista danza y música, nos abren puertas hacia otros entendimientos, el subjetivo, el sensible. La música junto con la danza tienen el objetivo de unirnos con lo intangible, de hacer compartidas emociones, y de descubrir en un latido, toda la complejidad de nuestra mente, pero también la vacuidad del lenguaje hablado, que no logra percibir lo mismo que nuestros demás sentidos en conjunto.

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i PAZ, Octavio. Claude Levi-Strauss o el nuevo festín de Esopo. México: J. Mortiz. 1967.

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La música como expresión artística está supeditada a la percepción del mundo de cada individuo que la produce. Este rasgo es algo característico de la música producida en la isla de Jamaica, ya que al ser de las últimas en obtener si independencia como colonia inglesa en 1962, preciso de un movimiento de identidad inmediata. Ya que por ser anexión a un reino como el inglés, tenia en su cultura elementos ajenos a los suyos por todas partes, esto provoco que la música como medio de expresión y de comunicación fuera la bandera que los caracterizaría en adelante.

La pobreza no era ajena a esta liberación, ya que

pocos tuvieron acceso a la educación y ahora que estaban a su suerte, tenían que sobrevivir de algo. Por eso en las iglesias como servicio comunitario se

comenzó la enseñanza de la música como un oficio que se

propagó por toda la isla y que permitió ir forjando el primer ritmo netamente jamaicano.

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Así en esa misma década de los 60 aparece un ritmo conocido como Ska, que fue ampliamente aceptado en Inglaterra y varias partes de los Estados Unidos e incluso se sabe que los Roling Stones y los Beatles iban a bailarlo por la escena underground del reino unido, esto permitió a sus músicos acrecentar su creatividad y en un par de años tomo el escenario un ritmo llamado rocksteady.

Y fue cuestión de tiempo para la llegada del reggae que como característica única a diferencia de sus dos hermanos mayores contenía un skank (off-beat), que acentúa en segundo y cuarto beat de cada compás, haciendo de la guitarra la conexión o extensión del segundo al cuarto compás que permite al bajo participar activamente en la cadencia única de esta música.

La palabra reggae aparece por primera ves en un disco de los músicos Toots & The Maytals titulado Do the reggae, editado en 1968, esta palabra tiene varias versiones sobre su nacimiento y significado ya que se usaban palabras en la isla que dejan abierto muchas posibilidades, se dice que viene de la palabra streggae que significa andrajoso, otra versión es que viene de rege en el vocablo inglés como pelea o lucha, una versión más es que streggae en la lengua patoi (lengua única de la isla de Jamaica) que significa mujer fácil o mujer de todos.

Pero con el nombre de reggae logró dar la vuelta el mundo de la mano de Robert Nesta Marley y Jimmy Cliff, quienes lograron impresionar tanto a los músicos que por su protesta y disconformidad social inspiraron a los creadores del punk y le dieron esa hermandad tan extraña que conocemos.

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El reggae no murió con Marley, al contrario creció y maduró, después del reggae vino el dance hall, reggae roots, reggae concius, reggae dub, rasta reggae, hip hop reggae, new roots, reggae lover, reggae en español y reggae regional.

Todas estas variantes vienen del mismo lugar y permiten a este género mantenerse vigente por su ritmo, mensaje y conciencia personal.

Cabe mencionar que el reggae y el Rastafarismo son cosas diferentes, muchos músicos no siguen al ideología rastafari por no comulgar con sus ideas, pero usan el mensaje para expresarse, la música Rastafari es la del tambor Nyahbinghi y pocos deciden hacer música reggae debido a lo que les enseña Rastafari.

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Colaborador y miembro del consejo editorial de la revista “El mar de la Iguana” y “Desde el ropero”, Colaborador del periódico “La entrevista política del estado de México”, Director general de la radio por internet “Jah jah Radio”, Productor del programa “Jamaica sounds” en el 93.9 fm la radio de todos en Tuxtla Gutiérrez Chiapas. Colaborador en las radios por internet “Mundo bajo” y “Metal rock avenue”, miembro fundador del colectivo Urban zion crew Guadalajara y D.F

El reggae hoy día es propiedad de todos y sirve para expresarse de una manera particular, vale la pena conocerlo y escuchar el mensaje que cada artista quiere comunicar ya que por algo a logrado influir a tantos en tan poco tiempo.

Respect!

Imperdible 1:Un disco crudo y crítico es Rastaman

Vibration (1976) de Robert Nesta Marely. No debe faltar en tu audioteca.

Imperdible 2:Disco lanzamiento de Alborosie: Soul

pirate (2008) Una producción disfrutable y que retoma el reggae clásico, de colección.

Dato:El verde, amarillo y rojo. Viene de la

ideología Garveynista que recuerda al Verde como el color de África, el amarillo el oro o riqueza de su tierra y el rojo la sangre de todos los africanos caídos. El negro como color de la piel.

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El monstruo estaba allí. Se había posado en una explanada grande, gobernable, segura. Con plena confianza, abrió sus alas y gritó al mundo.

Algunos acudieron a verlo, lo acecharon. Durante días; quisieron domarlo, pero el los aplastó con sus pies de concreto.

Una persona, que había estado observándolo, decidió acercarse.

El monstruo lo miró atento con sus mil ojos de vidrio elegante. Se acercó lo suficiente para mostrar sus manos y mientras el monstruo movía uno de sus tentáculos para tomarlo por la cintura, el abrió los brazos, levantó el rostro y cerrando los ojos, le dejó hacer. Entonces vino la comunión.

Habiendo acuerdo tácito, el monstruo abrió sus fauces de hierro y lo enguyó. Continuó masticándolo con sus dientes de tiempo hasta escupirlo cuando era un viejo; algunos meses antes de que llegara su jubilación.

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“La Caída del Colibrí”Acrílico sobre maderaIgnacio Bravo Castillo