Periódico Julio - Agosto 2012 - bescultura.gov.co · “A siete años de un suceso, el suceso ya...

1ARTERIA Ed. 34 Julio - Agosto 2012

Informaciones, opiniones y todo lo que necesita saber sobre el arte en Colombia.

“A siete años de un suceso, el suceso ya es otro”. Atribuido a Camilo José Cela, Premio Nobel de Literatura 1989.

Periódico

Año 7 # 34. Julio - Agosto 2012. Versión descargable en PDF www.periodicoarteria.com

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ISSN: 1794-9653

777 palabras para los siete años del periódico ARTERIA: El periódico ARTERIA cumple siete (7) años. ARTERIA viene del latín arteria y su significado del verbo, en griego antiguo ἀείρειν (airein) “elevar”. La palabra arteria tiene siete letras. El periódico ARTERIA, como portador de un siete (7), tiene como misión elevarse y tiene el poder de elevar a los demás. Convertirse en el “recipiente”, la humildad, corresponde al séptimo principio de Servicio y le incumbe el poder inherente en el “recipiente” de “elevarse desde abajo”. Las siete letras de ARTERIA: A A E I R R T. Veintiuna (7x3) palabras que se escriben con estas siete (7) letras: a, aire, airear, ara, arar, are, arte, ata, atar, aterra, atrae, atraer, era, errata, re, tarea, tiara, tierra, tira, tirar, traer. A: ARTERIA empieza con la letra A. La letra A proviene de la letra griega alpha, usada para denotar el principio de algo. El concepto de principio es inmanente al número siete (7). El número siete (7), representa el principio de la recta y de la curva, del Tiempo y del Espacio. Siete es el número del Génesis. Siete son los días de la Creación. El principio de Generación es el séptimo de los siete principios de la Verdad. Este principio obra en el sentido de generar, regenerar y crear. La generación se manifiesta cuando las fuerzas masculina y femenina están en acción. Siete es la suma de lo femenino y lo masculino, de lo pasivo y lo activo, representados por los números 4 y 3. AIRE: ARTERIA cumple siete años. Los ciclos de siete están asociados con el aire y la libertad. Siete son los meses de gestación del ser humano para poder vivir al aire. Durante la vida se van recorriendo etapas de siete en siete años. Siete son los ciclos (7, 14, 21, 28, 35, 42, 49) que se cumplen para llegar a la madurez y lograr la libertad. AIREAR: Poner al aire. Dar actualidad a una cosa, hacerla pública. Sacar a la luz. La luz es una forma de movimiento vibratorio. La Vibración es el tercero de los siete grandes principios Herméticos. El principio de Vibración encierra la verdad de que el movimiento se manifiesta en todo el Universo. Nada está en reposo. Todo se mueve, vibra y circula. ARA, ARAR, ARE: Siete años dura cada ciclo de arar el campo, plantar, sembrar o trabajar en él. ARTE: Siete son las Artes Liberales. Siete son las Bellas Artes. ATA, ATAR: Relacionar, unir. El siete todo lo comprende, todo lo contiene. El siete relaciona, une. ATERRA: Aterroriza la irreductibilidad del número siete. Los demonios divinos son siete veces siete. Siete son las cabezas de la Bestia, siete las Copas de la Ira, siete las Plagas Postreras, siete las Trompetas que anuncian el Juicio Final. ATRAE, ATRAER: El número siete (7) atrae la fortuna y la buena suerte. ERA: Se divide en siete a todos los ciclos, de principio a fin. Las siete edades del mundo. Las siete edades del hombre. ERRATA: equivocación cometida en lo impreso. Es conveniente conocer los siete errores más comunes que se cometen y que se deben evitar. RE: prefijo que expresa fundamentalmente repetición. De la creencia de conexión surge la repetición. Aristóteles y Pitágoras correlacionaron los siete tonos del arco iris con los siete tonos de la escala musical, que a su vez se relacionaban con las siete vibraciones producidas por los siete planetas. Newton dividió el espectro visible en siete colores por esta creencia de conexión. Siete es un número recurrente. Siete son las maravillas del mundo, siete, las nuevas maravillas del mundo. Siete son los sabios de Grecia, siete los reyes de Roma, los siete enanitos son siete, siete las vidas del gato, las siete vacas gordas que fueron devoradas por siete vacas flacas, Las siete ocasiones, La séptima víctima, Siete años en el Tibet, los siete sagrados dones... TAREA: Las siete tareas de Cristo después de su resurrección. TIARA: Las siete puntas de la tiara de la estatua de la libertad. TIERRA: El número siete (7) se relaciona con el número cuatro (4) que simboliza a la Tierra, influenciada por los siete cuerpos celestes que originaron los nombres de los siete días de la semana. TIRA, TIRAR: cada edición de ARTERIA tiene un tiraje de 25.000 ejemplares. 2+5+0+0+0=7. TRAER: Atraer, tirar hacia sí. Volvemos a ARTERIA. Esta edición será la número 34, 3+4=7, y tiene 28 páginas, 7x4=28. El periódico ARTERIA cumple siete años. Siete es el número del acabamiento cíclico y de su renovación. La séptima carta del tarot Le chariot representa la acción en el mundo por excelencia, el éxito, la voluntad victoriosa. ¡Feliz cumpleaños!

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2 ARTERIA Ed. 34 Julio - Agosto 2012

Entre el 5 y el 18 de agosto, se realiza en Colombia la primera versión de LARA (Latin American Roaming Art), un proyecto itinerante de artis-tas en residencia que ha sido desarrollado con-juntamente entre Asiaciti Trust (una compañía internacional líder en fideicomisos, originaria de la región Asia-Pacífico) y Alexia Tala, curadora chi-lena de arte contemporáneo. LARA, dirigido por Amanda Briggs, es un proyecto que cuenta con la presencia de un curador del país en que se realiza e invita ocho artistas (tres pertenecientes al país an-fitrión y cinco de otros países de América Latina) a experimentar creativamente un nuevo ambiente social, cultural, geográfico y político. El lugar de la residencia cambiará cada año; y su objetivo es dar inicio a un diálogo, al pensamiento crítico y a la interacción entre las comunidades locales y la-tinoamericanas mediante una respuesta creativa frente a una experiencia y a un lugar en particular.Esta primera versión, cuenta con la curaduría na-cional de José Ignacio Roca y la presencia de los artistas: Adriana Bustos (Argentina), Ximena Garrido-Lecca (Perú), Alejandra Prieto (Chile), Caio Reisewitz (Brasil) y Pablo Uribe (Uruguay) y Leyla Cárdenas, Rosario López y Nicolás Con-suegra (Colombia).Tras la residencia de dos semanas en Honda (To-lima), los ocho artistas regresarán a sus estudios a producir obra, que será expuesta entre el 16 de marzo y el 27 de abril de 2013 en NC-arte, Bogotá. Durante la noche de inauguración de la muestra, se le otorgará a uno de los artistas participantes una residencia en el Metropolitan Museum of Manila (MET), en Filipinas. Este premio y el pro-yecto LARA son patrocinados en su totalidad por Asiaciti Trust Group a través de la “Fundación de Caridad Asiaciti Trust” que busca promover el arte contemporáneo latinoamericano y conectar dife-rentes áreas de Latinoamérica mediante experien-cias artísticas y culturales.

En el marco de los proyectos Intercambios Sur-Sur, y Nuevatopias, adelantados por la Fundación Más arte más acción, se desarrolla durante julio y agosto en el Chocó, ‘Siembra’, ac-tividad que pretende recuperar las plantas y téc-nicas agrícolas que han estado olvidadas durante los últimos años, partiendo de la construcción de invernaderos para la comunidad. Para este fin, la Fundación invitó a los artistas Kan-Si (Senegal) y Rirkrit Tiravanija (Tailandia) para trabajar con-juntamente con habitantes de las comunidades Joví y Coquí. ‘Siembra’, como parte de la propues-ta Nuevatopias, busca mejorar las condiciones de vida para los habitantes de la zona. De forma paralela, el espacio de residencia Plataforma Cho-có, cuenta con la presencia de Libia Posada, quien como artista plástica y médico cirujano, adelanta investigaciones sobre la supervivencia y sostenibi-lidad de las comunidades chocoanas. Para Posada: “Hay mucha riqueza y conocimiento dentro de las prácticas antiguas que han sido marginadas por el mundo actual. Recuperar esta riqueza puede tener muchos beneficios para la ciencia moderna y al resto de la humanidad. Voy a explorar esto con la gente que tradicionalmente posee este conocimiento incluyendo a los líderes, al chamán de la comunidad, a los curanderos, herbolarios y mujeres en su entorno doméstico.”

La Universidad Distrital Francisco José de Caldas, presenta la convocatoria: Salón Interuniversita-rio ASAB 2012, en el marco del programa insti-tucional, organizado por el Proyecto Curricular de Artes Plásticas y Visuales de la Facultad de Arte y la Sala de Exposiciones ASAB. El objetivo es crear ca-nales de intercambio académico entre los estudian-tes del país. Se puede presentar un máximo de dos

Por: Nelly PeñarandaEDITORIAL

Convocatorias

Al momento de comenzar a planear cuál y cómo sería la edición de siete años de circulación de este periódico, fuimos entendiendo la importancia de este

número, su significado milenario, su estrecha re-lación con la perfección de lo sagrado y su aspira-ción de serlo en lo humano. Hasta ese momento, el número de enanos de Blanca Nieves, de días de la semana, de colores el arco iris, de jinetes de apocalipsis, de días de la creación del mundo, de brazos de la menorá en el judaísmo o de los sacramentos del catolicismo, correspondían casualmente al numero de años de ARTERIA. A propósito, ajusto a siete sus caracte-rísticas: especializado en artes plásticas y visuales, de circulación de contenidos informativos y crí-ticos, masivo, con 25.000 ejemplares impresos para distribución nacional en 34 ciudades, con acceso digital en pdf contando con más de 61.000 descargas, de 28 páginas y además, gratuito. Ho-nestamente, más allá de lo que significaba este aniversario cabalístico y cargado de simbología, llegar a siete años ya ha sido todo un privilegio; logrado tras la suma de tres factores y cuatro gru-pos: confianza, generosidad y respaldo de articu-listas, anunciantes, lectores y por supuesto de las

Directora Nelly Peñaranda [email protected] Consejo EditorialJuan Fernando Herrán, Carlos Andrés Hurtado, Humberto Junca, José Ignacio Roca, María Belén Sáez de Ibarra, Luisa Ungar.

Editor Diego Guerrero [email protected]

Colaboran en esta EdiciónRicardo Arcos-Palma, María Elvira Ardila, Héctor Carrasco, Gonzalo Cárdenas, Jaime Cerón, Beatriz Eugenia Díaz, María Lucía Hernández G., Néstor Martínez Celis, Milena Pachón, Lucrecia Piedrahíta, María Cristina Pignalosa, Juanita Solano, Sergio Vega, Guillermo Vanegas.

FotografíaÓscar [email protected]

Diseño Grá[email protected]

Concepto EditorialPaulo Ramírez, Manuela Calle L.

Suscripciones:$25.000 Bogotá.$37.500 resto del país.1 año (5 ejemplares)

Contactos:[email protected]@[email protected]

Las opiniones consignadas en los artículos y correos en la presente edición son responsabilidad de cada uno de los autores y no necesariamente expresan el punto de vista del Periódico ARTERIA.

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ARTERIA cuida el medio ambiente. El papel utilizado para la impresión de este periódico es 100 % reciclable.

Periódico Arteria es una publicación de Colombian Art Crafts SAS y Fundación Arteria.

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Sus sugerencias y comentarios son importantes

siete personas que en siete años han integrado el consejo editorial de un proyecto titulado con la mezcla de siete letras: A R T E R I A y a quienes también dedico otras siete más: G R A C I A S.Para entender las cualidades de este número, agra-decemos también y de manera especial a Beatriz Eugenia Díaz, quien dedicó para la portada de esta edición 777 palabras a estos siete años, y so-bre los cuales, en la página 7 de esta edición, están los siete destacados en siete años, escritos por al-gunos de los miembros de nuestro consejo.Como un regalo para lectores y como parte de los proyectos de apoyo a manifestaciones artísticas y de interés para la Fundación ARTERIA, entrega-mos a ustedes el numero 23 del fanzine ‘Ficciora-ma’, ganador de la convocatoria para la interven-ción de una página de esta publicación, abierta por el Instituto Distrital de las Artes –Idartes, la Fun-dación ARTERIA y con el apoyo de La Publicatoria del proyecto independiente La Peluquería.Pero, más allá de descubrir que también es el siete el número compuesto de la tríada (3) y de la tetra-da (4), lo que simboliza la combinación de Dios y la naturaleza humana y que justamente es esta la edición 34 (3+4=7), lo que más esperamos es que el 7 sea sobre todo el número que preceda al 8.

ERRATA

NOTICIAS

En la página 18 de la edición 33, sección Otros salones, cuando se hace referencia a Mishima es directamente al escritor japonés Yukio Mishima, pero por el estar comillado, pudo interpretarse que se trataba de una obra. Ofrecemos disculpas por los inconvenientes que está equivocación pudo haber causado.

obras por artista. Fecha límite de inscripción: 12 de septiembre. Mayor información: [email protected]. Tels: 3239300, 3238400 ext. 6618.

Está abierta la convocatoria para el VII Pre-mio Luis Caballero, que por primera vez, desde su creación en 1996, se desarrollará por fuera de la galería Santa Fe. Esto debido al traslado de ese centro de exposiciones de las instalaciones del Pla-netario Distrital, el cual se encuentra en proceso de remodelación. El Instituto Distrital de las Artes, Idartes –entidad organizadora- otorgará hasta 120 millones de pe-sos, distribuidos en ocho estímulos económicos de 15 millones, para igual número de propuestas de artistas mayores de 35 años.Estas podrán ser exhibidas en lugares como el pri-mer piso del Museo de Arte Moderno de Bogotá, el Museo Colonial, la Casa Quinta de Bolívar, el Museo de Arquitectura Leopoldo Rother (Univer-sidad Nacional), la sala de exposiciones del Archi-vo Distrital, el edificio cinco de la Estación de la Sabana (en comodato con la Fundación Escuela Taller de Oficios), la sede temporal de la Galería Santa Fe, el tercer piso y vacío central del Museo de Arte Contemporáneo Minuto de Dios, el vestí-bulo central de la Biblioteca Nacional y la plaza de mercado de Las Cruces.Adicionalmente, los artistas podrán plantear otros lugares para su intervención, siempre y cuando esté garantizada la seguridad y el acceso al público. Los proyectos deben tener en cuenta los lugares de exposición, de tal manera que me-diante el ejercicio artístico queden integrados a la obra, en una forma similar a la que hicieron los participantes de años anteriores que propusieron obras específicamente para las características de la Galería Santa Fe.Los seleccionados presentarán sus obras en octu-bre y noviembre de 2013, tras lo cual será elegida la obra ganadora. Las propuestas se recibirán el 27 y 28 de septiembre, y el primero de octubre de 2012 en el Idartes, calle 8 No. 8 -52, Bogotá.

La Universidad del Magdalena, en el marco de sus 50 años, convoca a mil estudiantes, docen-tes, egresados y miembros de la comunidad universitaria para que hagan parte de una obra dirigida por el artista plástico Juan Camilo Aran-go, en el campus de la Universidad. Mayor infor-mación: [email protected]

La Universidad Nacional de Colombia con su pro-grama ‘Red de Residencias Artísticas LOCAL’, convoca artistas extranjeros a los que ofrece estadía durante un mes en una de las siete sedes con que cuenta la Universidad en el país. Los cam-pos de desarrollo de la convocatoria son: fotogra-fía, animación, video, multimedia, museología, plástica contemporánea, performance, escritura, música, curaduría, arquitectura, sostenibilidad, urbanismo y diseño. Mayor información: www.lo-cal.unal.edu.co y [email protected]

Faena Arts Center presenta una nueva edi-ción de los premios F, con una bolsa de 75 mil dólares. La convocatoria está abierta para artistas o colectivos de artistas de todo el mundo que po-drán participar con proyectos de instalación, es-cultóricos, pictóricos, tecnológicos, sonoros o sus diferentes combinaciones. El cierre de inscripcio-nes será el 1 de noviembre. Mayor información: www.faenaartscenter.org

Llega desde Italia la Séptima Edición del Pre-mio Internacional Arte Laguna. El concurso está planeado para ofrecer premios en dinero, una exposición colectiva en Venecia, exposiciones en galerías de arte, residencias para artistas y la pu-blicación del catálogo. La temática es libre. Mayor Información: www.artelagunaprize.com, [email protected] tel. (39) 041 59 37 242.


Lucrecia Piedrahita: Estamos en 2012, 20 años después del fallecimiento de Cage, y el mundo entero está celebrando su aniversario número 100. ¿Por qué?

Margaret Leng: Debido a que John Cage es el ícono cultural más influyente de nuestro tiempo, transcurrirá mucho tiempo antes de que surja otro personaje de su estatura. Su presencia impregna nuestras vidas, incluso aunque la mayoría de la gente sigue sin ser consciente de su impacto. No podemos entender la evolución artística de nues-tro tiempo sin tomar en consideración la música de Cage, sus ideas y su poder sobre las artes de la mitad del siglo XX en adelante. La influencia de Cage hizo posible el arte conceptual, el Fluxus, los acontecimientos de la década de 1960, el arte de la interpretación, la multimedia, el minimalismo y la ‘Música del mundo’, por nombrar sólo algunos.

L.P:¿Cómo describiría su trabajo y su relación crea-tiva con su mentor, John Cage?

M.L: No fue un maestro en el sentido convencio-

Beatriz Eugenia Díaz combina la plástica y la música. Foto cortesía.

El tercer número primo está presente en cada obra de la artista bogotanaBeatriz Eugenia Díaz, creadora de la portada de esta edición de ARTERIA.

“El siete es un aliado”, dice la artista bogotana Beatriz Eugenia Díaz, cuyo nombre tiene 14 letras y que nació en 1965, cifra que al sumar

sus dígitos da 21 (ambos números, múltiplos de siete). Ella es la responsable de la portada de esta edición de ARTERIA, para la que escribió 777 pa-labras, y de múltiples obras visuales que tienen nombres cuyas letras siempre suman o son múl-tiplos de siete.

En común con el siete (que es un número primo) comparte que su vida profesional tiene dos “divi-sores”, pues es artista plástica y música (las letras de ambas profesiones suman 14 y artista tienes siete letras). El dilema lo resolvió luego de años de estudiar chelo diariamente y de imbuirse en la plástica, tanto en Bogotá como en Viena.

Durante el final de su formación en la Universi-dad de Los Andes entendió que no podía separar-se de ninguna disciplina y decidió que, en vez de dividirse entre la música y la plástica, intentaría juntarlas. “Pensé que había que hallar un siste-ma de composición que uniera ambos lenguajes desde los números y las palabras, que permitiera leer lo sonoro y lo visual. Entonces surge el siete”, dice, como si fuera lo más natural del mundo.

Para colmo de coincidencias, al indagar en aspec-tos filosóficos de las matemáticas encontró que el cuatro se asociaba a la plástica y el tres a la música.

Informe de una mentira

Su “encuentro cercano del tercer tipo” con el sie-te apareció en un trabajo de clase en el que debía sustentar una mentira. “Se llamaba ‘Informe de una Mentira’ –dice-. Beatriz Eugenia suma 14 y Díaz 4. Yo nací el 14 del mes 4 (otro encuentro curioso con los números). En el calendario chino soy serpiente y Aries en el horóscopo. Las letras sumadas dan 14”.

Lo que empezó con la defensa de una mentira se le convirtió en un mapa para su trabajo. La artis-ta empezó a hacer heptagramas y desarrollo un intrincado sistema –por lo menos para los neó-fitos- que conjugaba números, tiempos, notas, letras y tonos.

En 1992 presentó en el Colombo Americano, de Bogotá, ‘No hay absoluto’. (El punto es el carácter 14). Utilizando su método creo una instalación a partir del nombre de la muestra, que incluía dibu-jos en las paredes, estructuras colgantes y objetos en el piso y ubicó sensores que detectaban a las

La mujer que convirtió al sie7e en una excusa para hacer arte

Margaret Leng Tan, heredera del pensamiento estético de John Cage

Por: Diego Guerrero

Dibujos bogotanosUn proyecto de Luis LizardoDel 7 de julio al 18 de agosto de 2012

Cr. 5 No. 26 B - 76 Bogotá - Colombia lunes a viernes 10 am - 6 pm / sábados 10 am - 2 pm Tel: (571) 2821474 / 0973

www.nc-arte.org

nal. Nunca le decía a uno que hacer, eso habría sido algo totalmente en contra de sus principios y su personalidad. Era más alguien que hacía preguntas que un proveedor de respuestas. Insinuaba ciertas cosas para que el resultado final fuera algo que yo dijera. Él lo convertía a uno en su colaborador y esa fue la razón por la cual dejé la música clásica, porque sentí que las cosas eran demasiado predetermina-das para mí allí. El acercamiento de Cage a la vida y al arte me dio espacio para ser yo misma.

L.P.: ¿Cómo lo describiría?

M.L.: Un ser humano gentil, amable, sencillo, gra-cioso y perennemente optimista.

L.P.: ¿Cuál piensa que es la mayor contribución de Cage a la cultura?

M.L.:Es una pregunta imposible de responder bre-vemente porque la presencia de John Cage ha per-meado la estructura de nuestras vidas, a la vez que permanecemos, en gran parte, sin recordar su im-pacto. En esencia, todos somos hijos espirituales de Cage. Los desarrollos culturales de nuestro tiempo no se pueden entender sin tener en cuenta su músi-ca y sus ideas. En aras a la brevedad mencionaré tres de sus contribuciones más importantes: Cage rom-pió los límites entre las diferentes disciplinas artís-ticas: sin él no habría multimedia o medios mixtos; expandió la definición de la música para incluir el ruido y el silencio: sin Cage no existirían las bandas de heavy metal en las que el ruido blanco es el mayor componente, y, por último, y lo más significativo, es que Cage les hizo a los artistas un gran regalo: les dio la confianza para liberarse de la reglas y descubrir sus propias individualidades. Liberó la cultura america-na del siglo XX para que los artistas se convirtieran en espíritus independientes no intimidados por las tradiciones artísticas centenarias de Europa.

*Directora/Curadora del ‘Homenaje a John Cage, el maestro del azar planeado’.

Por: Lucrecia Piedrahita * personas que se desplazaban por la sala, lo que activaba sonidos distintos. Aunque desarrolló el trabajo como una obra plástica, terminó siendo presentado, luego, en un festival de música con-temporánea.

Despues, le siguió una sucesión de múltiplos de siete en los títulos de sus obras: No Tocar, Dibujo melódico, Menos uno (“ocho menos uno es igual a siete”, explica la artista), Audible-visible…

Curiosamente, en su estudio no tiene muchos objetos que representen el siete, salvo siete sietes en cerámica, idénticos, como los que se usan, a veces, para marcar las direcciones en las puertas, fueron conseguidos en distintas ciudades de Por-tugal. Y, aunque no es judía, tiene una menorá (candelabro de siete brazos). Solo Eso.

Como el afecto por el siete es conocido por sus allegados, entre ellos está prohibido que en una rifa en la que participe la cifra beneficiada sea su número favorito, pues irremediablemente gana-ría. “Uno ve bella una palabra de siete letras; a veces el siete aparece de manera casual. Es total-mente bello un proyecto de siete letras. Una vez me invitaron a exponer a un museo y había un rectángulo de cinta que encerraba varias baldosas en la sala. Las conté y eran 77 por 14: pedí ese espacio”, dice.

Con una vida profesional acompañada por este número en su obra, la artista ha aprendido a re-conocerle cierto poder, aunque sin ponerle mis-terio, sino como abriendo una posibilidad a lo desconocido. Tal vez por eso dice cuando se le pregunta por el siete: “Yo creo que sí tiene poder, hay que creer”.

Considerada una de las más importantes pianis-tas de vanguardia, Margaret Leng Tan ha tenido una brillante carrera. Nacida en Singapur, fue la primera mujer en obtener un doctorado en la prestigiosa academia Julliard y colaboró con John Cage –a quien considera su mentor– desde 1981 hasta la muerte del artista.

Tang estará el 13 de septiembre en el Auditorio Maximun de Medellín para cerrar el ‘Homenaje a John Cage, el maestro del azar planeado’, que conmemora los cien años de su nacimiento.

Margaret Leng Tan. Foto cortesía de Lucrecía Piedrahíta.

La pianista de presenta en Medellín


«Mi cuerpo, un lugar de debate público.»ORLAN. Conferencia.

ORLAN es una de las artistas contemporáneas más importantes y su visita a Colombia estuvo llena de sentido. Desde el 31 de mayo

de 2012 le hemos dedicado dos exposiciones: ‘ORLAN / Hibridaciones y Refiguraciones’, en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, y ‘ORLAN / Arte carnal o cuerpo obsoleto ’, en el Museo de Antioquia.

Las dos exposiciones trazan una línea conceptual donde el cuerpo es interrogado y puesto en cuestión: un cuerpo que cambia, que se resiste a sufrir; que se niega a tener una identidad como algo fijo; que cuestiona nuestra humanidad en lo más profundo de nuestra carne; un cuerpo desfigurado, refigurado e intervenido textualmente; un cuerpo-clon que se reproducirá como en su más reciente obra El Manto del Arlequín.

Para su realización trabaja en colaboración con un grupo de artistas australianos del grupo SymbioticA y de Jens Hauser, teórico del Biotech art. En ella fragmentos de su piel y de sus células fueron puestas en cultivo en un laboratorio de la Universidad de Perth. Este trabajo es una metáfora perfecta del mestizaje de culturas y de hibridaciones, pues su piel se mezcla con otras. Perfecta utopía de aboliciones de las fronteras donde el ser humano sería uno solo, borrando así las diferencias.

ORLAN es una artista que comienza su car-rera temprano: el performance, la fotografía, la escultura, el dibujo son sus medios de ex-presión. Durante los años sesenta, una serie de artistas interrogaron el cuerpo de manera diferente y extrema: el dolor, el sufrimiento, fueron sus medios de expresión para mostrar la fragilidad del tiempo y la revuelta del cu-erpo frente al mundo.

La salud del cuerpo, paradigma de las sociedades desarrolladas, fue el objetivo de estos artistas que hacían parte del body art. De esta confrontación surgen preguntas como: ¿cuál es el límite entre la salud y la enfermedad? Por ejemplo, en Michel Journiac y sus diferentes performances en que el cuerpo se confrontó con el dolor: la

sangre, el excremento humano y otros fluidos corporales, hicieron también parte de su obra, con la cual buscó cuestionar el cuerpo de una manera casi mística.

Otra artista representante del body art es Gina Pane. Ella buscó confrontar su cuerpo a través de las acciones donde vemos la herida y la sangre que se exteriorizan en una especie de ritual. Hay sufrimiento y dolor en las acciones de Pane.

Estos dos artistas indagaron de manera intensa sobre el vínculo entre el cuerpo y lo sagrado, donde el cuerpo sagrado se aproxima de una cierta manera a aquél del cuerpo de

Cristo, símbolo de sufrimiento y redención. En ellos existía un claro elemento humanista: es el cuerpo por el cuerpo que se interroga.

Lejos de una idea de victimización, los dos artistas buscaron confrontar la fragilidad del cuerpo frente a un mundo que hace que este sea cada vez más débil, que parecía no adaptarse a las promesas del progreso. En el caso de ORLAN, se opera otra dimensión plástica. El sufrimiento y el dolor, característicos de las religiones monoteístas la católica, el judaísmo y el islamismo, son cuestionados de manera crítica. Estas creencias hacen del cuerpo una verdadera cosa que se diferencia del alma.

“La religión cristiana (sic) ha empujado el cuerpo, y, particularmente, el cuerpo-placer. Cuando esta se ocupa del cuerpo es para torturarlo, cortarlo, hacerlo sangrar. Esta propone un cuerpo-culpable, un cuerpo-sufrimiento, un cuerpo que debe sufrir. Mi obra –dice ORLAN–, está en el placer y la sensualidad y no creo que el dolor sea una forma de redención, de purificación.”1

Así, ella realiza otra búsqueda artística que, si bien toma en cuenta los artistas del body art, se sitúa más allá, en otro dominio.

La intervención textual del cuerpo

ORLAN afirma que el cuerpo es “un cuerpo obsoleto” y, por lo tanto, debe adaptarse al progreso si desea continuar su existencia. En una de las primeras acciones ORLAN, dando a luz así misma2 (1964), la vemos estimulando su propio nacimiento: un maniquí femenino “sale” por entre sus piernas como si se tratara de un autoalumbramiento, en el que se vis-lumbra ya el doble y el clon. Esta obra es, para ORLAN, muy significativa pues la considera el inicio de su búsqueda artística por medio del cuerpo: “En esta foto, todo estaba ya dicho: la identidad y la alteridad, el alumbramiento de sí-mismo, el desdoblamiento, el clon”3 . Esta propuesta y toda una serie titulada ORLAN-cuerpo y cuerpo-escultura (1964-1966) es con-temporánea con las reivindicaciones feminis-tas, cuando la mujer reclamaba la palabra en la sociedad, la libertad sexual, el derecho al aborto y a la contracepción.

ORLAN, dando a luz así misma, sin la pres-encia masculina. ¿Fue concebida o no? Poco importa la respuesta pues lo que es evidente en esta obra es la puesta en valor del deseo de reproducirse a ella misma, como se reproduce la imagen en un espejo hasta el infinito, tal como lo vemos en una de sus últimas series: las hibridaciones precolombinas, africanas y amerindias. Es importante tener en cuenta este punto de vista, para comprender el pro-ceso creativo de esta artista. Durante los años setenta y ochenta, con la masificación de la informática, el desarrollo de la robótica y la popularización de los mass media, su obra y ella comienzan a transfor-marse. ORLAN inicia una búsqueda para

1. ORLAN, entrevista con Eugenio Viola. In ORLAN, Le récit. Milano : Edizione Charta, 2007. p. 84

2. En francés hay un juego de palabras: ella misma y ella me ama. La traducción cercana al español con ese juego de palabras es cercana a esto: ORLAN nace de ella me ama, pero al generar contrasentido en español he decidido guardar la expresión: así misma. La idea del doble, del amor con autogestación, del narcisismo del artista que está en el centro de su propia obra, es aquí relevante.

3. ORLAN, entrevista con Eugenio Viola, En ORLAN, Le récit, Milano: Edizione Charta, 2007, p. 82.

Por: Ricardo Arcos-Palma *

ORLAN, en Colombia

ORLAN, ‘SkaiÌ and Sky’. Cortesía MAMBO.

“El infierno no solamente es religioso o ético, sino también estético. (…) Es en este infierno de lo bello que queremos descender”.

Karl Rosenkranz. La estética de la fealdad


hacer un cuerpo-obra, y el acontecimiento más significativo llega en un momento de extrema debilidad física, cuando cae enferma. ¿Por qué debemos sufrir? Es la pregunta que parece hacerse en esta época. Tratando de re-sponder a esta pregunta, quiso reinventar la anatomía, y por eso se vale de Artaud. Pero ¿cómo rehacer nuestro cuerpo y su anatomía? Para ello la artista se apoya en las tecnologías médicas de punta y con cirujanos especialis-tas. ORLAN al respecto nos dice:

“Mi trabajo emergió en los años setenta. Cuando el arte giraba hacia lo social, lo político, lo ideológico, una época donde los artistas estaban muy comprometidos intelectualmente, conceptualmente y a veces físicamente con sus obras… Por esta época, había utilizado la cirugía durante un encuentro de performance que había organizado en Lyon durante 5 años, pues tuve que hacerme operar de urgencia: mi cuerpo enfermo necesitaba atención. Decidí así utilizar esta nueva aventura, dándole la vuelta a esta situación, considerando la vida como fenómeno estético recuperable: incluí foto-video en la sala de operaciones y los videos se mostraron en el festival, así como las fotos. Como si se tratara de una performance programada. La cirugía está fuera de nuestras frivolidades y esta experiencia fue muy intensa; tuve la certeza de que un día u otro, de una manera u otra, yo trabajaría con la cirugía.’4

La operación es un sistema complejo donde intervienen varios elementos. Para ORLAN, la operación no es una intrusión, sino una invitación a ver lo que, generalmente, no vemos. El quirófano deviene el taller de la artista.

A su vez, considera la operación quirúrgica como un elemento fundamental para su obra, que llega a ser cuerpo y pretexto. Ella interviene su cuerpo gracias a las técnicas médicas y, al mismo tiempo, interviene en el mundo del arte y en la esfera de lo social con sus performances, haciendo un corte en la insensibilidad de nuestras sociedades anestesiadas. Si existe algo verdaderamente importante en la obra de ORLAN es su estrecha relación con el escritura. Para ella, el vínculo entre el texto y la puesta en escena de sus operaciones quirúrgicas-performances es el verdadero soporte artístico. Busca una obra radical en la carne, en la palabra, en el discurso y la imagen del cuerpo: “Una performance radical –dice ella–, para mí misma y más allá de mí misma”.

Tal radicalidad cuestiona la idea del cuerpo sufriente y, al mismo tiempo, borra la frontera

4. ORLAN, Une Œuvre de ORLAN, Muntaner, Paris, 1998, p. 59

entre la vida y el arte, pues la existencia en una dimensión estética es considerada –en términos de Michel Foucault y Gilles Deleuze–, una verdadera obra de arte.5

El hecho de transformar su cuerpo con la cirugía estética, quizá, no es en sí interesante, al considerarla banal, dado el alto número de personas que hoy día se someten a tales operaciones. Sin embargo, lo interesante en la búsqueda de ORLAN es ver cómo algo que pertenece a la esfera de lo privado se hace acto público, tocando de cerca el mundo del espectáculo.

No podemos evitar pensar en el gran éxito de los realities, donde el voyeurismo es llevado al extremo. Hay que tener en cuenta que la cadena americana CNN y Connie Chung estaban en la sala durante la séptima operación e hicieron posible seis meses más tarde la emisión televisiva Extreme makeover. No obstante, lejos de esta idea, la obra de ORLAN hace una fisura en el mundo del arte y en el consumo del espectáculo.

Con estas intervenciones quirúrgicas, la artista no quería criticar el lado banal de la medicina; al contrario, ella quiere, en una clara apología de la ciencia, poner en evidencia las facultades del cuerpo para transformarse y adaptarse a los dictámenes del progreso. Ella insiste en que los paradigmas de la belleza cambian según las épocas: lo que hoy es considerado como algo feo, ayer, en la antigüedad, pudo haber sido considerado como bello. La belleza es también un hecho cultural. Lo que está en juego aquí es un cuestionamiento de los paradigmas de belleza y su ideología consumista.

Del arte carnal a la refiguración-hibradación.

ORLAN pretende apropiarse de los cánones de belleza para crear una nueva concepción de lo que consideramos bello. Tal aproximación es totalmente crítica. La prensa ha divulgado una idea falsa: que ella tiene el mentón de la Venus, de Botticelli, la frente de la Gioconda, de Leonardo Da Vinci, etc. Al contrario, ella utiliza esos cánones para cuestionarlos de manera crítica, pues la belleza, bien lo sabemos, es ideológica. La artista piensa que el cuerpo – y sobre todo el cuerpo femenino – como objeto de placer, debe desaparecer.

El cuerpo es un cuerpo-placer en sí. En este sentido se sitúa en un feminismo radical. Lo que persigue en su búsqueda artística, es el

5. Arcos-Palma, Ricardo, Foucault e Deleuze: a existencia como uma obra de arte, en Foucault 80 anos, Autentica Editora, Bello Horizonte, 2006.

hecho de ser bella pero lejos de los cánones de la sociedad de consumo. Su proyecto artístico del ‘Arte carnal’, podemos situarlo en la próximidad de una cierta ‘estética de la fealdad’, de Karl Rosenkranz, en la que la belleza no es un valor estético en sí mismo en este tiempo de la cibercultra. Miremos de cerca el manifiesto del ‘Arte carnal’, para entender mejor el proceso creativo de ORLAN.

En este vemos bien la posición de ORLAN con relación al arte y la ciencia, y su vínculo con el lenguaje y el cuerpo. El cuerpo es una lengua, según ella, y, en este sentido, se ex-presa: lejos de los dictámenes del dolor emi-nentemente cristiano. Desaparecido el cuer-po-placer, oculta, a su vez, el cuerpo-dolor, el cuerpo de la pasión.

En su serie de obras de cajas luminosas titulada ‘Entre-dos’, presentada en el MAMBO, de Bogotá y en el Museo de Antioquia, de Medellín, las fotografías creadas con un programa de morphing mezclan la representación de su rostro con otros retratos, citando la pintura occidental. Así interroga a los referentes de la historia del arte occidental.

En las Operaciones-quirúrgicas-performances, ella se proporciona una nueva apariencia, le-jos de los cánones de belleza habituales, para producir nuevas imágenes que se mezclan de una manera transcultural y anacrónicamente (Didi-Huberman) con el imaginario de diver-sos pueblos no occidentales, como los preco-lombinos, los africanos y los amerindios.

En su obra Autorretratos precolombinos juega a transformar y cambiar su identidad, hibridando y mezclando diferentes rostros con el suyo. Su cara se amalgama con figuras

precolombinas, creando así un rostro híbrido entre el pasado, el presente y el futuro. La rostreidad informatizada nos muestra que el individuo puede confundirse y cambiar de identidad (de piel) y de apariencia, gracias a las simulaciones virtuales. Esta serie tiene su origen en otra serie postoperatoria:

“…con omnipresencia, constituida por 41 dípticos, real y virtual se confrontan: por una parte, la constatación fotográfica, el retrato de mi cuerpo tomado cada uno de los cuarenta días que siguieron a mi operación; por otra parte, mi retrato virtual, un híbrido completamente compuesto por computador gracias al programa Morphin.

Los dípticos ponen en relación irónicamente el autorretrato hecho por la máquina-cuerpo y aquél realizado por la máquina-computador, mi imaginario tejiendo visualmente los dos.”6

El rostro ahí se pierde en una identidad múlti-ple. Lejos del síntoma clínico de la esquizofre-nia, se trata de identidades nómadas, móviles, como el rostro que se mira en un espejo frag-mentado, donde el reflejo del yo no es el mismo.

Estas obras, interrogan varias culturas: las precolombianas, las amerindias y las africa-nas. Retratos esculpidos en el primer caso sirven de soporte para mezclar el rostro de ORLAN. Su cara se amalgama con otros ros-tros de otras épocas: un cierto anacronismo tal como lo concibe Didi-Huberman, perfora lo contemporáneo, creando una nueva con-cepción del retrato dentro de un mundo que reclama el mestizaje, lejos de los fundamen-talismos identitarios que pregonan los estu-dios culturales.

Las series de autorretratos africanos nos muestran una ORLAN negra: ¿cuál es la diferencia entonces entre los blancos y los negros? Parece ser una de las principales preguntas que se hace ORLAN con esta serie.

Así mismo, los autorretratos amerindios realizados con el mismo dispositivo, pero esta vez sobre fotografías de imágenes pintadas, ponen en cuestión lo que en principio es impensable: el ser humano es un mestizo resultado de múltiples cruces. Esta idea, una vez más, rompe con los fundamentalismos identitarios raciales.

*Curador, crítico y teórico del arte. PhD de la Sorbona en Artes y Ciencias del Arte, Coordinador Académico de la Maestría en Historia y Teoría del Arte, la Arquitectura y la Ciudad de la Universidad Nacional de Colombia.

6. ORLAN, Refiguration Self-hybridations. �Série ORLAN, Refiguration Self-hybridations. �Série Précolombienne’, París, Al Dante, 2001.

ORLAN, �Precolumbian’. Cortesía MAMBO.

‘Pero también podemos pretender lo contrario: ¿abrir un cuerpo no implica necesariamente desfigurarlo, rompiendo toda su armonía?

No equivale a infringir una herida, provocando así el resurgimiento de lo informe que no se encuentra bajo la ordenanzadel control de lo bello estructural mientras que las carnes, las masas y los pedazos de vísceras continúan en su lugar’.

George Didi-Huberman. Venus abierta. Desnudez, sueño y crueldad.

Universidad de los andes - personería jUrídica: res . no. 28 del 23 de febrero de 1949, minjUsticia

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Óscar Santillán, �Cascade’. Cortesía: Espacio

El trabajo artístico de Óscar Santillán se basa en la transición entre lo que se muestra y lo que se oculta. Sus piezas operan como situaciones que hacen énfa-

sis en la proposición de acciones latentes -“verbos”, las llama él- que parecen atarse a la inscripción del presente en la experiencia perceptiva de los espec-tadores.

Se trata de procesos determinados por la natura-leza de las acciones, sobre cuyo devenir él no tie-ne control, que dejan diferentes huellas y toman diferentes dimensiones, pero siguen su rumbo desapasionadamente. Es en esas huellas en donde se sustenta el rastro de evidencia que los especta-dores pueden seguir a fin de encontrar las proyec-ciones que suscitan las obras.

En algunas de sus piezas, esas huellas involucran el uso de fluidos corporales, como las lágrimas, la saliva o el semen, que matizan su presencia hasta el punto de mantenerse casi a salvo de la identifica-ción directa por parte de los espectadores.

Es el vaho del aliento lo que genera la difusión de la imagen que marca el tono en The Cannibals o el que sustenta el surgimiento de su pieza Sin título (alien-to y polvo). Son sus lágrimas las que provocan, lite-ralmente, la narrativa que da forma al intercambio intersubjetivo en El manifiesto de la telepatía. Es la saliva lo que se mezcla con la leche que alimenta el gato en El manifiesto de la bondad y el semen es lo que llega a ser coloreado antes de emerger del cuerpo en Semen de color.

Óscar Santillán, en pocas palabras

Por: Jaime Cerón

“Creo que hay artistas conservadores y artistas más arriesgados, artistas que trabajan con la certidumbre de los sustantivos o artistas que trabajan

con la incertidumbre de los verbos. Esa es la distinción que hago.” Óscar Santillán

Jaques Lacan se refiere al hecho de que a diferen-cia de los pájaros, que pueden dejar caer sus plu-mas, nuestra única posibilidad “real” de producir colores está en nuestros excrementos. “El creador tan solo puede participar de la creación de peque-ñas deposiciones sucias, de una sucesión de sucias deposiciones yuxtapuestas”.

Esta posibilidad cromática que posee nuestro cuer-po, según Lacan, hace notar la importancia del cuerpo ausente como uno de los posibles caminos para seguir con el fin de indagar acerca de la sig-nificación de las obras de Óscar Santillán. En su trabajo artístico el cuerpo funciona a la vez como fundamento y destino de las imágenes, suscitando distintas maneras de afiliación desde la experien-cia de los espectadores. Es muy importante el ca-rácter dispendioso y extenuante de muchos de los gestos que han dado forma a sus obras, porque se convierten en una unidad de medida para su apro-piación cultural desde afuera.

Tomando en cuenta esa exterioridad, otro cami-no importante de indagar tiene que ver con la “situacionalidad” que parece demarcar cada una de sus obras y que hace que la noción de espacio se convierta en lugar y que se haga inseparable de las piezas sin importar su escala. Todas sus obras tienden a ocupar un lugar en el mundo y perfilan las opciones de maniobra que el cuerpo puede des-encadenar.

Óscar Santillan: ́ Lucerna .́ Espacio Odeón. Mayo y julio. Curaduría: Pily Estrada.

Óscar Santillán, �Someday something will happen’. Cortesía: Espacio Odeón.

Sie7e sie7es para Ar7eria

Por: José Roca

1. En este periodo surgen y se mantienen acti-vos nuevos espacios independientes: Lugar a Dudas, La Mutante, La Peluquería, Plataforma Chocó, Taller Siete, Casa Tres Patios, La Usur-padora, Residencia en la Tierra, LIA, Miami, La Agencia, entre otros. Este fenómeno crea comu-nidad, amplía el público y da posibilidades para el desarrollo del arte más experimental. Tres instituciones han creado sus propios espacios-laboratorio: la Casa del Encuentro, del Museo de Antioquia; El Parqueadero, del Banco de la República, y Plataforma Bogotá, de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño.

2. Los premios de crítica han posibilitado que se oigan otras voces y que se escriba sobre el presente o el pasado reciente, para dejar de en-tender la historia del arte como una labor mera-mente arqueológica, posicionándola como una crónica atenta de lo que acaba de acontecer.

3. La percepción de inseguridad que tuvo el país se ha venido diluyendo, y cada vez hay más visitantes de otros países de América Latina, así como de otras partes del mundo. Esto ha gen-erado interés del medio del arte internacional en el arte producido en Colombia, redundando en posibilidades ampliadas de visibilidad para los artistas locales.

4. Se ha consolidado una base de coleccionistas interesados en arte contemporáneo, por lo cual son cada vez más los artistas que pueden vivir de su trabajo sin tener que tener una actividad paralela para sostenerse. Las ferias de arte Art-Bo, La Otra, Odeón y otros eventos paralelos, como subastas y nuevas galerías, han consegui-do ampliar esta base.

5. Las instituciones han entendido la importancia de documentar el arte colombiano, y hay cada vez más publicaciones monogràficas o temáticas. Revistas como Errata# y portales como Esfera Pública han complementado, a su manera, el trabajo realizado por Art Nexus en su voluntad de crear o ampliar un público internacional, particularmente latinoamericano, para el arte hecho en Colombia.

6. Siete exposiciones memorables de los últimos siete años: Éncuentro de Medellín, MDE07´ (2007); ´Sin Remedio´, curada por Mariángela Méndez para la Galería AlCuadrado, en la anti-

gua Clínica Santa Rosa en Bogotá (2008); ÚR-GENTE! 41 Salón Nacional de Artistas en Cali´ (2009); ´Habeas Corpus´, curada por José Ale-jandro Restrepo y Jaime Borja en el Museo de Arte del Banco de la República (2010); y, si me permiten, tres curadas por mí: ´Fantasmagoría, espectros de ausencia´ (2007) , ´Miguel Ángel Rojas: ObjetivoSubjetivo´ (2008) y ´Óscar Mu-ñoz: Protografías´ (2011-12), en el Banco de la República.

7. Siete años de ARTERIA, lo cual en este país, para un periódico especializado, es una verdadera hazaña.

Siete hechos nacionales

Por: Carlos Andrés Hurtado

1. Apertura de Nueveochenta.

2. La aparicion de la Feria Internacional de Arte de Bogotá -ArtBo.

3. El nombramiento de José Roca como curador del Tate.

4. La aparición de ARTERIA.

5. La creación del Encuentro Internacional de Arte de Medellín, MDE.

6. La aparición de NC- arte en Bogotá.

7. El 41 Salon Nacional de Artistas, ́ URGENTEén Cali.

Los siete años recientes

Por: Luisa Ungar

1. Aumentaron los espacios de publicación, circulación y exhibición de prácticas artísti-cas independientes y/o autogestionadas en el campo local, (como Jardín publicaciones, el Grupo Mugre, el espacio el Bodegón, o Miami.)

En sie7e añosExhibición del artista ecuatoriano en el Espacio Odeón, de Bogotá

Con motivo de los 7 años de ARTERIA, siete hechos destacados


Aumentaron los colectivos que se relacionan de formas paradójicas con el campo del arte, desde la pedagogía, el activismo, y otros que trabajan desde el sector con “saberes sociales regionales”, como la escuela de saberes de Helena Produccio-nes. Surgieron plataformas críticas agudas, como Interferencia.net

2. Continuaron en coma la mayoría de museos de arte moderno del país. Una generación de ar-tistas crecerá sin mayor vínculo con estas tradi-cionales instituciones, lo que parece augurar la muerte de algunas de ellas. Aunque esto no es ni malo ni bueno, este prolongado estado comato-so podría relacionarse con el surgimiento de es-pacios alternativos de arte (como Lugar a dudas en Cali hace siete años), los cuales desplazaron ciertos patrones de relación de los actores, trans-formando el campo.

3. Aumentaron en el mundo las plataformas digitales dedicadas al debate y la distribución de información del campo del arte, aunque algu-nas continuaron el ejemplo de las redes sociales consolidándose en torno a plataformas cerra-das, mediadas por sistemas corporativos (e-flux propuso recientemente a sus más de 50.000 usuarios apoyar su propuesta para administrar el dominio .art.) Lo que hace siete años no era un producto (por ejemplo el mail), se convirtió en un sistema para la consolidación de un nuevo producto: los usuarios. En países como este, donde la masa crítica no afecta el negocio de quienes poseen las plataformas, las redes so-ciales sirvieron como mecanismo potente en la protesta social. En el campo local la plataforma abierta Esfera Pública se confundió muchas veces con la esfera pública.

4. Aumentaron considerablemente las publica-ciones de historia, teoría y crítica de arte local, aunque continuó la ausencia de una apropiación eficaz del material por parte de las academias (con excepción tal vez del dvd ´Plástica, arte de los noventa en Colombia´, de 2005). En el plano institucional, la publicación del Efecto mariposa, de Carolina Ponce (IDCT gerencia de artes, 2004), dio inicio a una serie de publicaciones que engordaron el campo, reforzadas por el Pre-mio de ensayo teórico, histórico y crítico sobre el campo del arte en Colombia (2005), el Premio Nacional de Crítica (2005) y la edición de catálo-gos por parte de la Gerencia de Artes de Bogotá. Creció también, el estudio de la historia del arte colombiano, reforzado por diversas maestrías; el Premio Nacional de Curaduría Histórica (2007), y grupos como En un lugar de la plástica, el Grupo de investigación Taller historia crítica del arte, y el grupoTransHistoria.

5. Sin embargo se mantuvo en muchos casos la separación esquizofrénica entre contenidos del discurso y la aplicación de estos a la plataforma discursiva desde donde se enuncian. Continuó así, la desconfianza en la capacidad crítica de las prácticas artísticas y se perpetuó la visión de “la obra de arte” como ilustración del “texto de his-

toria del arte” (enfatizando el -abusivo- uso in-strumental del arte y la - excluyente - presunción de neutralidad de la historia).6. Hubo espacios de debate que revisaron sus propios mecanismos de acción, (como modus operandi, en Uniandes), y otros que se dejaron permear por los fuertes movimientos de protesta de los últimos años (como el encuentro teórico del último Festival de Performance de Cali). Esta porosidad estuvo alimentada por la influencia de las “artes vivas” y sus corporalidades. La maestría de la U. Nacional ha sido relevante en este sentido.

7. Creció el mercado del arte local modificando, el campo de maneras insospechadas.

Siete espaciosque extraño

En el país (y en Bogotá, sobre todo) hemos entrado en un nuevo ciclo, un nuevo y orgulloso estado de la plástica que siente, que piensa que está mejor que nunca. Sin embargo, este “nuevo estado del arte” privilegia la cantidad (de egresados, de exposiciones, de dinero, de espacios); no la calidad. Es cierto, nunca los bogotanos tuvimos una actividad cultural tan movida (a cada rato y en todo lado hay inauguraciones); pero la mayoría de estos eventos son tan iguales, tan mediocres, que creo que es necesario recordar ciertos hitos que a lo largo de estos últimos siete años cerraron el ciclo pasado, yendo en contracorriente, ayudando a construir esta escena actual auto-complaciente, que ha olvidado tomar riesgos y que a veces me parece -tan pronto- al borde de la decadencia. (¿Será que no hay progreso sin decadencia?)

1. Rococó.En 2006 Catalina Pabón, una joven y talentosa artista egresada de La Tadeo (quien vive ahora en Berlín y poco a poco a logrado hacerse notar dentro del arte contemporáneo alemán) consigue que sus padres se asocien con ella para montar una galería en una casa ubicada en la calle 108 con 19. Los Pabón modifican la casa para tal fin, pensando en el piso adecuado, los muros y la iluminación y consiguen tener el mejor espacio de exposición privado en Bogotá hasta ese momento. Su idea era mostrar y vender obra de artistas jóvenes. Esta galería se llamó Rococó y desafortunadamente, casi de inmediato, se encontró con la desconfianza de los coleccionistas y el recelo de los galeristas establecidos, que la calificaron como un negocio

ilegal, sin el good will que dan los apellidos y la tradición; comprobando una vez más que el valor -tanto económico como cultural- de la obra de arte no depende tanto de ella misma, ni del artista; depende, sobretodo, del lugar donde se muestre.

2. Ropa Zombie. En el segundo piso de la esquina de la calle 83 con 15 funcionó una tienda de ropa, que era mucho más que eso. Un estudiante de música de la Javeriana –David González– se unió a una estudiante de arte de la Nacional –Alma Sarmiento- y crearon una marca de ropa y accesorios que abriría el camino a los nuevos almacenes y boutiques de ropa casual y urbana, de jóvenes diseñadores de la capital (en su época dorada Zombie compartió su espacio con dos marcas de diseño: Plástica y Dechado). Con un plus: Zombie también era (hace poco resucitó para prensar “Buffet”, el más reciente disco de Dinais) un sello disquero. Así que si uno quería escuchar lo más enterrado del rock bogotano, ponerse la sudadera de Bruce Lee en Operación Dragón, tener el suéter de Freddy Krueger, o lucir como el héroe de una película de horror de los ochentas, había que ir a esta tienda conceptual de ropa de alta calidad y llena de sentido del humor.

3. El Bodegón. Los eventos (de solo un día de duración) de este espacio verdaderamente independiente, eran arriesgados y plurales: fiestas, conciertos, expo-siciones de arte de vanguardia, experimentos de clase, polémicas tesis de grado, muestras de curiosidades (por ejemplo, una colección de an-ticuario de viejos juguetes de plástico fabricados por la ya legendaria Bartoplast) o instalaciones in situ. El Bodegón cargó la mayoría de sus shows con un espíritu crítico y agresivo que privilegia-ba lo incorrecto, lo atravesado, lo que se saliera del gusto establecido. Tristemente, las nuevas generaciones de lugares alternativos comparten el gusto homogenizador del mercado del arte o se han vendido al gusto y a las mecánicas “de-mocráticas” de las políticas culturales que los amparan y sostienen. Es apenas natural: una vez más el poder hegemónico incorporó aquello que lo cuestionaba.

4. Socorro!!! Felipe Salazar, un baterista y joven empresario enamorado de la música abrió un bar al pie del Planetario, al otro lado de la zona de parqueo de la Plaza de Toros. Lo llamó Socorro!!! En el sótano de aquel sitio se llevaron a cabo dos festivales anuales de bandas: el Socorrock!!! Con la venta de la entrada de las boletas para el festival (que Salazar repartía entre los miembros de los grupos inscritos) se obtenía el presupuesto para costearle el premio a la banda ganadora: la grabación y el prensaje de un CD bajo el sello Socorrecords. De no ser por este bar de exquisito gusto musical, por este concurso y por este sello, no existiría “El Rock de los Viciosos” de Tripe X, ni el “Necrópolis” de Mugre, grabaciones

fundamentales para entender el sonido de la calle bogotana a comienzos del siglo XXI.

5. La Residencia.Los clientes de Socorro!!! eran una joven población flotante, que gustaba de ir de bar nuevo en bar nuevo. Salazar se dio cuenta de eso y antes que le diera pérdidas, vendió el bar y decidió apostar más alto en su siguiente negocio: compró una casona en Teusaquillo donde funcionaba un colegio y la acondicionó para acomodar allí: en el primer piso, una librería, una tienda de discos y un restaurante; en el lugar del patio trasero, un espacio insonorizado diseñado tanto para montar exposiciones, como para hacer conciertos; y en el tercer piso, talleres y una habitación con cocina y baño para ofrecer residencias artísticas. Este espacio se llamó La Residencia y funcionó un poco más de dos años porque nunca tuvo el impacto ni la fidelidad del público que Salazar esperaba. Fue un mega proyecto independiente que nació antes de tiempo, en un sector que ahora comienza a volverse centro cultural.

6. Alcuadrado. Fundada por Gloria Saldarriaga y Juan Gallo y sin una sede fija, con sus inteligentes y ambiciosas exposiciones itinerantes (grandes montajes en edificios subutilizados como estaciones de tren, teatros, hoteles, clínicas o plantas procesadoras de cerveza) y con un “cartel de lujo”, Alcuadrado fue capaz de sacarle jugo a la ruina y a la calle, al subrayar dichos espacios poniéndolos a conversar con sus artistas, en ejercicios de melancolía que generaban tensión con la novedad de lo exhibido. De tal manera, este “espacio variable de exhibición” se convirtió en la más aventurada, sui generis y mejor galería del país. En 2009, con la muerte de Gallo, abruptamente llegó a su fin este proyecto cultural arriesgado, inolvidable, ejemplar.

7. La Galería Santa Fe del Planetario de Bogotá.El espacio de la Galería Santa Fe era la cafetería panorámica del Planetario de Bogotá hasta que Gloria Zea la consiguió en calidad de préstamo para su Museo de Arte Moderno, antes de trastearlo a la sede que tiene hoy día. Sin embargo se siguió usando como galería de arte y con el paso de los años, se convirtió en un punto de encuentro obligado para la plástica local, e incluso nacional. Tanto el Salón de Arte Joven (evento que terminaría acuñando el mote para referirse al arte de las varias generaciones de artistas de ruptura que se fraguaron -y se impusieron- desde comienzos de la década del noventa en Colombia) como el Premio Luis Caballero nacieron y crecieron en este espacio que sin duda alcanzó su pico, su mayor notoriedad y versatilidad bajo la dirección de Jaime Cerón. Tristemente, una vez más el Estado decide la suerte de un lugar cuyo uso y sentido había sido dado por nosotros (sus usuarios) y lo cierra. Y peor aún, nosotros vimos venir su cierre y dejamos que ocurriera.

El número siete en el I Ching:

“Todos los movimientos se realizan en seis etapas. La séptima etapa trae luego el retorno. De este modo al correr del séptimo mes después del solsticio de verano, a partir de lo cual el año desciende, llega el solsticio de invierno, y del mismo modo una vez pasada la séptima hora doble siguiente a la puesta

del sol, llega la salida del sol. Por esta causa el número siete es el número de la luz joven, que se genera por el hecho de que el número seis, que es el de la gran oscuridad, se incremente por el uno.

De este modo se introduce el movimiento en la quietud, en la detención.”

Hexagrama 24 (Fu/El Retorno) al final del comentario del dictamen. Versión traducida por Richard Wilhelm (pág. 178).

En sie7e años

Con motivo de los 7 años de ARTERIA, siete hechos destacados

Por: Humberto Junca


Kalimán se deja ver en Puerto Colombia

Por: Sergio Vega*

‘Kalimán el hombre increíble’, es un proyecto llevado a cabo en Puerto Colombia (Atlántico), realizado du-rante la emisión de algunos capítulos,

almacenados en YouTube. Mientras eran reproduci-dos con ‘picó’ (sistema de sonido popular en la costa atlántica), los artistas pintaban en sesiones de varios días, que arrancaron el 14 de abril de este año.

Recibe su nombre gracias a una misteriosa colec-ción de cómics que, se rumora, tiene un habitante del pueblo conocido como ‘El Company’. Dicen que tiene cajas llenas de ejemplares -que aún no hemos visto- y que son un tesoro inapreciable. (Como par-ticipante, pensé que el objetivo principal era llegar a esas piezas de colección, pero nos pusimos a pin-tar y se purgó este objetivo).

El proyecto ‘Kalimán el hombre increíble’ copia las portadas de algunos ejemplares del cómic, que fueron escogidos de Internet por cada uno de los participantes, que se conectaron por lazos con el proyecto de las residencias artísticas El Centurión de la Noche.

Sin embargo, ninguno de los artistas habia citado a este personaje con anterioridad en sus procesos y esta fue una elección tomada en común acuerdo. Consistió en pintar en un muro para hacer visible la presencia de un superhéroe cuyo poder es ser un hombre que se conoce a sí mismo; un héroe in-ventado en Latinoamérica, cuya arma es el control mental, y sus dotes espirituales.

Esto define la intención pues cada vez que la gente del pueblo pregunta por Kalimán, uno responde enumerando sus cualidades. Esto se va propagando en el pueblo y ayuda a difundir la idea de un poder oculto en cada ser humano.

El proyecto es un acontecimiento de amigos frente al mar, unos que viven cerca de el y otros que van y vienen; otros que dicen que vuelven y tal vez no volverán. La audiencia es móvil y la obra es pere-cedera (la sal, el sol y la brisa son factores que no se tuvieron en cuenta, pues no había necesidad de hacer algo para toda la vida, debido a que los cómics ya están hechos).

La finalidad de este proyecto también es ornamen-tal. Busca poner color en una calle principal, en la entrada al pueblo. Quiere darle sentido a las pare-des, mediante el uso de un pretexto prefabricado y un hombre increíble.

En la historia de Kalimán, él fue a su lugar de ori-gen, Kalimantán (un sitio ficticio en India) a recu-perar el trono que le fue usurpado para, luego, ceder el poder de las tierras a su pueblo. En un momento de la historia de Puerto Colombia un proyecto de residencia artística vino para darle el derecho a la gente de acceder a la participación, a los artistas y a los eventos.

Así llegó a las paredes

Mario Llanos y María Isabel Rueda, directores y creadores de las residencias artísticas El Centurión de la Noche y del proyecto de galería nómada inde-

Artistas plásticos pintaron el famoso superhéroe latinoamericano en las calles.

pendiente La Usurpadora, expresan que la princi-pal cualidad de Kalimán que lo llevó a ser el perso-naje escogido para ser representado en los muros es porque, simplemente, es un hombre con poder. Éste personaje es un ser humano llevado a su máxi-ma potencia, no un extraterrestre, como Super-man ni un mutante como el Hombre Araña o un paisano torpe, con suerte y pastillas de chiquitolina como el Chapulín Colorado. Tampoco podría ser un millonario con alta tecnología en sus accesorios, como Batman.

Comprendamos el poder como un dominio, como la facultad que se tiene para ejecutar algo, una vir-tud que se determina desde la fuerza, vigor y ca-pacidad, o simplemente el sentido de pertenencia o posesión sobre una cosa. Un poder, en términos legales, cede la autoridad de una persona a otra para su representación, y la representación es una idea o una imagen de la realidad. A veces llegamos a la conclusión que solo alguien “puede” hacer algo, como un superhéroe, o como un ser humano ele-vado o bien ubicado o, simplemente, alguien como Kalimán.

Como el poder de ejecución se le cede al cuerpo institucional en el caso de la gestión cultural, la ac-ción de usurpar resulta fundamental. Usurpación significa apoderarse de un derecho o un bien ajeno, generalmente, por medios violentos o de intimida-ción.En este caso, usurpar es apoderarse de la digni-dad, empleo y oficio de otro, usados como si fueran propios; es otorgarse y calificarse el poder de hacer lo que otros no pueden con propiedad.

Una centuria es un periodo de 100 años. Un cen-turión es el término referido al jefe de una centu-

ria, que corresponde, también, a cien soldados de la milicia romana. “El centurión de la noche” hace guardia en la oscuridad, en el tiempo que hay en-tre la puesta y la salida del sol. “El centurión de la noche” está despierto en un periodo en el que la gente duerme.

Residir es el hecho de vivir en un lugar determinado o convivir con personas que tienen algo en común, compartiendo el espacio. Este espacio es llamado residencia. Un pueblo es un grupo de personas que comparten un mismo origen y cultura, es gente co-mún, o es gente humilde.

Un puerto se define por ser un lugar que protege las embarcaciones del viento y las corrientes, orienta el tráfico de las embarcaciones. El puerto de Puerto Co-lombia esta caído, las embarcaciones pasan lejos, no hay tráfico por dirigir, solo un paisaje desolado. Nues-tro lugar de residencia es el pueblo de Puerto Colom-bia. Algo que emerge es algo que brota del agua.

Uno de los primeros textos del blog de La Usurpado-ra escrito el día martes 14 de febrero de 2012 (http://lausurpadoraespacioindependiente.blogspot.com/ ) dice: “…Cansada de la llamada “escena de arte local “́ La Usurpadora ́cree que el arte puede ser visto des-de una manera más espontánea y no tan institucio-nal como se ha venido manejando el arte en la ciudad de Barranquilla. La necesidad de la creación de la “La Usurpadora surge de la ausencia de espacios para que los artistas puedan mostrar y difundir su trabajo, sumado a la posición subordinada al dominio por así decirlo de un circuito artístico totalmente centraliza-do en ciudades como Cali y Bogotá”.

* Docente, maestro en artes plásticas.

La historia de un héroe latinoamericano

Kalimán empezó como un programa radial el 16 de septiembre de 1963. La serie fue creada ori-ginalmente para la radio, en México, por Rafael Cuberto Navarro y Modesto Vásquez González. Tras el éxito inicial de las aventuras del personaje en este formato, en 1965 se produjo el salto a la historieta, alcanzando entonces su mayor popu-laridad. En Colombia se hizo popular en la voz de Gaspar Ospina (fallecido en el 2008), quién cada día de la semana lo interpretaba en Todelar, en una época en la que la radio era el principal medio de comunicación.El origen en la historia de Kalimán tiene una in-fluencia judeo-cristiana pues apenas recién naci-do fue encontrado en un cesto en un río, tal como fue hallado Moisés. Es adoptado, secuestrado y su padrastro es asesinado cuando iba a buscarlo. Vuelto a lanzar a un río, el niño se salva milagro-samente y es criado hasta su adolescencia por una tribu de cazadores. Después de dar muchas vuel-tas llega al Tíbet en donde desarrollará los pode-res que lo llevarán a ser un héroe: control mental, artes marciales y otros más.Ya adulto, Kalimán conoce su origen y regresa para hacer justicia. Renuncia al trono, dona casi todas las tierras y riquezas a sus súbditos y se marcha nuevamente al Tíbet. Superada esta ini-ciación, Kalimán decide tomar un camino errante en aras de hacer el bien y defender la justicia bajo la promesa de jamás matar pase lo que pase. En este recorrido conoce a Solín, un niño descendiente de Ptolomeo y Cleopatra que lo acompañará en to-das sus aventuras, reinterpretando de este modo la verdadera historia de Cesar Augusto quien no dejo descendiente vivo alguno en esta dinastía.

Fotografías: Luis Fernando Fandiño.

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Artistas participantes: Marco Mojica, Noelle Lieber, Santiago Rueda, Mario Llanos, Sergio Vega Arias, María Isabel Arango, Óscar Tapias, Humberto Junca, Kevin Mancera,

Emma Ana, Fernando García, Carlos García y María Isabel Rueda.

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Cerca de 500 millones de pesos destina anualmente el Mi-nisterio de Cultura para el desarrollo del componente pe-dagógico de los Salones Regionales de Artistas, con el que busca beneficiar a más de mil personas, según fuentes de

la misma entidad.

Con alrededor de 40 exposiciones que aglutinan artistas de todo el país y con buena parte de las exhibiciones con carácter itinerante, el programa Salones Regionales de Artistas (SRA) se creó buscando for-talecer las artes visuales y para fomentar la diversidad cultural dentro del campo artístico contemporáneo.

El programa hace énfasis en la creación artística como proceso de co-nocimiento e investigación; en la experiencia estética como práctica artística e interdisciplinar y en la pedagogía como suscitadora de crite-rios de valor, de gestión y de transformación social y cultural.

El componente pedagógico de los SRA es coordinado y operado por el área de Artes Visuales del Mincultura en alianzacon la Asociación Entre las Artes. Como parte del proceso se han desarrollado herra-mientas para facilitar las actividades de los equipos curatoriales, los guías de sala y los artistas y hacen énfasis en el aspecto formativo de los laboratorios.

Formación de guías, producción y distribución de materiales realizados en talleres y conversatorios, y la generación de espacios educativos son mecanismos utilizados en el proceso. Todo parte de los lineamientos del Compendio de Políticas Culturales del Ministerio e integran la investi-gación, formación, creación, circulación y gestión. Los SRA funcionan

en siete zonas o regiones: Caribe, Centro, Centro Occidente, Oriente, Orinoquia y Amazonia, Pacífico y Sur. Los proyectos pedagógicos pro-movidos en cada una buscan garantizar su sostenibilidad a través del fomento de procesos artísticos locales y del impulso de la autonomía creativa de los participantes.

Un estilo pedagógico para cada región

Para Caribe por ejemplo, el grupo Atarraya desarrolló un trabajo de socialización de su proyecto curatorial en 12 municipios, entre ellos, Valledupar, Aguachica (Cesar), Maicao (La Guarjia), Riohacha, Santa Marta, Cartagena, Mompox (Bolìvar), Montería, Sincelejo, Barranqui-lla, Santo Tomás (Atlántico) y San Andrés Islas.

Con el componente pedagógico el equipo curatorial consiguió acercar-se a los procesos artísticos accediendo a los portafolios de los artistas. Atarraya también impartió los Laboratorios de Fortalecimiento de las comunidades Artísticas en los municipios de Suan, Palmar de Varela y Puerto Colombia (Atlántico).

En la zona Centro, por otra parte, los colectivos La Cooperativa y Las Edades examinan asuntos como la recontextualización de íconos de la gráfica colombiana y la realización del Tercer Encuentro Bogotá Arte y Ciencia. Mientras, en la zona Oriente los proyectos ‘Caminos reales’ y ‘Zapping’ enfocan su trabajo en expresiones regionales de conceptos como frontera e intercambio; construcción de identidades.

‘Residir: De la ventana hacia adentro, de la ventana hacia fuera’, es la investigación curatorial desarrollada por el colectivo Residencia en

la Tierra para la región Centro Occidente. Los procesos de percepción del entorno, de las naturalezas propias y de los demás por parte del individuo, así como la observación, atención y conciencia del artista son aspectos que la curaduría busca reconocer y reflexionar.

Por esta razón el proyecto funciona bajo el esquema de residencia ar-tística, en el que los participantes comparten un espacio de creación, interacción y reflexión.

Creación para mejorar la vida

El componente pedagógico de los SRA también promueve los Labo-ratorios de Investigación-Creación con los cuales fomenta la práctica artística como un derecho fundamental que incide significativamente en la calidad de vida de las comunidades.

Por eso, los laboratorios son diseñados y ejecutados por personas y or-ganizaciones culturales ganadoras de las Convocatorias de Estímulos del Ministerio de Cultura, que operan en distintas regiones.

Su misión es motivar la investigación estética, la imaginación creativa, la apropiación simbólica compartida, la gestión y circulación artísti-ca y cultural, y fortalecer el desarrollo de las artes visuales mediante acuerdos y alianzas entre artistas, artesanos, docentes e instituciones gubernamentales y privadas.

Según el Ministerio de Cultura, cerca de cien propuestas formativas han estimulado las prácticas de más de 4.000 artistas, docentes, gesto-res y estudiantes de diferentes etnias en todo el país.

Una oportunidad para investigar en las artes

Región Sur (Tolima, Huila, Nariño, Caquetá y Putumayo)

Proyecto curatorial ‘Región, entre líneas y por fuera de la margen’(http://ciudadapata.com/)

La propuesta presentada por Juan Pablo Moreno y Jaime Andrés Ca-ñizares propone un recorrido por la producción artística contemporá-nea de los departamentos que conforman la región Sur de Colombia (Nariño, Putumayo y Tolima), a partir de la reflexión en torno a la lí-nea, la región y el dibujo.

El equipo curatorial buscó realizar una revisión del concepto de región como una decisión político-administrativa que dibuja límites al esta-blecer territorios. Durante la investigación encontró que la relación

Abrieron todas las exposiciones en las regiones

más directa con la noción de región en el imaginario urbano es el mapa de división política administrativa por departamentos. “Quería-mos ver hasta qué punto esa figura se cumple realmente, qué tanto

14 Salones Regionales de Artistas

Segunda parte del informe sobre los Salones Regionales de Artis-tas, iniciado en la edición pasada, con las reseñas de las exhibicio-nes abiertas en los dos últimos meses. (www.periodicoarteria.com/descargas/pdfs_periodicos/33.pdf)

las líneas y fronteras que lo configuran, condicionan a las regiones y a su realidad, y cómo todo esto afecta otro concepto fundamental en el desarrollo del proyecto: la identidad”, explica Juan Pablo Moreno.

Las propuestas artísticas presentes en la exposición, en su mayoría, tienen como soporte el dibujo y sus múltiples posibilidades de experi-mentación, como el dibujo tridimensional, fotográfico y en video.

Para los curadores, la propuesta museográfica plantea una especie de viaje cuyo propósito es cuestionar a los visitantes sobre el concepto de región y sobre la manera cómo habitan sus espacios físico, territorial y geográfico, lo mismo que su cuerpo como un espacio de reflexión.

La exposición surgió luego de un detallado trabajo a través un viaje de socialización del proyecto en 14 municipios de los departamentos de la región Sur. Recibieron 100 propuestas y seleccionaron 29. “Fuimos al encuentro y no a la búsqueda, dispuestos a recibir y a descubrir la mayor cantidad de experiencias artísticas. Fueron muy pocas las obras seleccionadas ya terminadas. La mayoría fueron escogidas a partir de proyectos y esta experiencia nos dio la posibilidad de relacionarnos más con los artistas”, dice Moreno.

Ronald Prado & Mauricio Zequeda. Hacen parte de la propuesta de la curaduría Atarraya, de la zona Caribe. Fotografía: Diego Guerrero.

Fotografía: Javier Oswaldo Moreno.


Los artistas presentes en la exhibición son Javier Chinchilla, Aida Orrego, Mario García Cuellar, Angelmiro Guerrero, Jaime Mora, Paola Tafur, Marco Rico, Ricardo Moreno, Moisés Morales, Ahimi-lec Lara, Heliberto Ariza, Óscar Obando, Rosa Tisoy, Javier Gómez, Rosa Achicanoy, Gustavo Benítez, Alfredo Villareal, Orlando Mori-llo, Óscar Romo, Alfredo Palacios, Colectivo Con-Símbolo, Colectivo Oxidados, Marcos Unigarro, Colectivo Rumichaca, Cristal Morillo, Luis Fernando Benavides, Mario Andrés Arcos, Natalia Pipicano y Carlos Mario Camacho.

Además de la exhibición se proyecta una agenda de actividades que reúne visitas guiadas, talleres sobre intervención urbana, fotografía, dibujo y procesos de investigación, creación y conversatorios con los artistas participantes e invitados.

Eventos en Neiva - En el Museo de Arte Contemporáneo del Huila MACHExhibición del 12 de julio al 12 de agosto Eventos en Pasto - Exhibición del 20 de septiembre al 21 de octubre

Región Oriente (Santander, Norte de Santander y el Estado Táchira, en Venezuela)

Proyecto curatorial Zapping (www.zappingcuraduria.tk)

El proyecto diseñado por Nicolás Cadavid y Martín Camargo reúne las obras de doce artistas: los santandereanos Milton Afanador, Al-berto Borja, Arnulfo Medina, Emel Meneses y Glenda Torrado, y de los nortesantandereanos Amparo Cárdenas, Gabriel Castillo, Alexandra McCormick, Nelson Moncada y Orlando Rojas.

Dado que la Región Oriente es una de las zonas del país en donde la selección curatorial es de carácter binacional: Colombia/Venezuela, debido a la constante labor de gestión, y circulación de la producción plástica entre artistas de los dos países, también están presentes con sus obras los venezolanos Osvaldo Barreto y Annie Vásquez.

Según, los curadores, la investigación tuvo como objetivo indagar en la región sobre lo que se había hecho en el arte durante los últimos diez años. “Encontramos un gran afán por trabajar a partir de las nociones de viaje y frontera y el enfoque de temas políticos. También descubri-mos una gran búsqueda en torno a los lenguajes del arte contemporá-neo”, explica Martín Camargo.

El equipo curatorial interpreta el término zapping como una sucesión de saltos sin predeterminación a través de una lista de canales de tele-visión. Esta noción aplicada al proyecto se tradujo en el reconocimien-to de la amplitud y complejidad existente alrededor de los procesos de creación artística individual o colectiva.

“Buscamos que los artistas seleccionados crearan propuestas museo-gráficas que dieran cuenta de las estrategias y formas de trabajo utili-zadas en sus procesos artísticos, mediante diversos flujos de informa-ción, panoramas de imágenes y series de ideas. Estos temas (…) están muy relacionados con la idea de cambiar de un canal al otro, como lo que se hacía en los ochentas”, dice Camargo.

La exposición la complementa un centro de documentación sobre el arte regional y una serie de activaciones en los espacios de exhibición. Además, se proyecta una agenda de actividades que reúne la oferta de los proyectos pedagógicos de los santandereanos Silvia Espinel, Julio Rodríguez y Jorge Torres. A su vez, se realizarán visitas guiadas, con-ferencias y talleres con los artistas participantes y expertos invitados a ser parte del componente formativo de este salón.

Eventos en Bucaramanga - En el Museo de Arte Moderno de Bucaramanga Exhibición del 12 de julio al 18 de agosto Eventos en Cúcuta - En la sala de exhibiciones de la Corporación Cultural Biblioteca Pública Julio Pérez Ferrero, BibliocúcutaExhibición del 20 de septiembre al 26 de octubre

Proyecto curatorial ‘Caminos reales’ (http://caminos-reales.blogspot.com/)

Para el Colectivo Aiuna, integrado por los cucuteños Carlos Torres Muñoz y Luis Miguel Brahim Martínez, y la venezolana Susana Quintero Borowiak, los ejes temáticos del proceso curatorial fueron caminos, vías, transporte, vecindario, vivienda y amigos. Los caminos y las vías porque al atravesar un territorio, el camino comunica y con-figura. El transporte como condicionante del modo de moverse, dado que cada medio permite alcances y experiencias distintas. El vecinda-rio y la vivienda que suponen el contexto inmediato de cada individuo y determinan muchos de los vínculos de una persona en una ciudad. Finalmente, los amigos y la familia, que son el círculo de relaciones in-terpersonales inmediatas. Según los curadores ‘Caminos reales’ es un proyecto que mira a la frontera y se sirve de una excusa histórica: los caminos del reino, para definir el arte como una vía de acceso a la experiencia de realidad, en la que los recursos sensibles (plásticos y perceptivos) son el medio para potenciar la implicación vivencial del espectador.

Así, aparece la imagen de camino real, eje de la curaduría, para identificar un modo de hacer estético que propicia la experiencia y el contacto. Fueron seleccionadas 23 obras de un total de 83 proyectos presen-tados. Los artistas presentes en la exhibición son Colectivo Aire, Eduardo Estupiñan, John Freddy Calderón, Nelson Gómez Castro, Neryth Yamile Manrique, Yadira Polo, Alberto Lizarazo, Alexandra McCormick, Colectivo La sombrilla, Colectivo Nómadas, Dan Gam-boa, Diana Villamizar, Fabiola Canal, Gabriel Castillo, Juan Carlos Acevedo, Orlando Rojas, Cruz Elena Mazo, Mauricio Carvajalino, Jesús Leguízamo, Julio Armando Ortiz, Luis Saray, Adrián Preciado y Oscuraldo Barreto. Este proyecto curatorial recorrió diez ciudades de la región Oriente, en particular aquellas que no habían tenido presencia de artistas en los anteriores Salones Regionales. “Queríamos ampliar el camino del arte, llegar a otros lugares como Ocaña, Barichara, Pamplona, San Gil, Socorro y Colón (Venezuela)”, expresó Carlos Torres Muñoz. Eventos Cúcuta - En la Torre del Reloj, el Museo Centenario y la Biblioteca Pública Julio Pérez Exhibición del 19 de julio al 19 de agosto Eventos Bucaramanga - En el Museo de Arte Moderno de Bucaramanga y en la Sala de Expo-siciones del Instituto Municipal de Cultura, Biblioteca Gabriel TurbayExhibición del 13 de septiembre al 14 de octubre

Región Orinoquia y amazonía(Amazonas, Arauca, Caquetá, Casanare, Guainía, Meta, Vaupés y Vichada)

Proyecto curatorial Inter cambios(http://corpotapioca.com/)

Es una investigación curatorial que propone como eje teórico y meto-dológico el concepto de diálogo. El equipo está integrado por Carolina Castellanos, Dreier Stiduar Salamanca y César Ernesto Agudelo. Los curadores manifiestan que buscaron acercarse de manera peda-gógica a través del diálogo con y entre los agentes que intervienen en los procesos de las artes plásticas en la región.

La hipótesis curatorial plantea que en las artes plásticas de la región in-teractúan agentes internos y externos, y que entre ellos se desarrollan diálogos que posibilitan intercambios transculturales. Por ello propo-nen que la obra de arte sea un espacio de intercambios.

El proyecto plantea la realización de una itinerancia para descentralizar la propuesta expositiva del salón. Para eso diseñó un dispositivo móvil de exhibición en camión. Esta acción permite la creación de un espacio expositivo cuya distribución de obras en el espacio está establecida a partir de diferentes núcleos temáticos: ‘Miedo y misticismo’, ‘Proyecto resonancias’, ‘Obras de Ospina’, ‘Humor, sátira y otras verdades’, ‘Obra de un obrero’ y ‘El cómic obtenido del experimento intercambios de dibujantes de cómic’. Para la itinerancia se diseñó ‘La caravana’, la exposición móvil que incluye visitas guiadas, conversatorios con muestras audiovisuales, talleres y exposiciones con artistas locales. En Villavicencio se exhibi-rán imágenes de diferentes momentos del proyecto curatorial. En este espacio también se presentará una exposición conformada por foto-grafías y videos de ‘La caravana’

Los artistas que hacen parte de esta muestra son Santiago Cifuentes, Arnulfo Velasco, Henry Fernando Rugelis, Iván Darío Méndez, Mi-guel Ángel Vargas, Adriana María Monroy, Silvia Castro, Jean Paul Simard Godoy, Juan Carlos Gutiérrez, Jerson Tarazona, Wilian Contreras, Andrés Benavides, Floro Alberto Vargas, Jaime Arroyo, Eduardo Augusto Cristancho y Margarita Ospina de Benalcazar. Caravana del 23 de agosto al 23 de septiembreEvento en Villavicencio - En la Galería Guayupe Corcumvi de la Biblioteca Germán Arciniegas. Exhibición del 23 de agosto al 23 de septiembre.


Actividades de las otras Regiones

Proyecto curatorial El Residir, Región Centro Occidente - En el Museo de Arte de PereiraExhibición del 13 de junio al 12 de agosto

Proyecto curatorial Historietas del bajo Mundo, Región Pacífico- En Popayán: Casa Museo Negret & Museo Iberoamericano de Arte Moderno de Popayán – MIAMPExhibición del 19 de julio al 8 de agosto - En Chocó: Casa de la Juventud de Quibdó Exhibición del 4 al 30 de agosto

Proyecto curatorial Atarraya, Región Caribe- En la Biblioteca Rafael Carrillo Luqués de ValleduparExhibición del 29 de agosto al 12 de octubre

Proyecto curatorial Desde el bienestar, Región Pacífico- En Laagencia, BogotáExhibición del 15 al 30 de agosto- En M.I.A.M.I, BogotáExhibición del 20 se septiembre al 9 de octubre

Proyecto curatorial La Cooperativa, Región Centro- En El ParqueaderoExhibición Fase III, del 4 al 25 de agosto.- En Tunja: Fechas por confirmar.

Proyecto curatorial Las Edades, Región Centro- En la Galería Las Edades, Bogotá‘Una visita al glamour’: Rosita Alfonso e hijo.Del 4 al 12 de agosto‘Wilhelm Wagner Kapple’: Carolina Pizano Wagner.Del 25 de agosto al 2 de septiembre.‘El pistolero de Siqueiros’: Fernando Oramas.Del 16 al 22 de septiembre

Fotografía: Víctor Robledo.

(http://caminos-reales.blogspot.com/)

(http://corpotapioca.blogspot.com/)


El arte del país, en las lentes de dos fotógrafos Conceptual, experimental o incluso con evocaciones a las tradi-ciones, los 14 Salones Regionales muestran, en buena parte, lo que los artistas de Colombia están realizando. Esto sin importar si los creadores provienen de la academia o son autodidactas.

Las exposiciones también son el resultado de procesos curato-riales que, gusten o no, presentan una forma organizada de pen-samiento que ayuda a que tengan un sentido claro.

Con su itinerancia por distintos municipios, los salones también amplían la cantidad de público que tiene acceso al arte colom-biano y se convierten, realmente, en una antesala del próximo Salón Nacional, cuya sede, a propósito, está por ser definida.

Incluso con lo difícil que puede resultar en ocasiones ver y enten-der el arte y con lo alejado que puede estar de los aspectos estéti-cos en los últimos tiempos, en los salones hay todavía propues-tas que llaman la atención por su impacto visual, si bien pueden tener, también, un trasfondo crítico. Así que hemos querido dar una mirada a algunas de estas obras desde el punto de vista de los fotógrafos Óscar Monsalve y Víctor Robledo.

Sandra Pulido. �Teneral’(fragmento). La obra hace parte de la curaduría La Coopertiva, de la región Centro. Fotografía: Óscar Monsalve.

Rafael Gómezbarros. Obra de la serie �Especialidad de la casa’. Presentada en la curaduría Atarraya, de la región Caribe. Fotografía: Víctor Robledo.

Antonio José Díez. �Sin título’. Hace parte de la exposición �Sin quietud estética’, dentro de la curaduría Las Edades, en la región Centro. Fotografía: Óscar Monsalve.

Natalia Castañeda. �Ficciones para una postura presente’. Hace parte de la propuesta de la curaduría El Residir, de la zona Centro Occidente. Fotografía: Víctor Robledo.


Montaje del proyecto curatorial Historietas del Bajo Mundo, en la región Pacífico. Fotografía: Víctor Robledo.

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Santa MartaEl que hasta hace unos meses era un edificio abandonado en el centro de Santa Marta pre-senta, desde el 5 de julio y hasta el 17 de agosto, el 14 Salón Regional de Artistas, en el Caribe colombiano.

El lugar de estilo art decó, con techos altos re-cién restaurados y dos patios, alberga dentro de sus paredes blancas, acabadas de pintar, 19 proyectos de 35 artistas. Pinturas, fotos, insta-laciones e, incluso, una acción artística hacen parte del salón.

Con la exposición de los creadores caribeños y mediante una inversión aproximada de 25 millones de pesos del Ministerio de Cultura, La Gota de Leche –como es conocido el edificio- empieza a ser revitalizado (ver recuadro).

Una atarraya para pescar arte

Ganador de las becas de investigación curato-rial en 2011, el grupo curatorial Atarraya fue el encargado de escoger a los participantes en el Salón en la Región Caribe. En el momento de su unión sus integrantes Javier Mejía, Ed-win Jimeno, Stefannía Doria y Jaider Orsini vivían en Barranquilla, Santa Marta y Valle-dupar, lo que les daba –según dice Mejía– una visión un poco más amplia de lo que sucedía en la región.

Más allá de lo evidente que para la gente del interior puede resultar el mar como punto co-mún de lo que se puede describir como ‘Caribe’, la curaduría encontró puntos de encuentro en lo rural, lo urbano y el río.


El arte visto con los ojos del CaribeUn recorrido por la propuesta de la curaduría Atarraya. Lo que se ve y lo que deja.

El Salón recupera un edificio para la cultura

El edificio La Gota de Leche está, en centro his-tórico de Santa Marta (calle 22 con carrera 3). El lugar es bien conocido por los samarios y su nom-bre proviene de su primer uso: a mediados del siglo pasado, funcionaba un centro de salud ma-terno-infantil en el que las madres recibían leche en polvo, que provenía de ayuda internacional.

El edificio fue construido por el cubano Manuel Carrerá, el mismo arquitecto que levantó el ‘Al-tar de la Patria’, en la Quinta de San Pedro Ale-jandrino, también en Santa Marta.

Luego, en la edificación –que pertenece a la Gobernación de Magdalena- fue la sede de una ONG. Pero con el paso del tiempo su deterioro se hizo evidente: techos con goteras, paredes descascaradas y ausencia de servicios de luz y agua. Solo la Policía, le daba uso, de vez en cuan-do, para alojar a personal que debía estar en la ciudad temporalmente.

La inversión de 25 millones de pesos, aproxi-madamente, de Mincultura permitió su revi-talización y se están dando los primeros pasos entre distintos entes regionales y de la ciudad para convertir el lugar en un centro cultural para la región.

Obras de río, campo, mar y ciudad

Si algo se vio en ese lugar es que el salón respira Caribe colombiano en toda su extensión y no solo en lo que tiene que ver con el mar. Las obras tie-nen claras referencias al río, a la ganadería, a las formas de habitar la zona y a las maneras que sus habitantes tienen para obtener el sustento.

Lo primero que encuentra el visitante es una ban-dera de Colombia hecha con pedazos de envases plásticos, colgando de una pared y a su lado un trasmallo realizado con plásticos recogidos del río Magdalena. Ambas obras hechas por Eduardo Butrón.

Adentro, en uno de los patios la artista Viviana Covelli construyó la réplica de una casa del corre-gimiento de Tres Esquinas, en Ariauní (Magdale-na). Al entrar, se ve una sola habitación, empa-

pelada con imágenes de revistas y una pequeña mesa con una estufa de un puesto y algunos en-seres de cocina.

También hay una hamaca colgada, pero sin ser desplegada. “Así vive la gente. En Navidad empa-pelan las casas”, dice Javier Mejía, que junto con Edwin Jimeno, Estefannía Doria y Jaider Orsini curó la muestra.

El dibujo tiene todo un salón con la obra de Ro-nald Prado y Mauricio Zequeda, quienes repro-dujeron en los muros escenas y personas tomadas de imágenes proyectadas en una de las paredes. Y si de algo más conceptual se trata, Rafael Gomez-barros presenta decenas de cucharas que se refle-jan en un espejo.

José Luis Quessep presentó un políptico com-puesto por 12 piezas con la palabra ‘Cowlombia’ hecha en boñiga, y, en contraste, Milagros Ro-dríguez participa con El polizonte, un muñeco que viaja por el mundo y mantiene contacto por Internet.

Los que causaron más alboroto fueron los inte-grantes del colectivo En Construcción que perma-necieron en un salón de La Gota de Leche, sede del evento, y promovieron un paro de artistas, en una marcha en la plaza de Bolívar y en otros sitios de Santa Marta.

“Hicimos una revisión bibliográfica sobre el Caribe -hay pocos textos- y sobre qué había pa-sado en anteriores salones regionales. Luego, viajamos por todos lados: capitales de departa-mentos y ciudades intermedias. Llegamos a 21 o 22 ciudades”, explica Mejía. Desde Aguachica (Cesar) hasta San Andrés recibieron la visita de los curadores. “En la Costa no basta con escribir un correo electrónico -dice el curador-. Muchas cosas solo funcionan si vas hasta el lugar, a pie, porque muchos artistas no tienen Internet o nunca abren un correo”.

Los curadores visitaban talleres, veían los tra-bajos de los artistas y les contaban de la posibi-lidad de participar en el Salón con sus proyec-tos o con otros distintos. Además les pedían un portafolio para tener documentos en qué apoyarse. “Nos dimos cuenta de que muchos no tenían un portafolio y tampoco sabían cómo hacer uno. Hubo que programar talleres para que aprendieran y también hicimos un instructivo para indicar cómo mandar el porta-folio por Internet”, explica el curador.

Entre las 150 carpetas que recibieron y los ar-tistas que visitaron había de todo. Así pudieron hacer una radiografía’ de lo que pasa en el Cari-be en torno al arte. “Hay artistas que han tras-cendido lo artesanal, pero con procesos muy arraigados a la tradición, y pintores que, si bien no han pasado por las universidades, encuen-tran soluciones estéticas contemporáneas.

También hay otro tipo de artistas formados en la academia, con obras que tienen un trasfondo conceptual más fuerte y jóvenes que confor-man colectivos”, cuenta Mejía. Destaca que entre lo visto se nota la influencia de los pro-

gramas de artes que se imparten en Barranqui-lla y Cartagena. El curador agrega que existen otros artistas que empezaron sus estudios y su carrera en la región, pero luego se fueron para Bogotá y ahora exponen afuera del país.

El Salón Regional parece funcionar bien como vitrina, en la medida de que promueve la obra de creadores que, de otra manera, difícilmente serían vistos por el público, menos dentro de una curaduría que permite la comparación en-tre las obras.

Esto, por otra parte, permite reconocer uno de los mayores impedimentos que afrontan los artistas del Caribe colombiano, según opina Mejía: “Los artistas tienen resuelta la produc-ción. El principal problema es que sus obras no circulan. Uno de los que visitamos tenía más de 200 cuadros, un cuarto lleno de obra, pero no tiene cómo hacerla circular”.

Para él es evidente la falta de lugares para expo-ner. “En Barranquilla, el único espacio fuerte es el Museo de Arte Moderno. El Museo de Arte Moderno de Cartagena es lento en la operación y casi sin recursos. El Museo Bolivariano, en Santa Marta, tiene otra búsqueda artística. Y si estos son los museos más importantes… Yo creo que hay crisis en los museos de arte con-temporáneo en el Caribe”.

Los artistas de la región, gestores y críticos crean alternativas, como la creación de espacios como La Usurpadora, en Barranquilla o la Red

de Artistas del Caribe que tiene una página web que –en cuentas de Mejía- tiene más de 3.000 suscriptores.

Con crisis o no, en lo que se refiere al Salón Regional, la participación fue amplia. En las charlas efectuadas en el Banco de La Repúbli-ca asistieron personas interesadas en el arte, entre artistas, estudiantes, docentes, gestores y críticos.

A ello hay que agregar que el Salón estará en Valledupar, entre el 5 de septiembre y el 15 de octubre. en la biblioteca Rafael Garrido Duque y en la sala de exposiciones de la casa de cul-tura.

La artista Viviana Covelli instaló una casa típica de un corregimiento del municipio en el que trabaja.

Ernesto Delgado del colectivo En Construcción. El grupo hizo una ´protesta´para participar en el Salón.

Trasmallo hecho con material sacado del río Magdalena.


En una exposición casi apocalíptica el Museo de Arte Contemporáneo (MAC), de Bogotá, retó a 70 artistas graduados, en formación y autodidactas para que crearan obras sobre el tan cacareado fin del mundo. ‘Antes, durante y después del fin’ es-tará abierta hasta el 30 de agosto en tres salas del museo ubicado en el barrio Minuto de Dios y que suele hacer exposiciones con temáticas específicas, que convocan a artistas con formaciones diversas y que en varias ocasiones integran a la comunidad.

La propuesta fue hecha en alianza con el Instituto Distrital de las Artes (Idartes), mediante convocato-ria y pone la atención en supuestas maneras en las que buena parte de los terrícolas dejaríamos de gi-rar alrededor del sol de una vez y para siempre, y en lo que pasaría a los que, por ventura o desventura, sobrevivan.

Los elegidos debieron trabajar a partir de tres tex-tos que variaban según la categoría (Estudiantes, Titulados y Autodidactas), los cuales fueron escri-tos por las curadurías Ars moriendi, Tierra Nueva y La Pre-existencia humana, respectivamente.

En la sala tres, los autodidactas centran su atención en la guerra como referente histórico de la humanidad. Se tocan elementos que ponen a la ciencia a favor de la destrucción masiva; a la tecnología como generadora de basura, y al consumo desmedido de los recursos del planeta. Las obras fueron curadas por Carlos Eduardo Pérez.

Por su parte, en la sala dos los estudiantes se ex-presan acerca del ‘Juicio Final’. El componente esencial de esta parte del proyecto es el miedo que como individuos y sociedad existe hacia amenazas reales o imaginarias. La obras contaron con la cura-duría de Juan David Quintero Arbeláez.

Finalmente, en la sala uno, los titulados muestran su visión del futuro del mundo luego del Apoca-lípsis. El concepto básico es la transformación, y el desafío para los artistas consistió en preguntarse cómo será ese nuevo inicio, qué relaciones y qué interacciones generará, cuál será la función de lo estético en ese escenario y qué papel jugará el artis-ta y su trabajo. El curador fue Gustavo Ortiz.

“Si un hombre persistiera en la locura, se volvería sabio.”

William Blake

Locura y viaje, dos compuertas que abre Gabriel Silva al acudir a la insinuante imagen de la Nave de los locos. Esa barca con sus singulares pasajeros que surge en la imaginería europea a finales de la Edad Media y que despliega su capacidad camaleónica con el paso del tiempo.

Ya para el Renacimiento temprano, Sebastian Brant publica en Basilea su poema conocido como Narrens-chiff o Stultifera Navis, en el que narra el viaje de 111 pasajeros a un país llamado Narragania (Narr: loco, bufón). La nueva barca interpola e invierte el sentido heróico de los argonautas y su búsqueda del velloci-no de oro. La tripulación de Brant es encarnada por seres que representan los “vicios” de la sociedad y hacen evidente la condición humana. Por su parte, El Bosco realiza su pintura La nave de los locos: clérigos, monjas, bufones que se confunden en la barca.

Entre las múltiples metáforas que encierra esta ex-posición se encuentra el viaje o el exilio voluntario que emprenden hoy “dementes” y “lunáticos” que, por supuesto, no conforman las filas relacionadas con el poder. Michael Foucault retoma en su His-toria de la locura en la época clásica la Narrenschiff de Brant y piensa que esta barca podría ser real; un navío que recorría los ríos de Renania y los canales flamencos con una tripulación de locos, insensatos, leprosos, diferentes y marginales.

Al zarpar la barca implicaría la sustracción de estas personas que alterarían el ritmo de las ciudades y serían indeseadas por la sociedad. Sin embargo, el texto de Foucault detona la gran pregunta por iden-tificar al loco ¿quién es?

Este tipo de cuestionamientos anima la imagina-ción de Gabriel Silva para intentar responderse que la figura del loco es incierta, el loco es quien se aleja del mundo, el que emprende un camino hacia el abismo o una ruta incierta o un camino que de-viene en conocimiento. Pareciera que Gabriel Silva apuntará al viaje arquetípico realizado por Jung, ese loco que da el primer paso, ser trascendente y vital que aviva el viaje, ya que sin él sería imposible partir. Un ser desapegado de la razón, de lo material, que transita en una búsqueda de sentido. El loco incita al traslado en la nave y a transitar el río para exiliar-nos de la locura del mundo actual, del espectáculo vacuo, de la publicidad y el consumo, vectores de nuestra sociedad; de los reflejos desvanecidos de la cultura; de lo revolucionario que se ha vuelto de moda; de los narcisos que se autocontemplan en

Arte para el fin del mundo

Una exposición en la que a través de la presenta-ción de cuerpos, aparatos y ensamblajes más de 20 artistas harán sonidos con el cuerpo, con ob-jetos distintos a instrumentos y con elementos musicales se realizará del 3 al 7 de septiembre en la Academia Superior de Artes de Bogotá.

El proyecto ‘Sonantes’ se desarrolla en el marco de la Semana del Sonido, organizada por las fonote-cas de México y Colombia. En él los participantes desarrollarán performances en los que los sonidos serán producidos con su cuerpo, con esculturas sonoras que funcionarán con componentes me-cánicos o electrónicos, y con instrumentos cuyo sonido dependerá de si lo acciona un artista o un espectador. La condición es que todos tienen que hacer referencia a los sonidos cotidianos.

La exposición tiene una parte en la que se presen-tarán los objetos, los instrumentos y fotos de los ‘intérpretes musicales’ del cuerpo. En otro mo-mento se harán las presentaciones al público de los artistas sobre un escenario,

Humberto Junca es el curador de la muestra: “Me interesa generar tensión entre el objeto y el sujeto; entre el teatro, la plástica y la música; entre ruido y música, y entre la exhibición escultórica, fetichista y documental, y el evento sonoro vivo. Me inte-resa, además, la fugacidad del evento, el instante pasajero de la acción, por ello y como si de un fes-tival musical se tratara, cada obra se presentará en el escenario -idealmente- sólo una vez”.

Sobre el escenario se presentaran cuatro artistas por día, con intervenciones que pueden ir de 30 minutos hasta menos de una hora. Se editará un catálogo en el que estarán documentados tanto los actos como los instrumentos.

‘Sonantes’ contará con la participación de Carlos Bonil, Gabriel Zea, Camilo Martínez, Máximo Flórez, Beatriz Eugenia Díaz, Natalia Marín, Adriana Salazar, Walter García, Diana Ordóñez, Catalina Contreras, Efrén Aguilera, Nathalie Buenaventura, Laura Muñoz, Liliana Vélez, Car-los Castro, Elkin Calderón, Leonel Vásquez y el Colectivo Zunga (Natalia Ávila, Karla Moreno y Ana María Villate).

’Sonantes’: una propuesta para oírlos sonidos de cada día

Una semana para escuchar

Es la primera vez que la ‘Semana del sonido’ se programa en Colombia. Su tema principal es el silencio y el ruido en la sociedad contemporá-nea, y es organizado por la Fonoteca de Radio Televisión Nacional de Colombia con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes de México, FONCA.

Por: María Elvira Ardila

´La nave de los locos´los nuevos estanques: llámense páginas sociales, círculos exclusivos en que el referente es el autoena-moramiento de sí mismos, en el hedonismo, en lo efímero de la fama, en la pornografía de la imagen, en los excesos, de una clase política corrupta y sin solidaridad, de la tecnología sin un fin y de la sorda conmoción del mundo actual.

Silva persiste en su locura, se exilia en su taller, en sus clases, en sus pequeños jardines, en algunas pinturas que evocan el Jardín de las delicias, de El Bosco o las visiones aterradoras de William Blake, en su postura y silencio propone imágenes audaces que subvierten las tendencias actuales.

La locura y el viaje lo personifican, se convierte en un ser libre que deambula a pesar de los peligros, que emprende otros viajes y explora otros territorios. Tal vez por eso seleccionó La nave de los locos, una ima-gen que posee una eficacia simbólica no sólo para criticar, coaccionar, o ridiculizar, sino, también, para profetizar el cuestionamiento del orden social.

Tal como lo hizo Shakespeare con el bufón de El rey Lear, cuando la falta de lucidez y de visión llevan al monarca a cometer sendas injusticias con sus hijos más sinceros o, como ocurrió con el fantasioso y embustero Baudolino, quien conquista a Federico Barbarroja en la novela de Umberto Eco. En Silva, el loco sería el que cuestione al mundo contempo-ráneo, que se ve amenazado por los bufones o los locos que dislocan los dictámenes establecidos y, enconsecuencia, la sociedad lo excluye. Así, la exposición es un viaje a otros mundos, al cosmos, a otros planetas, a otros estados del ser, pero también es un tránsito por lugares inhóspitos que congregan

Obra de Carlos Castro. Toque de calacuerda. Cortesía: Humberto Junca.

Gabriel Silva expone en el MAMBO

una multitud de cabezas sin cuerpo, fragmentos, fantasmas que perturban la normatividad. Se trata entonces de seres que se aproximan a una pesadilla de uno de los infiernos de Dante, donde “la borras-ca infernal siempre dispuesta, lleva a las almas con estrago y ruina, las resuelve y percude, y las moles-ta…”1. Es precisamente ese ritmo infernal al que nos arrastra Silva. Un ritmo que es marcado por el tránsito de un mundo árido, donde los árboles y los seres están secos, donde aquellos que se dirigen vo-luntariamente a la locura son escasos.

´La Nave de los Locos ́interviene la ambición hu-mana que conlleva a la aniquilación del ser y de su entorno, y propone transitar y emprender un nue-vo viaje. Silva nos recuerda así que la destrucción no está en la caída de un asteroide en la tierra, sino en la incapacidad del ser humano de abordar la pro-pia nave de su locura.

MAMBo. Sala Carlos Rojas. Agosto 2 - Septiembre 2.

1. Dante, Alighieri. La Divina Comedia, Editorial Ramón Sopena, S.A. Barcelona, España, 1974.

Gabriel Silva, La nave de los locos, 2008-2012. Cortesía del artista.

Cortesía Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá.




La artista Débora Arango, que en su momento de mayor producción fue incomprendida y atacada, protagoniza su más grande exposición en el Museo Nacional de Colombia

l‘Sociales, Débora Arango llega hoy’, de la artista Antioqueña (Medellín, 1907- Envigado, 2005) estara abierta hasta el 19 de agosto. En total, están exibidos 52 óleos y acuarelas en mediano y gran formato.

Junto con los cuadros también hay entrevistas a personas que acompañaron la vida productiva de la artista, archivos de prensa del periodo comprendido entre 1930 y 1950 y material audio-visual que muestra la vida social y política de Colombia, en la época en la que trabajó .

Esta exposición hace parte del programa ‘Homenajes naciona-les’, creado por el Museo Nacional en 1998, como un medio de rescate del patrimonio cultural colombiano.

Luego de estar en el Museo Nacional, la muestra partirá en un recorrido por varios museos, entre ellos el Museo de Arte Lati-noamericano de Los Ángeles, en septiembre; el Mint Museum

(Charlotte, Carolina del Norte, EE. UU.), en marzo de 2013, y concluirá su gira en marzo de 2013, en el Museo del Barrio, en Nueva York. “Esta será la primera vez que una exposición de este tamaño de la artista saldrá del país. Antes había tenido otras, pero esta ex-porta el descubrimiento de la artista”, afirma Oscar Roldán, cu-rador del Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM), quien estuvo a cargo de la muestra.

La subdirectora del Museo Nacional, Liliana González, destaca que se eligió hacer esta exhibición debido a la trayectoria de Aran-go y “para darle un nuevo enfoque, con obras que no se habían presentado”. El MAMM, de donde proviene la muestra, tiene una de las mayores colecciones de la artista: 233 obras, las cuales fueron donadas por ella en 1987.

Para Roldán, lo que se ve en esta ocasión es el resultado de una labor dedicada a analizar la obra de la pintora antioqueña. “La investigación que sustenta esta muestra atraviesa la noción múltiple de ‘sociales’, concepto que, a su vez, da nombre a la ex-posición. La conciencia de fenómenos sociales de toda índole es la constante de las reflexiones contenidas en esta obra. En un sentido amplio, su trabajo encierra matices claramente autobi-ográficos que narran, en consecuencia, una vida difícil para una mujer que abrió camino a otras desde el ejemplo y los conteni-dos explícitos de su obra”.

Hay pinturas fundamentales en esta muestra. Según Roldán, “la piedra angular de la muestra es, ‘Sin título’ (boceto para es-tudio. Desnudo contemporáneo), que expresa el todo en una parte”. Es decir, toda la exposición está reflejada en este cuadro. “La obra de Débora Arango es un retrato al desnudo del país, del paisaje social colombiano vuelto naturaleza muerta” añade el curador.

La pieza de la que parte esta curaduría es Masacre del 9 de abril. Fue tomada como un punto de referencia a partir del cual fueron reunidas obras que habían sido ejecutadas diez años antes y diez después de la fecha en la que fue pintada.

El especialista cuenta el porqué de la exposición, “El acontec-imiento social es, en suma, el aspecto rector de la obra de Débo-ra, a lo que habría que agregar la movilidad de la representación de la alta y la baja cultura, un trasegar por universos de lo micro, meso, y macropolítico.

“Así resultan dos niveles de lectura evidentes en la sala: el prim-ero está suscrito a la idea de ‘lo social’ implícita en los fenómenos sociales de base y sustento de nuestra identidad. En un segundo nivel se ubica ‘la social’: retratos de amigas, compañeras y cono-cidas de la artista; mujeres de alta sociedad que desde el segundo nivel contemplan lo que ocurre abajo; una puesta en escena que se vale de la metáfora de clases para ubicar lo sucedido y lo per-manente en esta sociedad”.

Estas dos propuestas sobre ‘lo social’ y ‘la social’ muestran parte de lo que es Débora Arango como creadora. “Se ven las dos caras de una misma artista, logra hacer un contrapunto entre sus obras”, co-menta Ángela Santamaría, curadora de Arte del Museo Nacional.

Como trabajos que nadie se podría perder para apreciar la mag-nitud de la muestra, la curadora destaca los desnudos. “Se pre-sentan mujeres voluptuosas, pero lejos de los cánones conven-cionales. Es interesante ver cómo en la época de Débora Arango los desnudos no eran aceptados, mientras que en la historia del arte universal han sido una de las temáticas más usadas”. Además, resalta el manejo del color en las acuarelas.

Para el curador hay dos obras indispensables Montañas y La des-pedida. Esta última cierra la exposición. Roldán la describe en una frase: “Es un resumen fascinante de la historia del país”.

A pesar de que hoy el trabajo de esta artista es considerado ‘Bien de interés cultural de carácter nacional’, “Ella es conocida solo por especialistas, galeristas y gente del medio, ya que siempre fue una persona muy reservada y estaba muy retirada del mun-do del arte”, señala el crítico de arte Eduardo Serrano, quien tuvo un papel importante en cierto momento, según dice.

Recuerda que en 1973 o 1974 Débora Arango regresó con una exposición en la cual Serrano fue el curador y el encargado de convencer a Arango para hacer exponer, como él cuenta: “Viajé a Medellín para convencerla y aunque al principio no quería, porque ya se había retirado y decía que a la gente no le gustaba su obra y otras razones, finalmente accedió”. Hoy, Serrano afirma: “Débora Arango fue una gran artista, de gran calidad creativa, pionera y con un estilo expresionista muy particular”.

Por: Gonzalo Cárdenas

Débora Arango, en el lugar que le fue negado

Una exposición en el Museo Nacional entrega una mirada que reivindica la obra de la artista antioqueña. Las obras fueron seleccionadas en el Museo de Arte Moderno de Medellín y estarán en tres museos de EE. UU.

�Sin título’ (boceto para estudio. Desnudo contemporáneo). Cortesía Museo Nacional.

Débora Arango. ´La Despedida´. Cortesía Museo Nacional de Colombia.


Juan Gris estaba planeando una ex-posición en la Galería Quatre Chemins, sin saber si cumpliría con la exigencia de alistar veinte acuarelas “y otros tantos

dibujos”, cuando murió. Fue hace 85 años.

En realidad, como le dijo al galerista Daniel-Hen-ry Kahnweiler, un mes antes del deceso, estaba intentando hacer tantas acuarelas como le era po-sible, pero no podía. Después del 11 de febrero de 1927 se comunicó con el dueño de la galería para confesarle que no había adelantado mayor cosa, porque estaba “más muerto que vivo”. Le pedía no contar con él por el momento y se comprometía a que tras recuperar fuerzas le diría la fecha exacta en la que podría organizar una exposición para él. Tampoco pudo.

Seguir la edición de cartas de Juan Gris que hizo María Jiménez-Blanco1 es una tarea macabra. Resulta tenebroso ver cómo el artista trató de so-breponerse a la enfermedad mientras su cuerpo sucumbía u observar cómo trazaba la curva de su decadencia, al tiempo que intentaba sacar energía para pintar. Es triste leer que alguien languidece. Y morboso.

Pero esa lectura también puede superar la atrac-ción por la agonía ajena. Por ejemplo, permite ob-servar el modo en el que un pintor comprendía su actividad. Más que quejarse, Juan Gris trataba de concentrarse en hacer. Cosa rara en su época: se dedicó a su obra buscando evadir los debates que emergían como lixiviados a su alrededor.

A él le interesaba reflexionar más en torno a cuestiones como el aspecto que adquirirían sus cuadros una vez ingresaran a las colecciones de sus compradores, que sobre la percepción del público respecto a las derivaciones de la vanguardia parisina.

Le atraía más hablar sobre el futuro de sus obras que sobre el futuro del arte. En una ocasión realizó una pintura al óleo sobre la que pegó un grabado; esta fue adquirida por Michael Brenner quien, en algún momento, quiso retirar de ella el papel adherido. Mientras Gris defendía la autonomía del dueño de la pieza (“una vez que M. Brenner

1. María Jiménez-Blanco (ed.) Juan Gris, Correspondencia y escritos. Acantilado. Barcelona, 2008.

es el propietario de la pintura, tiene la libertad de sustituir el grabado por alguna otra cosa”, decía), Kahnweiler intentaba convencerlo de que aceptar esa intervención sería “un verdadero irrespeto hacia el artista”.

Si esto hubiera sucedido hoy, pintor y vendedor habrían terminado como enemigos irreconciliables. Además, Gris era una persona que demostraba tener prudencia en los negocios. Sin hacer gala de ninguna clase de activismo, llegó a recomendarle a otro de sus galeristas que se abstuviera de vender obra suya durante la guerra por razones más bien prácticas: “No sólo por moralidad sino porque, de otro modo, con la paz podrían llegarnos graves problemas y reproches.” Si esto hubiera sucedido hoy, pintor y vendedor habrían terminado como enemigos irreconciliables.

Sus preocupaciones eran las de alguien que no se consideraba ajeno al universo laboral: vivió para trabajar y sufrir por la demora en el pago de sus cuadros. Una persona común y corriente. Y esto es otra cosa extraña para su época: un artista no dedicado a construir un castillo de sí mismo.

Quizá, por lo mismo evitó participar en la misma exposición donde Picasso estrenó sus ‘Señoritas de Avignon’ (pieza sobre la que Gris decía lacóni-camente que era “un cuadro muy grande que es-taba en su taller. Un cuadro de hace seis o siete años que representa varias mujeres”). Quizá esta economía crítica fuera vista como mezquindad. Quizá por eso decidió aceptar el impulso que le dio el crítico Josep Junoy, pasándose de la ilustración a la pintura. Quizá por eso juzgaba la improvi-sación en sus colegas con riguroso celo (son famo-sas las descalificaciones a que sometía la obra de Diego Rivera en Francia). Quizá por eso soportó que muchos lo tuvieran como el segundón de Pi-casso -Braque lo aborrecía-. Quizá por eso pintó telones para Diaghilev, sin convicción. Quizá por eso le ha quedado grande a la historiografía del arte moderno.

Aunque en esto último, tal vez no sea tan necesario el revisionismo historicista (valorizador de carreras esfumadas), como la relectura de sus obras, para entenderlo, por ejemplo, cuando decía: “La matemática pictórica me conduce a la física representativa. La cualidad o la dimensión de una forma o de un color me sugiere la denominación o el adjetivo de un objeto. Por eso nunca sé de antemano el aspecto de un objeto representado”. Difícil ecuación.

*Psicólogo, aspirante a Mágister en Historia del arte de la Universidad Nacional de Colombia. Tiene más deudas.

“Ya sabe que lo que hago me agrada justo solamente hasta el momento en que doy la última pincelada. Yo la llamo la pincelada de la muerte”. Juan Gris

Juan Gris: trabajoMás allá del placer del dibujo

Por: Guillermo Vanegas*

Por: María Lucía Hernández Guido*

Aunque en su más reciente muestra ‘Pura vitamina D’, que se expone en Nueveo-chenta, Carolina Rodríguez quiso dibu-jar por simple placer, no pudo evitar

cuestionar al espectador sobre la infancia.

En esta oportunidad se basó en el título de una publicación de Phaidon en la que se selec-cionaban a los cien artistas emergentes del dibujo, lla-mado Pura vitamina D. Este nombre le gustó porque esta vitamina tiene que ver mucho con la luz, cómo se asimila en el cuerpo.

En este sentido, se podía ex-trapolar este concepto a la relación entre la luz y el color de sus dibujos, palabra que, casualmente, también con-tiene la letra D.

Para hacerlo, buscó, como lo había hecho para su serie ‘Ju-gando conmigo’, las imágenes fotográficas de la revista de moda italiana Vogue Bambini. Y aunque su propósito con esta serie no era de realizar un llamado de atención social, sí logró sacudir al espectador con unos niños y niñas que a pesar de estar “pintados en la pared”, quieren ser toma-dos en serio por los adultos. Esto lo dice su mirada que ve directamente a los ojos del es-pectador.

La infancia, aunque no es necesariamente el tema cen-tral de Carolina, puede ser vista como un hilo conductor en el cuerpo de su obra. Pero más que la infancia en sí misma, es la acción de re-gresar a través del dibujo a los niños a una instan-cia de inocencia, alegría y espontaneidad. Porque cada vez hay menos infancia en estos niños y más situaciones adultas que deben enfrentar.

La obra de Carolina me recuerda mucho a Hold-en Caufield, personaje principal de la novela El guardián entre el centeno, del fallecido autor norteamericano J.D. Salinger. Holden detest-

aba, por no decir odiaba, el mundo de los adultos y continuamente tenía un sueño donde él era el guardián entre el centeno: una persona que se apostaba a la orilla de un risco y evitaba que los ni-ños cayeran a la adultez o al mundo de los adultos.

Carolina hace lo mismo al dibujar. Sus trazos infantiles se salen de la línea y el hecho de que coloree con lápices Prismacolor les logra devolver su infancia a estos niños que posan

en situaciones adultas o se enfrentan diariamente a experiencias adultas en su vida real (como tener que trabajar).

Al pintarlos de esta manera, los saca del mundo de los adultos que los obliga a crecer sin antes disfrutar de su ni-ñez. Los dibujos les facilita o permite retener su infancia como sucede en esta serie de ‘Pura vitamina D’ o los re-gresa, como en la serie ‘Bus-cando a Ana’, en la que las niñas están más preocupa-das por ser delgadas, o en la antes mencionada, ‘Jugando conmigo’, en la que los niños simulan para las editoriales situaciones que viven los adultos cotidianamente, in-cluidas algunas relacionadas con el sexo.

La forma en que dibuja, los trazos que utiliza premedita-damente, son los que sellan o imprimen el significado de ser niño. De alguna manera este estilo actúa como una huella, un recordatorio. Por ello no es de extrañar que en muchas de sus exposiciones Carolina también dibuje so-bre las paredes de las galerías o museos.

El acto de dibujar en la pared, según ella, habla sobre lo efímero que son las imá-genes en la memoria del hombre; así como es cada etapa y cada momento de su vida. Una parte de la niñez es el dibujar en las paredes. De niña, Caro-lina tenía prohibido dibujar en su casa, y hoy, lo puede hacer como un acto de rebeldía, pero tam-bién como una manera de recuperar un momento que debió ocurrir en el pasado.

*Escritora y editora independiente.

Cortesia María Lucía Hernández Guido

Cortesia María Lucía Hernández Guido


Una historia que ha debido contarse hace mucho tiempo fue la motivación principal para organizar la exposición para visitar este verano en Nueva York.

‘Caribbean: Crossroads of the World’ (Caribe: cruce de caminos del mundo), un proyecto organizado por tres pequeños museos: el Museo del Barrio, el Studio Museum de Harlem y el Queens Museum of Art que, al unir sus espacios y fuerzas de trabajo, lograron plantear una reflexión acerca de cómo ha sido, y en algunos casos sigue siendo, entendido el Caribe.

La exposición no está pensada desde una visión eurocéntrica ni mucho menos desde un punto vista puramente local. Por el contrario, busca reposicionar la noción del Caribe como un espacio que no se limita a las islas que ocupan dicha zona geográfica, sino a un lugar mucho más amplio del cual se desprenden fenómenos que afectan al mundo entero y, especialmente, a lo que desde los Estados Unidos se conoce como “las Américas”.

Teniendo en cuenta la gran influencia caribeña en Estados Unidos —basta con nombrar a Puerto Rico, Cuba y Haití, entre tantísimos otros países para hacerse una idea de la importancia de esta cultura en Norteamérica—, se quiere reiniciar una conversación a la que pocos le han puesto atención. La diáspora también está incluida en la exposición así como las culturas trasatlánticas y es evidente que hay un énfasis especial en las relaciones entre el Caribe y los Estados Unidos. Trata, además, otros problemas, pues el Caribe es entendido dentro de la exposición como un punto de encuentro entre Europa, África, Asia y América.

Un Caribe complejo

‘Caribbean: Crossroads of the World’ pone en evidencia no sólo la importancia de las islas del Caribe, sino también la de las costas que rodean a ese mar. La muestra complejiza la noción del Caribe al plantear preguntas que abarcan problemáticas relacionadas con la raza, la religión, la economía, la colonización y la política de esta zona geográfica a través de más de quinientas obras, no necesariamente realizadas por artistas

caribeños, sino por creadores de muchas partes del mundo que, de alguna u otra manera, reflexionan sobre dicha compleja noción.

Aunque para nosotros, como colombianos, no sea nuevo pensar en nuestro país como parte del Caribe, para muchos norteamericanos sí lo es y por eso consideran sorprendente encontrar en la

muestra obras de gran importancia para nuestra historia del arte, como la Mulata cartagenera, de Enrique Grau.

La exposición se estructura a través de seis bases temáticas, dos en cada uno de los museos. Si se quisiese contar cronológicamente, la historia empezaría en el Studio Museum de Harlem. En ella, la sección Shades of History (Sombras de la

historia), explora con profundidad el tema de la raza a partir del momento determinante de la revolución haitiana (1791-1804), cuando el empoderamiento de los afroamericanos cambió el rumbo de la historia.

Haití es considerado el primer país en tener una república negra y fue la segunda nación de “las

Américas” en independizarse después de Estados Unidos. La revolución es entendida como un catalizador de discusiones que abarcan temáticas relacionadas con los derechos humanos, el estatus social y las nociones de identidad y belleza.

La segunda sección del mismo museo es Land of the Outlaw (Tierra de los proscritos). Es una invitación a reflexionar sobre la dualidad de

la noción del Caribe, el cual es, usualmente, malinterpretado como un lugar idílico que a su vez encarna los conceptos de la ilegalidad y el descarrío. Estas nociones se han mezclado al punto de crear los mitos fundacionales tanto de íconos de la cultura popular como de estereotipos mediáticos, que abarcan desde los monstruos y los zombis hasta los dictadores y los traficantes de drogas.

Los modelos económicos

En el Museo del Barrio, la exposición empieza con Counterpoints (Contrapuntos), que hace referencia al ensayo de Fernando Ortiz Contrapunteo cubano del tabaco y el azúcar (1940), el cual plantea de manera temprana el ahora famoso término “transculturación”. Sin embargo, en la muestra, esta sección no se limita a analizar los procesos de asimilación y apropiación de otras culturas propuestos por Ortiz, sino que se centra en los problemas que surgen gracias a la explotación de los recursos naturales que han producido dos modelos económicos con gran impacto en el desarrollo de las sociedades caribeñas.

El modelo de plantaciones, caracterizado por la explotación de bienes como el tabaco, el azúcar, las frutas (específicamente, el banano) y el oro, fue suplantado por el petróleo y el turismo, economías que, irónicamente, se contradicen pues, mientras que la primera atenta contra la conservación de las aguas y las playas, la segunda las promueve.

En esta sección de la muestra es posible encontrar Cesta lunar #66 un tapiz realizado con hojilla de oro de Olga de Amaral el cual hace alusión a las culturas precolombinas y el uso del oro como elemento ritual. También se pueden ver algunas fotografías de la serie Los hombres del petróleo de Leo Matiz las cuales hacen referencia a la presencia de las compañías petroleras extranjeras a principio del siglo XX en el territorio latinoamericano. Se trata de una aproximación formal pocas veces vista de manera temprana en la historia de la fotografía colombiana. Igualmente, una foto de Nereo López que trata el mismo tema por lo menos una década después y que señala la persistencia de los mismos problemas, a pesar del transcurso del tiempo.

Arte más allá de lo local

Patriot Acts (Actos patrióticos), la segunda parte en El Museo del Barrio, explora el rol de la cultura creole, la hibridación, y el despertar de artistas que al oponerse a un arte “local” optaron

Nueva York revalúa el arte del Caribe

Enrique Grau. �Mulata cartagenera’. Cortesía Museo del Barrio, Nueva York.

Por: Juanita Solano*

Museos se unen para cuestionar la mirada tradicional que en Estados Unidos se ha tenido del Caribe.

v

ARTE . LATINOAMERICANOFEDER CO RUIZG E S T I O N C U LT U R A L

[email protected] . (57) 312-3791240 . Bog-Col

ARTISTAS

JUANA ANZELLINIFELIPE RUIZANIBAL GOMESCASSERESLEONARDO PINEDAALONSO ORDOSGOITIAALEJANDRO SANCHEZ

MERCADO SECUNDARIO

Ariza, Botero, Caballero, Caro, Cano, Diaz Vargaz, Echeverri,

Gomez Campuzano, Hernandez, Hoyos, Jacanamijoy, Manzur,

Morales, Muñoz, Negret, Obregón,Ramírez Villamizar, Rayo, Richter, Santamaría, Wiedemann, Zapata.

w w w. f e d e r i c o r u i z . i n f o

C O M E R C I A L I Z A C I Ó N

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ARTE . LATINOAMERICANOFEDER CO RUIZG E S T I O N C U LT U R A L

[email protected] . (57) 312-3791240 . Bog-Col

ARTISTAS

JUANA ANZELLINIFELIPE RUIZANIBAL GOMESCASSERESLEONARDO PINEDAALONSO ORDOSGOITIAALEJANDRO SANCHEZ

MERCADO SECUNDARIO

Ariza, Botero, Caballero, Caro, Cano, Diaz Vargaz, Echeverri,

Gomez Campuzano, Hernandez, Hoyos, Jacanamijoy, Manzur,

Morales, Muñoz, Negret, Obregón,Ramírez Villamizar, Rayo, Richter, Santamaría, Wiedemann, Zapata.

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C O M E R C I A L I Z A C I Ó N


por apropiar tendencias del arte internacional, asimilarlas y desarrollarlas a partir de una visión propia, mientras que simultáneamente se desarrollaban movimientos figurativos y naifs igualmente válidos.Esta sección explora también los diferentes tipos de representación que se desarrollaron sobre el Caribe, tanto dentro de él como por fuera. En una pared de la segunda sala encontramos múltiples retratos que apuntan tanto hacia las diferentes formas de representación como a los diferentes tipos de razas que caracterizan al Caribe.

Allí se encuentran una serie de retratos que representa desde mujeres blancas vestidas a la moda francesa, hasta la Mulata cartagenera (1940), de Enrique Grau, pintura que, a través de un clásico uso figurativo del óleo, evidencia la sensualidad de una mujer caribeña. Hay que resaltar que las mujeres criollas, mulatas o negras no eran usualmente representadas como signos de sensualidad. Ese papel sólo lo cumplían las mujeres blancas y, en ese sentido, la pintura de Grau cobra gran importancia.

En oposición al montaje de estos retratos se encuentra la sección sobre paisaje, un tema que ha sido parte de largas discusiones en la historia del arte. En ella se pueden apreciar pinturas clásicas de lo que es considerado el Caribe, hasta representaciones más naifs, como la pintura Tigre cazando sabanera (1965), de Noé León.

La última sala en el Museo del Barrio acoge una serie de obras que plantean el desarrollo de la abstracción en esta zona geográfica. Los colombianos incluidos en esta sección son Manolo Vellojín, con la pintura Beato sin nombre (1984) y Cecilia Porras, con la Torre blanca (realizada cerca a 1960). La obra de Vellojín, una pintura geométrica realizada en blanco, negro y café, evidencia el errado entendimiento del arte latinoamericano y del Caribe, el cual, durante muchos años, ha sido solamente relacionado con representaciones surreales y el color en abundancia. Vellojín se opone por completo a dichas suposiciones y demuestra, una vez más, la abundancia de movimientos e intereses que caracterizan al Caribe. De la misma manera, La Torre blanca, de Porras, es una pintura que se debate entre lo figurativo y lo abstracto: otra mirada de lo que es la costa caribeña.

El agua como ruta para entender el Caribe

Finalmente, en el Queens Museum of Art, los espectadores son recibidos por la instalación El mar Caribe (1971- 2001), de Álvaro Barrios, y por la famosa foto de la red de Leo Matiz. En la primera, Barrios hace una referencia simbólica a las aguas del mar Caribe a través de cien serigrafías de color azul, que se repiten de manera sistemática, mientras que la foto de Matiz habla, entre muchas otras cosas, sobre las formas de subsistencia en el mar y la costa.

La muestra esta divida en dos secciones: la primera, Fluid Motions (Movimientos fluidos), estudia la importancia del agua para el desarrollo de las sociedades caribeñas. Explora tanto las particularidades de las culturas costeras o

insulares, como las conexiones y expansiones que permiten los ríos que desembocan en el mar. En ella se contraponen fenómenos como los que se producen en los puertos de entrada y salida de bienes, culturas, lenguajes y personas que se desplazan alrededor de “las Américas”. Promueve, de esa manera, una variedad de miradas e imaginarios que complejizan el entendimiento de las sociedades como elementos no estáticos.En esta sección de la muestra el agua es entendida, simultáneamente, como elemento conector y de separación. Por un lado, es aquello que permite que el Caribe se conecte con otras partes del mundo, pero, por otra parte, justamente, encarcela y hace difícil la conexión.

En una conversación informal el cubano Elvis Fuentes, curador de la muestra, explicaba el significado de los pájaros desde la perspectiva de la cultura insular. Según él, para los isleños los pájaros encarnan el significado de libertad, pues son los únicos animales que pueden desplazarse a cualquier parte del mundo por sus propios

medios y sin restricciones físicas o geográficas que lo impidan. Los dibujos de los pájaros en el Caribe tienen connotaciones que superan la comprensión de todos aquellos que nunca hemos experimentado la sensación de encierro, por lo que su explicación se convierte en un argumento muy válido para la inclusión del libro de las aves de John James Audobon quien, dicho sea de paso, siempre ha sido considerado como estadounidense, a pesar de haber nacido en Haití.

En todas las salas de esta inmensa exposición conviven obras contemporáneas con trabajos tempranos desarrollados, ya sea en el siglo XIX o a principios del siglo XX. De esta manera y en un mismo espacio podemos ver el Estudiante muerto (1956), de Alejandro Obregón, que hace referencia a los acontecimientos violentos sucedidos durante la dictadura de Rojas Pinilla, y el video Deantroadentro: tercer movimiento (2008), de Óscar Leone. En él, el artista registra una acción realizada por él junto con otras 14 personas en la Ciénaga Grande de Santa Marta, que invitaba a los

habitantes de Nueva Venecia a reflexionar sobre el control del agua dulce en la zona.

Kingdoms of this World (Reinos de este mundo), la segunda parte de la exposición en el Queens Museum of Art, se centra en las particularidades heredadas de los procesos históricos y las tradiciones populares que se derivan de ellos, haciendo especial énfasis en las prácticas religiosas, pues es a partir de éstas que rituales paganos como el carnaval nacieron décadas atrás.En el segundo piso del museo, se encuentra una parte de la exposición que hace alusión a los eventos sucedidos en las ferias universales y a las miradas colonizadoras que éstas promovían.

En esta parte, se encuentran obras como el famoso performance de Coco Fusco y Guillermo Gómez Peña Undiscovered Amerindians, realizado por primera vez en España, en 1992. Gonzalo Fuenmayor, participa en esta sección de la exposición con la obra El color de la ceniza (2009), un dibujo que fusiona un candelabro victoriano

con racimos de plátano. La obra remite a las contradicciones que se unen en un elemento que entrelaza lo decorativo de un objeto con las connotaciones violentas e intimidantes del banano. Por último, hay otra sección que reflexiona sobre los procesos de industrialización y sistematización del transporte y la economía, así como sobre las consecuencias de dichos eventos. Se hace especial énfasis en la construcción del Canal de Panamá y en todas las consecuencias que éste produjo.

‘Caribbean: Crossroads of the World’ pone en evidencia tanto perspectivas locales, como miradas externas de la región. Así, es impactante y reconfortante encontrar una foto de una de las series más importantes de Walker Evans, sobre los mineros en Cuba, que ocupa un espacio similar al de una fotografía de la panameña Sandra Eleta, por ejemplo. Es admirable como el protagonismo no lo tienen los grandes nombres como Paul Guaguin, Camille Pisarro o el mismo Walker Evans; el protagonismo lo tiene, por el contrario, el conjunto de obras.

Galería Espacio Alterno de Uniandinos

Sede Nacional Uniandinos Cll 92 Nº 16 - [email protected] - 6162211 Ext. 107 - 135

Agosto 15 - septiembre 28 de 2012

Exposición de Arte Sonoro

OBRAS BLANCAS, silencios elocuentes Adriana García, Beatriz Eugenia Díaz, Beatriz Elena Martinez,

Julia Bejarano, Leonel Vásquez, Liliana Abaunza, Mauricio Bejarano, Ricardo Arias y Sebastián Sandoval.

de la Universidad de los AndesASOCIACIÓN DE EGRESADOS

Curaduría: Mauricio Bejarano.

‘Mulata’ en el New York Times

Pero, ¿qué significa que Colombia esté involucrada en la muestra? ¿Qué implicaciones tiene para el desarrollo del arte colombiano? El protagonismo es amplio: la imagen de la Mulata cartagenera, de Enrique Grau, por ejemplo, ocupó la primera página de la sección cultural del New York Times pocos días después de la inauguración en el Museo del Barrio. Por otra parte, el espectador es recibido en el Queens Museum of Art por la obra de dos maestros colombianos: Álvaro Barrios y Leo Matiz.

Desde mi experiencia en Estados Unidos, cuando uno habla de arte latinoamericano, a pocos se les ocurre que Colombia haga parte de ese “nuevo” enfoque tanto académico como comercial; el énfasis recae inevitablemente en México, Brasil, Argentina y Venezuela. En menor medida, aún, podría alguien pensar que Colombia puede y debe ser considerada como parte del Caribe.

Esta exhibición es una oportunidad para situar a nuestro país en el panorama artístico de los Estados Unidos; país que, a pesar de todas las críticas que recibe, sigue siendo uno de los principales —sino el principal- productor de investigación y crítica de arte, y por lo tanto, una plataforma para la difusión de las prácticas artísticas.

El enfoque que se le ha dado a la exposición al presentar al Caribe como una entidad más del mundo que por sus diversas problemáticas y condiciones geográficas, ha sido malinterpretada y cargada de estereotipos que aún hoy, se dispersan.

Finalmente, considero importante resaltar la publicación que acompaña la exposición, que más allá de ser un catálogo sobre la muestra, es un libro que compila (por primera vez en inglés en algunos casos), textos emblemáticos y fundacionales para la comprención del arte del Caribe, como por ejemplo, un capítulo ejemplo de El Reino de este mundo de Alejo Carpentier y un ensayo del poeta Derek Walcott. Adicionalmente, historiadores del arte y estudiosos del tema, colaboraron con ensayos inéditos para la publicación titulada Caribbean: Art at the Crossroads of the World, dentro de ellos el colombiano Álvaro Medina.

En conjunto, este enorme proyecto no es una exposición sobre arte del Caribe, es una muestra de arte sobre el Caribe. La historia que se presenta en Caribbean: Crossroads of the World es una que no ha sido contada antes, ni desde el Caribe, ni por fuera de éste, es una historia que empieza desde la revolución haiatina y continúa en el presente. Se recorren desde las principales islas como Puerto Rico, Cuba, Haití y República Dominicana pasando por ciudades como Miami, New Orleans y Nueva York, hasta los ríos como el Magdalena o el Mississippi. Se tocan temáticas que van desde la santería, el movimiento Rastafari, la música, el carnaval, la literatura, la economía y la política, hasta las implicaciones coloniales y neocoloniales que se ha sufrido en el Caribe.

*M.A. Candidate, History of Art Institute of Fine Arts, New York University

Yeni y Nan. �Simbolismo de la cristalización, Araya’. Cortesía Museo del Barrio, Nueva York.


CircularEXHIBICIONES INSTITUCIONALES

BOGOTÁ Casa Museo Quinta de Bolívar‘Bolívar sin tiempo. Origen, rutas y retos del héroe’Desde julio 24

Exposición conmemorativa del natalicio del Libertador. En ella se comparar a Bolívar con una gran cantidad de personajes ficticios, desde Ulises y Jasón, pasando por el rey Arturo, Batman, el Chapulín Colorado, hasta personajes de la guerra de las galaxias, entre muchos otros.

BARRANQUILLA Museo de Arte ModernoRuven Afanador: ‘Yo seré tu espejo…’Hasta agosto 11

El reconocido fotógrafo reúne en esta muestra 38 retratos en blanco y negro, con los que quiere presentar una retrospectiva de personajes famosos nacionales y del exterior. La fotografía más antigua que hace parte de esta muestra es de 1989 y la más reciente es de tan solo unos meses atrás.

MEDELLÍN Casa Gardeliana‘Gardel: una vida, muchas obras – La música y el cine del Zorzal Criollo’Hasta agosto 31

El coleccionista Pedro José Zapata prestó algunas de sus obras y artículos para la exposición que presenta elementos como caratulas de discos, fotografías, instrumentos musicales antiguos y narraciones escritas, Con ellas se pretende dar cuenta de la versatilidad y proyección artística que alcanzó Carlos Gardel en sus 45 años de vida.

MONTERÍA Museo Zenú de Arte Contemporáneo (MUZAC) ‘Bola viva’Agosto 9 – 30

Proyecto gestado por el historiador y embajador en Cuba Gustavo Bell, que propicia el acercamiento de los pueblos a través del arte. La muestra está compuesta por treinta

obras de diferentes artistas cubanos, nacidos entre 1930 y 1977. El título de la exposición hace referencia a la pelota de beisbol, por el hecho de ser difícil de atrapar, por ser una ‘bola viva’.

BOGOTÁ Colombo AmericanoNelson Moncada: ‘La guerra del centavo, la película que no se realizara’Julio 4 – 20 Después de su proyecto ‘The American Dream’, Nelson Moncada llega al Colombo Americano con una propuesta contemporánea, en la que quiere mostrar lo absurdo y las situaciones que se desarrollan en el centro de Bogotá en torno al choque de dos buses de transporte público.

BOGOTÁ Centro Cultural SkandiaNathaly Gómezy Paula Navarro: ‘Artis 2012’Julio 6 – agosto 29

Por un lado, la artista Paula Navarro expresa sus obras en las siguientes palabras: “Estamos más encerrados, más atados y más ciegos que los animales que hemos adiestrado (…) todo es un experimento, para ver qué pasa cuando se mata el sentimiento que se forma en las entrañas y se oculta lo que no nos deja ver la domesticación de la que hemos sido víctimas”. Por otra parte, Nathaly Gómez expone su tesis de grado,

describiéndola así: “La vida pasa entre quehaceres y el afán que envuelve lo cotidiano hasta que el tiempo se detiene cuando el ser humano se enfrenta con la muerte y el dolor que deja la ausencia de un ser querido. Se pasa por un tiempo de duelo que debe llevar, finalmente, a aceptar esta realidad y conseguir el valor de retomar la vida. Durante este proceso los rituales adquieren gran importancia para la liberación de los sentimientos de tristeza propios de esta experiencia.”

BOGOTÁ Cámara de Comercio Fredy Buitrago, Bernardo Ortiz, David Peña, Luis Fernando Ramírez: ‘Invenciones Modernas’Hasta agosto 12

Los artistas reunidos en esta muestra buscan presentar versiones de la modernidad, fragmentos diseminados en la vida cotidiana, mezclados con personajes e institucio-nes. La curaduría destaca como proponen ejercicios para pensar la modernidad entre el ‘ser’ y el ‘habría sido’.

TUNJA Espacio Intermitente (colectivo): ‘La Residencia’‘El Cotoplón’ Julio 14 – 27

‘La Residencia’ es una iniciativa que pretende reunir artistas contemporáneos, creativos, realizadores audiovisuales y co-municadores, entre otros profesionales, con el fin de generar un espacio de investigación, creación plástica y producción de conocimiento. La propuesta invita a que los participantes habiten en la casa El Cotoplón, durante diez días. La interacción, el intercambio cultural, el diálogo y la ejecución de proyectos artísticos pretenden ser la base de este espacio experimental. La muestra también será proyectada en San-ta Marta y Cartagena dentro de la programación académica del Salón Regional de Artistas.

MEDELLÍN Cámara de Comercio ‘Soy territorio’Hasta julio 31

Se trata de una muestra que tiene la intención de hacer re-flexionar sobre el municipio de Bello (en el norte del área metropolitana), su historia, su patrimonio y la identidad de los Bellanitas. Carlos Mario Jiménez, vocero del pro-yecto ‘Soy territorio’ expresa: “Hemos llegado hasta unas

80 poblaciones de Antioquia y hemos preguntado a sus habitantes qué es para ellos la memoria, qué reconocen como su patrimonio y qué elementos construyen su identidad. Lo que hemos encontrado es que existe una intensa necesidad de la gente por contar sus propias historias. No quieren que la historia de sus pueblos sea contada solamente por un académico en una tesis de pregrado. Quieren que todos se den cuenta de que ellos mismos forjaron el relato de su territorio, que se unieron para construir un acueducto, por ejemplo, o algo que les sirvió a muchos”.

MEDELLÍN Casa Tres Patios Juan Obando: ‘¡Al Diablo con el éxito!’Julio 11 – 19

La muestra surge del material participante en la convo-catoria de la revista Antioquia, la exposición tiene como objetivo que desde las artes plásticas y la crítica se pueda reimaginar la publicación.

MEDELLÍN Colombo Americano –Sede San Fernando Plaza-Mónica Boza: ‘Presencia’Hasta agosto 11 Con dibujos de tinta sobre papel, brochazos y gotas, entre otras técnicas, esta artista pretende –según los encargados de la muestra– expresar cómo se mantiene sobre los impulsos del estar ahí en una referencia a la importancia de hacer de manera constante.

Cortesía Cámara de Comercio de Bogotá

Cortesía Cámara de Comercio de Medellín

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Cortesía Casa Tres Patios

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Cortesía Galería Santa Fe

Cortesía Museo Zenú

BOGOTÁ NC- ArteLuis Lizardo: ‘Dibujos bogotanos, un proyecto de Luis Lizardo’ Hasta agosto 18

En palabras de Sandra Pinardi, “Los ‘Dibujos bogota-nos’ son una suerte de dibujos invertidos en los que la imagen y sus figuras acontecen por sustracción, a tra-vés de cortes y ausencias, a partir de quiebres, dando lugar a unas estructuras dilatadas y desmoronadas, sutiles y quebradizas, con las que Luis Lizardo cons-truye unas imágenes limítrofes, tensas, instaladas en el borde mismo de su pérdida, de su desaparición. Es-tos dibujos fronterizos ocurren, acontecen, para hacer patente que están allí como potencias de una comuni-

cabilidad pura, indefinida, que como un decir mudo, secreto y silente, se dona al cuerpo y su mirada, al conjuro de un cuerpo sintiente que las recorre y recupera más allá de toda palabra, antes y después de cualquier proposición, en el acontecer de un encuentro”.

Cortesía NC-arte


BOGOTÁ Galería Santa Fe Artistas ganadores de residencias 2011, IDARTES‘Segundo Ciclo de exposiciones de residentes 2011’ Hasta julio 28

La Galería Santa Fe vuelve con un nuevo ciclo de exposiciones de los proyectos ganadores de residencias artísticas del 2011. En esta muestra se verá el resultado de los procesos y experiencias de las re-sidencias internacionales en Canadá, Bolivia y Ecuador. Participan: Juan Pablo Beltrán, Nadia Granados, Carlos María Romero, Ca-rolina Chacón, Alejandro Araque y el Colectivo Tejido Ambiental con Nancy Cortés y Katherine Silva.

BOGOTÁ Alianza Francesa –Sede Chicó-‘Homenaje a Gustavo Zalamea’Hasta agosto 31

La reunión de fragmentos de manuscritos y mapas conceptuales de Gustavo Zalamea (1951-2001) da la oportunidad de apreciar la caligrafía del artista. En este homenage la Alianza Francesa quiere mostrar la fuerte relación que tienen sus obras con la historia del arte y la literatura, además de conmemorar su larga trayectoria artística.

BOGOTÁ Museo del OroPiers Calvert: ‘Pinturas y retratos de los indígenas colombianos’Desde julio 25

En esta exposición el inglés Piers Calvert muestra mediante sus fotografías de gran formato varias culturas indígenas colombianas y el arte de la pintura corporal. La muestra nace gracias a la fotografía tomada hace más de 100 años por el antropólogo Thomas Whiffen a la etnia Okaina, quien inspira a Calvert. En la exhibición se muestra la pintura corporal y creencias de varias comunidades indígenas como: cubeos, wayuus, embera, wounán y uitoto. y sus espacios.

BOGOTÁ Biblioteca Virgilio Barco Colectiva: ‘Imágenes y Mestizajes Culturales’Desde agosto Lo que quiere este proyecto es unir la intervención artística urbana a la realidad de la ciudad, lograr que a diario se mezclen las personas con el arte con-temporáneo, en las diferentes ciudades. Esta es la continuación del proyecto de intercambio interuni-

versitario UQTR-ASAB, iniciado en el 2011. Participan: Umberto Giangrandi, Slobodan Rado-savljevick, Favio Rincón, Ayme Zayed, Juan Carlos Rivero, Javier A. Escamilla, Ángel Alfaro, Lorraine Beaulieu, Gustavo Sanabria, Besnik Haxhillari, Marcos Roda, Jean-François Coté, Ferney Shambo, Branka Kopecki, Armando Chicangana, Philippe Boissonnet.

BOGOTÁ Museo de Arte ContemporáneoHerbert Baglione: ‘Obituarium’Hasta julio 29

Entre grafiti, pintura, instalaciones y fotografía, Herbert Baglione (Río de Janeiro, Brasil) presenta su obra Obituarium. Él es el artista invitado para julio del Museo de Arte Contemporáneo (MAC). Con el proyecto que presenta en las salas uno y dos, pretende –según la curaduría- crear

un hilo conceptual a través del cual espera morir y renacer con su trabajo. En la muestra hay una serie de fotografías en blanco y negro, una intervención tipográfica alusiva a la violencia de género y un ambiente concebido para cumplir el objetivo, de morir y renacer con su trabajo.

MEDELLÍN Sala de arte de la Casa de la MúsicaJohn Mario Ortiz: ‘Especulante’

El artista antioqueño John Mario Ortiz pretende es-tablecer una reflexión alrededor de la luz y plantear una diferencia entre lo real y lo virtual. Mediante una serie de estructuras con superficies reflejantes, propo-ne redibujar el paisaje en el entorno de la sala. En esta muestra se sobreponen elementos tradicionales de ar-quitectura con los elementos creados por los reflejos. Cortesía MAMM

SANTA MARTA Museo de Arte de la Universidad del Magdalena‘1ª Muestra de Arte Fiesta Cultural del Mar 2012’Julio 12 – agosto 10 En el marco de la ‘Fiesta cultural del mar 2012’ el Museo de Arte de la Universidad del Magdalena presenta la primera muestra de arte. La exhibición pone el tema marino como eje central para los artistas y quiere mostrar una perspectiva crítica, original y creativa sobre el mar visto desde el arte. Las piezas que hacen parte de esta exposición están realizadas en diversas técnicas como óleo, mixtas y fotografía. Cortesía Alianza Francesa –Santa Marta-

Mujer embera. Chocó. Foto: Piers Calvert

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Cortesía ASAB

BOGOTÁ LalocalidadDanny Esquenazi: ‘Impulsos Cromáticos’Agosto 2 – 31

Segun el curador de esta muestra, Eduardo Serrano, las obras “no asumen variables cromáticas ni formales que dependan del punto de vista o de los movimientos del observador. Recuerda la tradición geométrica y en particular del constructivismo, pero sus trabajos toman una presencia particular en la medida de que, a diferencia de la inveterada tendencia reduccionista de la tradición geométrica, no son austeros, sino más bien, profusos e inclusive exuberantes, y de que a diferencia de las obras cons-tructivistas, están orientados a interactuar unos con otros y con su contexto así como a asumir una escala humana que se hace manifiesta en sus relaciones con juegos infantiles”.Cortesía Lalocalidad

CALI Lugar a dudasYolanda Chois y Diana Marcela Cuartas: ‘Pequeña miscelánea Ilustrada de la Cali moderna’Julio 13 – agosto 13

Una mirada a la evolución de Cali por medio de distintos documentos como periódicos, proyecciones y fotogra-fías. Según el documento de Becals Locales de Creación 2010, programa del que hace parte el proyecto, es una cartografía a la ciudad olvidada, luego de los últimos de-sarrollos como el reciente sistema de transporte. Reseña por Revista Rizoma

http://www.lugaradudas.org/exhibiciones.htm

Cortesía Museo de Arte Contemporáneo

BOGOTÁ Universidad de Ciencias Aplicadas y Ambientales U.D.C.A.Colectivo Los que DibujanDesde agosto 15

‘Los que dibujan’ es una muestra en la que se quiere promover la importancia del dibujo como base de las artes plásticas. La selección de las obras estuvo a cargo del maestro Rodríguez Arango y la maestra Zulema Hani. Los artistas que harán parte de la exposición son: Alfredo lleras, Ángel Loochkartt, Armando Villegas, Augusto Rendón, Carlos Granada, Rodríguez Arango, Carmen Elvira Brigard, Carmen So-fía Gómez, David Lozano, Dioscórides Pérez, Edgar Francisko, Eduardo Esparza, Fernando Maldonado, Gastón Betelli, Germán Tessarolo, Guillermo Cárdenas, Jim Amaral, Jorge Ri-veros, Juan Manuel Lugo, Manuel Estrada, Mantilla Caballero, Miguel Moyano, Nicolás Cár-denas, Nicolás de la hoz , Nicolás Esperakis, Yolanda Mesa, Octavio Mendoza, Oscar Cerón, Patricia Tavera, Ramón Vanegas, Santiago Cárdenas, Sergio Trujillo, Humberto Giangrandhi, Ximena de valdenebro y Yesid Vergara.

Cortesía UDCA

MANIZALES Museo de Arte de CaldasVicky NeumannJulio 5 – agosto 4

María Lucía Hernández Guido, especialista en historia y teoría del arte, dice de la muestra: “A caballo entre lo abstracto y figurativo; lo clásico y contemporáneo, Vicky Neumann se caracteriza por utilizar lenguajes infantiles y

elementos del día a día, donde la construcción y la destrucción se complementan, mientras que lo popular y lo culto van de la mano. Este juego logra, además de amalgamar opuestos, desacralizar y romper paradigmas que se tienen sobre el arte”.

Cortesía Museo de Arte de Caldas


Pocas veces se le pregunta a un artista sobre su formación, sus maestros, sus compañeros de clase o su relación y posición frente a las instituciones educativas; como si los artistas hubiesen aprendido solos y sus reacciones frente a estos edificios de poder fueran algo circunstancial. Aquí se demuestra lo contrario.

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Humberto Junca: ¿Recuerda una experiencia, un profesor, una clase, un ejercicio que haya sido fundamental para usted, que le haya ayudado a ser quien es hoy día?

Carlos Castro: Recuerdo una clase que tuve en la Tadeo con José Horacio Martínez, como en segundo o tercer semestre. Nos puso a hacer un dibujo que tuviera que ver con el azar y nos dio un mes para entregarlo. Justo por esos días me encontré una paloma tirada en la calle. No podía volar, escasamente se movía. La metí en una caja, me la llevé para la casa y mientras la alimentaba y convivía con ella, empecé a dibujarla. Hice muchos dibujos y cada vez que acababa uno, lo metía en la caja para que el animal lo pisara, lo cagara. Así pasó una semana hasta que la paloma se alivió y voló. Fue muy chévere convivir con el animalito, dibujarlo y dejarlo intervenir los dibujos. Ese fue uno de los primeros ejercicios que hice en la universidad cuyo resultado me gustó. Y, quizás por eso, he seguido haciendo trabajos en los que intervienen animales. Por ejemplo, en el 2010 hice El que no sufre no vive, que era una réplica en pan de la estatua del Libertador que hay en la Plaza de Bolívar. La puse al lado de la original para que se la comieran las palomas. Trabajar con animales me gusta porque, de alguna manera, cargan la obra de pureza: ellos son puro sentimiento, puro instinto y, a la vez, comparten con nosotros cosas fundamentales como la territorialidad y la voracidad.

H.J.: ¿Por qué decidió estudiar arte?

C.C.: La verdad cuando entré a estudiar arte, yo quería ser músico. Quería formar parte de un grupo de merengue-punk radicado en Estados Unidos, que armamos con unos amigos del colegio y al que llamamos Popó. Mis amigos se fueron a San Francisco y, mientras se acomodaban y se organizaban, me puse a estudiar artes, porque siempre me gustó dibujar… Era como mi forma de escapar de la realidad. Usted lo sabe: si uno está aburrido en el colegio, pues se pone a dibujar en el pupitre o a hacer garabatos en el cuaderno. Y bueno, después de esos dos semestres, me fui para Estados Unidos a tocar con la banda y nos empezó a ir bien y todo. Compartimos cartel con grupos como Deerhoof y Lo-Fi Neisans.

Pero Juan Carlos Ruge, uno de los miembros, se enfermó y murió de cáncer; y como éramos un trío, el proyecto se cayó, se vino abajo. Por eso no tuve otra opción que devolverme para Colombia a seguir haciendo lo que hacía antes del viaje… y, finalmente, me gradué. Pero yo nunca pensé en ser artista: eso no se me pasaba por la cabeza, era una cosa que no tenía sentido.

H.J.: Sin embargo, lo veo más como artista plástico, que como músico.

C.C.: Pues nunca he sido un músico muy talentoso; lo mío ha sido más como desahogarme con la música, sacar energía reprimida. De todas maneras, la música le da a uno cierta manera de ver las cosas. Sobre todo el rock. La actitud del roquero siempre ha sido muy importante para mí.

H.J.: Entonces ¿usted es un “artista roquero”?

C.C. No lo sé. Por lo menos escucho rock todo el tiempo. Las bandas y las obras de arte que siempre me han llamado la atención son las que tienen una actitud fuerte, de cierta forma agresiva frente a la sociedad.

H.J.: Incómodas, atravesadas…

C.C. Exactamente. Por eso el rock es como un oasis ¿si me entiende? Si uno está molesto, si está bravo, si se siente incomprendido –la pura adolescencia- el único remedio es que llegue un grupo como Faith No More a gritar sobre lo mismo; y así uno, finalmente, se siente acompañado, comprendido. Yo estudié en el Colegio Mayor del Rosario donde me decían cómo me tenía que vestir, cómo tenía que llevar el pelo, cómo tenía que comportarme, en resumen: cómo tienen que ser las cosas. Y eso me rayó por completo. Por eso trato de hacer cosas que sean distintas a cómo se las han enseñado a uno; trato siempre de ver las cosas, de ver la historia, por otro lado. Yo vivía muy aburrido en El Rosario. Fue una experiencia traumática. Mi peor pesadilla sería volver al colegio.

H.J.: ¿Había formación artística en El Rosario?

C.C.: La formación artística se daba en la clase de vocacionales, una hora a la semana. En esa clase me iba bien. Recuerdo que para un ejercicio de perspectiva teníamos que dibujar el edificio del colegio, con punto de fuga y demás, y yo lo dibujé en llamas, lo quemé. Mis años de colegio fueron terribles.

H.J.: ¿Estudió siempre en ese colegio?

C.C.: No. Perdí noveno y de ahí pasé al Colegio Minuto de Dios y a otros tres colegios hasta que, finalmente, terminé mi bachillerato en el Liceo Moderno Campestre. No es que fuera el más ‘caspa’; simplemente, no encajaba.

H.J.: ¿Nunca armó ‘parche’ con otros que no encajaran?

C.C.: En séptimo tuve que hacer un curso remedial y conocí a un pelado que hacía sus juguetes con alambre y cinta. No recuerdo su nombre, pero hacía unos dragones enormes y la pasé increíble con él. Nos poníamos a hacer nuestros juguetes juntos y era una ‘chimba’. Desafortunadamente, quince

días después, perdió el remedial y lo echaron del colegio. Dos años más tarde, caí en otro ‘parche’ de desadaptados unidos por el rock.

H.J.: ¿Cómo llegó a la música rock?

C.C. Mi hermano tenía un casete original de Queen, que había comprado en Londres. Cuando tenía 13 o 14 años me puse a escucharlo y me gustó mucho. Así empecé a buscar todo lo de Queen. Un par de años más tarde, vi por televisión un video que me impresionó mucho: Epic, de Faith No More. Dije: ¡Esta vaina es increíble! En esos años (1991 más o menos) uno podía ir a la calle 19 con octava, al centro comercial Omni a encargar el CD o el vinilo de tal grupo; pero salía muy caro. Lo que hacía era llevar a esas tiendas un casete virgen y les pagaba una plata para que me grabaran los discos que quisiera. Si daba cien pesos más, me fotocopiaban la portada y las letras. Mi primer casete pirata fue el del disco ‘The Real Thing’ de Faith No More, que para mí sigue siendo fundamental.

H.J.: La música tropical y el llamado ‘chucu-chucu’ son importantes para usted. ¿Cómo pasó del rock a Noel Petro?

C.C.: Cuando llegué a San Francisco a tocar con Popó, interpretábamos cosas de los Animals, de Derek and the Dominoes, puro rock de garaje de fines de los sesentas. Pero, yo, tocando y cantando esa vaina en Estados Unidos me sentía ridículo; tenía un acento marcadísimo y dije: esta música no es lo mío. Entonces, me puse a mirar en mi pasado musical. ¿Qué me podía hacer único, diferente y auténtico? Y me acordé de esa música que odiaba -¡pero la odiaba!- que era el tecno-merengue de grupos como Ilegales. Así, comenzamos a hacer una cosa tipo “¡Machácala! ¡Machácala!”, con bajo como de merengue pero con la batería y la guitarra punk. Y un día, estando en esas, Juan Carlos, que era el guitarrista, llegó a un ensayo con un punteo parecido al del tema de ‘Gallito Ramírez’ y nos encantó. Nos contó que lo había tomado de un tema de Noel Petro. Acto seguido, nos pusimos a buscar discos y cosas de él y nos encontramos con semejante personaje: Noel Petro tocando su requinto eléctrico y haciendo el paso del pato; Noel Petro ‘empeloto’, tirándose al Salto del Tequendama por Claudia de Colombia; Noel Petro comiendo burra… En ese momento nos dimos cuenta que lo más punk que podíamos hacer en Estados Unidos no era escuchar y tratar de sonar como The Clash; sino escuchar y sonar como Noel Petro.

H.J.: Usted me dijo que los integrantes del grupo se conocieron en un colegio en Bogotá, ¿cómo es la historia?

C.C.: Nos conocimos en un ‘validadero’: el Ateneo Juan Éudes. Allá terminaban los que habían sido

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expulsados de otros colegios: a Juan Carlos –que tocaba la guitarra y cantaba- lo habían expulsado del Cervantes, a Sergio Iglesias –el baterista- del Rosario y a mí –que tocaba el bajo y cantaba- me acababan de sacar del Minuto.

H.J.: ¿Por qué deciden irse a San Francisco?

C.C.: Juan Carlos tenía una hermana en Los Ángeles y Sergio tenía familia en San Francisco, así que en algún momento dijimos: aquí en Colombia no vamos a hacer nada. Vamos a ser como Juanita Dientes Verdes o quién sabe qué cosa; entonces ¡vámonos! Mejor dicho, nos fuimos siguiendo el sueño americano.

H.J.: ¿Sus padres qué pensaban de todo esto?

C.C: Siempre he sido muy buen hijo y, aunque al comienzo pusieron resistencia, mi mamá y mi papá me apoyaron en todo. Digamos que supe hacer bien las cosas. Era cierto que hacía lo que se me daba la gana en el colegio, pero en la casa siempre fui muy respetuoso. Obviamente, a mi papá no le gustó que estudiara artes ni que me fuera de roquero. Él me recomendó que estudiara arquitectura: “comience y finalice una carrera que valga la pena”, me dijo. Pero terminó por aceptarlo y ahora, cuando salgo en el periódico o en las revistas, es el primero en recortar el artículo. Los colecciona.

H.J.: ¿Hubo algún amigo o compañero de clase importante para usted?

C.C.: Para mí fue clave Paulo Licona. Lo conocí tomando cerveza en una tienda que se llamaba El Paisa, al pie de La Tadeo. Llegó sólo y se sentó conmigo. Resulta que le acababa de terminar una pelada que antes había sido mi novia, una pelada que él me quito. Entonces nos pusimos a hablar de la vieja y nos dimos cuenta de que teníamos muchas cosas en común. Así nos hicimos amigos. Pablito ha sido una influencia muy grande para mí. Es otro tipo con mucha actitud y me gusta mucho lo que hace como artista. Al fin y al cabo salimos de la misma escuela: la tienda de El Paisa. Lo más chévere de la universidad fue estar en ese ‘parche’. Aprendí más de mis amigos que de mis profesores. En ese sentido, José Horacio es otro de mis amigos. Es que hay una jerarquía vertical omnipresente en el sistema educativo, pero desaparece cuando uno está tomando cerveza, por ejemplo. Creo que el conocimiento está vivo, activo, cuando los que lo comparten están codo a codo, a la misma altura. En el Colegio del Rosario la verticalidad era tal que yo sentía que no tenía nada que decir. Ellos todo lo decían; yo solamente podía repetir lo ya dicho. De eso se trata la verdadera violencia: la imposición del poder, mandar más que los demás. Por eso, cuestionar esos poderes instituidos y tratar de ver las cosas desde otro lado, ha sido para mí algo fundamental y necesario.

Carlos Castro, en concierto con Noel Petro. Cortesía del artista.


H.J.: ¿Cuál fue el origen de Los Claudios de Colombia?

C.C.: Los Claudios éramos un grupo de artistas plásticos ya graduados que nos conocimos en la rumba y que nos vestíamos con uniforme de colegio para tocar punk a lo Noel Petro. Los Claudios cuajaron cuando Víctor Albarracín, en el 2006, me invitó a hacer una exposición individual en El Bodegón y decidí que teníamos que debutar en la inauguración. Éramos: Jaime Tarazona -egresado de la Nacional- en la batería, Sergio Vega -egresado de Los Andes- en el bajo, Paulo Licona en la guacharaca y yo en la guitarra y la voz.

H.J.: En el 2010 terminó un master en Fine Arts en el San Francisco Art Institute ¿recuerda algún profesor, clase o experiencia notable?

C.C.: Sí. En esa maestría conocí a Tony Labat, un artista cubano que vive en Estados Unidos desde hace tiempo y que me dictó la clase de nuevos

medios. Le pregunté si me podía ayudar porque me sentía perdido, no sabía qué hacer. Él me dijo que claro, que me invitaba a su estudio para hablar un rato. Resulta, que tenía en su estudio un bar con una mesa de billar y cuando fui a visitarlo preparó unos margaritas deliciosos y nos pusimos a hablar ‘carreta’ y a jugar billar. Después de horas de estar en esas, le pregunté: ¿cuándo me va a dar una mano con mi proyecto?, y él me dijo que ya lo había hecho, que lo que yo necesitaba era desahogarme, relajarme, no tomarme la cosa tan en serio. Labat realizó un performance muy conocido en los setenta: se entrenó seis meses como boxeador, para después subirse a un cuadrilátero a pelear con un púgil profesional y aguantar un round después del otro. Labat bajito y flaquito recibió una tunda impresionante, quedó totalmente reventado. Ese es el tipo de arte que hace. Es todo un personaje.

H.J.: ¿Ha dictado clase alguna vez?

C.C: Fui profesor de pintura en La Tadeo y trabajé

Carlos Castro, �El que no sufre no vive’, 2010. Cortesía del artista.Carlos Castro, en concierto con Noel Petro. Cortesía del artista.

año y medio en la cárcel Modelo, enseñando, también, pintura. Básicamente, llevé a cabo el mismo programa.

H.J.: ¿Qué resultó de semejante experiencia?

C.C.: Pues resultaron muchos amigos, conocí personas chéveres. Y también resultaron muchos ‘rajados’, porque hay gente muy sinvergüenza. Hace tiempo me invitaron a Los Andes a una clase de artes y encontré un grupo de estudiantes totalmente aburridos, sin pasión por lo que estaban haciendo, cumpliendo por pura obligación con la tarea. Apenas salí de ahí pensé que sería bueno que existiera una clase llamada “El Arte del Gusto”, en la que la gente solo hiciera cosas que realmente les gustara hacer y la única condición fuera disfrutar haciendo. Por eso, en mis clases insistía a los estudiantes que tenían que trabajar a partir de imágenes que les fascinaran, les encantaran. De hecho, les pedí una libreta donde coleccionaron todo tipo de imágenes encontradas, que les gustaran mucho.

H.J. ¿Cree que se puede enseñar a ser artista?

C.C.: Creo que hay cosas que se pueden enseñar, pero otras no. Lo que sí sé es que uno tiene que ser terco como un burro para ser artista. Yo creo que esta es la profesión más difícil que hay. Si uno no es apasionado y testarudo y le da y le da y le da, pues no la logra. Un artista más que talento necesita tener actitud, fortaleza, terquedad. Creo que la obstinación es la que hace al talento. Una persona que de verdad quiera hacer algo, lo saca como sea. Es como cuando uno ve a Sid Vicious tocando bajo: es obvio que ese tipo no tenía nada de talento; pero le ponía una pasión y una actitud al asunto, inigualable.

H.J.: ¿A qué otros testarudos admira?

C.C.: Siempre voy a admirar a Juan Carlos Ruge; su ejemplo ha sido fundamental para mí. Y a mi papá, Alirio Castro, empresario, inventor, pionero en Co-lombia de la fabricación de productos educativos y para laboratorio… ¡y más terco que yo!

Carlos Castro, �Obra mediocre’, 2005. Cortesía del artista.


Galerías

BOGOTÁGalería DelInfinitoArte Martín Reyna.Hasta agosto 18 La Galería DelInfinitoArte estrena su sede en Bogotá con la muestra de Martín Reyna, quien con sus obras pretende encontrar la esencia de la imagen. Para este artista la pintura es ante todo una experiencia sensorial.

BOGOTÁGalería Casa Cuadrada Alfonso Ordosgoitia: ‘Proyectos inéditos, plástica contemporánea’.Desde agosto 16

En la exposición el artista desea mostrar cómo desde un pensamiento científico se puede ex-presar la forma en que estamos unidos al todo. Tomando el cuerpo humano como base, par-tiendo de estructuras óseas y musculares llega hasta las células, para mostrar su relación con el todo.

BOGOTÁGalería Espacio Alterno – UniandinosBeatriz Eugenia Díaz, Liliana Abaunza, Adriana García, Beatriz Elena Martinez, Leonel Vásquez, Ricardo Arias, Sebastián Sandoval, Mauricio Bejarano y Julia Bejarano: ‘Obras blancas, silencios elocuentes’.Desde agosto 15

En palabras del curador Mauricio Bejarano: “‘Obras blanca, silencios elocuentes’” es una exposición de arte sonoro en torno al silencio, que pretende mostrar y caracterizar el trabajo artístico con el sonido, diferenciándolo de los contextos musicales y literarios, circunscribién-dolo como un problema específico y particular de las artes plásticas”.

BOGOTÁThe Warehouse Art Mario Arroyave.Hasta agosto 11 El artista propone una muestra con la que desea acercar al público a su experiencia en Japón, por medio de fotografías distorsiona-das que dejan rastros de luz, con lo que busca darle valores distintos a su expresión dentro de la fotografía.

BOGOTÁLA galería - Arte ContemporáneoCarlos Herrera: ‘Un gesto de cansancio’Hasta agosto 11

La reunión de objetos escultóricos realizados a partir de fragmentos de otros elementos pretende dar a estos la sensación de un resto, de algo que ya fue. En palabras de Santiago Rueda Fajardo: “El grupo de obras que con-forman ‘Un gesto de cansancio’ remite tanto a esa breve muerte súbita en el momento final del acto sexual, cómo a los instantes finales de lucha por la vida al momento de morir. Así, un gesto de cansancio es una afirmación de la vida en la vida, la que finalmente es lo que nos está pasando”.

BOGOTÁGuerrero Espacio GaleríaJean Barbato: ‘Ejercicios de transformación’Julio 18 – agosto 18

En palabras de Alejandra Fonseca Barrera, maestra en Artes Plásticas y en Museología, “siendo el primer y más cercano modelo, el propio cuerpo se convierte en el recurrente objeto de estudio de Jean Barbato a través de sus obras. La condición primaria corporal y su naturaleza cambiante, permite que en el rito de la auto observación se encuentre lo distorsionado, lo que está en constante transformación y que, hablándonos más allá de lo formal, evidencie la presencia casi dictatorial del tiempo enmarcado en los acontecimientos cotidianos y efímeros. El ejercicio creativo permite el accidente: destruir, encontrar y rehacer. Barbato encuentra a través de sus imágenes los acontecimientos únicos e irrepetibles, los mundos anómalos presentes en los más usuales momentos del transcurso de la vida”.

MADRIDGalería Fernando PradillaManuel Calderón, César Delgado, Pipo Hernández, Marco Mojica, Catalina Ortiz, Ángel Ricardo Ríos: ‘Colectiva de verano 2012’.Desde 18 de julio

Con la selección de trabajos recientes de ar-tistas iberoamericanos se abre la exposición ‘Colectiva de verano 2012’. Las obras que se muestran reflejan las tendencias de las artes plásticas. Van desde pinceladas escultóricas en impresiones digitales, pasando por fusio-nes de dibujo y video, hasta pinturas acrílicas. Los artistas de esta muestra son de diferentes países: Manuel Calderón (Colombia), César Delgado (España), Pipo Hernández (España), Marco Mojica (Colombia), Catalina Ortiz (Co-lombia) y Ángel Ricardo Ríos (Cuba).

BOGOTÁGalería Dos Casas Jaime Arroyo: ‘Tierra lavada’Julio 12 - agosto 17

La muestra quiere proponer una reflexión sobre la geografía nacional. Jaime Arroyo desea contar a través de sus obras lo que observó en Zaragoza, Barrancabermeja, Cerrejón y otros lugares de Colombia. Deja ver los efectos de la explotación. Destacan los colores de los paisajes, desde verdes de humedales, hasta cálidos de atardecer.

BOGOTÁGalería de Arte Fenalco‘Abstracto’.Julio 25 - agosto 16

Según la curaduría, en esta muestra colectiva se intenta relacionar el lenguaje de cada artista con lo abstracto. En la percepción de cada uno de los exponentes sobre este tema solo hay un concepto central: el silencio, que pretende ser el vínculo entre el espectador y la obra.

Cortesía La Galería

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Cortesía DelInfinitoArte

Cortesía The Warehouse Art

Cortesía de Academia de Artes Guerrero

Cortesía Espacio Alterno –Uniandinos

Cortesía Fernando Pradilla

Cortesía galeria Dos Casas


BOGOTÁGalería El MuseoFotografía Iberoamericana ContemporáneaAna Adarve, Ananké Assef, Mario Cravo Neto, Sebastián Dávila, Car-los Duque, Germán Gómez, Marcos López, Pedro Meyer, Fernando Montiel, Vick Muniz, Oscar MuñozHasta agosto 4 La galería El Museo le apuesta al trabajo de varios artistas con la muestra ‘Fotografía Iberoamericana Contemporánea’, con la cual pretende dar una mirada amplia del desarrollo de esta disciplina. No plantea un hilo conductor fijo sino que busca re-saltar los ámbitos en los que la fotografía ha cumplido un papel primordial en los úl-timos años, centrándose especialmente en la fotografía plástica.

BOGOTÁGalería Doce Cero Cero -12:00- Andrés Felipe Guerrero: ‘En mi nombre no. Porque hay cosas que es mejor no repetir y repetir’.Desde agosto 1

Mediante el papel y el lápiz el artista retoma la línea de su anterior muestra (espacios de mu-seos en los que se desarrollaba la idea que algo se estaba quemado o que se había quemado), y trasladar sus inquietudes, tomando como referentes las obras de arte universal.

BOGOTÁGalería La Cometa Ana González: ‘De azúcar’.Desde agosto 23

La artista Ana González quiere proponer en esta exposición un proceso autocritico, resal-tando sus potencias y debilidades mediante las obras que presenta. La muestra está com-puesta por cerca de 40 piezas, desarrolladas en diferentes técnicas desde fotografía hasta instalaciones. El nombre de esta exhibición ‘De azúcar’, se centra en dicho elemento, presenta-do en las técnicas mencionadas.

BOGOTÁLa Pared galeríaJuan Calle: ‘Afloran’.Desde agosto 15

La exposición desea mostrar la particular vi-sión de Juan Calle sobre la diversidad, en los detalles de flores moribundas y frutos. Me-diante la fotografía, esta muestra busca que el espectador conozca un resumen del mundo donde el artista vive.

CHÍAGalería Ele AlcuadradoVirginia niño: ‘Espacios inescrutables’.Hasta julio 21

La obra de Virginia Niño tiene la intención de poner a pensar a los asistentes en el silencio y establecer un diálogo con el espectador. La obra de la artista representa sus mundos internos, inescrutables, misteriosos y alucinantes.

BOGOTÁValenzuela Klenner Galería Santiago Reyes: ‘El año pasado’.Julio 14 – agosto 14

La exposición quiere que el espectador tenga incertidumbre sobre las obras: no saber qué es o de qué hizo parte conforman el punto clave. Plantea hacer sentir a los visitantes el momen-to “indeterminado”.

BOGOTÁMarcela Rodríguez: ‘Resiliencia’.Hasta julio 16

En palabras de Carlos Betancourt, curador de la exposición, “en el conjunto de obras que conforman esta exposición de Marcela Rodríguez existe un sentido intrínseco de turbación, no en el sentido del horror de lo monstruoso sino más bien como el horror de estar capturado en un cuerpo humano, moviéndose entre una frágil existencia y una visión espectral del mismo en que se revela la disociación de una ingenuidad desdoblada y violentada; estos dibujos son experiencias de una carne hecha materia que se despierta, muta y se hace pensamiento desde su humanidad”.

BOGOTÁGalería Nueveochenta Esteban Peña: ‘Aguadas’.Desde agosto 16

Las obras hacen referencia a las inundaciones, con acrílicos muy diluidos sobre el papel. Así re-presenta las corrientes y cambios climáticos que afectaron al país. La obra quiere hacer referencia a la posición de indefensión del hombre ante situaciones como: colegios inundados, derrum-bes en la carretera o campos arrasados.

BOGOTÁGalería Mü Fernando Cruz, Mario Nieto, Darío Nova: ‘Memoria alternativa’.Hasta julio 28 Los tres artistas que hacen parte de esta muestra presentan sus fotografías en un formato analógico, en vista de que el actual mundo digital es considerado frio y distante. Los artistas exploran sus propias historias a través de los procesos de revelado fotográficos escogido por cada uno. Fernando Cruz usa el proceso llamado cianotipo donde se ven sombras sutiles. Mario Nieto usa el proceso llamado argyrotype que crea una gran tonalidad de sombras y detalles, mientras que Darío Nova usa el Calotipo, en el que la imagen se ve en negativo.

Cortesía Nueve Ochenta

Cortesía del artista

Cortesía Ele Alcuadrado

Cortesía Doce Cero Cero -12:00

Cortesía La Cometa

Cortesía La Pared

BOGOTÁRojo GaleríaSantiago Cárdenas, Juan Carlos Delgado, Jorge González, Manuel Hernández, Adriana Marmorek, Iván Rickenmann, Víctor Robledo, Carlos Rojas, Sergio Trujillo Ávila, Carol Young: ‘La luz’.Desde julio 26

La luz es el elemento fundamental para el arte y para la vida. En palabras de Andrés Gaitán, “esta exposición es un intento por recuperar parte de la memoria que ha dejado en su trasegar. A propósito de este fenómeno, Rojo Galería en su Sala de Homenajes a Figuras del Arte Colombiano, presenta obras de Santiago Cárdenas y de Juan Carlos Delgado, Jorge González, Manuel Hernández, Adriana Marmorek, Iván Rickenmann, Víctor Robledo, Carlos Rojas, Sergio Trujillo Dávila y Carol Young”. Todos mediante diferentes técnicas ellos expresan la luz en sus obras.

Cortesía Rojo Galería

Cortesía El Museo

Cortesía Cero Galería

BOGOTÁCero Galería Manolo Martínez: ‘Cónclave’.Hasta julio 9

‘Cónclave’ de Manolo Martínez quiere lograr que el público se identifique espiritualmente con sus obras, expuestas en Cero Galeria.

Cortesía galeria Mü

Cortesía Valenzuela Klenner Galeria


Lo que hoy vemos con alguna regularidad en los salones nacionales, hace 34 años fue algo excepcional en Colombia. Con 367 zapatos viejos, sucios, malolientes, recogidos de las calles de Barranquilla, clavados a un armario de madera encontrado en una cocina, el grupo ex-perimental El Sindicato ganó el XXVII Salón Nacional de Artistas (1978). Alacena con za-patos se llamó la obra, especie de organismo monstruoso, repelente, que fue tomada como insulto, burla y afrenta al “verdadero” arte nacional.La obra se expuso primero en el III Salón Regional, en el edificio en obra negra del Teatro Amira De la Rosa de Bar-ranquilla, y resultó in-famante para el grupo selecto de “conocedores” de arte de la sociedad bar-ranquillera. Solo a algu-nos estudiantes de arte, seguidores de todas las rupturas, incluyendo la del “sistema”, nos pareció un golpe de aire fresco y nos deleitamos al mirar los gestos de desaprobac-ión, el ceño fruncido y los movimientos de nariz de las distinguidas damas de la burguesía local. Ya en Bogotá, con su fétida estela, la Alacena siguió ultrajando el pensa-miento esclerotizado de la mayoría de los que asistieron al Salón Nacional a contemplar el buen arte. A muchos no les cabía en la cabeza que “un montón de zapatos viejos” pudiera ser arte. Encumbrados críticos catalogaron la propuesta como un desatino, siendo señalada hasta por Marta Traba como “una parodia punk”. No fue así para el jurado internacional del Salón que con el premio dio carta de reconocimiento al arte conceptual en Colombia y Alacena con zapatos pasó revisión

Una imagen vale más que mil palabras; ¿será que la mitad consiguen evocarla? En esta sección un invitado hablará en 500 palabras de

una obra que le parezca especialmente significativa.

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al arte joven hecho en el país en los últimos años. Para sus creadores, Efraín Arrieta, Ramiro Gómez, Aníbal Tobón, Alberto Del Castillo, Carlos Restrepo y Guillermo Aragón, Alacena fue un acto de rebeldía y una actitud anties-tética ante el arte y la vida, pero, especialmente, fue una acción llena de sarcasmo y corrosivo humor, ingredientes infalibles de muchas de sus obras. Aunque la idea inicial se planteó procesual, curiosamente, Alacena con Zapatos terminó siendo objetual y la única de esta naturaleza de un grupo de artistas pionero en Colombia

que hacía obras efímeras que estaban más dentro del campo de las acciones artísticas (alejadas del happening y del perfor-mance y más cercanas al pensamiento Fluxus y a la actitud conceptual), donde la idea se privile-giaba ante el resultado formal perdurable.Como un suceso afortu-nado para la obra -que ni siquiera los creadores habían contemplado-, Alacena con zapatos no hizo vida museal como los otros premios na-cionales y se resistió a terminar sus días en el mausoleo. Con su pro-

gresivo olor nauseabundo inundó la atmósfera límpida del museo y por el terror de que contaminara las otras obras de arte fue retirada y volvió a la realidad de la vida, a las calles sucias de un país lleno de miserias de toda laya, después de haber armado una de las polémi-cas más encendidas en la historia del arte y la cultura colombiana y de redefinir lo que hasta ese momento se concebía como arte.

Néstor Martínez Celis

Alacena con Zapatos

Barichara, conectada con el arte y la cultura

Exposiciones de fotografía que abar-can imágenes documentales, rostros y paisajes colombianos serán exhibidas en Barichara (Santander), durante el

primer Festival Cultural, Turístico y Gastronómi-co, entre el 17 y 20 de agosto.La muestra se realizará tanto en plazas y calles, como en las bodegas de la Compañía Colombiana de Tabaco y en el Taller de Oficios de Barichara, entidad organizadora.Simultáneamente, se exhibirán piezas de cerámi-ca elaboradas por los alumnos del Taller, quienes bajo la dirección de profesores especializados en el modelado y torno, elaboran objetos utilitarios y, además, se enfocan en la concepción de obras de arte.

La pieza fundamental

Desde su fundación en noviembre del 2007, la Escuela Taller de Oficios, entidad sin ánimo de lu-cro, gestada y dirigida por la ceramista colombo-venezolana Dalita Navarro ha impartido clases a más de 1.300 personas en los oficios tradicionales de la región y ha motivado a sus habitantes a in-

teresarse por el arte, a velar por su patrimonio y conservar sus tradiciones. También rescatado y enriquecido la forma de cocinar para que recetas de antaño no se olviden.Este proyecto abrió otras opciones de empleo y educación para la población ‘patiamarilla’, como se llama coloquialmente a los oriundos de Barich-ara, logró la inclusión social de muchos jóvenes, así como el mejoramiento de sus condiciones económicas, personales y culturales.

Junto con las exposiciones se celebrarán, además, encuentros en distintas artes: cine, presentacio-nes de teatro para niños y conciertos de música popular.En ‘El pueblito más lindo de Colombia’, como es llamado, declarado Monumento Nacional en 1975 y ratificado en 1978, estarán los fotógrafos Carlos Duque y Camilo Rozo; el artista plástico David Manzur; los historiadores, escritores, investigadores y editores Armando Martínez Garnica y Conrado Zuluaga, el expresidente Belisario Betancur; el cineasta Víctor Gaviria; el director teatral Manolo Orjuela; el actor de cine y televisión Diego León Hoyos; los músicos An-tonio Arnedo, la pianista Claudia Calderón; el reconocido gastrónomo Juan Pablo Valencia y la investigadora de sabores Margarita Bernal, así como el experto en redes sociales Pablo Arrieta, entre muchos otros.Ellos dictarán talleres interdisciplinarios y of-

recerán conversatorios de artes visuales, música, gastronomía, historia, literatura, música, cine, y redes sociales. Su objetivo es exponer las vari-antes de sus procesos, para despertar la creativi-dad y motivar el crecimiento de artistas de la región.

Se espera que este encuentro se convierta en una fiesta cultural para disfrutar en este lugar modesto y austero, rodeado de un hermoso paisaje y un clima ideal cálido y seco, donde se pu-ede gozar de paz y de bella flora nativa, que a su

vez ofrece múltiples opciones turísticas.Este encuentro se realiza con la asesoría de la Fundación Escuela Taller de Bogotá, dirigida por Alberto Escovar (SIC) y el apoyo inicial de la Co-munidad de Madrid, la Federación de Cafeteros y el Sena; donaciones de Artes Dos Grafico y Arte Ritual, entre muchos otros simpatizantes con el proyecto más recientemente a recibido aportes del Ministerio de Cultura y la Gobernación de Santander, el apoyo de la Alcaldía de Barichara y Avianca y la dirección cultural de la gestora vene-zolana Denise Lugo, directora de la publicación mensual El Librero.

Un lugar en cuyos orígenes se entrelazan la leyenda y la historia es, además, un singular espacio para la cultura. Busca convertirse en un punto de encuentro artístico importante en el país.

Por: María Cristina Pignalosa

¿Dónde queda?

Barichara está ubicada en Santander, a 1.320 m. sobre el nivel del mar. Tiene clima cálido y seco de 23 grados centígrados. Queda a 340 km. de Bogotá, a 118 de Bucaramanga y 20 de San Gil, por carretera pavimentada. Su perímetro urbano está sobre un plano suave-mente ondulado al borde de una meseta, es-tribación de la cordillera oriental.Tiene 7.000 habitantes, sus calles son empe-dradas y la mayoría de sus construcciones son en piedra y tapia pisada, arquitectura sustent-able que aprovecha los recursos naturales al máximo de manera amigable con el medio-ambiente. Tiene varios hostales, hoteles Bou-tique y numerosos restaurantes.

Cortesía María Cristina Pignalosa


GALERÍA DOS CASASCarrera 26 # 4 - 29. Tel: (1) [email protected] Hasta agosto 17. �Tierra lavada’: Jaime Arroyo.

ALIANZA FRANCESACarrera 11 # 93 - 40Tel: (1) 3413091a.castro@alianzafrancesa.org.cowww.alianzafrancesa.org.co- Hasta agosto 31. �Homenaje a Gustavo Zalamea’.Sede centroCarrera 3 # 18 - 45 Tel: (1) 3413091- Desde agosto 8. �La fulminante’: Nadia Granados. GALERÍA EL MUSEOCarrera 11 # 93A - 43 Tel: (1) [email protected] Hasta agosto 4. �Fotografía Iberoamerica-na Contemporánea’: colectiva.

MEDELLÍN

CENTRO COLOMBO AMERICANO, MEDELLÍNCalle 19 # 2 - 49Tel: (4) 3347640. Ext. [email protected] Hasta agosto 11. �Presencia’: Colectiva.

CASA TRES PATIOSCarrera 51A # 63 - 31Tel: (4) [email protected] Hasta julio 19. �Al diablo con el éxito’: Juan Obando.

FUNDACIÓN EPM Y MUSEO DE ARTE MODERNO DE MEDELLÍNCalle 71 # 52 – 30. Parque de los DeseosTel. Museo de Arte Moderno: (4) 4442622Tel. Casa de la Música: (4) 5166005Fax. (4) [email protected]@mammedellin.orgwww.fundacionepm.org.cowww.elmamm.org- Desde junio 8. �Especulante’: John Mario Ortiz.Curaduría: Óscar Roldan-Alzate.

MUSEO DE ANTIOQUIACarrera 52 # 52 - 43. Tel: (4) [email protected]

MADRID – ESPAÑA

GALERÍA FERNANDO PRADILLAC/. Claudio Coello 20Madrid, 28001Tel. 34 (91) 5754804gfp@galeriafernandopradilla.eswww.galeriafernandopradilla.com- Hasta septiembre 1. �Colectiva de verano’.

GUÍA NACIONAL

Pedro Ruiz

Pedro Ruiz (1957) “tiene esa manía picassiana de andar interviniendo todo lo que toca, las sillas, los trajes, los objetos”. Esto dice el escritor William Ospina en el texto central de este libro editado por Villegas Editores y escogido este año por Seguros Bolívar para formar parte de su reconocida colección de arte colombiano. El libro de este artista que recibió la distinción de Caballero de la Orden de las Artes y las Letras, otorgado por la República de Francia fue estructurado de acuerdo con los temas, más que cronológicamente y busca mostrar las preocupaciones del artista, que se refieren al hombre y a la naturaleza. Con textos escritos por Ospina y por Javier Gil, libro da cuenta de la obra de Ruiz, quien con una mirada multidisciplinaria ha incursionado en la fotografía, la moda, el diseño de escenografía con un amplio despliegue temático no exento de humor.

228 páginas / 28 x 28 cm. 356 fotografías en color.

BARRANQUILLA

MUSEO DE ARTE MODERNO DE BA-RRANQUILLA (MAMBq)Carrera 56 # 74 – 22. Tel: (5) [email protected]://www.mambq.org/- Hasta agosto 11. �Yo seré tu espejo’: Ruven Afanador. BOGOTÁ

ALCORRIENTE ARTE Calle 70 # 12 – 38. Tel: [email protected] Desde agosto 3. �Los caprichos del agua y el viento’: Daniel Samper.

MONTEALEGRE GALERÍACarrera 17A # 100 – 15. Tel: (1) 6917007 - 6917006montealegriadearte@yahoo.comwww.montealegregaleriadearte.com.co

ALONSO GARCÉS Carrera 5A # 26 – 92. Tel: (1) 3375827. Ext. 32rannichiarico@alonsogarcesgaleria.comwww.alonsogarcesgaleria.com

CÁMARA DE COMERCIO DE BOGOTÁ, SEDE SALITRE Avenida El Dorado # 68D - 35. Tel: (1) 5941000 Ext. [email protected] Hasta agosto 4. �Geo-Bits’: Wiliam Fernando Aparicio.

CENTRO COLOMBO AMERICANO, BOGOTÁCalle 19 # 2 - 49Tel: 3347640. Ext. [email protected]@colombobogota.edu.cowww.colombobogota.edu.co - Hasta Julio 20. �La guerra del centavo, la pelicula que no se realizara’: Nelson Moncada.

FEDERICO RUÍZ ARTE – LATINOAMERICANO GESTIÓN CULTURALTel: (1) [email protected]

GALERÍA EXPRESO DEL ARTE – GEACalle 81 # 13 – 05Calle 119B # 5 – 37Tel. (1) 5312221 – [email protected]

LA CENTRALCarrera 12A # 77A – 72Tel. (1) [email protected]

GALERÍA EL GARAGE Calle 70 # 4 - 17/19 Tel: (1) [email protected]

GALERÍA ESPACIO ALTERNO DEUNIANDINOSCalle 92 # 16 - 11Tel: (1) 6162111. Ext. 110 – [email protected] Desde agosto 15. �Obras Blancas, silencios elocuentes’: colectiva.

GALERÍA DELINFINITOARTECalle 77 # 12 - 03Tel: (1) [email protected]@prototeca.comwww.delinfinitoarte.com.ar- Hasta agosto 18. Martín Reyna.

NC-ARTECarrera 5 # 26 B - 76Tel. (1) 2821474 / [email protected] Hasta agosto 18. �Dibujos bogotanos, un proyecto de Luis Lizardo’:Luis Lizardo (Venezuela).Curaduría: Carmen Araujo- Julio 10. 5:00 p.m. �conversatorio con Luis Lizardo’.

GALERÍA NUEVEOCHENTACarrera 70 # 9 - 80. Tel: (1) 3466987 - [email protected] Desde agosto 16. �Aguadas’: Esteban Peña.

GALERÍA SANTA FE Carrera 16 # 39 – 82. Barrio La MagdalenaTel. (1) 3795750, ext. 332, [email protected] Hasta julio 28. �Segundo ciclo de exhibición de ganadores de residencias 2011’.

GUERRERO ESPACIO GALERÍACalle 45 # 18A - 25Tel. (1) 6094795 – 92 / (1) 6056518Fax. (1) 2852627guerrero.espaciogaleria@academiadeartes-guerrero.comwww.guerreroespaciogaleria.com- Julio 18 - agosto 18: �Ejercicios de 40 transformación’: Jean Barbato. Curaduría: Alejandra Fonseca.

LA GALERÍA ARTE CONTEMPORÁNEOCalle 77 # 12 - 03Tel. [email protected] Hasta agosto 11: �Un gesto de cansancio’: Carlos Herrera.Curaduría: Santiago Rueda Fajardo.

GALERÍA LA COMETACarrera 10 # 94A - 25Tel: (1) [email protected] Desde agosto 23. �De azúcar’: Ana González.

GALERÍA SEXTANTE Carrera 14 # 75 - 29 Tel: (1) 2494755www.artedos.com

LIBROS

‘Un atlas: la obra de Rosario López’

La vida y obra de la artista Rosario López se presenta en este libro. Su lectura permite conocer sus pensamientos, experiencias y hallazgos. Contiene reproducciones de obras de sus diferentes etapas. El libro quiere mostrar la estrecha relación de la artista con el cuerpo y con el paisaje, elementos que a lo largo de su carrera ha trabajado en diferentes formas, como dibujo, fotografía, escultura y sonido.

Los textos son en español e inglés y están a cargo de Natalia Gutiérrez (curadora e investigadora de la Universidad Nacional), Scott McLeod (artista y escritor canadiense) y de la artista. La publicación hace parte del programa de apoyo al arte actual colombiano de AFIN S.A. y está coeditado por Paralelo 10 Ltda. y la editorial de la Universidad Nacional de Colombia, con el apoyo de la Galería Casas Riegner y la Universidad de los Andes.

AFIN S.A: 224 páginasCoedición: Paralelo 10 y la Editorial de la Universi-dad Nacional de Colombia.

Cortesía Galeria Casas Riegner

Cortesía Villegas editores


10 BECAS DE INVESTIGACIÓN CURATORIAL DESARROLLADAS

35 EXPOSICIONES A NIVEL NACIONAL

225 ARTISTAS PARTICIPANTES

$2'280.136.449 INVERSIÓN (2010-2012)

48 ACTIVIDADES PEDAGÓGICAS PARALELAS

22.460 ASISTENTES

456 OBRAS PUESTAS EN CIRCULACIÓN

SIGUE DE CERCA LAS EXPOSICIONES Y DEMÁS EVENTOS DE LOS 14 SALONES REGIONALES DE ARTISTAS EN WWW.SALONESDEARTISTAS.COM

Ministerio de CulturaRepública de Colombia

ALIANZA FRANCESA Exposiciones

www.alianzafrancesa.org.co

ENTRADA LIBRE

Nadia Granados LA FULMINANTE Centro - 02/08 al 08/09

Homenaje a Gustavo Zalamea POLIFONÍAS Chicó - hasta el 31/08/06

Centro - Cr. 3 # 18-45 Chicó - Cr. 11 # 93-40 Cedritos - Av. 19 # 134-81 [email protected]

Periódico Julio - Agosto 2012 - bescultura.gov.co · “A siete años de un suceso, el suceso ya...

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