La virgen de las rocas Leonardo da vinci

Palas y el Centauro Sandro Botticelli

1482. témpera y óleo sobre lienzo.

trinidad Masaccio

La Anunciacion Beato Angelico

La virgen de las rocas Leonardo da vinci es un nombre usado para denominar dos cuadros de Leonardo da

Vinci pintados con idéntica técnica pictórica de óleo sobre lienzo.

La Virgen está sentada en el suelo de una spelunca o refugio rocoso entre montañas. El paisaje que se divisa

entre las rocas es alpino, sin parecido a la Toscana ni a las más famosas cumbres de los Apeninos.

Es un ambiente absolutamente innovador, en el que las figuras se agrupan formando una pirámide, envueltos

por un paisaje salvaje de rocas que caen y aguas que se arremolinan.

Destaca en la versión del Louvre el delicado uso del sfumato leonardesco que deshace los contornos de las

figuras, creando un ambiente misterioso e irreal.

La Virgen está en el centro, con la mano derecha sostiene a Juan el Bautista, a quien la Virgen está mirando.

A su izquierda hay un ángel sentado más abajo que la Virgen. Más abajo está el niño Jesús sentado,y el

también mira a Juan Bautista.

La Virgen predomina en la imagen. Leonardo eligió pintar un momento apócrifo de la infancia de Cristo,

cuando Juan el Bautista niño (San Juanito), huérfano, refugiado dentro de una gruta y protegido por un ángel ,

encuentra a la Sagrada Familia en su huida a Egipto.

De acuerdo con la interpretación tradicional de las pinturas, representan a la Virgen María en el centro,

empujando a Juan hacia Jesús, que está sentado con el ángel Uriel.

Jesús está bendiciendo a Juan, que extiende su mano en un gesto de oración. En este cuadro, tal como lo pinta

Leonardo, Juan reconoce y venera al Niño como Cristo.

Palas y el Centauro, conocida en italiano como Pallade che doma il centauro, es un cuadro realizado al

Temple sobre lienzo

de 207 centímetros de alto y 148 cm de ancho, realizado entre el año 1482 y 1483 por el pintor italiano

Sandro Botticelli por encargo de Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici.

El artista se vincula sobre todo a una pintura rica en símbolos en los que se mezcla la Antigüedad con el

Cristianismo, mientras que el Renacimiento ponía entonces al día la perspectiva.

La tela fue pintada para las bodas de Lorenzo il Popolano (con Semiramide Appiani) o quizá de su hermano

Giovanni, y pudo portar un mensaje matrimonial, entendido como la belleza femenina que doma la fogosidad

masculina.

El desnudo paisaje de esta pintura hace que la mirada se centre en las dos figuras. Un centauro ha sobrepasado

los límites, internándose en territorio prohibido. Lleva aljaba y arco.

Este ser lujurioso, mitad caballo y mitad hombre, es controlado por una ninfa guardiana armada con un escudo

que le cuelga del hombro y una alabarda, y le ha cogido por los cabellos.

La mujer ha sido identificada como la diosa Palas Atenea (equivalente a Minerva, la diosa latina de los

artesanos).

También se ha visto en ella a la amazona Camila, casta heroína de la Eneida de Virgilio. Palas lleva en los

brazos, el torso y la cabeza ramas de olivo.

Lo que no se discute es el contenido moral de la pintura, en la que la virtud y la castidad vencen a la

sensualidad, a la brutalidad del instinto, según los preceptos de Ficino.

Las dos partes del alma humana, luchando entre ellas, están representadas por la naturaleza dual del centauro.

Este último quizá fue inspirado por algún relieve clásico, aunque la expresión patética, entre irritada y triste, es

enteramente de Botticelli.

La Trinidad es un fresco realizado por el pintor italiano renacentista Masaccio. Su título completo es la

Sagrada Trinidad, con la Virgen, San Juan y donantes (en italiano, Santa Trinità). Está pintado en uno de los

muros laterales de la iglesia de Santa María Novella de Florencia en Italia.

Cuando se ejecutó, no se había construido aún ninguna Bóveda de cañón.

[Los críticos del siglo XIX vieron en ella el uso de la perspectiva, La pintura representa el dogma de la

Trinidad, en en el marco de una capilla inspirada en los arcos de triunfo romanos, con una bóveda de medio

cañón dividida en casetones y sostenida por columnas jónicas, flanqueadas a su vez por pilastras que sostienen

un entablamento.

La Trinidad destaca por su inspiración, tomada de los antiguos arcos triunfales romanos y la estricta adhesión

a los recientes descubrimientos en materia de perspectiva, con un punto de fuga al nivel del espectador, Con

este fresco, Masaccio alcanza la perfección absoluta de la perspectiva.[

En el centro se encuentra Cristo crucificado, sostenido por Dios Padre —única figura que escapa a las leyes de

la perspectiva, en tanto que ser incomensurable—; bajo la cruz se encuentran la Virgen María y San Juan

Evangelista.

Más abajo están los dos comitentes, identificados recientemente como Berto di Bartolomeo del Banderaio y su

esposa Sandra, quienes asisten arrodillados a la escena sacra.

Por debajo de ellos, y funcionando como base de la composición, hay un altar de mármol bajo el cual se ve un

esqueleto yacente al que acompaña la inscripción: «Ya fui antes lo que vosotros sois; y lo que soy ahora lo

seréis vosotros mañana» («Io fu già quel che voi sete: e quel chi son voi ancor sarete»).

La pintura puede leerse en sentido vertical ascendente, como la ascensión hacia la salvación eterna, desde el

esqueleto (símbolo de la muerte) hasta la Vida eterna (Dios Padre), pasando por la oración (los donantes), la

intercesión de los santos (San Juan y la Virgen), y la redención (Cristo crucificado).

La Anunciación es un tema pictórico representado varias veces por el pintor Fra Angélico (siglo XV) La

Anunciación (en italiano, Annunciazione), La Anunciación es una obra maestra del toscano Fra Angelico,

sobrenombre de Guido Di Pietro Da Mugello.

Está realizado al fresco, y fue pintado entres 1437 y 1446 para el Convento de San Marcos en Florencia,

actualmente convertido en Museo Nacional de San Marcos.

En una capilla de la iglesia de Santo Domingo, de Fiesole, hay de su mano, en una tabla, la Anunciación del

arcángel; parece un trabajo realizado en el cielo. En el fondo del paisaje se ve Adán y Eva, que fueron causantes

de que la Virgen encarnase al Redentor.

El pórtico es de mármol, La Virgen está situada a la derecha. Parece que ante la llegada del ángel ha

suspendido la lectura del libro que ahora mantiene sobre el regazo. Tanto ella como la figura del ángel, son

dos personajes rubios, de blanca piel y de manos finas y alargadas.

La Virgen lleva una túnica de color rosado y un manto azul ultramar.

El ángel está vestido con un traje de color rosa con franjas de oro, ceñido a la cintura, que cae en grandes

pliegues hasta los pies.

Se encuentra en un jardín, hortus conclusus, representación del Paraíso. En el ángulo izquierdo de la pintura se

ven las manos de Dios y de ellas sale un rayo de luz dorada que viene recto hacia la derecha, en el que viaja la

paloma del Espíritu Santo.

El vergel que hay delante del pórtico está cuajado de florecillas y tiene una espesa vegetación con algunos

árboles entre los cuales puede verse a dos personajes: Adán y Eva, en este caso vestidos con pieles.

Su expresión es de sumisión y de arrepentimiento. Representa en conjunto la escena, el principio y el final del

pecado, los primeros padres y la salvación del hijo de María. Un ángel vigila detrás de ellos que abandonan el

Paraíso.

En el convento florentino de San Marcos realizó sus mejores pinturas al fresco, entre 1438 y 1445.