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rock_magazine.com.co | MAYO 2011

PVP: Colombia $ 8 500.00 / USA $ 7 50.00 USD. Precio incluye IVA

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CONTENIDOEL ROCK EN LA HISTORIA

QUEEN, 40 AÑOS DE ROCK40 AÑOS después, Queen sigue teniendo acogi-da y es uno de los grupos más reconocidos de Inglaterra después de the Beatles. Los sobrevi-vientes de la banda han decidio relanzar todo su material al mercado. Nos adentramos en la vida de estos genios. 4

Los 25 mejo-res solos de la historia del Rock.10

ROCK DE SURAMÉRICALa banda Argentina The Plasticos visitó nuestro país durante el primer mes de este año. Estuvi-mos con Leo Road, lider de la banda y con los demás integrantes de la mísma. 15

EL PERSONAJEJohn Lennon fue asesinado el 8 de Diciembre de 1980. Han pasado ya 20 años desde su trágico e injusto asesinato. En Rock Magazine, queremos rendirle un merecido tributo a esta leyenda del Rock. Su vida, sus canciones y su personalidad han sido siempre un ejemplo a seguir en la hu-manidad.Contribuyó a la música de una manera enorme al crear el grupo mas famoso de todos los tiem-pos: The Beatles. 19

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LA MÚSICA Y LA SITUACIÓN GLOBAL

EL REGRESO DE PINK FLOYD A LA MÚSICA

Durante los últimos meses, hemos sido testigos de lo que sucede en los países árabes y de cómo el pueblo se levanta en contra de dictaduras que se creían invencibles. Es realmente sorprenden-te como han funcionado las redes sociales para convocar al pueblo a marchar pacíficamente en contra del régimen como fue el caso de Egipto. La música también ha jugado un papel importante, ya sea apoyando la causa de emancipación dicta-torial, o en algunos casos oponiéndose a ella. 26

Tras su exitoso concierto en el Live 8 de 2008, Pink Floyd ha decidido reunirse una vez más, pero esta vez será la definitiva o al menos eso ha manifes-tado Roger Waters. Desafortunadamente, la for-mación original varió tras la muerte de Wright. 28

Rock Magazine| revista de Rock en General|MAYO 2011| ISSUE 01

EDITOR: Daniel Vargas

ART DIRECTOR: Carolina Gracia

STYLE CORRECTOR: Laura Isaacs y Esteban Gutiérrez

EDITORIAL DIRECTOR: Sebastián QuijanoMANAGEMENT: Julián Gómez

AJUSTES DE IMPRESIÓN: Esteban Gutiérrez

Escribe en éste número:

Daniel Vargas

Investigación:

Wilson DelgadoDiana Rincón Jorge RojasJuan Ballen Carolina GraciaCóny Pulido Cristian CelisDavid Parga

Fotografías:

Daniel VargasCarolina GraciaJulian GómezSebastián QuijanoAdriana Vargas

Pick Magazine es una publicación mensual de rock progresivo. Cada artículo es responsabilidad del autor(a).www.rock_magazine.com.co

Trabajamos en fuente tipográfica: Helvetica.

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La banda que lideró el cantante fallecido ya hace 20

años, Freddie Mercury, cumplió el pasado mes de

Marzo 40 años de vida artística.

La historia del rock tiene un espacio lo suficientemente grande para alojar a

Queen, una banda originaria de Inglaterra que, logró abarcar variados sub-géneros. Logró mover masas después que The Beatles cambiaran el rumbo de la música durante los últimos 50 años.

La música de Queen ha logrado mover a un público fiel que acompañó en las giras a la banda y que tras la muerte de Freddie Mercury, siguen apoyando la causa musi-cal y de hecho, aumenta día a día.

Cómo no recordar el pegajoso tema de We

Will Rock You, cuando muchos de nosotros al oírla, seguíamos el estribillo de la can-ción con las palmas y con los pies (pum pum crack!).

Eso quizá es lo que ha generado Queen en muchas generaciones, pues muchos se identifican con ese sonido de la banda. Pero también hay una canción que, de una u otra manera ha estado en lo más profun-do de nuestro recordar: We are the Cham-pions.

La hemos recordado, la hemos cantado, acompañado, le hemos seguido en cada estadio cuando algún equipo de fútbol, o

cuando un deportísta hace méritos en cual quiera que sea el evento deportivo.

Esa es la esencia Queen: ha permitido y nos ha dado grandes canciones, nos ha dado la magia increíble de la música. Este año se celebran 40 años de la banda, y se preparan múltiples eventos a nivel mundial, y por supuesto Colombia, no es la excep-ción: hacemos parte de la celebración. Este artículo está dedicado a todos aquellos fans en Colombia de Queen.

Debí haber empezado con la historia de la banda, pero he querido pues, dar una pequeña introducción a modo de dedicato-ria antes de adentrarme en el asombroso mundo musical de Queen.

Queen nació un 28 de Febrero de 1971 en la ciudad de Londres, Inglaterra. Por aquel entonces, la banda estaba conformada en su alineación por Freddie Mercury en los vocales, pianos, guitarras y coros, Brian

Por Daniel Vargas

40 AÑOS DE ROCK

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May, guitarra líder, vocales y coros, Roger Taylor en la batería, vocales y coros, y John Deacon, bajo y coros. Deacon fue el último en unirse a la banda. Lo que verdadera-mente celebramos este año es la adhesión de Deacon a la alineación final de Queen. Pero vamos un poco más para atrás, antes de 1971. Empecemos en 1969. La música empezaba a cambiar, el rock ya dominaba las esferas del entretenimiento.

Bandas como the Doors, the Yardbirds, the Rolling Stones y the Beatles habían marca-do durante los últimos años una tendencia musical importante en Inglaterra. The Beat-les fue quizá la última banda que logró de-jar una marca profunda en la historia de la humanidad.

Esta era la música que muchos jóvenes escucharon y que fue gran influencia para ellos. Uno de esos jóvenes fue Brian Harold May quien estudiaba en el Imperial College de Londres. May, le gustaba la música, su pasión era la guitarra. Aprendió las bases de la guitarra empezando a tocar un ukule-le que su padre le había obsequiado.

Cuando cumplió los 16, quería tener una guitarra, una Fender Stratocaster en es-pecífico. Pero debido a que la guitarra era demasiado costosa, decidió entonces fabri-carse una. Motivado por su padre, empezó a conseguir los materiales para construirla. Para el cuerpo, decidió usar el guardaba-rros de madera de una vieja motocicleta que tenía en casa y que nadie usaba. Usó la madera de una vieja chimenea también para el cuerpo. Con la ayuda de su padre, empezaron a construirla durante casi 4 me-ses.

Brian May, guitarrísta de Queen

Brian May, y su 'Red Special'

Finalmente y tras cuatro meses de arduo trabajo, de búsqueda de los elementos res-tantes (pickups, clavijero, trémolo, cables, etc.) la creación de May padre y May hijo estaba terminada: Brian decidió bautizar su guitarra como Red Special. Esta guitarra ha acompañado a May durante prácticamente los 40 años de Queen.

Brian estudió Astrofísica, y de hecho se graduó con este título. May en la actualidad es uno de los científicos más prestigiosos de Londres.

Volviendo a la historia, May quería formar una banda, y contaba con el apoyo de su amigo Tim Staffel, quien estudiaba en el Ealing College of Art y tocaba el bajo. Brian decidió buscar en el Imperial College a un baterista.

Decidió pues poner avisos en el alma ma-ter del a universidad "se busca baterista al estilo Mitch Mitchell- Ginger Baker". Al lla-mado, llegó un joven de cabello claro con su propia batería. May se sorprendió al ver primero que aquel joven tenía suficiente

conocimiento en el instrumento, ya que él mismo se encargó de armar la batería y afi-nar los parches de esta.

Este joven era Roger Meddows Taylor, es-tudiante de odontología del Imperial Colle-ge. Aquel grupo que conformarían Brian May, Tim Staffel y Roger Taylor se llamaría 1984 y posteriormente cambiarían su nom-bre a 'Smile'. La banda alcanzaría a lanzar un sencillo de 3 canciones gracias al sello discográfico Parlophone. Durante sus giras por los campus universitarios, Smile logró llamar la atención de varios estudiantes, y muchos se harían fanáticos de la banda.

Entre los fanáticos más asiduos, había un joven que estudiaba Diseño Gráfico en el Ealing College of Art de Londres su nom-bre, Farrokh Bulsara.

Aquel joven seguía a donde fuera a la ban-da, estaba presente cada momento de la banda. Bulsara, era amigo cercano de Ro-ger Taylor y también lo fue de Staffel.

De hecho, en algún momento Farrokh llegó a aconsejarle a la banda múltiples cambios: "cambiad vuestra vestimenta, que sea más pomposa!, más extravagante", "componed

Freddie Mercury en los años 70s

canciones más llamativas, que hablen de muchas cosas" afirmaba Bulsara. Sema-nas después, Staffel dejaba la banda pues se sentía atraído por el folk rock y por una banda que necesitaba un bajista. Enton-ces, el joven Farrokh Bulsara cambiaría su nombre a Freddie Bulsara para más tarde llamarse Freddie Mercury.

Vinieron pues muchos cambios, el prime-ro era que Freddie quería ser estrella de rock, y veía en sus amigos y compañeros de la banda Smile una gran oportunidad para serlo. Brian May era muy reticente a la entrada de Freddie a la banda ya que lo había visto "actuar" más que cantar; May creía que era más un actor de teatro que un cantante.

Taylor convenció a May para que le hicieran una audición a Freddie, a lo que este acep-tó gustoso. La canción, Rain de los Beatles. No sólo fue la oportunidad para Mercury, sino también la adhesión de él a la banda.

Ya con Freddie Mercury dentro de la banda, los cambios fueron notorios, entre ellos el nombre: la banda dejaría de llamarse Smi-le para llamarse 'Queen'. Freddie afirmaría

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después en una entrevista a un periódico Británico: "Yo pensé el nombre Queen. Es sólo un nombre, pero obviamente es muy real y suena espléndido.

Es un nombre fuerte, muy universal e inme-diato. Visualmente tenía mucho potencial y estaba abierto a toda clase de interpreta-ciones." Taylor y May reaccionaron de ma-nera negativa ante la propuesta de nombre, pues consideraban su ambigüedad y afir-maban que se podría prestar para malen-tendidos. Sin embargo y, tras insistencia de Freddie, la banda se llamó definitivamente 'Queen'.

Con ello, Mercury realizó la imagen de la banda. Para 1970, la banda estaba confor-mada por Freddie Mercury, Brian May, Ro-ger Taylor y Barry Mitchell, este último ba-jista que duro realmente muy poco debido a diferencias con Freddie. Luego, la banda quiso contratar a otro bajista Mike Grosse quien también tuvo problemas con Freddie

y con May, pues según él "su exigencia me exasperó al punto de abandonar la banda".

La banda estaba perdiendo las esperanzas de querer surgir en el mundo del rock, ya que se hacía necesario un bajista. El 28 de Febrero de 1971, y tras publicar un anun-cio de búsqueda de bajista, se presentó un joven muy callado y reservado, de nombre John Richard Deacon.

Roger, Brian y Freddie le pidieron que in-terpretara alguna canción de the Beatles. Deacon interpretó come together, pues el bajo sobresale notoriamente en esta com-posición de Lennon y McCartney.

Sin dudarlo un minuto más, la banda lo aceptó, entre otras porque Deacon mante-nía una posición neutral, callado y empe-

Roger Taylor, baterísta de la banda

ñado en hacer música. Eso gustó bastan-te a Freddie, de hecho este hizo amistad rápidamente con John. Queen entonces ya estaba finalmente completa. Su alinea-ción final fue Freddie Mercury en teclados y voz, Brian May en guitarras, teclados y voz, Roger Taylor en batería, guitarras y voz, y John Deacon en bajo, guitarras y piano in-cidental.

La banda decide entonces comenzar a trabajar en lo que sería su primer álbum, pero también se presentarían más seguido

John Deacon, bajísta de Queen

en varios sitios y en distintas ciudades del país. Tras cada presentación de la banda en colegios y universidades, los fanáticos de la misma iban creciendo.

La creación del primer disco de Queen, tomó mucho tiempo ya que no tenían un sello discográfico que los patrocinara. A pe-sar de ello, la banda decidió negociar con

Queen fue el primer disco de la banda

un sello pequeño, Trident Studios, filial de EMI.

El negocio básicamente se trataba que la banda utilizara las horas "muertas" del estudio para grabar su álbum a cambio de realizar publicidad en su álbum. La banda pensó muy bien el ofrecimiento del sello, y luego de varios días aceptó.

El primer disco de la banda se grababa durante las noches y madrugadas, ya que en el día artistas como David Bowie y Elton John lo ocupaban. Queen sabía que pasaba por dificultades al grabar el álbum durante las noches y madrugadas pero aún así, decidieron seguir adelante. El material es finalizado a principios de 1973. El 7 de Julio de 1973, EMI deci-de lanzar como sencillo promocional del álbum la canción Keep Yourself Alive, siendo un sencillo medianamente exito-so dentro de la movida musical inglesa. Una semana después, el sello discográ-fico lanza al mercado el primer disco de la banda: Queen. El nombre fue decidido por Freddie Mercury, Brian May y John Deacon, pues Roger Taylor había pro-puesto llamar al disco de otra manera: Top Fax in And Info.

En el álbum, predominan los sonidos ca-racterísticos del Hard Rock. También cabe resaltar los cambios de ritmo dentro de las canciones, y el tema religioso en dos de sus temas, es decir las canciones Liar y Jesus, ambas compuestas por Freddie.

En Jesus, Freddie describe la vida de Je-sucristo. Se podría pensar que, Freddie Mercury era cristiano por la temática de estas canciones, pero su verdadera reli-gión era el Zoroastrismo. La respuesta del público al nuevo material de esta banda es sorprendentemente positiva.

Esto los motiva a entrar de nuevo al estudio de grabación en Agosto de 1973 para su próxi-mo álbum. Además, re-ciben una grata noticia: la banda Mott the Ho-ople quiere que Queen sean teloneros de su espectáculos por el Reino Unido. En Marzo de 1974, Queen termi-na de grabar el nuevo material del nuevo dis-co.

El 3 de Marzo de 1974, Queen es invitado al Sundance Festival en Melbourne Australia, siendo este el primer viaje de la banda fuera de Inglaterra y Europa.

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A su regreso, la banda recibe las primeras copias del nuevo material.

El 8 de Marzo de 1974, se lanza al mercado el disco Queen II, con el sencillo de Seven Seas of Rhye dentro de los diez primeros lugares en listas británicas. La crítica lo considera el álbum más pesado y oscuro de la banda.

Queen II demuestra que, para esta época, la banda ya había obtenido la suficiente madurez como músicos. Entre otras cosas, resalta notoriamente las voces operáticas que tanto caracterizarían a Queen mas adelante y que fueron ausentes en su tra-bajo anterior.

Sin embargo, seguía haciendo falta un fac-tor importante para la banda para poder consolidarse dentro del ámbito musical: El elemento Comercial. Queen aún no te-nía un éxito comercial que se emitiera en

Queen II fue el segundo disco de la banda

Sheer Heart Attack, tercer álbum de la banda

la radio. A pesar de ello, Queen II alcanzó el pues-to número 5 dentro de las listas británicas. La banda decide realizar su prime-ra gira, Queen II Tour por todo el país acompaña-dos por sus fanáticos de siempre y llamando la atención de variado públi-co en universidades, tea-tros y parques.

Más adelante, Queen se embarcaría en una gira en los Estados Unidos como teloneros de Mott de Hopple. Sin embargo, y a pesar de las exitosas presentaciones, Queen tuvo que suspender sus conciertos por los Esta-dos Unidos.

El motivo, Brian May sufrió una fuerte he-patitis que lo llevó a estar medicado duran-te mucho tiempo. De hecho, su continua ingesta de analgésicos y medicamentos, despertó una úlcera en Brian. Queen aban-donaba tierras americanas y Mott the Ho-ople encargó a la banda Kanzas para reem-plazarles. Al regreso a Inglaterra, Queen ya estaba trabajando para su siguiente álbum. Muchas canciones ya estaban compuestas desde mucho antes.

De hecho, Brian May grabó muchas de las guitarras en Nueva York junto con otros so-nidos de la ciudad. El problema se presen-tó cuando la enfermedad de May, lo obligó a ausentarse de los estudios, optando por grabar el resto de guitarras en una graba-dora profesional y enviar las maquetas al estudio para que posteriormente, la banda las agregara al trabajo final.

El 11 de Octubre de 1974, sale a la luz el primer sencillo del tercer álbum de Queen: Killer Queen/Flick Of The Wrist. El sencillo

logró una prestigiosa po-sición en los charts ingle-ses alcanzando el puesto dos y manteniéndose allí por dos semanas con-secutivas. El primero de Noviembre, se lanza ofi-cialmente el nuevo álbum: Sheer Heart Attack.

Finalmente la banda logra el éxito y el reconocimien-to esperados gracias al álbum y a sus constantes giras por los escenarios juveniles de Inglaterra.

Cabe resaltar que, den-tro del álbum, la canción Stone Cold Crazy ha sido

considerada como la primera canción Trash Metal de la historia, consideran-do a Queen como los creadores de éste género que años más adelante algunas otras bandas interpretarían, tal como fue el caso de Metallica, quienes realizaron el cover de esta canción en 1992.

Queen regresa a los Estados Unidos pero ahora como cabezas de cartel y no como teloneros. Sin embargo, se seguían pre-sentando problemas de salud dentro de la banda, y no precisamente por Brian May. Esta vez, se debió a unos nódulos en la garganta de Freddie Mercury, lo que le desencadenó más adelante una laringitis aguda, obligándoles a acortar las presen-taciones.

Por aquel entonces, Queen replanteaba su relación con Trident Studios, ya que esta discográfica exigía una gran partici-pación económica por cada disco publica-do. Durante su estadía en Hawaii, la ban-da decide acabar la relación laboral con Trident Studios, creyendo conveniente negociar con otras disqueras, entre otras Swan Song que era la discográfica de Led Zeppelin por aquel entonces. Sin embargo, y sin perder tiempo, EMI decide contratar de forma definitiva a Queen. EMI era la directamente encarga-da de pagarle honorarios a Trident Stu-dios por cada álbum que la banda publi-cara. Queen se prepararía entonces para trabajar en su nuevo proyecto.

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En Junio de 1975, Queen lanza un senci-llo adelanto del nuevo álbum una canción que verdaderamente sería un éxito masivo para la banda y que durante muchos años sería reconocida a nivel mundial: Bohe-mian Rhapsody. Compuesta por Freddie

Mercury, la canción cuenta la historia de un hombre que se confiesa ante su madre, haber asesinado a un hombre y sentirse arrepentido de lo que ha hecho. La historia de la canción también incluye a Belcebú (el diablo) quien lo juzga por lo que hizo. Bo-hemian Rhapsody es considerada la me-jor canción de la historia, contada en tres tiempos, balada, operática y heavy rock. Como dato curioso, las voces centrales de la canción se doblaron hasta 120 veces para lograr un mayor impacto sonoro. El 24 de Noviembre de 1975 se lanza al mercado el álbum A Night At The Opera siendo este uno de los mejores discos en la historia de la banda. El álbum en el momento, fue qui-zá el más costoso nunca antes producido. Cuenta con verdaderas piezas clásicas, como es el caso de la canción You’re My Best Friend primera canción compuesta por John Deacon. También resaltan The Prophet’s Song, una pieza bastante extensa (8 minutos y 20 se-gundos) compuesta por Brian May donde utiliza un instrumento típico del Japón: el Toy-Koto, además de varios arreglos instru-mentales y un complejo arreglo de voces que se caracterizaba por un delay o eco de 2 segundos. Cabe resaltar que, Queen tenía un gran aprecio por el público Japonés dado a que en su primer concierto en el Budokan Hall, el público respondía de manera positiva a

A Night At The Opera ha sido el álbum mas exitoso de Queen

todos los temas de la banda.En Septiembre de 1976, la banda decide realizar un pequeño Tour por el Reino Uni-do que concluye el 18 de Septiembre.

Debido al gran éxito que represento A Night At The Ope-ra, Queen decide lanzar su siguiente álbum: A Day At The Races. En un princi-pio, la banda tenía planeado lanzar el A Night At The Ope-ra como un disco doble junto con el material del A Day At the Races. Sin embargo, EMI les aconsejó lanzar el material por aparte haciendo dos álbu-mes. Queen enton-ces decidió lanzar el A Day At The Races el 10 de Diciembre de 1976. El título hacía alusión a una una película de los hermanos Marx, ya que la banda sen-tían admiración por el cine de estos dos

A Day At the Races es el quinto álbum de Queen

genios alemanes. Permaneció 24 semanas en el ranking inglés, llegando a ocupar la posición 1 en las listas de la BBC. Del disco, dos cancio-nes se volvieron inmediatamen-te en éxitos rotundos. La primera fue Somebody to Love, escrita por Freddie Mercury, y la segunda canción, fue Teo Torriatte (Let Us Cling Together) escrita por Brian May. Esta última canción estaba dedicada al pueblo del Japón, y en cada gira, Queen interpretaría la canción en tierras niponas. De hecho, tras el terrible desastre su-cedido en Japón durante este año, Teo Torriatte se ha vuelto a utili-zar, esta vez para lanzar un disco con canciones de varios artístas: Japan Songs. Las ventas de este disco se usarán para ayudar al pueblo del Japón.A inicios de 1977, Queen realiza una gira por Suramérica, tocan-do por vez primera en el Madison Square Garden de Nueva York y el Forum de Los Angeles. Aprovechando su esta-día en Hollywood, Queen visita a Groucho Marx. La banda regresa a Inglaterra para seguir la gira de este disco. Deciden enton-ces presentarse en el Earl’s Court, coinci-diendo con el año de jubileo de la Reina.Desde este punto, Queen empezaría a trabajar en varios trabajos discográficos de excelente calidad. Preferiría no exten-

derme, ya que Queen tiene una de las más grandes discografías de la historia. Durante este año, los sobrevivientes de la banda, Brian May y Roger Taylor realizarán eventos especiales conmemorando los 40 años de Queen. Durante todo el 2011, se prevé realizar una completa exposición en varias ciudades del mundo la cual mostrará fotografías inéditas de la banda durante la grabación de sus 5 primeros álbumes acá ya mencionados. La exposición, lleva de nombre ‘Stormtroopers in Stilettos‘, que se usó como segundo nombre de la canción del álbum Sheer Heart Attack, ‘She Makes Me‘.

Cada sala cuenta gráficamente la historia de cada disco y su proceso de producción. En la primera sala, los primeros instrumen-tos, hojas con algunas maquetas de can-ciones e incluso, cada sala es ambientada con la música de cada álbum e incluso con las maquetas de cada uno.

La exposición abre las puertas a lo que du-rante mucho tiempo, se creía reserva sólo de los integrantes de la banda, dando a co-nocer múltiples secretos e incluso vídeos inéditos de esos días en los que Queen producía ininterrumpidamente.

La exposición ha tenido gran acogida a ni-vel mundial y, se espera que toque suelo norteamericano a mediados de año.

También se espera que, para finales del 2011, Stortrooper in Stilettos llegue a Co-lombia. Aún sin acordar un sitio definido, pero se rumora que el lugar de la exposi-ción será en el Museo de Arte del Banco de la República dada a su disposición para poder realizar dicha exposición, o por sim-ple curiosidad musical.

9Freddie Mercury pleno concierto del 78

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LOS 20 GRANDES SOLOS DE GUITARRA DE LA HISTORIA

La página web musicradar.com quiso realizar una pequeña encuesta dentro de sus usuarios preguntándoles cuáles han sido los 20 grandes solos de la historia. Tal vez no sean del todo acertados, pero sí muchos solos interesantes.

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La página web musicradar.com realizó un concurso dentro de sus usuarios que-riendo saber cuáles eran los 20 mejores solos de guitarra de la historia. Durante 2 meses y medio se realizó la convocato-ria mundial en la cual, muchos fanáticos de varias bandas votaron por sus solos favoritos. Finalmente, se lograron compu-tar los votos que dieron como resultado esta lista de solos. Para muchos, el ran-king se desfasa, ya que deja por fuera muchos solos importantes en la historia, sin embargo, la página web aclara que, es cierto, ‘es difícil elegir el mejor solo de guitarra de la historia, pero el listado se realizó teniendo en cuenta las tendencias musicales modernas de los usuarios’. Acá el listado completo de las canciones, junto con el análisis de las mismas y el guita-rrista respectivo a la banda.

La canción pertenece al álbum del mismo nombre. Se caracteriza por ser una canción con un estilo altamente caracterizado por el heavy rock de principios de la década de los 70s del siglo pasado. El álbum ha vendido más de 7 millones de copias en el mundo. Es un solo que verdaderamente evoca las épocas rockeras de los años 70s. Jethro Tull se caracterizó por ser una banda innovadora en su sonido, mezclando soni-dos clásicos dentro de sus composiciones y la flauta de Ian Anderson.

20. Jethro Tull- Aqualung, interpretado por Martin Barre.

19. Manic Street Preachers- Motorcycle Emptiness, in-terpretado por James Dean Bradfield

Un excelente solo que evoca el inicio de la década de los 90s y el estilo refinado de James en su Gibson Les Paul, se ha hecho ganador de este puesto.

18. Michael Jackson- Beat It, Interpretado por Eddie Van Halen.

Uno de los solos más grandes de la his-toria, y quizá de los más discutidos en la página web ya que para muchos fanáticos representa un precedente en la historia de los guitarristas. Además del solo, sobresale el riff principal de la canción. Perteneciente al álbum Thriller siendo uno de los álbu-mes con mayores ventas en la historia y los más exitosos de Michael Jackson. Además de Van Halen, resaltan en la colaboración del álbum, Paul McCartney, LaToya y Janet Jackson entre otros. Producido por Quincy Jones.

Un magnífico solo de principio a fin a rítmo de Blues que evoca las épocas más intere-santes de Page en the Yardbirds queriendo incluirlas dentro de Led Zeppelin. Un apor-te genial de vocales por parte de Robert Plant hacen de esta canción, la mejor del disco Led Zeppelin III. El solo se ha vuelto tan famoso que ha sido usado por segmen-tos en re-makes de otras bandas.

17. Gary Moore- Still Got the Blues (For You).

Gary Moore regresa a un profundo sentimiento de blues con esta hermosa canción al mejor estilo de los grandes guitarristas. Evoca las épocas de San-tana en los años setentas.

16. Led Zeppelin- Since I’ve Been Lovin’ You, interpreta-do por Jimmy Page.

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Es un solo recordado por muchos fanáticos que han visto en vivo a esta banda y que de una u otra manera se ha vuelto un referente musical para las nuevas generaciones. Los Dire Straits fueron una banda conocida por sus canciones rítmicas y elocuentes ade-más de convocar a multitud de fanáticos a los estadios.

Es un solo recordado por muchos fanáti-cos que han visto en vivo a esta banda y que de una u otra manera se ha vuelto un referente musical para las nuevas genera-ciones. Los Dire Straits fueron una banda conocida por sus canciones rítmicas y elo-cuentes además de convocar a multitud de fanáticos a los estadios.

Calificado como uno de los mejores guita-rristas de la historia, Steve Vay es un genio musical que crea piezas complejas y artís-ticas dignas del llamado ‘Rock Progresivo’, género que durante la década de los 90s renació gracias a los aportes de este genio. Como dato curioso, Steve Vai ha sido parte del G3 es decir, los tres mejores guitarris-tas del mundo junto con Joe Satriani y John Petrucci.

Considerado uno de los más grandes gui-tarristas de la historia, Jimi Hendrix nos muestra un excelente solo que incide den-tro de toda la canción. Como dato históri-co, Jimi Hendrix era zurdo y tocaba en una Fender Stratocaster para diestro, con las cuerdas invertidas.

Una de las canciones más trascendentales de la historia. Muchos religiosos la han ca-talogado como una canción con mensajes subliminales directos, cosa que realmente no es cierta. La canción habla directamente de las drogas ilegales y de los “viajes” a los que se somete quien las pruebe. Un exce-lente solo al final de la canción interpretado por estos dos genios. Se les recuerda tam-bién por la versión acústica en el concierto de 1994.

15. Dire Straits- Sultans of Swing, interpretado por Mark Knopfler.

11. Jimi Hendrix- Vodoo Child (Slight Return)

10. Megadeth-. Tornado of Souls interpretado por Marty Friedman.

12. Steve Vai- For the Love of God

13. Jimi Hendrix- All Along The Watchtower.

14. The Eagles- Hotel Cali-fornia interpretado por Joe Walsh y John Felder

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De Nuevo Led Zeppelin aparece en el lis-tado. Se recuerda dentro de los fanáticos, el momento en que Jimmi Page usa en vivo una Gibson Les Paul de dos mástiles interpretando la canción. Un tema épico que comienza con el suave sonido de una guitarra acústica y el sonido de dos flautas de madera. En un in crescendo la canción entra en un momento de hard rock memo-rable reconocido por el solo final ejecutado de manera espectacular por Jimmi Page.

Esta canción hizo parte del album Falling Into Infinity de 1997, pero esta versión hace parte del álbum Live At Budokan del 2004 en donde Petrucci, ejecuta una increíble versión de esta canción. El inicio de la can-ción es de por sí, otro solo pero acústico que deja a cualquier músico sorprendido. La capacidad de Petrucci para improvisar solos introductorios a canciones es cono-cido dentro del público de la banda. El solo principal es una versión arreglada del ori-ginal, ya que John Petrucci implementa el OverDrive de la guitarra. Un justo puesto 6 para una canción tan perfectamente lo-grada e interpretada en el Budokan Hall de Japón.

Poco conocida por muchos, Dream Theater ha sido una de las más grandes bandas del rock progresivo moderno. Su álbum insignia y por el que les llegó el verdadero recono-cimiento fue el Images & Words de 1992. Sobra decir que todos los músicos de esta banda son verdaderos “genios” en cada uno de sus instrumentos, incluso hasta el propio vocalista quien es capaz de alcanzar registros altos. En este solo, se nota clara-mente la complejidad y el virtuosismo de un guitarrista como lo es John Petrucci. Una de las características del solo es, que suele ser complejo interpretarlo a la hora de tener una guitarra eléctrica común con puente fijo. John Petrucci usó la serie Ibanez con 4 resortes en el puente flotante para poder realizar la parte final del solo.

Lynyrd Skynyrd fue una de las bandas re-presentativas del rock sureño de los Esta-dos Unidos, un accidente de tránsito en el cual, gran parte de la banda falleció truncó momentáneamente los sueños de su crea-dor Allen Collins. Solo hay 3 sobrevivientes que actualmente mantienen el proyecto vivo junto con otros músicos.

Megadeth ha sido uno de los proyectos más notorios dentro del Trash Metal. Quizá para Dave Mustaine (ex guitarrista de Meta-llica) haya sido un verdadero honor estar en el listado y ‘una patada en el trasero’ para James Hetfield a pesar que Mustaine no in-terpreta el solo.

8. Led Zeppelin- Stairway to Heaven, interpre-tado por Jimmi Page

6. Dream Theater- Hollow Years (Live At Budokan)

7. Dream Theater- Under A Glass Moon, interpretado por John Petrucci.

9. Lynyrd Skynyrd- Free Bird, interpretado por Gary Rossington y Allen Co-llins

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Esta canción pertenece a uno de los álbu-mes más emblemáticos de la banda, estoy hablando del famoso The Wall, lanzado en 1979 y que sería quizá la última gran obra del rock progresivo de los años 70s.

Una de las bandas más importantes de finales del siglo pasado. Marcó una etapa importante del rock decadente e intere-sante de los 80s. November Rain ha sido canción prácticamente obligada para todo rockero apasionado. El solo de la canción es memorable tanto, como el vídeo de la canción. Vemos a Slash tocando su Gibson en un desierto donde solo hay una iglesia. Este momento se ha vuelto el más histórico dentro del público.

Como dato curioso, la canción se creó a partir de un ensayo base que practicaba Slash. Poco después, quiso agregarle otros arreglos a la canción.

. De nuevo tenemos en el listado al señor Eddie Van Halen que está también en el puesto 18 con la canción Beat It de Michael Jackson. El merecidísimo puesto 2 para una de las piezas más importantes del rock. Van Halen nos demuestra sus habilidades con la guitarra que lo convierten en uno de los más importantes guitarristas de todos los tiempos.

Así como lo fue Hotel California cuando en 1998 se eligió como el mejor solo de los últimos tiempos, ya que eran dos los gui-tarristas quienes la interpretaban, esta vez AlterBridge hizo lo suyo con esta emocio-nante, increíble y soberbia canción con uno excelente solo a duo que electriza lo más profundo del alma.

Para muchos quizá el listado esté erróneo, pero lo cierto es que el público eligió, y votó haciendo esta canción la más importante dentro de la comunidad rockera. La voz del pueblo…

Y en la posición No. 1 tenemos a…

5. Pink Floyd- Comfortably Numb, interpre-tado por David Gilmour.

4. Guns N’ Roses- November Rain, interpretado por Slash

3. Guns N’ Roses- Sweet Child O’ Mine

2. Van Halen- Eruption, inter-pretado por Eddie Van Halen

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La banda Argentina The Plasticos visitó nuestro país durante el primer mes de este año. Estuvimos con Leo Road, lider de la

banda y con los demás integrantes de la mísma.

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Una opción diferente dentro del soni-do contemporáneo ha sido el Indie Rock o Rock independiente.

El resurgir de este género ha vuelto cada vez con más fuerza y bandas como Strokes, Modest Mouse, Franz Ferdinand, los ya separados LCD Soundsystem, TV on the Radio, Death Cab for Cutie, Vampire Weekend, entre otras muchas bandas han visto como este subgénero del rock alter-nativo ha ido tomando terreno, no sólo en países europeos sino también en países Suramericanos.

Tal es el caso de la banda Argentina The Plasticos, que con un sonido especialmen-te llamativo y con unas fuertes influencias a rock británico, (The Kinks, Blur, New Order, Beatles, Ramones, Oasis, Artic Monkeys) han logrado retomar la escena indie sura-mericana.

Como el buen rock suramericano, The Plas-ticos nacen en Argentina, más exactamente La Plata. Nacieron en el 2008, pero el pro-yecto ya se había definido y formado años antes de la mano de Leo Road (voces y guitarra) y Martín Salazar (batería y coros).

Por aquel entonces, la banda se llamaba Le Plastiques. Al proyecto de The Plasticos, se unieron, Cristian Sparapani (guitarra) y Santiago Garriga (bajo). Un sonido nove-doso, llamativo y muy rockero que recorda-ba las épocas gloriosas del rock argentino

encabezado por Soda Stereo y el gran Gustavo Cerati, es lo que re-presenta a esta banda Argentina. Su disco Mundo Plastico, lanzado en 2010, está cargado de cancio-nes fuertes, llenas de energía y rock.

The Plasticos han tenido una gran acogida a nivel Latinoamérica, pero especialmente en Colombia, que los recibimos el pasado 19 de Enero, en el marco del segun-do Festival Centro que se llevó a cabo en la fundación Gilberto Al-zate Avendaño.

Quiero hacer una especial mención a ese día que, para mí fue muy gratificante haber estado presente en este evento, y más aún compartir con mi amigo y parcero (aunque suene redundante) Leo Road. El 19 de Ene-ro de este año, tuve el placer de conocer a la banda Argentina The Plasticos. Real-mente fue genial conocer a 4 personajes muy creativos y geniales.

Una verdadera experiencia lo que viví ese día desde mi llegada a la fundación hasta el hasta pronto a Leo. Al llegar a la Funda-ción Gilberto Alzate Avendaño, me propuse a conseguir las boletas del Festival 2011 de ese día, necesitaba dos. Logré conse-guirlas sin mayores contratiempos. Luego, decidí hacer fila para ver a Daniel Melero un rato.

Daniel Melero es uno de los más importan-

tes músicos e intérpretes de la Argentina; ha colaborado en gran parte con el grande Gustavo Cerati. En esas, mientras hacía fila, vi que alguien me observaba desde la entrada. Era Leo Road, cantante de The Plasticos, me logró identificar tal y como lo dijo: “por la foto pequeña que tenés en facebook”.

Wow! un momento genial durante la entra-da al evento. Jamás pensé que Leo se me acercase a saludarme, y los que estaban detrás de mí decían: “ese es Leo, ese es Leo el de The Plasticos”. Me sentí privilegia-do por conocer al parcero Leo. Con Leo nos conocemos desde Enero del 2010, y como le he dicho a Leo, realmente no sé cómo nos contactamos, el caso es que mantene-mos contacto constante via facebook.

Bueno, Leo había entrado a verse con un amigo, y yo seguí en la fila. Ya cuando em-pezó la gente a entrar para ver a Daniel Me-lero, me iba a sentar en una fila de adelante, y Leo me llama, entonces estuve con Leo y un amigo de él viendo un poco a Melero.

La verdad, pues no era algo que esperara, ya que mi propósito era ver a The Plasti-cos, y pues Melero no es que me llame so-bremanera la atención. Leo entonces salió del escenario, y yo estuve un buen tiempo viendo a Melero hasta que decidí abando-nar el auditorio. Salí y me encontré con una amiga.

Decidimos buscar a Leo, “donde está Leo?, donde está Leo?”. Decidimos almorzar y luego seguiríamos buscando a Leo. Cuan-do regresamos a la Gilberto, logramos dar con Leo, y pues ahí fue el momento para una foto, y una breve charla. Esperamos hasta las 6:30 (las presentaciones llevaban una hora de retraso) para entrar y ver a The Plasticos.

Un verdadero concierto con excelentes ar-tistas en escena. El público vibraba con las canciones. En lo personal, me sorprendió ver muchísimos fanáticos lo que me alegró mucho ya que eso quiere decir que la ban-da ha tenido una acogida esperada.

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El público 'Plastico' esperando a la entrada del escenario

El repertorio de la banda fue exacto e interesante. Cancio-nes como ‘No Puedo Dormir’ ‘Clase B’ ‘Pa-trañas’ ‘TOC’ ‘Pasaje al Olvido’ ‘No Esperes Más’ entre otras lo-graron mover al pu-blico aquella noche. La energía plástica la logramos sentir de principio a fin. Para mí, el momento más especial de la noche fue cuando la banda interpretó un cover de the Beatles, ‘Across the Universe’. Ver a The Plasticos, es ver a una banda que realmente sabe de música, motiva y eleva el espíritu del rock. The Plas-ticos no es una banda cualquiera, es más bien una banda de todos, de los fanáticos, de los medios, de ellos mismos.

A lo que me refiero es que son cálidos, ge-nerosos, contacto directo con sus fanáti-cos, eso es clave para poder llegar a varios oídos. En lo personal puedo decir que mi trato con LeoRoad ha sido excelente, so-mos amigos, y pues realmente aproveché la tarde-noche para charlar un rato con él y con ellos (the plasticos) por supuesto. Me sentí entre amigos que departen una birra (cerveza) y charlan de música, fue algo que hace mucho tiempo no hacía, y pues esta vez fue una oportunidad enorme para mí. Le comentaba a Leo que realmente nos sentíamos ansiosos todos cuando iba a empezar el show. Yo quería verlos en vivo, oírles, disfrutar del buen rock de esta ban-da! y pues así fue, disfruté al máximo esta presentación, me fui contento, queriendo oír más, convencido ahora sí que soy fan No. 1 de The Plasticos y pues como dije en algún comentario más de facebook “he sido plastificado”.

Para gustar de una banda lo primordial, lo básico es escucharla, y a en lo personal es lo que más me gusta: oír nuevos soni-

dos, nuevas bandas. Cuando hay cancio-nes que me gustan, las grabo de internet (generalmente no descargo, no me gusta). Con the Plasticos sucedió al contrario. Las canciones las empecé a oír gracias a Leo al enviarme un correo o un link para des-cargarlas. Pensaba en ese proceso de oír-

los “bueno, ahora que los he oído, quiero verlos en vivo” y esperaba que se presen-tara la ocasión. Cuando anunciaron en Festival Centro la presentación de The Plasticos, pensé “acá la oportunidad que esperaba, y la debo aprovechar”. Mientras veía a The Plasticos en el Festival Centro, quise proponerme algo como un reto per-sonal apoyando por supuesto a LeoRoad, Cana San Martín, Cristian Sparapani, Martin Zito y Santi Garriga y todo el pro-yecto The Plasticos en Colombia.

Quiero comprometerme con todos los que leen este blog para publicitar a The Plasticos en Colombia, ya que quiero buscar un espacio propicio para

ellos como banda, y ese espacio se llama Rock al Parque. Estoy segu-ro que the Plasticos cumplen con todos los requisitos para hacer un excelente Show.

Admiro mucho a aquellas bandas que surgen de la nada buscando apoyos, escalando lentamente, tro-pezando pero volviéndose a levan-tar y siguen adelante, quieren lo que hacen, eso les motiva, los alienta a seguir adelante, y The Plasticos me ha demostrado eso, que realmente la constancia, la pasión y la moti-vación mueven sus espíritus llenos de música cumpliendo sus sueños, llegando lejos.

Colombia ha sido el primer paso, y me siento orgulloso de que haya sido acá, somos parte del movi-miento, estamos dispuestos a se-guir apoyando esta causa.

Leo lo dijo en una entrevista: “nues-

tra meta es plastificar el mundo” y lo haremos, cuenta conmigo Leo, me uno a tu causa y quie-ro seguir apoyándote en este hermoso proyecto. Tu argentino y yo colombiano, pero ambos apoyando este sueño genial lla-mado THE PLASTICOS.

Espero que podamos seguir en contacto con Leo, fue una expe-riencia genial, y acá en Colom-bia como siempre mi apoyo al parcero LeoRoad y a The Plas-ticos!.Con más de 3 mil fanáti-cos en Colombia, the Plasticos ha sabido ganarse al público colombiano y se han ganado un

lugar especial dentro de los fanáticos. The Plasticos ha sabido demostrar que hay sueños que se pueden alcanzar y que, de una u otra forma, se luchan por ellos. Colombia fue un paso importante para la banda, el público les retribuyó con buena energía y ánimo.

Esperamos todos los fanáticos de esta ban-da, volverles a ver en Colombia y seguire-mos apoyando esa energía tan contagiosa de Leo Road y the Plasticos.Finalmente quiero agradecer la gran ayuda y el apoyo del señor Alejandro Marín, direc-tor de la emisora La X más música. ya que fue por él que the Plasticos estuvieron en Colombia. Fue él quien creyó en este pro-yecto. De hecho, somos muchos, pero a ve-ces necesitamos ayudas mas influyentes.

nuestro director con Leo Road, cantante de the Plasticos

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El universo, capáz de crear vida, armonía y serenidad.Nuestro mundo es musical. Bienvenido a la nueva generación de guitarras eléctricas

Create for music.

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Inevitable referirse a la historia del rock sin nombrar a todos aquellos que ya no están con no-sotros. Se recuerdan a muchos

que se han ido para siempre, pero que dejaron una gran huella en la historia de la música moderna. Janis Joplin, Jim Morrison, Buddy Holly, Ritchie Vallens, J. Richardson (es-tos tres fallecieron en un accidente aéreo), Jimmi Hendrix, Freddie Mer-cury y por supuesto, John Lennon. Ellos dijeron adiós pero nos dejaron un invaluable aporte al arte musical del siglo pasado, del presente y del futuro.

Nombrar a John Lennon 40 años después de su muerte, quien funda-ra de la banda británica The Beatles y músico excepcional ha sido tan importante como para dedicarle un espacio importante en el mundo.

Nadie niega que sus canciones mar-caron una época importante en la vida de muchos ciudadanos de va-rias naciones. Su vida ha sido y será un referente para muchos músicos y fanáticos alrededor del mundo.

Al nombrar a John Lennon, es prác-ticamente imposible dejar pasar sus años con The Beatles y toda la fama que esta agrupación trajo consigo. Sin embargo, poco se sabe de la vida de John antes de la formación de The Beatles. John se convirtió después de su asesinato en leyen-da y en un personaje que logró im-pactar en los corazones de muchos músicos y fanáticos en el mundo.

John Winston Lennon nació el 9 de Octubre de 1940 en la ciudad por-tuaria de Liverpool, al oeste de In-glaterra en el hospital Oxford Street. John Lennon nacía mientras se eje-cutaba un bombardeo nazi. Sus pa-dres decidieron bautizarle John por su abuelo John Jack Lennon y Wins-ton en homenaje al primer ministro británico, Wiston Churchill. Sus pa-dres fueron, Alfred “Fred” Lennon y Julia Stanley.

por Daniel VargasDel primero se puede decir que su vida fue muy semejante a la de su hijo; Su padre John Jack Lennon fa-lleció cuando Alfred apenas tenía 9 años. John Lennon sufrió la pérdida de su madre a los 17, pero me refe-riré a ello más adelante.

Mucho se dice del padre de John, entre otras cosas, que era un ma-rinero que maltrataba a Julia y a John, cuando llegaba en supuesto alto grado de alicoramiento. Se dice también que dejó a la familia un día y nunca más regresó. Muchas de las historias supuestas, fueron inventa-das por la hermana de Julia, Mimi Smith Stanley, quien odiaba a Alfred.

Lo cierto es, que Alfred no era ni marinero ni arremetía contra su es-posa ni contra su hijo en estado de alicoramiento. Alfred era un hombre que trabajaba como mesero en va-rios barcos y trataba de enviar el poco dinero que ganaba a la fami-lia, aunque algunas veces no podía enviarles absolutamente nada de dinero, por lo que poco después Alfred decide enviarle a Julia una carta cuyo contenido lamentaría él para siempre.

En la misiva, Alfred Lennon le pide a Julia que siguiera adelante con su vida sin él, que se divirtiera lo más que pudiera porque el mundo es-taba en guerra, que buscara otros hombres. Julia Stanley entonces de-cidió hacer caso a la carta de Alfred.

Julia Stanley fue la madre de John Lennon con quien tuvo una relación especial. Fue ella quien le compró al pequeño John su primera guita-rra, pues veía que tenía talento y podía concentrar ese talento ha-cia la música o el dibujo. Sin em-bargo, Mimi Smith no estaba muy de acuerdo en que John tomara como profesión la música ni mu-cho menos como pasatiempo.

Julia convenció a John para que empezara a tomar clases de gui-tarra con ella y a aprender los pri-

meros acordes de guitarra. Aún así, Mimi mantenía ocupado a John con varios deberes y obligándolo a cum-plir con los trabajos de la escuela. A pesar de esto, John salía de la es-cuela hacia la casa de Julia para to-mar clases de guitarra, banjo y uku-lele con estos dos últimos tuvo más facilidad en aprender a tocar, pues sus clases de guitarra se veían tras-tornadas cada vez que Mimi sospe-chaba que John estaba en casa de su madre.

Mimi Smith se hizo cargo de John pues Julia aceptaba no poder edu-carle ni mantenerle, y dado esto, Mimi estaba muy al tanto de lo que hacía John. Cuando John cumplió 14 años, aprendió entonces a co-nocer los acordes de la guitarra y a familiarizarse con ella gracias a su madre, pues fue él quien tomó la decisión de tomar las clases con ella, pese a la posición negativa de su tía Mimi.

Julia también le en-señó bases de piano. Julia se sentía muy orgullosa de su hijo, y en 1957 cuando John formó The Qua-rrymen (antes de que entraran Paul McCart-ney y George Harrison) realizó un pequeño concierto en St. B a r n a b a s Hall, en P e n n y L a n e c o n

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asistencia de Julia.

John durante este periodo mantuvo un contacto constante con su madre procurando ir a visitarla cada vez que tenía problemas de depresión. Julia lo animaba y le aconsejaba recurrir a la música y a su guitarra cada vez que tuviera problemas.

A los 17 años, John sufre una pér-dida que jamás pudo superar. El 15 de Julio de 1958, Nigel Whalley, amigo de la familia Stanley, fue a vi-sitarlos en casa de Mimi, pero John no estaba ese día, se encontraba en Blomfield Road, en casa de Julia. Whalley salió de la casa con Julia tras pasar una tarde en casa de los Smith. Whalley acompañó a Julia al autobús, y dejó que cruzara la calle para que en la estación abordara el servicio a Blomfield Road.

De repente, un auto de policía apa-rece de la nada y arrolla a Julia en-viándola 50 metros. Julia Stanley fa-llece al instante. John, se entera de la muerte de su madre, y automáti-camente entra en un duelo difícil de superar.

Al momento del velorio, John deci-de no ver el cuerpo de su madre y en los siguientes 2 años, John se enfrasca en peleas y comienza a beber demasiado, también comien-za a fumar. Parte de los problemas psicológicos de John se debieron a la prematura pérdida de su madre y al abandono de Alfred.

Años después, John dedicaría dos de sus más grandes canciones a

su madre: Julia y Mother. De he-cho, John entabló amistad con Paul McCartney ya que él también ha-bía perdido a su madre a temprana edad.

Parte del material de the Beatles se debe a estos dos incidentes, pues ambos se inspiraron en experien-

cias vividas para producir sus can-ciones.

John vivió con sus tíos gran parte de su infancia y su adolescencia pero lo cierto es que para él, las muje-res lo influyeron mucho durante esa etapa de su vida:

«Parte de mí querría ser aceptado por todas las facetas de la sociedad y no ser el bocazas de músico luná-tico que soy. Pero no puedo conver-tirme en algo que no soy. Dada mi actitud, los padres de los otros chi-cos (...) reconocían instintivamente lo que yo era, es decir un alborota-dor. Sabían que no iba a ser un con-formista y que influenciaría a sus hijos, que es lo que luego sucedió realmente. Hice todo loposible por causar problemas en la casa de los amigos que tuve. En parte por envidia, porque yo no te-nía eso que se llama hogar. Aunque en realidad lo tenía (...) Había cinco mujeres que eran mi familia. Cinco inteligentes y fuertes mujeres. Cin-co hermanas. Una de ellas resultó ser mi madre (...) No sabía cómo enfrentarse a la vida.

John a los 4 años

Tenía un marido que se escapó al mar, y había guerra, no podía ha-cerse cargo de mi. Por aquel enton-ces yo tenía cuatro años y medio. Al final acabé viviendo con su her-mana mayor. Aquellas mujeres eran fantásticas (...) esa fue mi primera educación feminista (...) aquel co-nocimiento y el que yo no estuviera con mis padres me hizo ver que los padres no son dioses.»

John estudió en el Quarry Bank High School donde era catalogado como un muchacho despreocupado “pa-yaso” de clase, en palabras de sus profesores “una pérdida de tiempo para sus compañeros y los profeso-res”. Al terminar sus estudios de se-cundaria, y preparatoria, Lennon re-probó sus estudios de nivel superior y solo fue aceptado en la Escuela de Artes de Liverpool, después que su tía hablara con el director. John adquirió fama por ridiculizar a los maestros y vestir como Teddy Boy.

John fue expulsado de las clases de pintura y posteriormente del curso de artes gráficas. A pesar de la ayu-da de algunos amigos y de su fu-tura esposa Cynthia Powell, reprobó

el examen final y optó entonces por retirarse antes de terminar el último año.

John entonces decide empezar a re-forzar sus conocimientos de música y tras la muerte de su madre, retoma lo que había dejado en el olvido. Lla-

John y su madre Julia Stanley

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“no necesito argumentarlo, y sé que ahora es un hecho: somos más famosos que Jesucristo”.

John Lennon y Paul McCartney, 1964

ma a sus amigos (Paul McCartney, George Harrison y Peter Best) para regresar a escena con “The Quarry-men” posteriormente the Beatles, lo demás es parte de la historia de la humanidad.

John llegó a ser un personaje im-portante el mismo día en que the Beatles aparecieron en radio y pos-teriormente en televisión. Sus co-mentarios fueron controversiales, pero tal vez el comentario más agu-do vino un día en que John ofrecía una entrevista a una prestigiosa re-

vista y afirmaba “no necesito argu-mentarlo, somos más famosos que Jesucristo”.

El hecho causó una conmoción en USA lo que dio por consiguiente una quema de discos de los Beatles y posteriores comentarios como “los Beatles no creen en Dios” “Beatles están en contra de la iglesia” llegan-do hasta los más altos niveles como la protesta de la Iglesia esperando a que John Lennon se retractara de sus “ociosas” palabras.

Finalmente John aclaró el maleten-dido. “Lo que quise decir fue que si Jesús viviera, probablemente ten-dríamos igual o más seguidores que Él. No puedo creer que todo se haya tornado de esta manera, sí cometí un error, lo acepto pero no era para tanto!”. Lo cierto es que John Len-non para muchos empezaba a ser un personaje incómodo.

En 1968, John decide emprenderla contra el presidente Lyndon B. Jo-hnson por apoyar la guerra de Viet-nam y seguir enviando soldados norteamericanos al frente de batalla. Dado a esto, el gobierno de los Es-tados Unidos le niega la Green Card (pasaporte de residente de USA) a John Lennon por ser un personaje molesto para dicho gobierno. John decide realizar su famosa protesta

pacífica en la ciudad de Toronto en Canadá, en donde llama la atención de múltiples medios de comunica-ción. John usa su imagen para ha-cer caer en cuenta de la situación de guerra en el mundo. Siente pues, que su deber es dar una voz de es-peranza a aquellos que la perdieron y dejar un legado para las futuras generaciones.

En 1970, Paul McCartney anuncia que oficialmente que el grupo The Beatles se termina. John se siente molesto porque él tenía planeado

realizar una rueda de prensa anun-ciando el motivo y dejando en cla-ro múltiples dudas al respecto, sin embargo Paul se adelanta y se des-encadena un disgusto entre estos dos. John decide entonces preparar su primer álbum como solista para 1971: Imagine. La canción homóni-ma se convierte automáticamente

en un éxito a nivel mundial. Pero también, dado al contexto de la mis-ma, se convierte en un himno paci-fista.

Desde 1975 hasta 1978, John se re-tira parcialmente de la vida artística y decide entonces darse unas va-caciones lo que él más tarde llama-ría “the lost weekend” pues John se distancia de Yoko Ono y tiene una relación oculta con May Pang, asis-tente de comunicación del artista. En 1977, John recibe su Green Card lo que permite que pueda residir en USA sin problemas. John regresa con Yoko tras 4 años de separación, y para finales 1979, John prepara

entrar a los estudios para preparar su regreso a la música tras su retiro: Double Fantasy. Durante práctica-mente un año y medio, John trabaja arduamente para estrenar el mate-rial en el segundo periodo de 1980. En Septiembre, el álbum es lanzado al mercado y su éxito es realmente inmediato.

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En octubre de ese año, John Len-non cumplía 40 años. La celebra-ción tuvo lugar en su mansiónen la ciudad de Liverpool a la que asistieron, tademás de los ex-beat-les Mick Jagger, amigo personal, Cliff Richards, Jimi Page y entre otros amigos de John.

John regresa a USA y se da cuenta que el éxito de su último disco ha sido tan arrasador que decide en-tonces regresar al estudio y prepa-rar su próximo álbum: Milk & Honey.

El Lunes 8 de Diciembre de 1980, John sale con su esposa del edifi-cio Dakota en Nueva York camino al estudio de grabación. Antes de lle-gar, es abordado por un fanático y le pide que firme su álbum “Double

Fantasy”; John accede y firma el ál-bum. Luego John sube a la limosina con su esposa para dirigirse poste-riormente a los estudios. Transcurri-do el día, John y Yoko regresan al edificio Dakota y bajan de la Limosi-na. Tras avanzar unos metros, John es sorprendido por una persona que le grita a lo lejos: “Mr. Lennon!”.

John recibe cuatro tiros en el cuer-po, dos de ellos mortales. El per-sonaje que arremetió a tiros contra John Lennon fue el mismo fanático que pedía un autógrafo horas an-tes: Mark Chapman, quien sigue cumpliendo su pena en los Estados Unidos. John Wiston Lennon fallece a las 11:30 de la noche en el JFK Memorial de Nueva York.

Al día siguiente, una gran multitud que aún no cree la noticia, se reúne en el Central Park para orar y recor-dar a uno de los personajes más in-fluyentes del siglo XX.

Han pasado ya 30 años desde el injusto asesinato de este personaje que de una u otra manera ha influi-do en la cultura moderna y que fi-nalmente ha dejado un legado. Su forma de pensar, su rebeldía justi-ficada para los tiempos modernos, su incansable búsqueda de la feli-cidad de la paz que ha sido austera en estos días.

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LA MÚSICA Y LA SITUACIÓN GLOBAL

Como todos saben, el mundo está cambiando, siempre lo ha

estado de hecho, pero esta vez los cambios son realmente radicales. Hace poco menos de unas sema-nas, Túnez y Egipto lograron des-pertarse del sueño y promovieron sendas marchas en contra de unos gobiernos dictatoriales en sus paí-ses que duraron alrededor de 30 años.

Es un precedente entre los países árabes que quieran cambiar sus go-bernantes sabiendo que estos go-biernos "robaron" al pueblo durante mucho tiempo. Entonces, viendo

por Daniel Vargas todo esto me surge una pregunta que estoy intentando responder: ¿qué importancia tienen los últimos hechos mundiales en la música?. Bueno, existe una crítica enorme en la música y en el arte frente a todo lo que sucede en el mundo, eso es algo irrefutable. El mundo siempre estará en constante movimiento, y pues la música tampoco es ajena a ello, porque siempre estará trans-formándose y reinventándose.

Pero, realmente existe algún tipo de conciencia global frente a lo que su-cede?, algún artista tendrá la capa-cidad de analizar y enfocarse frente a los acontecimientos globales?. Yo diría que sí, ya que el artista debe integrarse frente a lo que sucede.

Algunos claro está, prefieren ma-nejar una posición imparcial frente a los acontecimientos globales ya que se considera que el arte y la política son temas que se tratan por separado, destilados sin mezclarse porque de lo contrario sería peligro-so. Pero por el contrario, hay artis-tas que gustan de manejar ambos temas siendo críticos e incluso has-ta irónicos.

Un ejemplo claro de ello es el can-tante panameño Rubén Blades quien es un defensor de los dere-chos y un crítico constante frente a los problemas que suceden en Pa-namá. Blades combina muy bien la crítica dentro de la salsa haciéndola jocosa pero también analítica. Otro

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ejemplo claro, fue Bob Dylan en los 60s cuando USA pasaba por una de sus peores épocas, entre la guerra interna (racísmo) y la externa con otros países. Dylan llegó en un mo-mento en el que nadie se atrevía a hablar de los problemas del país. Él (Dylan) le dió las oportunidades a los norteamericanos para seguir creer en el país y manifestarse ante las injusticias del gobierno.

Los ejemplos son bastantes, pero quizá el ejemplo al que mas hago referencia es John Lennon. Lo acepto, el hombre gozó de su for-tuna, la aprovechó, y dejó un histó-rico pasado en la mente de todos, pero eso sí, logró reflexionar fren-te al acontecer mundial de los 70s, entre otras la desafortunada guerra de Vietnam. Lennon lideró marchas, alzó la voz en contra de las atro-cidades en el país Oriental, criticó de manera frentera el gobierno al observar como de manera absurda regresaban los soldados mutilados, heridos y muertos a casa.

Sin embargo, cuando existen indivi-duos o personajes incómodos para los gobiernos, que critican y pro-mueven movimientos, prefieren ca-llarlos, denunciarlos, o como en el caso de Lennon, impedir que viviera en New York City, y hasta vigilarlo porque contribuyó económicamen-te con the Black Eagle. Alguna vez Jaime Garzón (periodista asesinado en Colombia en 1999) decía que "los políticos detestan mirarse a los espejos. Yo soy parte de ese espejo que refleja la realidad colombiana."

El artista de hoy en día y gracias a la masificación y cooperación de las redes sociales, sabe que no hay recriminación ni represalias a su crí-tica. Digamos que en cierto modo, facebook ayuda a que esto se vuel-va realidad, sin que se "encubra" lo denunciado. System of a Down lanzó un vídeo y una canción con suficiente fuerza como para convo-car a mas de 10 millones de perso-nas en varias ciudades del mundo: Boom, lanzada en el 2003, cuando

ni siquiera había una red social pon-derante como ahora que tenemos twitter o facebook. La convocatoria se realizó en la página oficial de la banda, y en las páginas de club de fans de la banda y otras organiza-ciones que se unieron al proyecto. Algunos pensarán que el artista frente a los eventos mundiales no tiene mucha oportunidad de dar a conocer su punto de vista o quizá nadie le escuche o que los gobier-nos prefieren olvidar el hecho, pero no!.

Cuando un artista promueve un evento es capaz de llegar a mu-chos, entonces cuando un artista se une y apoya una marcha o protesta (pacífica claro está), muchos le apo-yarán. El artista tiene la ventaja de usar su imagen pública para atraer mas simpatizantes, eso es un punto a favor. Túnez y Egipto fueron ideas cultivadas en la red social facebook y apoyadas por muchos. Mubarak se dio cuenta que facebook fue el culpable de la revelación del pueblo y procedió a cancelar y/o suspender twitter y facebook en Egipto: grave error.

Muchos vieron esto como una coar-tada al derecho de la libre expre-sión. Finalmente todos conocieron el desenlace, Mubarak abandonó el poder gracias a la presión de los

manifestantes. En este caso, no hubo artista alguno que apoyara la marcha (o si lo hubo fue el premio nobel de paz Egipcio).Finalmente concluyo diciendo que el artista tiene el poder para con-vocar, y la palabra para convencer. Como lo diría el gran John Lennon en tiempos de Lyndon B. Johnson: Power to the People!

Live Aid de 1985

el cantante Bono de U2 en el Zoo TV

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PINK FLOYD REGRESA!

Roger Waters y el ex baterista Nick Mason ya expresaron públicamen-te sus deseos de volver a reunir a

la banda para presentarse en un modesto recital de caridad a realizarse en Inglaterra.

Los demás integrantes de la histórica ban-da de rock progresivo de la década del 60 y 70, se mostraron también interesados en participar de ese tipo de propuestas.

Los músicos tocaron juntos por última vez uno de los conciertos del Live 8 realizado en julio de 2005 en Londres. La iniciativa organizada por Bob Geldolf tenía como principal objetivo el recaudar fondos para terminar con la pobreza en el mundo.

Sin embargo, la formación no podrá verse completa en esta oportunidad. El falleci-miento del ex tecladista Richard Wright en 2008 convirtió la presentación en el Live 8 en la última en la que se pudo observar a la banda con su clásica formación.

“David, Nick y yo podríamos hacer un show en algun lado, pero no hay manera en que

por Daniel Vargas empecemos una gira. Creo que a todos nos gustaría repetir el concepto de Live 8, algo que no sea para nosotros, sino para hacer algo por una buena causa y disfrutándolo. Eso me gustaría a mi, y creo que los de-más también lo verían con buenos ojos” dijo Waters.

Inicialmente el grupo estaba formado por el guitarrista Bob Klose (1945–), el baterista Nick Mason (1944–), el teclista y vocalista Richard Wright (1943-2008), el bajista y vo-calista Roger Waters (1943–) y el guitarris-ta rítmico y vocalista principal Syd Barrett (1946-2006), quien se convirtió en el primer líder de la banda.

Sin embargo, su extraño comportamien-to, causado por el excesivo consumo de drogas, especialmente LSD, hizo que fue-ra sustituido en 1968 por David Gilmour (1946–), cristalizando así la formación clá-sica del grupo sin Klose, ya que éste no si-guió con Pink Floyd.

Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años sesenta, con Syd Barrett como principal compositor. Después de los pro-blemas mentales y la salida del grupo de

este último, el cantante y bajista Roger Waters se convirtió gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la prime-ra mitad de los años setenta, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su salida de ella en 1985.

El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977) y The Wall (1979).

En 1985, Waters declaró la extinción de Pink Floyd, pero el resto de los miembros, encabezados por Gilmour, siguieron dando vida al grupo hasta ser demandados por Waters debido a los derechos del nombre de la banda, ya que ellos continuaron gra-bando y haciendo giras bajo el nombre de Pink Floyd mientras que Waters pensaba que el nombre de la banda no debía seguir siendo utilizado. Tras los juicios,

Waters obtuvo los derechos exclusivos sobre toda la imaginería que desplega-ban en sus conciertos (incluido su famoso cerdo volador) y los derechos sobre el es-pectáculo audiovisual de The Wall (exclui-dos los tres temas que compuso Gilmour para la obra: “Young Lust”, “Run Like Hell” y

“Comfortably Numb”).

La justicia igualmente le reconoció los de-

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rechos de toda la obra incluida en The Final Cut, mientras que el resto del grupo podía seguir usando el nombre.Tras superar estos problemas legales, Gil-mour, Mason y Wright disfrutaron del éxito comercial con A Momentary Lapse of Rea-son (1987), disco en el que Wright participó como teclista asalariado y no como miem-bro de la banda, y con The Division Bell (1994), último disco de estudio del grupo en el que ya aparecieron Gilmour, Mason y Wright como componentes de la banda. Waters, por su parte, se embarcó en una carrera como solista y no se volvió a reunir con Pink Floyd hasta 24 años después, el 2 de julio de 2005 en el concierto Live 8 en Londres.

Ya sin la presencia de Barrett en la forma-ción, Gilmour, Waters y Wright se hicieron cargo de las riendas creativas del grupo, cada uno aportando su voz y sonido en sus nuevas producciones, pero dándole a los nuevos materiales menos consistencia que en la era Barrett. Syd Barrett había sido el intérprete principal durante los primeros años, en la época siguiente Gilmour, Wright y, especialmente, Waters1 se convirtieron en los principales compositores y voces dentro de la banda.

Algunas de las composiciones más expe-rimentales del grupo datan de esta épo-ca, como «A Saucerful of Secrets» —que consiste en su mayoría en ruidos, efectos sonoros, percusiones, osciladores y tape loops— o «Careful with That Axe, Eugene».

A pesar de que Barrett había escrito la ma-yor parte del primer álbum, sólo una com-posición suya, «Jugband Blues», apareció en el segundo álbum de Pink Floyd. Barrett también participó en las canciones «Re-member a Day» (grabado durante las se-siones de The Piper at the Gates of Dawn) y «Set the Controls for the Heart of the Sun». El nuevo disco, A Saucerful of Secrets, lan-zado en junio de 1968, alcanzó el noveno lugar en el Reino Unido y se convirtió en el único disco de Pink Floyd que no entró en las listas norteamericanas.

Algo irregular debido a la salida de Barrett, el álbum aún contenía mucho del sonido psicodélico que le había impreso su anti-guo líder, combinado con un estilo más ex-perimental, que alcanzaría su pleno desa-rrollo en Ummagumma.

La pieza principal, de doce minutos de duración, se acerca a las épicas y lentas canciones por venir, pero el disco fue reci-bido fríamente por la crítica de esa época, aunque no así por los críticos actuales. Los futuros trabajos de Pink Floyd adoptarían más firmemente esta idea, enfocándose más hacia la composición a cada nuevo lanzamiento.

Poco después fueron llamados por el di-rector Barbet Schroeder para componer la banda sonora de la película More, que se estrenaría en mayo de 1969. Sus compo-siciones se editaron dos meses más tar-de como álbum de estudio de Pink Floyd, Music from the Film More, y consiguieron el noveno escalón en el Reino Unido y el 153º en los EE.UU. La crítica definió este disco como irregular y accidentado.34 Mu-chas pistas de More (como usualmente lo llaman los fans) son canciones acústicas de folk.

Anteriormente, la banda había estado tra-bajando en una ópera rock llamada The Man/The Journey, pero el proyecto fue re-chazado. No obstante, dos de las cancio-nes que componían esta obra, «Green Is the Colour» y «Cymbaline», fueron inclui-das en More, y permanecieron como parte habitual de los conciertos en aquella época. «Cymbaline» también fue la primera can-ción de Pink Floyd que expresaba la actitud cínica de Roger Waters hacia la industria musical de manera explícita. El resto del álbum consiste en piezas secundarias van-guardistas incluidas en la banda sonora (al-gunas de las cuales también figuran en The Man/The Journey), con unas pocas cancio-nes más potentes, como «The Nile Song».

El siguiente trabajo de la banda fue un ál-bum doble titulado Ummagumma, que está formado por un disco en directo (grabado entre Birmingham y Mánchester) y otro con temas nuevos de estudio.

Cada uno de estos temas fue compuesto por uno de los miembros de la banda y ocupa la mitad de una cara de cada dis-co (unos 10 minutos cada uno). El título de este álbum significa «relación sexual» en la jerga de Cambridge. El disco de estudio es puramente experimental, con un largo tema de estilo folk («Grantchester Mea-dows», compuesta por Waters), la pianís-tica y atonal «Sysyphus», coqueteos con el rock progresivo en «The Narrow Way» y largos solos de batería en «The Grand Vizier’s Garden Party». Por último, «Seve-ral Species of Small Furry Animals Gathe-red Together in a Cave and Grooving with a Pict» es una canción de cinco minutos que presenta únicamente la voz de Waters cantando a diferentes velocidades, dando como resultado un sonido semejante al de pájaros y roedores.

Varias de las canciones nuevas de este álbum ya habían sido interpretadas en el concierto grabado bajo el nombre de The Man/The Journey. Ummagumma fue el ál-bum más exitoso de la banda hasta aquel entonces, alcanzando el 5º lugar en el Rei-no Unido y el 74º en EE.UU.37

Atom Heart Mother, la primera grabación de la banda con una orquesta y su siguien-te álbum de estudio, contó con la colabora-ción del músico Ron Geesin.

El nombre fue una decisión apresurada de los integrantes a partir de un artículo de prensa donde se anunciaba que una mu-jer con un marcapasos atómico implantado había logrado dar a luz.

La portada también fue un trabajo casi im-provisado; de hecho, el fotógrafo declaró que, a causa de la falta de tiempo, se había ido al campo a tomar una foto de lo primero que vio. En una cara del disco aparece una suite de rock sinfónico de 23 minutos, titu-lada «Atom Heart Mother», mientras que la otra presenta tres temas, cada uno de un vocalista y compositor de la formación («If», de Waters; «Fat Old Sun», de Gilmour; y «Summer ‘68», de Wright). Otra de las canciones, «Alan’s Psychedelic Breakfast», consiste en un collage sonoro de un hom-bre cocinando y tomando el desayuno mientras de fondo suenan sus pensamien-tos acompañados de líneas instrumentales.

El hombre en cuestión es Alan Styles, uno de los técnicos de sonido que la banda te-nía a su servicio.

Aunque el álbum fue considerado como un paso atrás de la banda y uno de sus tra-bajos más inaccesibles, alcanzó el puesto más alto de toda su discografía hasta ese momento, llegando al primer puesto en el Reino Unido y al 55º en los EE.UU.

Posteriormente, este trabajo sería repudia-do por Gilmour, que lo calificó como «un montón de basura», y por el propio Waters, quien declaró no importarle que «lo tiraran a la basura y nadie volviera a escuchar-lo».42 La popularidad de Madre con un corazón atómico hizo que la banda se em-barcara en su primera gira completa por los EE.UU.

Antes de editar su siguiente trabajo de es-tudio, la banda publicó un álbum recopilato-rio, Relics, que contenía varios sencillos y caras B junto con una canción original de Waters llamada «Biding My Time», grabada durante las sesiones de Ummagumma. El grupo contribuyó a la banda sonora de la película Zabriskie Point, aunque la mayoría de sus composiciones serían finalmente descartadas por el director del film, Miche-langelo Antonioni.

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