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Fotografía comercial Fotografía de retratos, fashion, pin ups, estilismo gastronómico,

bebidas, editorial, portada, afiche de películas.

VERSION UNIVERSITARIA

2014

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INTRODUCCIÓN

Bienvenido(a). Tu esfuerzo ha dado frutos y es ahora cuando chile verde has de darle sabor al caldo.

Este nuevo curso le da continuidad a los conocimientos adquiridos durante su curso de Fotografía básica digital, será como construir un segundo piso sobre conocimientos previamente adquiridos y sobre el dominio de la herramienta de trabajo desarrollado durante el primer curso de fotografía. Los proyectos y ejercicios aquí cubiertos se apoyan en el hecho que ya conocemos las funciones de una cámara de fotografía DSLR, cuyos mandos o controles son manuales para el enfoque, y la exposición, que dominamos los principios de la composición visual, que sabemos las mínimas reglas para retratar personas, control sobre la profundidad de campo, el uso de la lámpara de destellos así como otros accesorios.

Para dominar estas competencias te motivo a solicitar una copia del texto de Fotografía (búscalo en Scrib) que te ayudará muchísimo a estar al tono con éstas. Dedicaremos brevemente algunas horas de clase durante la primera semana para nivelarnos y el resto del curso será según lo anteriormente descrito.

Tu creatividad, tu capacidad de visualizar proyectos, de producir según diseño, administrar los tiempos de entrega puntual y oportuna, la presentación y el nivel de acabado y detalle serán algunas de los puntos a valorar para tu calificación. Es un reto entre la máxima calidad posible y el tiempo y las más altas exigencias creativas que cualquier diseñador gráfico y publicitario deberá de resolver diariamente en el ejercicio real de su profesión.

Sobre tu profesor, éste ha sido Director Creativo, copywriter, ha supervisado producciones fotográficas profesionales en Honduras, México, y otros países de la región junto a destacados fotógrafos comerciales, sumado a lo anterior cerca de 22 años enseñando fotografía.

Espero que dispongas lo mejor de ti, de manera que tu trabajo hable elocuentemente de tu esfuerzo, responsabilidad, capacidad y creatividad.

Mauricio Pineda

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¿Por dónde iniciar? La fotografía -como apoyo visual dentro de una pieza

publicitaria impresa o bien para un spot de TV o aplicada al desarrollo de

contenidos para la Internet o medios impresos y multimediales es una imagen

muy solicitada actualmente- a razón de su alto nivel de verosimilitud dada

también la credibilidad que le atribuyen a la imagen fotográfica los lectores y

observadores de la misma.

Esa cualidad de ser una imagen confiable

para los lectores y observadores, ha sido

adoptada con mucha fuerza en la industria

editorial, publicitaria y de los soportes

multimediales como CD interactivos,

blogs, sitios web, las redes sociales, por tal

razón se solicita frecuentemente los

servicios de los fotógrafos comerciales

para satisfacer esta creciente necesidad de imágenes producidas a la medida de las

necesidades de los anunciantes y de sus agencias. En este contexto podemos notar

como los mismos medios impresos; revistas de contenido general y temático, así

como los diarios de mayor circulación y sus revistas gratuitas utilizan a la

“fotografía solicitada a la medida” con una gran frecuencia y cada vez se demanda

de mayor profesionalismo. Los catálogos de ofertas, o las renovaciones de línea, la

industria del turismo, la industria de bienes de consumo, los restaurantes de

comida rápida, los restaurantes a la carta, tiendas de ropa de moda, distribuidores

de vehículos, hoteles, líneas áreas, escuelas y colegios, el sector gubernamental y

demás organizaciones que trabajan en programas de desarrollo, en fin existe gran

demanda de fotografías hechas a la medida en tiempos de respuesta cada vez más

cortos.

Empezaremos describiendo en forma general el proceso de la producción de una

fotografía comercial solicitada a medida. La cual surge de un criterio profesional

y a solicitud de un director creativo o de un diseñador creativo -como se les llama

hoy a los antiguos directores de arte- éste es quien define qué tipo de imagen o

apoyo visual se le requiere para acompañar al texto que el copywriter ya ha

redactado o está trabajando. Lo mejor sería que esta decisión surja del consenso

entre la dupla creativa y aprobado siempre por el anunciante. Una vez definido

que lo más correcto será resolver el apoyo una fotografía que ilustre o bien que

cuente una historia, o que muestre un fragmento de la vida diaria de un usuario,

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o presentar el producto como si se tratara de un súper héroe, o mostrar cómo se

usa o funciona un servicio o máquina, etc. Se prepara un layout que es finalmente

aprobado por el cliente, deberemos ahora seleccionar quien será el fotógrafo

idóneo para este proyecto a realizar. Los fotógrafos a través de su experiencia y

labor diaria van desarrollando y acumulando sensibilidad especial por algunos

temas o tipos de proyectos en particular -retratos, modas, retratos institucionales,

espontáneos, en locación interior o exterior, en estudio, deportes, product shot,

ambientación, efectos de producción, maquillaje profesional, food styling, bebidas, snaks,

postres fríos, panadería, carros, aviones, instalaciones industriales, edificios, paisajes,

niños, animales, aves, peces, anfibios, ancianos, bodegones, composiciones para portadas,

catálogos, portadas de CD, muebles, Hollywood glamour, calendarios, etcétera.- más que

en otros tipos de proyectos, por esa razón será básico revisar, verificar y validar el

portafolio reciente o álbum de proyectos de cada fotógrafo para así saber si

cuentan con experiencia necesaria para resolver el tipo de proyecto que tenemos

en mente realizar.

Algunos fotógrafos también disponen en Internet de catálogos actualizados de sus

proyectos más recientes y de los más destacados, ésto agilizará la toma de

decisiones, cuando definamos en la etapa de preselección a cuales fotógrafos

considerar, cada vez que se pueda y si el tiempo lo permite, deberemos visitar su

estudio o plató y conocer su capacidad instalada sobre las dimensiones del estudio

en sí, la iluminación con luz continua, con luz de sol, flashes de estudio, escenarios,

vestidores, cocina para alimentos, los objetivos u ópticas, asistencia de producción,

salas de espera, mesas de disparos, u otros detalles que el proyecto requiera. Un

factor importante es la agenda o timing del proyecto, aquí deberemos tomar en

cuenta la agenda del fotógrafo, los modelos y otros especialistas tanto como si

cuenta con equipo digital de marco completo, sensores de alta calidad, monitores

de estudio, pos procesos de edición y de retoque digital y HDR.

Bancos de imágenes. Los plazos de entrega muy cortos suelen

ser el motivo principal para acudir a un repositorio de imágenes

en internet como Getty, Corbis, Shutter stock, Flickr o Photo

community, etc. En el pasado se solicitaban por fax o correo a

The Image bank o de la Biblioteca internacional de fotografía, se

trata de almacenes en internet con imágenes digitales genéricas

listas para su uso, solamente compras los derechos de uso y en minutos tienes una

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foto en la mano, aunque existe el riesgo que a ésta

también la compre la “tienda de enfrente”. En el otro

sentido esto mismo se convierte en una oportunidad

para el fotógrafo, pues con solo crear una cuenta y subir nuestras fotos, así éstas

pueden ser compradas en línea por alguien más que tenga limitaciones de tiempo

y/o para viajar. Es una oportunidad que espera por tu talento, creatividad y hasta

completar tu ingreso mensual.

Flickr. Es un sitio web gratuito o pagado, según, que permite

almacenar, ordenar, buscar, vender y compartir fotografías y

vídeos en línea. Actualmente Flickr cuenta con una importante

comunidad de usuarios que comparte las fotografías y vídeos

creados por los usuarios mismos. Se organiza a través de normas y

de condiciones de uso que favorecen a quien mantiene una buena

gestión de sus contenidos. Parte de su éxito está en su capacidad para administrar

imágenes mediante herramientas que permiten al autor o dueño de la cuenta en

etiquetar sus fotografías digitales, también explorar y comentar las imágenes de otros

usuarios. Flickr Pro es la versión de pago. Actualmente, los suscriptores de cuentas

gratuitas pueden subir vídeos en calidad SD y hasta 100 MB en fotos cada mes, con un

máximo de 200 imágenes como límite por cada cuenta gratuita. Luego de alcanzado

este límite, sólo permanecen visibles las últimas 200 imágenes subidas, es decir, las

primeras cargas pasan a estar ocultas, pero no son eliminadas. Esto se remedia

actualizando la cuenta a una Pro. De igual manera, un usuario con cuenta gratuita sólo

puede cargar imágenes con una resolución máxima de 1024 x 768 píxeles, lo que

sucede si el usuario carga una imagen de mayor resolución, el sitio la redimensiona a

la resolución anteriormente señalada durante la ingesta. Por otro lado, los suscriptores

de cuentas Flickr Pro, disponen de espacio de almacenamiento y ancho de banda

ilimitada, así como la opción de subir vídeos en formato HD y la posibilidad de cargar

y visualizar imágenes en su resolución original. Hoy, una cuenta Pro tiene un costo los

24 dólares americanos.

Picasa. La empresa que lo originó, Picasa, Inc. nació como

una compañía de fotografía digital con sede en Pasadena

(California), que produjo el programa organizador

de fotos del mismo nombre, una adaptación o versión para Microsoft Windows del

servicio iPhoto de Apple. El nombre Picasa, es una mezcla del apellido del pintor

español Pablo Picasso, la frase en español de "mi casa" y pic de pictures o imágenes

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debería sonar a algo como el arte personalizado. Picasa, nos permite a través de una cuenta en

Google almacenar y compartir hasta 1 GB de fotos de gran tamaño de forma gratuita. El

almacenamiento es ilimitado para fotos de 2048x2048 píxeles o menores para usuarios Google+ y

800x800 para las fotos para todos los demás usuarios. Los vídeos de menos de 15 minutos de

duración tampoco cuentan para el límite. Después de que se alcance el límite, las fotos se

redimensionan automáticamente. Los usuarios pueden subir sus imágenes a través de una

variedad de formas: a través de la interfaz web de Álbumes web de Picasa en los navegadores

compatibles, Picasa Help. Picasa 2.5 o posterior en Microsoft Windows, utilizando el exportador de

iPhoto, el complemento Aperture para Álbumes Web de Picasa, el subidor en Mac OS X, o bien F-

Spot en Linux. En ambas cuentas, gratuitas o de pago, la resolución real de la foto se mantiene, a

pesar de que se puede mostrar una resolución de la foto más pequeña en la interfaz de la web.

Valiéndonos de los layouts -documentos

creativos gráficos en donde se suelen colocar

temporalmente fotos en baja resolución

tomadas de Internet o archivos de librería sin

licencia, antes se acostumbraba una buena

ilustración, a manera de ejemplo- nos

reunimos en sesión de pre producción con

el cliente (empresa anunciante), agencia

publicitaria y él/la fotógrafo(a), para

discutir a manera de pre‐producción el proyecto a realizar, aquí el timing y el

estimado de costos y presupuestos serán parte importante de la agenda de la

reunión. Si fuere necesario -por la complejidad del proyecto mismo- habrá más

reuniones de este tipo o bien pasaremos directamente a definir la cotización y

detalles de dummies o muck ups, scasting, props (atrezzo), outfit, scouting y otros.

Cada vez que el proyecto involucre talento; modelos, actores, o personas, se deberá

crear un contrato individual amplio de cesión de derechos de uso de la imagen, se

debe firmar éste por cada modelo y tomar una foto donde aparece el modelo con

su contrato firmado como evidencia

Cuando cada personaje de la fotografía ha sido descrito correctamente y se tienen

ya preseleccionados a los candidatos habrá que aprobar los modelos propuestos,

el vestuario, el tipo de maquillaje, o lo que se requiera usar en la sesión de cada

una de las fotos. Será valioso también contar con personal autorizado de la

institución anunciante con capacidad de toma de decisiones para aprobar cambios

surgidos de última hora.

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De la sesión de fotografía –photoshoot- saldrá

una cantidad enorme de imágenes digitales

en formatos Raw y JPEG, unas pasaran a pos

proceso y otras no, en esta etapa vamos a

preseleccionar las imágenes con mayor

potencial de resolver los solicitado por el

cliente, y hacer lo pertinente en el programa

de edición de imágenes digitales; corrección

de color, corrección de iluminación, saturación de tonos y contrastes, texturas,

HDR y demás correcciones creíbles y razonables dentro de los marcos y límites

legales que ahora regulan el retoque digital.

Según lo acordado en la reunión de pre producción se entregaran –finalmente- a

la agencia publicitaria, medio de comunicación, o al anunciante las imágenes

digitales corregidas en archivos de formato PSD, JPEG, TIF o GIF, a través de un

servicio de descarga en la nube (repositorio en línea) o también a través de un

soporte físico como un CD profesionalmente identificado y hasta un álbum

profesional de imágenes impresas. Si el proyecto es aprobado por el cliente se

entregaran las facturas del proyecto e iniciará el proceso de pago del mismo, éste

no debería de exceder los 20 días, recibido el pago en firme entrega un documento

legal donde conste que cedes tu copyright los derechos de uso de las imágenes por

un año.

Breve historia de la fotografía comercial en América Latina. El desarrollo

tecnológico que se produjo en estos años, los fenómenos económicos ‐ sociales

ocurridos y los modelos culturales incorporados en el país durante ese período son

un modo de entenderlos.

En los años 70 se consolida la actividad como una especialidad dentro del mercado

fotográfico y de las agencias de publicidad. Definir esta etapa, es un intento que

puede encararse desde diversas perspectivas. Elegimos las dos que nos parecen

esenciales: la expansión de la actividad de los fotógrafos en la comunicación de

mensajes comerciales por los medios gráficos masivos y al mismo tiempo como

fenómeno estético.

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A partir de ese momento, los años 70, tenemos la sensación de

que las imágenes fotográficas ocupan todo el espacio de los

anuncios en los medios gráficos. Como reemplazo de la

ilustración, la fotografía otorga más realismo a los mensajes y su

estética se ubica en una línea de comunicación basada en las

grandes campañas que se construyen con series de avisos sobre

un mismo producto.

Esta modalidad hace que la estética se vea condicionada por un elemento que es

central en esta década, el relato como soporte y el eje de la comunicación basado

en lo afectivo, en lo sentimental. La fotografía publicitaria de esa época y de esos

avisos expresan metáforas siempre vinculadas al núcleo familiar, a la pareja y a

una relación sentimental como elemento vinculante con el producto.

Esto, sin embargo, aparece en los avisos en forma de viñeta la

mayoría de las veces. De esa época, recordemos las campañas de

los vinos referidas a la familia desde los escarpines hasta el

crecimiento de los niños, el tío

francés, o los cigarrillos viajando por

el mundo con la pareja de LM, la

juventud y los pantalones jeans, etc.

Grandes relatos y extensas campañas de avisos

distintos, podría decirse en paralelo con los comerciales

que se hacían para TV.

Para esa época gran parte de los profesionales que ejercían la Dirección de Arte en

las Agencias de Publicidad provenían de las Escuelas de Bellas Artes y muchos de

ellos además eran artistas plásticos. Los redactores eran potenciales escritores. Este

hecho favorecía el establecimiento de una relación muy fructífera entre fotógrafos

y agencias.

La intuición del otro, del receptor, de ʺalguien como yoʺ informaba de modo

particular a los objetivos de comunicación y a las piezas que se elaboraban. Los

altibajos de la economía, crisis en algunos sectores, fueron haciéndose cada vez

más frecuentes, no obstante ello, nuestra comunicación con el exterior se hizo más

fluida e instituciones como la Asociación de Fotógrafos Publicitarios de la

Argentina brindaron cuantiosa información a los profesionales sobre la fotografía

publicitaria en otras partes del mundo.

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Así comenzaron a nacer los grandes estudios que tuvieron su etapa de apogeo en

los años 80. Este período de los 80 a los 90 fue el que presentó las más importantes

alternativas de cambio cultural y también económico. Quizás éste sea el tramo más

dinámico en ese sentido.

Cambios en la concepción del mensaje publicitario, por

lo tanto cambio en la estética y también cambio en la

asignación de los presupuestos. Definir el rumbo a seguir

se tornó una permanente preocupación de los estudios

tratando de identificar correctamente, como planteamos

al principio, el cambio y la crisis. Interpretar en un

sentido orientador de decisiones cada uno de estos

componentes fue la gran tarea. Cada vez más el

marketing y el resultado de sus investigaciones

orientaban los mensajes.

En lo estético de la mano de David Ratto, creativo de gran influencia en esos años,

conocimos a Bernbach, también escuchamos los consejos de Ogilvy y las fotografías

cambiaron. Ya no se hacían campañas con una cantidad importante de piezas sino

que la comunicación se hizo más breve.

Carlos David Ratto, nació en Buenos Aires, Argentina en el año 1934. A sus catorce

años comenzó a trabajar en una agencia de publicidad – Pueyrredón Propaganda–

como cadete de sala de arte. Años más tarde, formó su propia compañía: la famosa

empresa David Ratto, mediante la cual estableció una sólida relación con la red

internacional BBDO. En 1963 conoció en los Estados Unidos a Bill Bernbach, quien

le enseñó las últimas tendencias en publicidad. Ratto las adaptó y aplicó en

Argentina: juntó la redacción de textos publicitarios con la sala de arte y conformó

el primer equipo creativo en Argentina –Manuel Antín como redactor y él como

director de arte. Participó en la conformación de la imagen de algunas campañas

políticas, desatacándose su trabajo para la de Raúl Alfonsín, en 1983. Manejó las

cuentas Volkswagen y Pepsi, entre otras; y la década del noventa resultó la más

creativa e importante de toda su carrera. David Ratto fue uno de los socios

fundadores y también el primer presidente del Círculo de Creativos Argentinos.

Era un ferviente admirador de Groucho Marx.

El producto del que se hablaba pasó a primer plano, los espacios blancos se

valoraron como soporte que permitían destacar el mensaje del conjunto de la

información visual que el público recibía. ʺLa simple complejidadʺ o ʺLos 20

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Caminos Creativosʺ. Estas frases definían teorías que los más importantes

creativos hicieron suyas en esos tiempos.

Así fueron las cosas hasta los años finales de la

década del 80 y principios de la de los 90. El país

sufre en esos tiempos una de las más severas

crisis económicas, que desembocan en una

apertura al mundo y al proceso de inserción en la

sociedad global. Las

empresas internacionales se

instalan en el país y traen

desde sus países de origen sus patrones de comunicación y

muchas veces sus fotografías. Los bancos de imágenes

proliferan generando un mercado de imágenes disponibles

para la publicidad.

Es obvio que para los fotógrafos publicitarios argentinos, todas estas situaciones

generaron grandes cambios. Algunos pretendieron persistir en el modelo que

venían practicando hasta el momento, otros advirtieron esta situación nueva y

trataron de adecuarse a ella. La pieza gráfica o sea la metáfora integrada por

fotografía y texto cambió. Es más infrecuente hoy día.

El marketing directo creció y el uso de fotografías publicitarias en ese

medio tiene un carácter catalogal, informativo, no hay otra apelación

que el precio, las cuotas y una mera visualización del producto como

objeto, su intervención es casi accesoria.

En las fotografías que ilustran los grandes avisos, perfumes, cervezas, vinos y los

nuevos protagonistas: ‐los servicios‐, generalmente se apela a sugerir sensaciones

muchas veces no vinculadas directamente al producto.

Entonces la fotografía opera como una alegoría. ʺSi tengo esto, puedo ser aquelloʺ.

Podríamos vincular este perfil estético a los cambios culturales, la crisis de la

modernidad, el universo postmoderno donde el sujeto hace descansar sus deseos

en la autonomía económica y simbólica.

Las fotografías deben significar las expresiones más pretenciosas de ser uno mismo

aunque esto implique la mayor dificultad de ser uno mismo. En el ámbito de los

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cambios tecnológicos, los medios digitales permiten hoy recrear la instantánea

fotográfica.

Cientos de imágenes verosímiles como reproducción de una situación real son

construidas. Esta es la nueva estética donde conviven al mismo tiempo todos los

estilos, todas las técnicas.

De construcción del universo de la imagen. La idea actual es que la fotografía

puede brindarnos un acercamiento objetivo a los temas que queremos comunicar.

Desde esta perspectiva la fotografía publicitaria debería salir de estrechas

definiciones de antaño y entenderse conceptualmente como Fotografía Aplicada.

A partir de considerar a la fotografía como una herramienta para registrar

información, la que con los medios adecuados ‐todas las que la tecnología actual

brinda‐, la estética y el estilo que se elija, posibiliten una mejor interpretación del

mensaje a transmitir.

Pictorialismo, Fotografía objetiva, Fotografía Documental, Dinamismo,

Estructuralismo y Abstracción, Metaforismo y Simbolismo, Romanticismo y

Dramatismo, Surrealismo, etc. Las posibilidades de expresión del fotógrafo crece

día a día, pero es necesario evitar los fundamentalismos que pretenden que la

tecnología más reciente eche por tierra a otras anteriores. Analógico vs. Digital.

Película vs. Registro Electrónico, no es verdad.

Sí, es cierto que cada día conviven más y más instrumentos que posibilitan nuevas

formas de expresión del fotógrafo, que siempre pinta con luz, ya sea

complementando las técnicas tradicionales con las nuevas o no. Al fin y al cabo,

con dificultades, con esfuerzo, dentro de este marco de referencia se define nuestra

realidad de hoy. Es difícil resumir treinta años. Treinta años no es nada, pero

mucho camino recorrido. Esperemos que nuestro país se recupere, para que una

vez más surja toda la creatividad contenida que, sin duda, nuestros fotógrafos

publicitarios guardan como la mejor reserva. (Edgardo Filloy.)

En la actualidad, la fotografía se ha desarrollado principalmente en tres sectores,

al margen de otras consideraciones científicas o técnicas. Por un lado se encuentran

el campo del reportaje periodístico gráfico, cuya finalidad es captar el mundo

exterior tal y como aparece ante nuestros ojos, y el de la publicidad. Por otro

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tenemos la fotografía como manifestación artística, con fines expresivos e

interpretativos.

El reportaje comprende la fotografía documental y la de prensa gráfica, y por lo

general no se suele manipular. Lo normal es que el reportero gráfico emplee las

técnicas y los procesos de revelado necesarios para captar una imagen bajo las

condiciones existentes. Aunque este tipo de fotografía suele calificarse de objetiva,

siempre hay una persona detrás de la cámara, que inevitablemente selecciona lo

que va a captar.

Respecto a la objetividad, hay que tener en consideración también la finalidad y el

uso del reportaje fotográfico, las fotos más reales, y quizás las más imparciales,

pueden ser utilizadas con propósitos publicitarios; decisiones que, en la mayoría

de los casos, no dependen del propio fotógrafo.

Por el contrario, la fotografía artística es totalmente subjetiva, ya

sea manipulada o no. En el primer caso, la luz, el enfoque y el

ángulo de la cámara pueden manejarse para alterar la apariencia

de la imagen; los procesos de revelado y positivado se modifican

en ocasiones para lograr los resultados deseados; y la fotografía

es susceptible de combinarse con otros elementos para conseguir

una forma de composición artística, o para la experimentación

estética.

La fotografía se ha utilizado para inspirar e influir opiniones políticas o sociales.

Asimismo, desde la década de 1920 se ha hecho uso de ella para impulsar y dirigir

el consumismo, y como un componente más de la publicidad. Los fotógrafos

comerciales realizan fotos que se utilizan en anuncios o como ilustraciones en

libros, revistas y otras publicaciones. Con el fin de que sus imágenes resulten

atractivas utilizan una amplia gama de sofisticadas técnicas. El impacto de esta

clase de imágenes ha producido una fuerte influencia cultural. La fotografía

comercial y publicitaria ha representado también un gran impulso en la industria

gráfica junto con los avances en las técnicas de reproducción fotográfica de gran

calidad. Destacaron en este campo Irving Penn y Cecil Beaton, fotógrafos de la alta

sociedad; Richard Avedon, que consiguió fama como fotógrafo de moda, y Helmut

Newton, controvertido fotógrafo de moda y retratista cuyos trabajos poseen con

frecuencia un gran contenido erótico.

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El retrato. Latín: retractus. Un retrato es una fotografía, pintura, u otra representación

artística de una persona, también se entiende por retrato la descripción de la figura o

carácter, o sea, de las cualidades físicas o morales de una persona. A menudo se captan

los rasgos de la cabeza del retratado, sin muchas pretensiones artísticas. La intención

es representar la apariencia física de la persona, y sólo a veces intentan representar su

personalidad.

El arte del retrato floreció en las esculturas romanas, en las que

los retratados demandaban retratos realistas, incluso si no les

favorecían. Durante el siglo IV, el retrato cedió terreno en favor

de la idealización del aspecto del retratado. Basta comparar los

retratos de Constantino I el grande y Teodosio I. Los retratos que

realistas reaparecieron en la Alta Edad Media, en Burgundia y

Francia. En Occidente uno de los retratos más famosos es La

Gioconda de Leonardo da Vinci, que es de hecho el retrato de una mujer

desconocida.

Entre los retratos más antiguos de gente particular, que no fueran reyes ni

emperadores, son los retratos funerarios que han sobrevivido en el clima seco del

distrito de Fayum en Egipto. Son los únicos retratos de la era Romana que han

sobrevivido hasta nuestros días, aparte de los frescos.

El retrato fotográfico es un género donde se reúnen toda una serie de iniciativas

artísticas que giran en torno a la idea de mostrar las cualidades físicas o morales

de las personas que aparecen en las imágenes fotográficas. También existe el

retrato fotográfico con propósitos de identificación para pasaportes, carné y

credenciales, éste no pretende más que eso identificar y validar quien es el

portador del mismo. Su práctica –el retrato- se encuentra ya en los inicios de la

fotografía donde destaca la labor realizada por los fotógrafos ambulantes, los

fotógrafos comerciales de los estudios parisinos, los primeros retratos

psicológicos, el retrato popular presentado por la fotografía academicista, así como

la obra documental de David Octavius Hill. Los representantes principales del

retrato fotográfico en sus inicios son Nadar, Disdéri, Julia Margaret Cameron,

Lewis Carroll, Gustave Le Gray, Etienne Carjat, Antoine Samuel Salomon, Pierre

Petit o Lady Clementine Hawarden.

Con posterioridad el género fue evolucionando de forma paralela al devenir de la

historia de la fotografía razón por la cual, junto a fotógrafos que se dedican en

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exclusiva a lo que podríamos entender como la forma más ortodoxa del retrato

fotográfico, nos encontramos con fotógrafos adscritos a movimientos concretos

que se acercan al retrato fotográfico con el empleo de las ideas y técnicas propias

de estas corrientes. Figuras de interés en el campo del retrato fotográfico son

Richard Avedon, Brassaï, Walker Evans, August Sander, entre otros.

Dentro del campo del retrato fotográfico se desarrolla con fuerza, durante el siglo

XIX y principios del siglo XX, un subgénero propio conocido como la fotografía de

difuntos, en la que destaca la obra del fotógrafo español Fernando Navarro.

Según Hugh Marshall, “Los retratos encajan, a grandes rasgos en dos categorías: los de

carácter subjetivo y dramático, y los de la variedad objetiva, realista. Algunos

fotógrafos famosos (por ejemplo Norman Parkinson y Karsh) han desarrollado la primera

categoría hasta una fórmula artística altamente sofisticada, utilizando el tema como paisaje

humano. Otros, como lord Snowdon, adoptan un enfoque más distante.”

La persona: el centro de interés. El principio de un

retrato suele consistir en ubicar el sujeto. Es conveniente

emplear fondos no demasiado llamativos ni recargados

que puedan distraer la atención ‐el sujeto es lo más

importante‐ y, si es posible, mostrar los fondos fuera

de foco. Si hacemos la toma en exteriores es

conveniente situar al sujeto de forma que la luz del sol

no incida directamente en su cara. Un ángulo de unos

45 grados entre el sol y el modelo puede contribuir a

generar unas sombras agradables en su rostro. Una

iluminación muy picada, sin embargo, puede dar

lugar a alargadas y antiestéticas sombras bajo los ojos

y la barbilla. Resulta un ejercicio también interesante

colocar el sujeto ante el sol, quedando así iluminados los bordes de la silueta a modo

de halo de luz. Es imprescindible, entonces, rellenar la sombra de su rostro con un

flash, dedicando, eso sí, una especial atención a las sombras creadas por atuendos

como gafas o sombreros.

En este tipo de fotos es también relevante la elección de la hora. Resulta recomendable

realizarlas al comienzo o al final del día, cuando la luz solar incide muy angulada con

respecto al suelo y no genera sombras fuertes. Por otro lado, es especialmente

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recomendable elegir días parcialmente nublados, pues así podremos aprovechar un

tipo de luz más homogéneo y blando. El mejor horario para aprovechar la luz solar

son el amanecer hasta cerca de las 10 de la mañana, por la tarde después de las 3 de la

tarde y sacar lo mejor de la luz inclinada y de su dominante más cálida, hay que evitar

–sí es posible- la luz vertical que rodea a las horas del mediodía.

La posición de las manos, los brazos y el tronco del

sujeto fotografiado son otros de los elementos

preponderantes en un retrato. Del mismo modo que el

punto de vista frontal no es el mejor para capturar un

rostro, un cuerpo erguido dista de ser la mejor postura

para quedar inmortalizado. De hecho, muchas

personas se esfuerzan por adoptar una pose atractiva,

logrando generalmente un resultado opuesto al

deseado. Para obtener una composición estéticamente agradable, es bastante útil

sugerir al modelo que sujete algún objeto o que se apoye en algún lugar, pudiendo

adoptar así distintas posturas que no resulten incómodas o forzadas. Sin embargo, hay

que tener cuidado de que estos elementos no interfieran en el resultado final de la

toma.

La principal parte del retrato se encuentra ‐en la mayoría de

ocasiones‐ en el rostro del sujeto, ya que en él se concentran una

parte sustancial de las expresiones corporales. Así pues, debemos

tener en cuenta que la cámara y los ojos del sujeto han estar, para

lograr un retrato estándar, a la misma altura. Cualquier punto de

vista diferente podría implicar posturas forzadas que, en un

principio, es preferible evitar.

Además, tenemos que prestar atención al enfoque. Aunque lo

normal es no tener problemas de profundidad de campo ‐

máxime si empleamos pequeñas compactas digitales‐ es

posible, aunque poco

probable, que el enfoque

pueda perderse ligeramente,

sobre todo si utilizamos objetivos con distancias

focales largas. Para evitar que la profundidad de

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campo se convierta en un error, lo mejor es mantener el punto de enfoque en los ojos

del sujeto o, si no está de frente, en el ojo más cercano o próximo a nuestro objetivo,

segunda opción será enfocar los labios cuando no podamos ver los ojos.

Ciertamente, tendemos siempre a emplear las mismas técnicas al fotografiar a todo

tipo de ̋ personajesʺ; unas técnicas que, si bien se basan en conceptos aplicables en todo

tipo de retratos, están pensadas para personas de una edad determinada, con unas

facciones determinadas y con una actitud determinada. Pensemos, si no, cómo le

diríamos a un perro ʺsonríeʺ, o cómo le pediríamos a un bebé que nos mire, o a un

anciano que no se gire porque se le ven las patas de gallo.

Hemos de distinguir, pues, unos cuantos tipos de retrato que se apartan de lo que todo

el mundo entiende –valga la redundancia‐ por retrato. Hay, por ejemplo, el retrato de

animales, el de niños o bebés, el de personas mayores, y el retrato que no incluye el

rostro o que se aleja de la línea general.

Si, en la primera parte de este tema, comentábamos la importancia del punto de vista

en la fotografía de retrato general, ahora vamos a descubrir que hay un tipo de retrato

en que el punto de vista es mucho más importante: el de niños. Es evidente que los

niños tienen un concepto del mundo diferente al nuestro; por lo menos, lo ven todo

un metro ‐aproximadamente‐ por debajo de la mayoría de adultos. Por este motivo,

siempre que hagamos fotografía de niños hemos de rebajar nuestro punto de vista

hasta sus ojos. Esto, que parece sencillo, puede convertirse un caos si nuestro modelo

está en actitud de libre albedrío. El hecho de tener el suelo tan a su alcance provoca

que cualquier detalle de éste se lleve su atención, moviéndose imprevisiblemente y

agachándose cada dos por tres.

Si conseguimos tener controlado a nuestro modelo, tendremos la ocasión de realizar

excelentes tomas ‐cuidado con el flash, sus ojos son muy sensibles. La expresividad de

un niño es terriblemente fuerte en cualquiera de sus vertientes enfado, alegría, etc.‐,

por lo que no es necesario, o no suele serlo, forzar al niño con sonajeros o adminículos

similares que lo único que suelen conseguir es distraer y estresarlo ‐esto también es

aplicable al flash, insistimos, si abusamos de él. La mejor solución, aunque suene a

verdad de Perogrullo, es dejarle hacer, y disparar y disparar. Siempre será mejor llenar

una tarjeta que perder una toma. Utilizaremos focales largas, encuadrándole a una

cierta distancia, dejando que el niño tenga libertad de movimientos y no se sienta

agobiado.

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Los retratos de personas mayores también son especiales. La experiencia de toda una

vida se refleja fácilmente en la mirada, por lo que la fuerza

expresiva es relativamente fácil hallarla. El problema, si es que

podemos llamarlo así, es encontrar la combinación de luces

adecuada. El rostro de una persona trasluce el paso de los años.

Aparecen arrugas, las imperfecciones se acentúan y los rasgos

faciales toman más intensidad. Este tipo de retratos ganan

mucho en blanco y negro, con luces duras y un alto contraste.

Los microsurcos entre las arrugas generan una excelente

combinación de luces y sombras, y la luz dura refuerza las

señales propias de cada rostro.

Los estudios son espacios especialmente acondicionados para la producción

fotográfica y su principal valor radica en su posibilidad de ejercer control total o

dominio de todas las variables; ya que se encuentra disponible para producir

independientemente del clima lo cual para las agendas de las agencias publicitarias

tiene gran valor. En el caso de las localizaciones o locaciones; representan mayor nivel

de riesgo, estas suelen estar ocasionalmente limitadas por el clima o los horarios, pero

su mayor fortaleza y valor está en que es real e incrementa la verosimilitud y la

confianza del observador añadiendo gran fuerza a la imagen resultante; deberemos

distinguir entre locaciones interiores y exteriores. Los tiempos de entrega del proyecto

fotográfico suelen ser una variable importante para decidir sobre alguna de las

opciones anteriores. La selección de la locación correcta o ideal se realiza a través de

un scoutting que puede además ser contratado a un asistente de producción

independiente (freelance) o al mismo estudio fotográfico.

Si deseas dirigir mejor al talento o mejorar la forma en la que has salido hasta hoy en

los retratos, debes tener presente estos 15 consejos.

Actitud. El modelo debe confiar en el fotógrafo y su crew y entregarse, dejarse llevar,

que no es fácil porque la cámara impone. Los modelos no son precisamente una belleza

perfecta, no cumplen siempre el canon de belleza establecido o el idealizado. ¿Y

porque están ahí entonces? Expresividad, ahí vive su secreto, son capaces de transmitir

pasión; desde rabia hasta alegría, desde el odio más desaforado hasta el amor más

tierno, son capaces de desenvolverse delante de una cámara igual que lo harían ante

su grupo de amigas más íntimas. Con su cuerpo y sus expresiones son capaces de

transmitir, ahí es donde está la parte escénica del modelo.

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Seguridad en ti mismo. Estos elementos son una gran clave para ser más atractiva a la

cámara, pues una vez más la seguridad llama nuestra atención, y nuestro cuerpo

también tiene las armas para proyectar esa seguridad, así que no dudes mostrarte

seguro. “Hay que relajarse, para ser uno mismo. Las manos, una en el bolsillo, si no

sabes qué hacer con ellas, y deja el peso en una pierna”. Sólo faltará que el fotógrafo

dispare en el instante preciso.

Vístete con los colores que te favorecen. Ciertos colores complementan

agradablemente ciertos tonos de la piel, mientras que otros la hacen ver menos

agradable. Puedes tener una sensación de con cuales colores luces mejor, pero si no lo

sabes todavía, descúbrelo probando con varios colores.

Ocultar tus defectos. No será posible mostrar todo lo bueno que posees en una sola

imagen, pero sí puedes mostrar lo mejor de ti. También puedes ocultar fácilmente

aquellas que no te gustan. Por ejemplo muestra el lado de la cara que más te favorece.

Determinar tu mejor ángulo. Usa el semi-perfil que mejor te haga ver. Mostrar un ojo

y medio a la cámara, crea misterio e interés, no siempre es fácil salir bien de frente o

de perfil completo. La actitud del modelo clásico es poner tu cuerpo 3/4 hacia la cámara

fotográfica con un pie delante del otro y un hombro más cercano a la cámara

fotográfica que el otro.

Líbrate de la papada (barbilla doble). Inclinar tu cabeza abajo levemente e intenta

colocarte de modo que la cámara fotográfica esté un poco más arriba de tu nivel del

ojo, ésto ocultará la papada eficazmente. Puedes también poner una mano debajo de

tu barbilla como si estuvieras reclinando tu cabeza en tu mano (apunta el lado del

pulgar de tu mano hacía ti). No reclines realmente peso sobre la mano. También

puedes intentar poner la lengua en tu paladar de tu boca. El tipo de cuello de tu escote

ayuda para que se vea más alargado y más delgado. Si tienes un cuello corto, evita

usar collares cortos, pues que acortaran más el cuello, acentuar el escote en V con

collares largos.

Levanta tu cuello. Un tip de los modelos es presentar una pose a 3/4 ante la cámara -

esto es dar vuelta a tu cabeza para exponer 3/4 de ella a la cámara fotográfica, y no una

foto frontal- y entonces levanta tu cuello e inclina levemente tu cabeza abajo. Esto

mejora la definición facial y ayudarás a mejorar las arrugas y la piel flácida. Evita subir

demasiado la cara y estirar el cuello de más, prueba a bajar un poco los hombros. Para

ser fotogénico baja siempre un poco la cara al nivel de la cámara y recuerda que no

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debes exagerar -sobre actuar- los gestos faciales (ésto incluye la sonrisa) pues el punto

es lucir bien y natural.

Relájate. Muchas personas salen mal en las fotos debido a que congelan su cuerpo y

ésto les hacer ver "poco espontaneas". Si sabes que te van a tomar una foto, respira

profundo y exhala naturalmente, relajando tus brazos y hombros. Sonreír o tener una

actitud es favorable. Contener la respiración mucho tiempo te hace aparecer muy tensa

y sofocada en la foto. Entre más relajada estés mejor será la foto.

Piensa en momentos felices. Imagina algo realmente divertido o pensar en alguien

cómo tu novia(o), tu esposa(o) o niño, así pues, conseguirás una sonrisa genuina. Si no

te gusta tu sonrisa o tus dientes, intentar una sonrisa más cerrada o de la parcialmente

cerrando tu boca. Abrir ligeramente tu boca puede hacer que tu expresión luzca más

natural.

Sonríe con la mirada. Mira a la cámara y piensa en un ser amado, olvida que es una

herramienta, ahora es una persona querida. Nada proyecta más felicidad y belleza

como unos ojos alegres. Sonreír, seducir, ser misteriosa, divertida o seria… Mejor con

los ojos que con la boca. Practica frente al espejo abriendo los ojos y una sonrisa

relajada hasta lograr una mirada sonriente. “Ríe o no, pero que te brillen los ojos,

interioriza la sensación que haga que se te ilumine la cara”.

Buena postura. Inclina muy ligeramente todo el cuerpo a la cámara, acerca un poco tu

rostro. La buena postura puede mejorar dramáticamente tu aspecto en las fotos. El

sentarse o estar parado de forma recta hace tu mirada más sana, más alerta y más

atractiva. Recuerda respirar normalmente y relajar tus hombros. Especialmente si

tienes mala postura, puede ser difícil estar de pie y recto y no parecer tieso, practica

ésto frente al espejo. Las manos relajadas y con los dedos algo separados.

Ama y disfruta la cámara. Para iniciar enfoca tu atención en ésto: la cámara te ama.

Muchas personas se ven muy fotogénicas porque disfrutan estar frente a la cámara y

que les tomen fotos, y es por eso que siempre se miran relajadas y lucen naturales, si a

ti te produce temor la cámara expresa un gesto natural de agrado y gusto y así

sonreirás siempre a la cámara.

Cerciórate de salir bien en las fotos. Si eres de las que a cada instante están viendo la

cámara para ver si saliste bien en las fotos harán que estés insatisfecho y en lugar de

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mejorar tu aspecto parecerás incómodo. Espera al final de la sesión, las mejores fotos

se logran normalmente hasta el final de la sesión.

Sumir la panza. Sólo ayuda si estás sentado o con tu cuerpo inclinado sobre el

estómago, si lo exageras hará que parezcas poco atractivo porque tus costillas se

saldrán a través de la camisa, otras veces hará tu mirada levemente incómoda. Para

verse más delgado(a) viene bien ladear o girar de lado el cuerpo.

La fotogenia –según un fotógrafo- es una combinación de físico y actitud. “Lo más

fotogénico es que el fotógrafo encuentre muy atractiva a una persona y saque lo mejor

de ella”. Un solo rasgo bien aprovechado hacer surgir la magia. Con permiso de la luz,

o con su ayuda, a veces se hacen retratos en los que el fotografiado queda tan

favorecido que no se reconoce. “Son sorpresas de la luz, que a veces dibuja como no lo

esperas”.

Las top models aprendieron a

mostrarse de manera favorable a la

cámara, algunas no fueron siempre

como las conocemos hoy, en parte su

éxito está lograr conocerse bien, y saber

de antemano sus mejores ángulos, las

poses y cuál es la iluminación que mejor

les favorece. Puedes iniciar a practicar

desde ya mismo frente a un espejo, y

domina la técnica. Verás increíbles

resultados en poco tiempo.

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La fotografía de modas. Fotografía editorial.

La mejor forma de conocer a los fotógrafos de

moda o fashion será viendo sus proyectos, los

actuales y sus archivos históricos para

formarnos un concepto más amplio, descubrir

que existen puntos de vista distintos de tratar el

producto de un diseñador(a) de ropa, el

entorno, a la y el modelo, la iluminación, el

maquillaje, los colores, la forma, los ejes de

composición, la silueta, las texturas, lo

estilístico, la elegancia, la libertad, lo vulgar, lo

futurista, lo clásico, la época, la geografía, la

cultura, la sorpresa, el impacto visual, la controversia, los valores, los antivalores, la

propuesta creativa, el mensaje, el contenido, el marco, el soporte, en fin hay que tomar

en cuenta varios criterios antes de definir qué hacer, diseñar y visualizar la nueva

propuesta para el proyecto que sigue. Se considera que el primer fotógrafo de modas

fue Pierre-Louis Pierson, y a la primera "modelo" de fashion fue la Condesa

Castiglione; Virginia Oldoini de quien se produjeron 288 retratos fotográficos posando

con sus vestidos de la corte y de esta colección se publicó un libro en 1856. Virginia

Oldoini fue una mujer muy celebre en su época por ser considerada por muchos nobles

y reyes europeos como la mujer más bella del mundo. Su biografía ha inspirado al

menos 4 películas; una italiana en 1942, otra franco-italiana en 1954, una más de la RAI

en 2006 en dos partes (Ver parte I) (Ver parte II), y también hay un corto británico de

13 minutos llamado "La comtesse de Castiglione" del año 2000. Para muchos

el fotógrafo Adolph de Meyer -1868 a 1949- es el padre de la fotografía de moda

moderna en Estados Unidos, se le conoció como el Barón de Meyer y también "el

Debussy de la fotografía". Se trata de un género fotográfico dedicado a ilustrar

vestuario, ropa, y otros artículos o accesorios relacionados con la industria de la moda.

Inicialmente la ilustración se hacía de la mano de ilustradores o artistas de modas. La

fotografía de modas se desarrolló paralelamente con el siglo XX, se originó en París, al

igual que la alta costura. En el inicio, las modelos eran las esposas de los

propios diseñadores o mujeres distinguidas que deseaban lucir sus vestidos. El

retoque a mano con pinturas fue la tendencia de (1891) La Mode Pratique, periódico

donde aparecen publicadas las primeras fotografías de moda. Puedes disfrutar de un

interesante vídeo sobre la historia de la fotografía de modas, hacer click aquí. Estas

fotografías son publicadas, a menudo, en piezas publicitarias gráficas y aparecen

como publicidad o contenidos en revistas especializadas para damas o de la industria

de la moda, como Vogue, Bazaar o Elle, es aquí donde la fotografía de moda tomar

mayor fuerza en los años veinte. Puedes también disfrutar de un vídeo sobre la historia

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de la moda, hacer click aquí. La

fotografía de modas es un espejo de

una sociedad idealizada según los

valores adoptados en cada época, y

transmite la noción del lujo y el

bienestar. Los modelos posan ante la

cámara en un escenario

cuidadosamente planeado mientras el

fotógrafo se convierte en verdadero

artista que transmite emociones a

través de telas, cortes y colores. Para

organizar de manera cronológica

la historia de la fotografía de

moda puedes ver una línea de tiempo

que te facilitará. Ahora podemos

observar desde diferentes y variados

puntos de vista profesionales

y estéticos los vestuarios y accesorios

sobre los modelos. Para ampliar sobre

este tema revisa un interesante

documento redactado por el fotógrafo

español Nacho Suárez.

TAREA: Investigar sobre la biografía y la obra de los siguientes reconocidos

fotógrafos contemporáneos de retrato para fashion. Seleccione usted a 2 fotógrafos.

En una presentación Microsoft Power Point mostrar una biografía breve, y en una

pantalla completa colocar una fotografía (alta calidad) representativa y emblemática

de sus proyectos para retrato fashion, muestre las mejores 20 fotografías de éste(a)

en su presentación.

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1. Jules Séeberger.

2. Adolph de Meyer.

3. Martin Munkacsi.

4. Horst Paul.

5. Man Ray.

6. Irvin Penn.

7. Ellen Von Unwerth.

8. Steve Hiett.

9. Richard Avedon.

10. Guy Buordin.

11. David Lachapalle.

12. Helmut Newton.

13. Albert Watson.

14. Bill Silano.

15. Ara Gallant.

16. Herb Ritts.

17. Matthew Rolston.

18. Ruven Afanador.

19. Mario Sorrenti.

20. Patrick Demarchelier.

21. Russell James.

22. Steve Meisel.

23. Nick Knight.

24. Paolo Roversi.

25. Deborah Turbeville.

26. Bruce Weber.

27. Andrea Giacobbe.

28. Bill King.

29. Sarah Moon.

30. Peter Lindbergh.

31. Jean-Baptiste Mondino.

32. Tyen.

33. Karl Lagerfeld.

34. Annie Leibovitz.

35. Mario Testino.

36. Markus Klinko.

37. Antoine Verglas.

38. Claus Wickrath.

39. Steve Landis.

40. Peter Gowland.

41. Patric Shaw.

42. Serge Barbeau.

43. Béla Adler y Salvador

Fresneda.

44. Alfonso Ohnur.

45. Sergi Pons.

46. Outumuro.

47. Antoni Bernad.

48. Miguel Reveriego.

49. Eugenio Recuenco.

50. José Manuel Ferrater.

51. Txema Yeste.

52. Javier Vallhonrat.

La industria de la moda y del fashion han desarrollado un matrimonio muy fuerte

con la fotografía comercial, ese tipo de unión es tan fuerte que impacta en el

standard de belleza que adoptamos visualmente en nuestras campañas

publicitarias, y en los otros usos y aplicaciones de estos iconos de belleza

contemporánea.

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La fotografía de fashion o de modas, también clasificada como alta costura y

catálogos abre un amplio mundo de posibilidades y estilos diferentes para

desarrollar proyectos que muestran estilos de vida, estados de ánimo, distintos

niveles de elegancia y contrastantes forman de percibir el buen gusto o la forma

en que nos podríamos vestir para diferentes eventos y ocasiones especiales. El

modelaje está ligado a la moda, a la industria del buen vestir. Para lograr vender

piezas de ropa habrá que verlas puestas en alguien más para imaginar cómo se

luce y viste.

Top models. Para atender esta

necesidad publicitaria se deberá

mostrar la ropa en la pasarela de los

diseñadores de moda, y en

publicaciones impresas a través de

fotografías y ahora también de vídeos,

así que finalmente se demanda de

modelos que trabajen bien la pasarela

en persona y la fotografía; poseer

cualidades ópticas fotogénicas, lograr

que la cámara te vea bien, que te haga lucir favorablemente. Esta elevada

demanda por modelos que garanticen ser vistos, sirvió en los años 80 para acuñar

el termino Top Model otros dicen que surgió antes, en los 40- para mencionar a las

modelos que eran más cotizadas por los diseñadores de alta moda y que se

beneficiaban con los mejores contratos dentro de esta industria. Este prestigio les

abre puertas para otras industrias como la de la televisión y la del cine. Ahora es

más común verles entrando en otras esferas o industrias que antes no les miraban

bien o que estaban lejos de la alta costura, como el cine de Hollywood, la TV,

industria editorial, música. Para la alemana Claudia Schiffer, sólo en el caso de

Gisele Bündchen se podría utilizar correctamente el término top model de una

forma similar. Las supermodelos fueron un fenómeno único gracias al cual Linda

Evangelista, Naomi Campbell, Christy Turlington, Eva Herzigova o Cindy

Crawford trascendieron el ámbito de influencia de su profesión para convertirse

en estrellas del mundo del espectáculo. Salían con actores, músicos, deportistas

o magos, protagonizaban películas y vídeos musicales, abrían cadenas de

restaurantes y se emprendían gracias a los vídeos de aeróbics. Una modelo

española opina que fueron un grupo aparte. Aunque el término se utiliza desde

los años cuarenta, antes de ellas, sólo maniquíes puntuales (piensen en modelos

como Twiggy) conseguían hacerse un hueco en el imaginario colectivo. No hay

en la historia de la moda precedentes de un grupo de mujeres que salten de la

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pasarela para meterse en tromba –y

de la mano– en los salones del

mundo a la hora de cenar. En ese

sentido, el milagro es

probablemente irrepetible. Como

sucede cada año, la lista de los

ingresos por modelaje de las Top

Models de Forbes se roba la mirada

de todas y todos. Nadie debería de

extrañarse que la modelo brasileña

de 32 años Gisele Caroline

Nonnenmacher Bündchen (oriunda

de Horizontina, Brasil, 1980) esté

colocada en el primer lugar de

ingresos por su actividad como

modelo de fotografía, de vídeo, y de

pasarela. Existen 42 millones de

dólares (3 menos que en 2012) que le

respaldan y el favor de millones

de fans alrededor del mundo. El

segundo lugar lo ocupa en esta

oportunidad la modelo australiana Miranda May Kerr (Nueva Gales del sur,

Australia, 1983) de 30 años que captó ingresos por 7.2 millones de dólares en el

último año, anunció también su deseo de no continuar colaborando como ángel

de Victoria's Secret. La también brasileña Adriana Lima (1981, Salvador de Bahía,

Brasil) se quedó en el tercer lugar con 6 millones de dólares por ingresos como

modelo, mientras el cuarto lugar fue alcanzado por la inglesa Katherine Ann

Moss (Londres, Inglaterra, 1974) logró ingresos por 5.7 millones. La novedad la

dio este año 2013 la entrada de la primera modelo asiatica a la famosa lista en la

quinta posición; Liu Wen de 25 años (1988, Hunan, China) y con ingresos de 4.3

millones logró desfilar por primera oportunidad para Victoria's Secret en este año

y ser la imagen de Estée Lauder. Con 26 años (1987, Maryland, EUA) e ingresos

por 4 millones, esta chica de los Estados Unidos aparece en la sexta posición de

la lista Forbes 2013; Hilary Rhoda (Hilary St. Claire). A partir de 2007 logró ser la

imagen para Estée Lauder con un contrato muy jugoso. Carolyn Murphy (1974,

Florida, EUA)) con 3.6 millones es la séptima de la lista, esta modelo americana

había dejado de estar entre las 10 pero ha regresado este año nuevamente. Otra

nueva cara en la lista Forbes es la puertorriqueña Joan Smalls Rodríguezcon una

estatura de 1.79 m. (1988 Hatillo, Puerto Rico), ocupa el octavo lugar con 3.5

millones de dólares. Candice Swanepoel (1988, Mooi River, Suráfrica) ha logrado

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ocupar un noveno lugar de la lista Forbes con sus ingresos por 3.3 millones de

dólares. En el décimo lugar -reaparece en la lista Forbes- Lara Catherina Stone

(1983, Geldrop, Holanda) con ingresos por 3.2 millones de dólares durante 2013.

Los pronósticos –elaborados en 2013- por Forbes sobre su lista 2014 ya están en

construcción y posiblemente podrían agregar a la próxima lista a Karlie Elizabeth

Kloss (1992, Missouri, EUA), y reaparecer a Katherine Upton (1982, Míchigan,

EUA), Doutzen Kroes (1982, Frisia, Holanda), y Alessandra Ambrosio (1981, Río

grande del sur, Brasil).

Chicas de calendario, las Pin Ups. Este es el nombre -Pin Up-

que se acuñó en los Estados Unidos para los

retratos idealizados de jóvenes blancas muy guapas y en

apuros o situaciones comprometedoras, ellas vestían de

forma sensual vestidos, blusas y faldas, y trajes de baño de la

época entre 1930 a 1960, miraban y sonreían a la cámara,

siempre haciendo contacto visual con el observador. Los

retratos surgían muchas veces a partir de fotografías previas,

y otras veces de modelos en un estudio. Las modelos de estos simpáticos retratos

reciben el nombre de Pin Up Girls. Estas imágenes llenaban las páginas de los

calendarios y literalmente "colgaban" de la pared, y de allí su nombre pin up.

Estas chicas hábilmente ilustradas con sus formas curvilíneas y lencería

sugerente pronto superaron al pastel de manzana en términos de popularidad e

incluso desarrollaron un potencial

considerable como exportación cultural

durante los años 1940. Nunca mostrar

todo fue siempre el lema. Sonriendo

preciosas a la cámara, las modelos rebosaban

la cantidad justa de atractivo sexual, evitando

parecer demasiado sofisticadas o avispadas.

Su cutis rosado y atractivos inocentes todavía

arrebatan, incluso en esta época. Los gestos

de sus rostros suelen mostrar inocencia,

ingenuidad, hasta mejillas sonrosadas por la

sorpresa y la vergüenza, con algo de picardía.

Bajo sus faldas había lencería que propone,

pero no muestra, ésto es parte de la fórmula

de éxito, no mostrar más. De su amplia

utilización se desarrollaron expresiones

como las "cheesecake" -1934- y, "girl of your

dreams" y las "girl next door". Durante el conflicto bélico de la segunda guerra

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mundial sus imágenes acompañaron a los soldados de los E.U.A. para subir la

moral de las tropas en los escenarios de guerra. También se les ha llamado

las 'chicas de calendario' éstas han avivado el deseo masculino no solo desde

calendarios colgados en las paredes, sino también de portadas de revista,

pósteres de páginas centrales o incluso juegos de cartas. Lo que empezó siendo

una forma de practicar con óleos, pronto se extendió a muchos otros ámbitos: las

chicas pasaron a dar un toque elegante a los fuselajes de los medios de transporte

del ejército y se convirtieron en toda una marca de identidad de los talleres

mecánicos y las barracas militares. Han pasado muchos años y ni la época de la

corrección política les ha restado encanto. De este estilo de ilustración sobresalen

más de veinte importantes pintores, y sus mayores exponentes fueron los

pintores e ilustradores publicitarios Gillette A. Elvgren (1914-1980)

norteamericano, y el peruano Joaquín Alberto Vargas Chávez (1896-1982). Gil

Elvgren, inicia su trabajo a mediados de los años 30's, se le considera el mayor

exponente de este tipo de retratos.

Vargas, se vuelve una figura importante en los años 40 al

publicar varios de sus retratos en la revista Esquire y al ser

adoptadas y copiadas sus imágenes en los fuselajes de aviones

por los pilotos, llamando a su estilo de pin up como las "Varga

girls". Las técnicas usadas por Vargas eran la acuarela y el

pincel de aire o aerógrafo (airbrush). Vargas, es hijo del pionero

de la fotografía arequipeña Max T. Vargas, la situación

económica de su familia le permitió estudiar en Suiza y

Londres, y vivir luego la bohemia del París de antes de la

primera Guerra Mundial. Su matrimonio con Anna Mae duró hasta la muerte de

ella en 1974, él murió años más tarde a los 86 años de un accidente cerebro

vascular.

En el verano de 1933, durante un curso en el Minneapolis Art

Institute, Gillette A. Elvgren decide ser ilustrador y abandona

sus estudios de arquitectura, y también en ese otoño se casó

con Janet Cummins. Para 1938 llegó su primer trabajo

importante de ilustración publicitaria fue para Royal Crown

Soda, ese año también nació su primera hija; Karen. Años más

adelante -dos- y desde el Stevens/Gross Studio haría las

ilustraciones publicitarias para la Coca-Cola de las cuales se

sintió muy orgulloso. También realizó artes publicitarias para Naranja Crush,

Cerveza Schlitz, Sealy Mattress, General Electric, Sylvania, y Napa Auto Parts.

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Su técnica, que le valió una reputación como el Norman Rockwell de las pin-ups,

sus ilustraciones se servían de fotografías de pin up girls que luego él pintaba,

creando un espléndido realismo o hiper-realidad.

Para completar el grupo de los más destacados pintores de Pin Ups hay que

sumar a Haddon Hubbard "Sunny" Sundblom (1899-1976), cuyos proyectos

publicitarios para Coca-Cola redefinieron al icónico Santa Claus o "Santa" para

los niños, también pintó portadas para revistas, "Sunny" fue un pintor

norteamericano de origen sueco, para el proyecto Coca-Cola su modelo fue un

vendedor jubilado -su vecino y amigo- de nombre Lou Prentice, Sunny produjo

varios cuadros navideños para este anunciante entre los años de 1931 y 1966. Las

chicas de sus pinturas poseían figuras muy femeninas con largas piernas, cabello

exuberante y pechos que desafían a la gravedad. En definitiva, ese estímulo

moral que, -por aquellos días- alegraba la vista de los reclutas. Estos ilustradores

y pintores -a través de sus obras- influyeron la cultura popular en casi todo el

mundo, en la publicidad, el cine, fotografía, y editoriales de revistas. En la

mayoría de los países del mundo sus pinturas no suelen clasificarse hoy como

pornografía, pero si hay todavía algunos lugares donde su trabajo está limitado

en su uso y su publicación, para otros son parte importante de otra época recién

pasada y por tanto vistas como vintage art.

Iluminación. Se parecen, pero no será lo mismo alumbrar una habitación para

uso personal, que "iluminar" para una fotografía la misma locación. La fotografía

del griego (photo=luz) es grabar (graphos=dibujar o grabar) con luz, la materia

prima de una foto es la luz, pero realmente no podemos ver la luz como tal, pues

ésta es energía electromagnética, podremos ver parte de sus efectos y reacciones

de los cuerpos ante su presencia. La luz al chocar con algún cuerpo se convierte

en calor y en color, de ahí que el color no está en las cosas en sí, sino en la misma

luz blanca. De hecho, los colores como los conocemos no existen son sólo un

código que nuestra mente le asigna a ciertas bandas de esta misma

radiación lumínica. La luces no son tampoco todas iguales; las

hay artificiales como las que usamos en casa cada noche, y las hay

también naturales como la bóveda celeste -con luna y estrellas- durante la noche

y el sol durante el día. Las luces -por su tono dominante- se suelen medir para

uso en fotografía y de vídeo a través de un aparato que

llama temocolorímetro que mide la luz por su temperatura en grados Kelvin,

para medir la intensidad de la luz se utiliza un aparato llamado luxómetro, y

trabaja con unidades en lux. Desde aquí se hará el balance a blancos o balance de

blancos (WB), que sirve para decirle a la cámara cual es el tono exacto de blanco

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que domina la escena. Así es como se suele definir la iluminación en la escena a

fotografiar, las cámaras poseen internamente un medidor de iluminación -

exposimetro- que nos permite previsualizar el valor de exposición (EV)

adecuado para los propósitos del fotógrafo, generalmente ese valor será EV0.

Para obtener una lectura de la iluminación de la escena se utiliza también

un flashimetro, éste mide luz continua y luz de destellos perfectamente. Las

luces para estudio podrán ser continuas o de destello; mejor conocidas como

flashes. La manera más práctica para medir la iluminación, será estimar el brillo

que la luz refleja sobre los elementos de la escena. Importante tomar en cuenta

que la velocidad máxima de sincronización para flashes de estudio suele ser de

1/250 y la más común 1/200.

Para esto vamos a necesitar algo de equipo en nuestro estudio o plató de

fotografía. Una cámara DSLR, trípode o tripie, zapata, un cable sincronizador,

flashes de estudio, pies o trípodes de luces, flashimetro y algunos accesorios de

las luces, ventilador, fondos de papel o tela, también vendrá bien contar con

modelos, vestuario, peinado y maquillaje, calzado, entre otros detalles a incluir

en la escena. Las lámparas de estudio suelen poseer en realidad 2 tipos de luz;

una lámpara de luz continua llamada luz modeladora-piloto- y otra lámpara de

destellos; el flash en sí, la primera nos ayuda a visualizar mejor las zonas de alta

luz y las zonas de sombra, mientras preparamos nuestro montaje pero no es una

referencia exacta, más bien es algo aproximado. La iluminación de la

escena podrá ser de clave alta (High Key) cuando predominan las altas luces, o

bien de clave baja (Low Key) o claro-oscuro según nuestra idea de lo que será

mejor para nuestro mensaje. Disfruta al máximo de la sesión fotográfica, antes

organiza con antelación y mucha dedicación el diseño de la iluminación para

obtener resultados satisfactorios a tu plan de trabajo recuerda crear una plantilla

o diagrama que muestre como vas a instalar el montaje de tu equipo de

iluminación al inicio de la sesión y ahórrate muchas molestias y contratiempos,

o bien descarga una versión para hacer tus diagramas de iluminación que

puedas utilizar desde tu computadora sin estar conectado en línea a través de

Adobe Photoshop [Descargar ahora]. Otra opción para crear esquemas

disponibles en línea gracias a Photo Diagrams. La manera más básica para iniciar

a iluminar será desarrollar un esquema llamado el triángulo básico de la

iluminación que incluye una luz principal(Key), una luz de relleno(Fill) y una luz

trasera(Back) según lo deseemos éstas podrán ser suaves, rebotadas o

duras. También tenemos que definir la temperatura de la luz; en este caso será

luz de flash (6,000K) Para previsualizar el EV –valor de exposición o nivel de

exposición- debemos ahora colocar el flashimetro con el ISO (sensibilidad) que

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tiene asignada la cámara DSLR, orientamos el flashimetro hacia la cámara a unos

5 cm. del modelo hacemos un destello de prueba y nos dará una combinación de

diafragma (f) y una velocidad de obturación igual o menor a 1/200. Hacemos

éstos nuevos ajustes en la cámara y ahora planificamos (encuadramos) a nuestro

modelo, dirigimos correctamente la pose deseada, hacemos foco en su ojo más

próximo y listo. Ahora resta tomar muchas fotos y mantener fluida la

comunicación con tu modelo. Espero que disfrutes de tu sesión fotográfica y

logres muchas y mejores imágenes.

Prácticas de retrato:

Proyecto No.1

Objetivo: Proyecto individual. Replica de 2 pinturas reales de pin

ups en estudio. Selecciona dos cuadros pintados por algunos de los

ilustradores que desarrollaron este estilo. Verifica que nadie más

en tu clase tiene los mismos 2 cuadros. Implementa el casting para

seleccionar el talento idóneo para este proyecto, escoge a 1 o 2

chicas guapas, delgadas, que deseen pasar un buen rato en tu

sesión. Construye el inventario de los props, accesorios de la

época, maquillaje, calzado y vestuario –outfit- según la ilustración

y asegúrate de tener todo listo para la hora y fecha de tu photoshoot.

Utiliza un sistema de diagramación de la iluminación para tu set en digital, y recuerda

llevarlo impreso a tu sesión, será tu pase de entrada al laboratorio

de fotografía. Verifica el color de fondo que debe utilizar cada uno

de tus proyectos, deberás asegurar contar con el fondo correcto –

el estudio cuenta con varios, si necesitas uno especial deberás

proveer tú mismo o cambiarlo a través un pos proceso digital-.

Finalmente deberás hacer corrección de color, editar los errores y

defectos, preparar el archivo para impresión en papel fotográfico

en la medida correcta; formato vertical 7”x10”. Emularas la

portada de VOGUE Honduras, incluirá además al estilo del

contenido de una portada la leyenda; (Nombre de la modelo) por

(Nombre del fotógrafo), y en la esquina inferior derecha coloca un

código de barras.

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Proyecto No.2

Objetivo: Proyecto colectivo. Organizar equipo de trabajo 4-5

estudiantes. Desarrollar un photoshoot de fashion con roles específicos para

cada miembro del equipo. Presentar –como equipo- 10 fotografías

impresas en papel fotográfico 7”x10” poli cromáticas en formato vertical.

Deberá incluir fotografías en planos; (5) full shot, (3) bust shots y (2) planos

de detalles. La entrega se hará en un álbum con excelente presentación,

incluir un CD y copia firmada del contrato de cesión de derechos de sus

modelos.

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Fotografía de Productos. Actualmente el desarrollo de las campañas BTL y el

Internet han creado una gran demanda de fotografías que apoyen la

visualización de los productos ofrecidos para que éstos sean fácilmente

reconocidos por los consumidores, además la publicación periódica de catálogos

de productos de temporada, descuentos, lanzamientos de campañas,

relanzamientos y demás suelen ir apoyados visualmente a través de fotografías

que muestren de manera convincente lo que vamos a encontrarnos en los puntos

de venta. De allí que exista actualmente una gran oferta de fotografías

digitalizadas disponibles ya con todo y derechos de publicación y aplicaciones

de Internet, acudir a estas es como buscar un traje en un almacén, nunca quedará

igual de bien como uno hecho a la medida.

Lo anterior muestra de alguna manera que para el comprador final la fotografía

de los productos o Product Shot resulta vital a la hora de tomar decisiones sobre

el producto o servicio a elegir para satisfacer una necesidad dentro de todas las

opciones que dispone el mercado. Este tipo de fotografías se concentran en

contestar la pregunta ¿qué es esto? Las fotos de productos se pueden separar en

dos grupos importantes; los Product Shot donde el producto se muestra tal cual

será hallado en los supermercados, farmacias, tiendas especializadas u otras, y

las fotos que muestran al producto o servicio en pleno uso o mostrando la manera

en nos beneficiaran o nos harán disfrutarlos; a estos se les llama fotografía de

Dispersión Creativa o de producto en uso.

Es como mostrar al súper héroe de un comic cuando hace su brillante aparición

en el momento crucial de la historia y éste aparece mostrando en una pose su

fortaleza, sus cualidades, sus colores identificativos, su vestuario único,

invitando o retando a ser provocado para entrar en acción. Aunque esto

pareciera algo exagerado, de alguna manera nos permite ver una visón que

deberíamos recordar al momento de presentar la imagen de un satisfactor a los

futuros consumidores; el producto es algo aspiracional, vive en el mundo de los

anhelos y de los ideales, y es allí donde debe parecer que está, en otras palabras

debemos mostrar que es algo de otro mundo, debe despertar deseos y motivar o

activar las necesidades latentes y pasivas que llevamos dentro. No perdamos de

vista a los empaques primarios y secundarios, pues deberemos tratar de

mostrarlos para que sean rápidamente reconocidos y evitar cualquier instante de

duda o confusión. En aquellos casos que el mismo envase o empaque limiten la

visibilidad del contenido deberemos optar por mostrarlo. Además de la mera

clasificación de la fotografía de productos, deberemos prestar atención a varias

condiciones técnicas muy relacionadas al Product Shot; la iluminación, las

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texturas, la óptica del objetivo, la temperatura del ambiente, el color y textura de

fondo, etcétera.

Maquetas. Dummies. (Mock‐Up) Son substitutos o

reemplazos de productos reales que suelen usarse

durante la producción de la fotografía, son copias

o replicas tridimensionales, son muy semejantes a

los productos reales. Suelen resolver limitaciones

que el producto real presenta durante la sesión de

fotografía como sus proporciones con respecto al

entorno o bien para lograr mostrar detalles

importantes en mayor escala, o para resolver

problemas de textura o de limitaciones de los

materiales del producto ante la temperatura de las

luces o del clima de trabajo, o simplemente

sustituir vidrio y cristal con algún tipo de material

plástico que resista a las exigencias de

producción. Como Ud. puede ver que resuelven una gran cantidad de obstáculos

razón por la que son muy utilizados. Las maquetas se acostumbran a usar para

presentar productos que se encuentran en construcción o que todavía están en

etapa de diseño y no se ha construido o fabricado una primera pieza todavía. Son

muy usadas para representar una población a pequeña escala o para mostrar un

nuevo residencial o bien una catástrofe natural, en fin cuando el clima o bien la

distancia no permiten hacer una toma de este tipo o simplemente solo existe en

la mente de un creativo de la agencia publicitaria.

Las fotos de productos las podemos separar en grupos que permitan diferenciar

entre estas diferentes técnicas, usos, mercados, iluminación, equipo de

producción, crew de producción, etc. Para el caso podríamos hacer una lista

inicial:

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Estilismo gastronómico:

a. Alimentos listos para su uso y disfrute.

i. Ice Cream o helado.

ii. Panadería típica y tradicional.

iii. Snacks. iv. Asados.

v. Horneados.

vi. Ensaladas y frutas.

b. Alimentos en preparación.

i Pizza y pastas.

ii Aves horneadas.

c. Bodegones de alimentos.

2. Estilismo gastronómico de Bebidas.

a. Bebidas frías.

1 Vinos.

2 Néctares.

3 Cócteles.

b. Bebidas calientes.

1 Café.

2 Chocolate.

3 Té o infusiones.

3. Maquinarias.

4. Vehículos automotores (automóviles).

5. Aviones.

6. Arquitectura.

i. Casas urbanas.

ii. Casa rurales.

iii. Diseño de interiores.

iv. Edificios.

7. Fashion (Vestuario de Moda).

a. Calzado.

b. Maquillaje y perfumería.

8. Objetos metálicos y de vidrio (Texturas).

9. Otros.

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Food styling. Estilismo gastronómico. Es el resultado final de la relación entre

el arte, la elegancia y la

alimentación reunidos sobre

un plano virtual de dos

dimensiones, el producto es

la imagen que ha de seducir,

y estimular; a pesar de ser

ésta mediatizada ingresará a

la mente por una única vía, el

sentido de la vista. Hay en

uso muchos

términos asociados que en

general se refieren prácticamente a lo mismo como el estilismo gastronómico, la

composición culinaria, el diseño gastronómico, el estilismo de alimentos, en fin

y otros que surgen frecuentemente por todas partes. Para hacerlo fácil, me

quedo con food styling, y desde ya le pido las disculpas del caso a Miguel de

Cervantes. El food styling es el heredero del bodegón pictórico de frutas de la

temporada, con verduras, bebidas de la región,

botellas, lácteos, pescado, etcétera. Para

muchos se trata de un arte, el conocimiento

sobre cómo preparar, diseñar, y disponer

alimentos para la

cámara, mostrándolos visualmente apetitosos.

Involucra el dominio de técnicas especiales

para destacar las propiedades de los alimentos

y presentarlos completamente irresistibles -en

su pleno y total esplendor- a través del sentido

de la vista. Los alimentos y bebidas deben lucir

siempre perfectos, higiénicos deseables para comunicar un objetivo comercial

o no, es un producto comunicacional en sí. El food styling busca que los

alimentos y la vajilla sean el material perfecto para poner a volar la imaginación,

el deseo y el apetito del observador. Cada plato deberá mostrar congruencia,

contrastes o armonía de color, texturas interesantes que despierten el antojo de

los espectadores y sobre todo que resalten las propiedades del platillo. Una de

las cosas más importantes en el food styling es ser siempre fieles a la receta

original pero utilizando ingredientes únicos y técnicas que logren una imagen

perfecta. La persona que se especializa en esta labor se le

conoce comúnmente como estilista de alimentos, food stylist, home economist,

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ecónomo, diseñador gastronómico, y en fin con muchos otros más. Su objetivo

es lograr comidas y bebidas atractivas a la vista. Es un creativo apasionado por

la cocina, con habilidades y conocimientos de las técnicas, del comportamiento,

reacciones de la química de los ingredientes. Éste debe dominar distintas

metodologías para atraer y captar la atención del consumidor a pesar de la

mediatización visual limitada a las dos dimensiones de un plano. Se carece de

los estímulos que presencialmente se captan mediante los sentidos del olfato y

del gusto, los protagonistas de nuestra sensación de placer durante la

alimentación. El objetivo de la imagen es que el observador desee comerse la

página o la pantalla que está observando. Esta disciplina se ha ido

expandiendo rápidamente alrededor del mundo entero, y se ha vuelto popular

gracias al papel tan importante que juega la comida dentro de la sociedad. Te

comparto algunas reglas básicas de la fotografía en la composición culinaria:

La simplicidad.

Más cerca, es mejor.

Cuidar el espacio circundante alrededor del centro de interés.

Ley de tercios aplicada correctamente.

Regla de los impares, destacar en grupos de tres unidades.

Contrastar por semejanza; todos son homogéneos menos uno.

Durante la década de los noventas sobre todo

en Australia -Donna Hay- surgieron las nuevas

reglas para el food styling y se estableció una

tendencia que incluye el uso destacado del foco

selectivo en el primer plano y desenfoque total en

los demás planos y fondo, el plato es el

protagonista de la historia, la simpleza, texturas

sensuales -food porn- el uso de luz natural y

lámparas de tungsteno, y de regreso a los

materiales de naturales. La vanguardia en

fotógrafos de alimentos la mantiene por ahora Carl

Warner. El restaurante que marca la vanguardia

culinaria está en Barcelona, España -ElBulli- y su chef más reconocido en todo el

mundo como nada menos que "el mejor" es Ferran Adrià Acosta quien suele

hacer dupla con el fotógrafo francés Francesc Guillamet. En Brasil sobresale el

trabajo de este equipo quienes forman su propio estudio de fotografía de

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alimentos, Studio SC. Además –en la actualidad- el mejor restaurante

de Latinoamérica es Maní, lo dirigen Helena Rizzo y Daniel Redondo y se

encuentra en São Paulo. El crew de un proyecto de food styling involucra en

mucho al cliente, quien es la persona que ha solicitado el mismo, un director de

arte (visualizador gráfico), fotógrafo de alimentos, estilista de alimentos, un chef

asistente, y un prop stylist. Las herramientas de esta actividad son variadas y

muchas, pero siempre es posible definir una lista básica de props o atrezzo.

Superficies y texturas varias.

Fondos.

Platos, cubiertos, vasos, copas, etc.

Tablas para cortar.

Recipientes, botellas, bandejas.

Materia prima, ingredientes originales de la receta.

Adicionalmente el estilista de alimentos -food stylist- deberá dominar

conocimientos previos indispensables para lograr la imagen correcta, conocer

la marca y el producto, conocer su reacción a las luces, reacción a las

temperaturas, reacción al oxígeno, dominio de la psicología del color,

composición visual, diagramación, publicidad gráfica y televisiva, entre otros.

A mi gusto -personal- el vapor deberá lograrse en producción y no en pos

proceso. Las texturas se deberán escoger cuidadosamente para seleccionar los

platos, la cerámica, madera o manteles que se usaran en los fondos, así como el

acabado de los alimentos mismos para lograr representar la frescura, o bien la

temperatura que deben representar, si deseamos un ambiente rural y rustico o

algo mejor acabado y fino. De aquí que el trabajo de la iluminación venga a

complementar las texturas de las superficies. Se acostumbra a trabajar con luces

suaves que producen sombras suaves y la inclinación suele ser muy inclinada a

ras de la superficie de trabajo para proveer de avances tonales ricos en brillos

sutiles y delicados, y sombras suaves. Esta labor de fotografiar alimentos,

incluye también a las bebidas; que tienen como objetivo brindar una sensación

de restauración a quien la consume. Cuando el clima esta frio se recurre a una

bebida caliente para calentarnos y cuando el clima o temperatura es caliente se

recurre a una bebida fría refrescante. O bien “al calor de un café bien conversado”

humeante y espumoso como diría Gabo.

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Bebidas. No hay nada

mejor que tomar un café

caliente una fría tarde,

además de restaurar

nuestra temperatura

interna, nos anima para

terminar la jornada y seguir

adelante. También resulta

restaurador tomarse una

limonada con hielo una

caliente mañana de

primavera o de verano. Las

bebidas, además de

ayudarnos a sentirnos más

a gusto –en nuestro interior-

con el clima que nos rodea

conllevan otros beneficios.

Las fotografías para bebidas

demandan el dominio

técnicas profesionales, para

empezar el uso de

substitutos de materiales

que resistan las rudas demandas de un estudio de fotografía, escalas tonales más

exactas a los procesos de impresión, condensación de agua en las superficies de

los recipientes con líquidos fríos, las gotitas y gotas, la escarcha, cubos de hielo,

espuma y demás que los hacen irresistibles al observador. Fondo blanco

iluminado ligeramente "quemado" o sobre expuesto –clave alta- acompañado de

la materia prima que nos refuerza su original calidad, sobre un tablero de

superficie brillante que duplica en el reflejo la presencia de la bebida. Los cubos

de hielo refuerzan la sensación visual de temperatura baja. La transparencia del

color rojo es vital para atraer la mirada al centro de interés y jugar con los tonos

en las áreas de los hielos. En otros casos la fotografía de bebidas en

envases metálicos, de cartón plastificado, botellas de color oscuro u otros que no

nos permiten ver su interior para verificar su calidad y pureza, para resolverlo se

demanda de otro recipiente transparente que nos deje ver todas estas bondades.

Un poco de hielo y algunas gotas colocadas estratégicamente. La transparencia

deberá ser reforzada en muchos casos, pues algunas bebidas oscuras no tienen

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escala tonal que resulte atractiva para mantener la mirada del observador por

más tiempo sobre la imagen propuesta.

Pero también podríamos fotografiar bebidas calientes para restaurarnos en un

día de mucho frío, o para prepararnos al inicio de una faena de trabajo. Los

elementos que rodean a una taza del café están reforzando todo el aroma, la

tradición, y el ritual de tomarse creo que cada lugar desarrolla algún

acompañamiento local a la hora de disfrutar su café o la hora del té. Importante

resultará observar la manera en que distintas culturas y personas disfrutan del

café, en un cafetín, en una sala de estar, en un cocina, en un lobby, bajo la sombra

del alero o porche de una casa de campo, etcétera.

Repositorio en línea de imágenes digitales de alimentos. Tatespotting.

Fundada en enero de 2007 bajo la idea que comemos primero con los ojos, este

sitio trata sobre una obsesiva y compulsiva colección de imágenes llamativas que

enlazan con algo deliciosamente interesante en el otro lado. Piense en

Tastespotting como una cena muy gráfica de recetas, referencias, experiencias,

historias, artículos, productos, y cualquier otra cosa que inspira un gusto

exquisito. En este repositorio en línea todo el mundo aporta algo a la fiesta donde

la comunidad de usuarios propone y presenta las imágenes / los vínculos de toda

la web y el equipo editorial revisa las presentaciones. Lo que finalmente se

consigue en el sitio es un conjunto armónico y refinado de las contribuciones de

la comunidad.

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Fotografía editorial. Cuentos clásicos.

Recuerdas aquellas noches en que

llegabas a la cama sin sueño y en que

todavía lleno de energía necesitabas

una historia que te transportara a

lugares nuevos y distintos, una historia

de otro mundo, de otra época diferente,

con personajes mágicos, con nuevas

situaciones nunca antes vividas. De

manera personal todos vamos

atesorando en nuestro corazón y

nuestra mente fragmentos de algunos

cuentos clásicos como favoritos, nos

identificamos con algunos de sus

personajes y éstos han dejado una

marca en el imaginario colectivo que

nos resulta imborrable. Traen incluida

al menos una lección, una moraleja que

nos ayuda a entender mejor a los demás y muchas veces a nuestros deseos,

temores y a nosotros mismos. Los cuentos que nos contaban por las noches y que

releímos en la adolescencia fueron redactados por grandes escritores

europeos, árabes y asiáticos otros fueron compilados de la tradición oral de la

edad media y luego escritos por primera vez en proyectos que reunieron las

historias por primera vez. Estas historias no fueron siempre escritas pensando en

los niños pequeños, sino para públicos de mayores, y sus advertencias eran para

evitar caer en riesgos de ataques sexuales. Muchas de las historias originales

también fueron adaptadas para los menores y cambiaron un poco y no sólo para

la pantalla de cine como acostumbra Disney, sino también por los editores de

libros infantiles. Los cuentos clásicos tienen la virtud -algunos- que ahora mismo

están bajo licencia de dominio público. Los cuentos clásicos siguen inspirando a

nuevas generaciones, ahora de

fotógrafos. Algunos

fotógrafos contemporáneos han

asumido el reto de volver a poner ante

los ojos del espectador nuevamente su

visión de cómo se cuentan cuentos a

través de la lente de sus cámaras,

aprovechando las virtudes y

bondades de los actuales

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equipos, apps y software de retoque de imágenes digitales. La prestigiada

fotógrafa Annie Leibovitz desarrolló una serie, muy bien lograda, para la

compañía Disney con resultados asombrosos, la muestra se llama Disney dream.

No es el único proyecto de este tipo, otros fotógrafos europeos también han

desarrollado sus propuestas creativas para varios para los cuentos clásicos. Abajo

algunos proyectos del fotógrafo español Manuel de los Galanes, quien llamó a su

exposición de Madrid "No tan felices". Los cuentos clásicos atribuyen su

calificativo a la tradición que se ha forjado en torno a los mismos, y sobre todo a

cómo se han transmitido desde una generación a otra. La evolución del tiempo

ha supuesto que las historias de carácter mítico pasen a convertirse en leyenda, y

finalmente en cuento. No es de extrañar que ya en el período del "renacimiento"

podamos hallar textos como los de Giambattista Basile, el cual en su

Pentamerone ya alude a clásicos como la Cenicienta, a la cual denominaba La

Gata Cenicienta, y es que Cendrillon, Cinderella o simplemente Cenicienta

representa una determinado valor que se mantiene

constante pese al paso del tiempo y la evolución de las

sociedades: más puede la hermosura que billetes y

escrituras. Con posterioridad, en el siglo XVII, Charles

Perrault nos obsequiaba con una serie de cuentos que

bebían directamente de fuentes primitivas. Así, no

podemos olvidar la famosa Le Petit Chaperon Rouge, en

la cual la hermosa niña desatiende los consejos sociales

y acaba engullida por el lobo, en clara alusión a la advertencia para niños de no

hacer caso a los desconocidos. Con posterioridad, en el Siglo XIX, los

folkloristas Jacob y Wilhem Grimm recopilaban cuentos y nos proporcionaban

nuevas versiones de la ya mencionada Caperucita Roja, de Blanca nieves o de

Pulgarcito. Es muy interesante saber apreciar las diferencias que se establecen

entre distintas versiones de un mismo relato ya que nos proporcionan visiones

diferentes de la realidad y sin duda alguna éstos nos enriquecen en nuestro

constante crecimiento como personas. En este breve recorrido histórico que

incluye a algunos cuentistas de los que se han elaborado versiones para niños –

ya que desde un enfoque más amplio habría que incluir otros clásicos como por

ejemplo, El Conde Lucanor, de Hans Christian Andersen. La aportación del autor

danés al mundo de los cuentos para adultos y que luego se han transpuesto al

mundo infantil es notable y decisiva. Si no, remitámonos a las pruebas: El patito

feo, El soldadito de plomo, El traje nuevo del emperador, la niña de los fósforos,

La Sirenita, etc. Todos estos títulos unidos a los anteriores vienen a conformar un

potente corpus de clásicos que en este caso se han orientado hacia el público

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infantil, y en los cuales podemos encontrar diversos valores relacionados con la

diversidad, con la humildad, con la bondad, con la astucia, etc. Y de igual

manera, hallamos valores menos positivos -antivalores- como son la envidia, el

egocentrismo, el abandono familiar, etcétera. Espero que encuentres algo de

inspiración y que se manifieste en tu propia versión de tu cuento favorito de

hadas, lobos, duendes, dragones, príncipes, castillos, bosques, gatos, en fin.

¿Cuál es tu cuento clásico preferido? ¿Por qué te resulta tan especial?

El cartel (afiche o poster). Jules Chéret, un francés nacido

en París el 31 de mayo de 1836, fue un pintor y litógrafo que

desarrolló las técnicas que permitieron al poster o afiche

moderno desarrollarse al nivel de arte y su primer uso fue

publicitario. Inicialmente sus trabajos fueron a solicitud de

cabarets, teatros, bebidas alcohólicas, productos de

cuidado personal, cosméticos y ferrocarriles. Parte del éxito

está en la creativa forma de unir al texto con la imagen, y

en las técnicas litográficas en base a tres piedras de colores

básicos; rojos, amarillo y azul. Entre los muchos artistas que

estudiaron con él estaba también Henry Mary

Raymond de Toulose-Lautrec-Montfa, quien creó los

afiches para el célebre Moulin Rouge en 1891. Durante

la revolución rusa, los bolcheviques y el grupo que

dirigió Vladimir Ilich Lenin desarrollaron su uso en la

política y nació el afiche propagandístico –heredero

directo del lubok imperial ruso- que se desarrollaría con

formas propias en los países del bloque socialista, los

más sobresalientes artistas rusos del afiche son

Aleksandr Ródchenko, Gustav Klutsis, y El Lissistzki en

los inicios del siglo XX.

El afiche va la guerra, y su papel allí también fue protagónico, desde los ejércitos

alemanes, británicos, rusos y estadounidenses, entre muchos otros que han visto

en el afiche una pieza importante para fortalecer el amor a la patria y para reclutar

voluntarios para las tropas que irán a los escenarios bélicos. Su estreno se dio

durante la I guerra mundial y destaca de esta época el afiche que diseñó James

Montgomery Flagg “I want you for U.S. Army”, el afiche se mantiene en servicio

activo desde la revolución rusa hasta la II guerra mundial.

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Los carteles cinematográficos, son usados por la industria del cine para la

promoción publicitaria de sus películas. En 1895

iniciamos el póster de películas con los hermanos

Lumiére y su corto L’Arroseur arrosé (El regador

mojado). Estas piezas no son un único diseño y tamaño,

se usan en distintos idiomas, mercados y soportes. A

inicios del siglo XX las ilustraciones de algunas escenas

se volvieron el tema del cartel en la gran mayoría de los

casos. En muchas salas de cine podemos ver movie

trailers de los próximo estrenos de manera interminable

en pantallas planas de alta definición, y éstas cada vez

son más, y menos el espacio para el póster.

HDR. High Dynamic Range. Se trata de una técnica para procesar imágenes

digitales sacadas de una cámara digital y que busca abarcar el mayor rango de

niveles de exposición en todas las zonas a través de un pos proceso, a partir de -

al menos tres imágenes digitales- de un objeto o paisaje estático tomadas con

horquillado. Esto se consigue mediante la mezcla de varias fotos de la misma

imagen con diferentes exposiciones. En procesamiento de imágenes digitales en

computadora, las imágenes de alto rango dinámico (HDR) son un conjunto de

técnicas que permiten un mejor rango dinámico de luminancias entre las zonas

de altas luces y las más oscuras de una imagen del que las técnicas de imagen

digital estándar o métodos fotográficos pueden ofrecer de origen (400 tonos). La

fotografía de alto rango dinámico permite obtener imágenes más similares en la

escala de luces y sombras a las visualizadas por el ojo humano (1000 tonos), que

cuando observa el mundo que nos

rodea es capaz de distinguir detalles en

zonas con una diferencia de

iluminación muy superior a la

soportada por otros formatos como la

película o los formatos de imágenes

comprimidas. Este rango dinámico

más extenso permite a las imágenes

HDR representar con más exactitud el

extenso rango de niveles de intensidad

encontrados en escenas reales, que van desde luz solar directa hasta la débil luz

de las estrellas.

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Los dos principales orígenes de las imágenes HDR son el renderizado en

computadora y la mezcla de múltiples fotografías en pos proceso con Adobe

Photoshop. Las técnicas de mapeo tonal o mapeo de tonos, que reducen todo el

contraste para facilitar que las cámaras digitales con menor rango dinámico

muestren imágenes HDR, pueden aplicarse para producir imágenes conservando

o exagerando el contraste localmente para realizar un efecto artístico.

Bancos de imágenes profesionales. Getty Images. Es el repositorio pionero de

los archivos fotográficos de muy alta calidad. Fue fundada en 1995, la empresa

trabaja originalmente con los fotógrafos más conocidos del mundo. La empresa,

con base en Seattle, Washington. La empresa tiene múltiples vías que permiten al

fotógrafo suscribirse a la comprar sus imágenes. Dirige tu comunicación inicial al

departamento correcto. Getty Images tiene –al menos- cuatro departamentos

básicos para las atender al fotógrafo, contacta al correcto:

Creativas/publicitarias.

Realizadores/imágenes en movimiento.

Noticias/deportes/entretenimiento

Archivo.

Cada uno de ellos tiene diferentes procesos de envío. Regístrate con Getty o envía

una solicitud a través correo electrónico. Si buscas vender tu trabajo tanto en el

departamento de imágenes creativas/publicitarias o de realizadores/en

movimiento, deberás registrarte con ellos. Este es un proceso básico para crear un

nombre o clave de usuario y biografía. Si deseas enviar imágenes de noticias,

deportes o entretenimiento a su departamento editorial, primero deberás

establecer una relación con ellos. Para hacerlo, envía una solicitud vía correo

electrónico con una nota de prensa, referencias profesionales y enlaces en línea de

tu trabajo. Si tienes una colección de material de archivo, ponte en contacto y

detalla la lista de tu inventario. Prepara tus envíos. Getty Images, como una de

las mejores agencias de fotografías solicita las mejores imágenes disponibles. El

tipo de imágenes que ellos buscan tienen "fuerte apariencia conceptual" junto con

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un atractivo emocional que "tiene más posibilidades de realizar ventas múltiples

y globales". Como fotógrafo verifica de que tus fotografías no luzcan comúnes,

genéricas, amateur o poco profesionales. Imagina qué directores de arte, agencias

de publicidad y profesionales de la mercadotecnia observarán tu trabajo. Getty,

también detalla una lista de requerimientos técnicos para el envío de las

imágenes. Éstas deben ser enviadas como archivo de imagen TIFF de 47.5-52, sin

comprimir, en paleta de colores RGB de 24 bit en 8 bits por canal. Deberán estar

libres de propiedad y modelo donde se necesite. Las fotografías deberán ser

sacadas con cámaras DSLR aprobadas previamente por Getty. Realizar una

prueba. Luego de registrarse en el sitio, se te solicitará que realices una pequeña

prueba para mostrarte cómo funciona la empresa. Cuando lo completes, podrás

enviarles un enlace a tu trabajo en línea. Envía tu trabajo a través de los

programas especializados de la empresa. Desde el mes de marzo de 2009, el

archico completo de Flickr hizo su debut en Getty Images. Getty misma

seleccionó aquellas imágenes dentro del gran archivo de Flickr. Ahora

simplemente carga aquellas que desees al sitio Flickr y crea un perfil detallado.

Vende a Getty Images. Si tus fotografías son aprobadas por Getty Images,

generalmente te pagarán con respecto a las ventas de las fotografías a otras

empresas. Recibirás regalías-pagos derivados de la venta- que puedes verificar a

través de tu perfil en el sitio web. Si estás buscando vender imágenes a su

departamento editorial, ellos establecerán un contrato separado contigo si te

contratan como fotógrafo independiente.

Composición visual. La imagen

fotográfica es producto de la intención

de un compositor que organizó,

ordenó y diagramó los distintos

elementos icnográficos que comparten

el espacio dentro del visor de la

cámara. Para lograr expresar lo que se

pretende decir a través de la imagen,

el fotógrafo debe conocer y dominar

las técnicas de composición que hemos

venido construyendo como cultura

global a lo largo de la historia. Estas

tienen que ver con los distintos

leguajes visuales que hemos

desarrollado a través de la historia del

arte, los movimientos artísticos, las

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propuestas de maestros y artistas de la plástica y el diseño gráfico, y además de

lo que otras culturas distintas a la nuestra han generado dentro de códigos o

lenguajes o forma de representar imágenes y formas de interpretarles.

Algunas de las herramientas que vamos a utilizar para componer nuestra

fotografía son ya conocidas por nosotros, a través de nuestro andar por el mundo

del diseño gráfico, el dibujo y otras. En una composición debemos buscar la

máxima eficacia comunicativa, impactar visualmente al público observador de la

imagen fotográfica. Realmente no existe una norma específica que nos asegure el

éxito de nuestra composición, pero sí unas pautas, que si se conocen pueden

hacer más eficaz nuestra comunicación.

• Contraste: Permite resaltar el peso visual, lo podemos

conseguir por medio de diversos medios: tonos, colores,

contornos y escala. Contraste de tonos. Se obtiene contraste

entre elementos que poseen tonos (claridad, oscuridad)

opuestos. En este caso, el mayor peso lo tendrá el elemento

más oscuro, destacando el más claro sobre él con más

intensidad cuanto mayor sea la diferencia tonal. Contraste

de colores. El contraste creado entre dos colores será mayor

cuanto más alejados estén en el círculo cromático. Los colores opuestos

contrastan mucho, mientras que los análogos apenas lo hacen, perdiendo

importancia visual ambos. Dos elementos con colores complementarios se

refuerzan entre sí, al igual que un color cálido y otro frío. Contraste de escala. Es el

producido por el uso de elementos a diferentes escalas de las normales o de

proporciones irreales, consiguiéndose el contraste por negación de la percepción

aprendida. Sí es frecuente en fotografía y pintura, consiguiendo atraer la atención

del espectador de forma muy efectiva.

• Formas y siluetas: Línea que da forma o figura a un cuerpo. La forma es el más

importante de todos estos elementos: Para reconocer un

objeto nos basta su silueta. Es una de las características

físicas de los objetos. La silueta o forma de un objeto basta

en muchos casos para reconocerla a primera vista. De

hecho la silueta del perfil bastara para reconocer y

distinguir a una persona. Para fortalecer este concepto se

deberá agregar contraste entre el fondo y la silueta. La

proporción de las formas establecerá la relación visual

entre ellas definiendo la perspectiva.

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• Simetría y asimetría: Muchos de los temas que se

fotografían habitualmente tienen uno o varios planos de

simetría. Personas, animales, objetos, incluso la línea del

horizonte pueden actuar en tal sentido. La imagen

resulta agradable si los motivos situados a ambos lados

del eje de simetría tienen el mismo ʺpeso visualʺ. La

composición simétrica es sencilla, solemne y formal; pero

fría y demasiado mecánica. La composición asimétrica,

posee numerosas las variantes que pueden incluirse en

este apartado. Se las conoce con el nombre de las formas

de letras o figuras que adoptan. Las más utilizadas son

la triangular y las realizadas en forma de S, L, o C., que parece ser que son las

que más a gusto recorre nuestra vista.

• Ley de tercios: Es la norma más clásica en la

composición, tanto en pintura como en fotografía. Se

basa en dividir el formato rectangular en tres bandas

iguales, tanto vertical como horizontalmente. Existen

variantes más complejas basadas en la utilización de la

sección o zona áurea clásica, pero sus resultados son similares.

Las dos líneas verticales u horizontales, con que imaginariamente dividimos el

encuadre, determinan la posición principal de los elementos alargados

(horizonte, edificios, etc.) y en los cuatro puntos de intersección de estas líneas se

sitúan los puntos de interés de la imagen. No es necesario ocupar todas las líneas

ni los puntos, sino situar sobre cualquiera de ellos el elemento principal. De esta

regla se desprende la conocida norma en fotografía de paisajes, de no situar

nunca el horizonte en el centro del fotograma.

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• Ritmo: El ritmo es un componente esencial en casi cualquier imagen.

Entendemos el ritmo plásticamente en la relación que establecemos entre forma

y espacio con un orden determinado. El ritmo es el resultado de la repetición de

líneas, formas, volúmenes, tonos y colores. La repetición de un motivo aumenta

la armonía de una escena. El ritmo permite además unir los diferentes elementos

de la escena para conferirles unidad y

fluidez. Las composiciones con ritmo

excesivamente rígido, como las olas,

cartones de huevos, campos de dunas,

terrenos de cultivo, etc., conviene

romperlas con algún pequeño objeto

discordante que atenúe su rigidez y

proporcione un centro de interés.

• P.O.V. Punto de vista. Lo normal es fotografiar colocado frente al motivo, de pie,

con la cámara a nivel de los ojos y con el plano focal perpendicular al suelo. El

tema se puede captar así sin distorsiones y de forma clara y descriptiva, pero se

obtienen imágenes estandarizadas y poco originales. Una de las formas de

conseguir encuadres originales de temas vulgares, consiste en saltarnos esta

norma a la torera y cambiar el punto de vista. Cuando optamos por un punto de

vista elevado (picada o vista de pájaro), podemos excluir la línea del horizonte y

utilizar el suelo como fondo. Esto proporciona imágenes muy originales pero,

por lo general, el sujeto principal queda poco destacado sobre el fondo y, si se

fotografían personas, se verán con la cabeza enorme y distorsionada. Si

fotografiamos a nivel del suelo y hacia arriba (vista de hormiga), el horizonte e

incluso el suelo pueden no aparecer en la foto. El sujeto, principal resalta mucho

más que en el caso anterior, pero pueden aparecer luces parásitas si se utiliza

iluminación cenital. En retrato destaca demasiado la mandíbula y los agujeros de

la nariz, por lo que está totalmente desaconsejado. Todos los defectos y

deformaciones producidas la variar el ángulo de la toma, pueden exagerarse

intencionadamente utilizando objetivos de corta distancia focal (gran angulares).

También pueden amortiguarse las distorsiones e incluso suprimirse, empleando

cámaras de gran formato y efectuando descentramientos del objetivo o del

respaldo.

Texturas. La sensación de textura se logra mediante una adecuada iluminación.

En general con una iluminación oblicua directa al sujeto se incrementará la

textura de los detalles más pronunciados. Con una iluminación oblicua difusa

se revela la textura de los detalles más finos. Combinando ambas iluminaciones

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mediante reflectores convenientemente ubicados de mostrará no solamente los

detalles más evidentes sino también los finos. Mediante la luz oblicua muchas

texturas aparentemente sin interés se transforman en temas muy decorativos,

por ejemplo la rugosidad de una montaña, un tronco de árbol, o la arena

modelada por el agua. El primer análisis que realiza el ojo en la percepción,

queda reafirmado o contrastado a través del tacto, que nos transmite otra

información.

La textura está relacionada con la

composición de una sustancia a través de

variaciones diminutas en la superficie

del material. Con la luz, es el elemento

clave en la percepción del espacio por su capacidad para orientar la visión

estereoscópica. Se produce mediante la repetición de luces y sombras en un

espacio gráfico, motivos iguales o similares que se repiten en el soporte. Con

todo, la mayor parte de nuestra experiencia textural es óptica, no táctil. Mucho

de lo que percibimos como textura está pintado, fotografiado, filmado...

simulando una materia que realmente no está presente. Es un hecho que se da

también en la naturaleza, ya que muchos animales adoptan o tienen aspecto de

lo que les rodea para defenderse de los enemigos, se confunden con la textura

de contexto.

La perspectiva: La representación de la profundidad en

una superficie plana siempre fue el problema de

pintores y dibujantes. El procedimiento más conocido, la

perspectiva lineal, utiliza una serie de principios geométricos

para lograr las proporciones correctas entre objetos a medida

que su tamaño aparente disminuye al aumentar la distancia y

para hacer que las líneas paralelas parezcan converger a

medida que se alejan. La cámara produce estos efectos automáticamente. El

enfoque selectivo de sujetos en diferentes planos también logra este efecto. En

ciertas ocasiones vasta cambiar un poco el ángulo de la toma para incrementar

aún más la sensación de la perspectiva lineal. Esto se logra mediante lo que se

conoce como punto de fuga, es decir dejando fuera del fotograma el punto de

convergencia de las líneas paralelas.

Volumen: Lo que da a los objetos fotografiados su aspecto sólido, es sobretodo el

juego de luces y de sombras. La fotografía es capaz de reproducir con

extraordinaria fidelidad la textura y el volumen ya que es muy sensible a las

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ligeras variaciones de luz y de sombra, medio utilizado para poner en relieve

dichas cualidades. La calidad y dirección de la luz son determinantes a la hora de

representar el modelado mediante sombras y texturas. Mediante la yuxtaposición

de los elementos contrarios como lo blando y lo rígido; lo suave y la inclinación

son cualidades que toman más fuerza si se presentan juntas.

PSICOLOGIA DEL COLOR

El color desprende diferentes expresiones del ambiente, que pueden

transmitirnos la sensación de calma, plenitud, alegría, violencia, maldad, etc. La

psicología de los colores fué estudiada por grandes maestros a lo largo de

nuestra historia, como por ejemplo Goethe y Kandinsky.

Aquellos colores que escogemos a la hora de vestir no sólo hablan

de nuestra alegría, estado anímico, de nuestros deseos de

impresionar o lucir atractivos; sino que también reflejan lo que

somos, anhelamos, pensamos. Son la viva expresión de nuestra

psiquis. El uso estudiado de cualquiera de los colores fríos (azules,

violetas y verdes) y los cálidos (rojos, amarillos y naranjas) produce

reacciones psicológicas que uno debe aprender a manejar a favor de

lo que quiera transmitir. El color es uno de los elementos que ha

recibido mucha atención por psicólogos y publicistas. Daniel Starch, uno de los

pioneros en el campo de la investigación publicitaria, sostuvo que en primer

lugar hay que señalar que la reacción ante un color es la mezcla de mecanismos

instintivos del aprendizaje social. Como ejemplo tenemos el color rojo que acelera

la circulación sanguínea y la respiración (perspectiva fisiológica) y al mismo

tiempo posee un valor simbólico desde una perspectiva cultural (el matrimonio

en China). Bams, otro autor interesante, indica que el color es un factor vital que

ejerce influencia, emociona y aun puede perturbar el estado de la conciencia, por

él se estimula la tensión y el interés, se impulsa un deseo, se crea una sensación

de ambiente, actúa la imaginación y se produce un sentimiento de simpatía o

repulsión. Durante la II Guerra Mundial los alemanes realizaron experimentos

con los colores. En uno de ellos construyeron ambientes circulares pintados de

rojo, los individuos sometidos a ese encierro resultaron dementes en pocos días

debido a la influencia de la forma y especialmente del color. La vista está

acostumbrada a diferenciar formas y colores, frente a esa experiencia se

produjeron alucinaciones que trastornaron sus mentes. Otro experimento que

realizaron fue el de obligar a las personas a levantar pesos mientras colocaban

cartulinas de diversos colores frente a ellas; los hombres levantaban con facilidad

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los pesos cuando tenían frente a ellos colores fuertes como el rojo, pero no podían

levantarlos cuando se les presentaba el verde. El color es algo más que una simple

moda, es un recurso psicológico y maravilloso de manifestar la personalidad. Los

colores emiten radiaciones y algunas personas son más susceptibles que otras a

ellas, pero todos tienen características peculiares que influyen en nuestras

reacciones. La cultura que poseen las diversas sociedades juega un rol importante

en la apreciación de los colores, así el luto se representa con negro en la cultura

occidental, pero en Japón el blanco es el que transmite el dolor ante la pérdida de

un ser querido. Como convención cultural también encontramos el color en la

codificación que hacen los enamorados, quienes para expresar amor lo

representan con rojo; el desprecio, con amarillo; la esperanza, con verde.

Blanco: Es el que mayor sensibilidad posee frente a la luz. Es la suma

o síntesis de todos los colores, y el símbolo de lo absoluto, de la

unidad y de la inocencia, significa paz o rendición. Mezclado con

cualquier color reduce su croma y cambia sus potencias psíquicas, la del blanco

es siempre positiva y afirmativa. Los cuerpos blancos nos dan la idea de pureza

y modestia. El blanco crea una impresión luminosa de vacío, positivo infinito.

Negro. Símbolo del error, del mal, el misterio y en ocasiones simbólica

algo impuro y maligno. Es la muerte, es la ausencia del color. También

transmite nobleza y elegancia.

Gris. Es el centro de todo ya que se encuentra entre la transición entre el blanco

y el negro, y el producto de la mezcla de ambos. Simboliza neutralidad,

indecisión y ausencia de energía. Muchas veces también expresa tristeza, duda y

melancolía. El color gris es una fusión de

alegrías y penas, del bien y del mal. Da la

impresión de frialdad metálica, pero también

sensación de brillantez, lujo y elegancia.

Amarillo. Es el color más intelectual y puede ser asociado con una gran

inteligencia o con una gran deficiencia mental; Van Gogh tenía por él una especial

predilección, particularmente en los últimos años de su crisis. Este primario

significa envidia, ira, cobardía, y los bajos impulsos, y con el rojo y el naranja

constituye los colores de la emoción. También evoca satanismo (es el color del

azufre) y traición. Es el color de la luz, el sol, la acción, el poder y

simboliza arrogancia, oro, fuerza, voluntad y estimulo. Mezclado

con negro constituye un matiz verdoso muy poco grato y que

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sugiere enemistad, disimulo, crimen, brutalidad, recelo y bajas pasiones.

Mezclado con blanco puede expresar cobardía, debilidad o miedo y también

riqueza, cuando tiene una leve tendencia verdosa. Los amarillos también suelen

interpretarse como joviales, afectivos, excitantes e impulsivos. Están relacionados

con la naturaleza. Psicológicamente se asocia con el deseo de liberación.

Rojo. Se lo considera con una personalidad extrovertida, que

vive hacia afuera, tiene un temperamento vital, ambicioso y material, y se deja

llevar por el impulso, más que por la reflexión. Simboliza sangre, fuego, calor,

revolución, alegría, acción, pasión, fuerza, disputa, desconfianza,

destrucción e impulso, así mismo crueldad y rabia. Es el color de los maniáticos

y de marte, y también el de los generales y los emperadores romanos y evoca la

guerra, el diablo y el mal. Como es el color que requiere la atención en mayor

grado y el más saliente, habrá que controlar su extensión e intensidad por su

potencia de excitación en las grandes áreas cansa rápidamente. Mezclado con

blanco es frivolidad, inocencia, y alegría juvenil, y en

su mezcla con el negro estimula la imaginación y

sugiere dolor, dominio y tiranía. Expresa sensualidad,

virilidad y energía, considerado símbolo de una pasión

ardiente y desbordada. Por su asociación con el sol y el

calor es un color propio de las personas que desean

experiencias fuertes.

Naranja. Es un poco más cálido que el amarillo y actúa como

estimulante de los tímidos, tristes o linfáticos. Simboliza entusiasmo y

exaltación y cuando es muy encendido o rojizo, ardor y pasión.

Utilizado en pequeñas extensiones o con acento, es un color utilísimo,

pero en grandes áreas es demasiado atrevido y puede crear una impresión

impulsiva que puede ser agresiva. Posee una fuerza activa, radiante y expresiva,

de carácter estimulante y cualidad dinámica positiva y energética. Mezclado con

el negro sugiere engaño, conspiración e intolerancia y cuando es muy oscuro,

opresión.