TRABAJO DE PLÁSTICA 1ºEVALUACIÓN

Tamara Martin Jiménez Paula Jiménez Medianero Francisco Moreno Romero Fausto Fasini Díaz

1º EL ROMANTICISMO

Theodore Gericault

Francisco de Goya

Auguste Rodín

Eugene delacroix

INTRODUCCIÓN

El romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en Reino Unido (Gran Bretaña e Irlanda del Norte) a finales del siglo xviii como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el clasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos.

Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable.

Debido a que el Romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla, incluso dentro de una misma nación, se manifiestan distintas tendencias proyectándose también en todas las artes.

THEODORE GERICAULT

• (Théodor o Théodore Géricault; Ruán, Francia, 1791 - París, 1824) Pintor francés. Fue una figura singular en el panorama de la pintura francesa y un pionero del Romanticismo, ideal que encarnó también en su tumultuosa vida y en su prematura muerte, a los treinta y tres años, a causa de un accidente de equitación.

• En 1798 se trasladó con su familia a París, donde se formó artísticamente en los estudios de Vernet y de Pierre Guérin. No obstante, su estilo se debe en buena medida a las copias de obras maestras que realizó en el Louvre y a una estancia en Italia (1816-1817), donde entró en contacto con la obra de Miguel Ángel y con el barroco romano.

• La carrera de Géricault como pintor se extiende apenas a lo largo de diez años, pese a lo cual su obra es notable y abundante. En sus primeras realizaciones (La muerte de Hipólito, La captura del caballo salvaje), un planteamiento todavía clásico va acompañado de una materia pictórica rica y pastosa, y de un modelado de las figuras a través de la luz, que son ya rasgos claramente románticos. De 1820 a 1822, Géricault estuvo en el Reino Unido, donde pintó sobre todo carreras de caballos, en respuesta a su gran afición al mundo de la hípica. Hacia 1822-1823 realizó una excepcional serie de retratos de enfermos mentales, como preparación para una obra que no llegó a ejecutar; son retratos de sorprendente esencialidad y de un realismo crudo, connatural este último a su estilo. Fue amigo de Eugène Delacroix, su principal epígono y continuador artístico.

OBRAS PRINCIPALES

OFICIAL DE CAZADORES A LA CARGA (1812):

Esta pintura, que revela el interés del autor por un asunto contemporáneo, se le ocurrió a Géricault cuando, estando en una fiesta popular en Saint-Cloud, el ruido hizo que de repente se encabritase un caballo. Inmediatamente hizo toda una serie de bocetos con este motivo.

La pintura fue terminada cuando el artista tenía menos de 30 años y se convirtió en un ícono del Romanticismo francés (1819)

EL BESO:

“El Beso” de 1822, es un ejemplo de la anticipación de Géricault a un “nuevo” tratamiento de los temas en ese siglo XIX,

LA BALSA DE LA MEDUSA:

DERBI EN EPSOM:

Théodore Géricault era un apasionado de los caballos. Aquí representa la carrera o derbi de Epsom, que está considerado aún hoy en día como una de las más prestigiosas carreras de caballos del mundo.

EL CLEPTÓMANO(1822-1823):

FRANCISCO DE GOYA

Francisco de Goya nació en el año 1746, en Fuendetodos, localidad de la provincia española de Zaragoza, hijo de un dorador de origen vasco, José, y de una labriega hidalga llamada Gracia Lucientes. Avecinada la familia en la capital zaragozana, entró el joven Francisco a aprender el oficio de pintor en el taller del rutinario José Luzán, donde estuvo cuatro años copiando estampas hasta que se decidió a establecerse por su cuenta

OBRAS PRINCIPALES:

LA MAJA DESNUDA:

Obra de encargo pintado antes de 1800. Se retrata a una mujer hermosa recostada plácidamente en un lecho y mirando al observador.Tiene predominio de una gama cromática fría, es audaz en la expresión del rostro y actitud corporal.Destaca la luminosidad en el cuerpo.

SATURNO DEVORANDO A SU HIJO :

Relacionado en la melancolía y destrucción.Emplea una gama de blancos y negros, aplicada en manchas de color grueso, solo rota por el ocre de las carnaciones y la llama fulgida en blanco y rojo de la carne viva del hijo.

EL QUITASOL :

El color en este cuadro es luminoso y contrastado de vivos tonos. Representa a una muchacha sentada en un ribazo, con un perrillo en el haldo, a su lado un muchacho en pie haciéndole sombra con el quitasol.

FUSILAMIENTO DEL 3 DE MAYO:

Goya prescinde de los elementos del neoclasicismo imperante para representar la gesta. El efecto que desea producir en el espectador es que el patriotismo esta antes de todo, incluso que la muerte.

VIEJOS COMIENDO SOPA :

Es una pintura negra, la gama cromática se reduce a ocres, tierras, grises y negros. Las pinceladas son aplicadas de modo muy libre, decidido y rápido; también hay un amplio uso de la técnica de la aplicación de pigmento con espátula.

GRANDE HAZAÑA CON MUERTE:

Nos ofrece suaves tonos, rompiendo la brillantez de los blancos pero sin trama alguna. También hay contrastes entre zonas luminosas y oscuras, además de un importante dominio técnico de los valores estéticos.

AUGUSTE RODIN

(París, 1840-Meudon, Francia, 1917) Escultor francés. Fue alumno de Jean-Baptiste Carpeaux en la Escuela de Artes Decorativas y de Antoine-Louis Barye en el Museo de Historia Natural, dos escultores a los que admiró y en quienes se inspiró en cierta medida. Por sus modestos orígenes, se vio obligado a ganarse la vida como ayudante de decoración, compaginando el trabajo profesional con su dedicación a la escultura.

LAS PUERTAS DEL INFIERNO:

Contiene 180 figuras cuyas dimensiones fluctúan entre los 15 cm y mas de 1m; tiene referencias clásicas claras: el dintel a modo de tímpano, el ático, las pilastras en las jambas, Parte el papel de la luz y la poco definida línea de sus figuras

El PENSADOR:

Fundido en bronce y terminado en 1880. El pensador, en su origen, buscaba representar a Dante frente a Las Puertas del Infierno.

EL BESO:La pareja abrazada de El Beso apareció originalmente entre un grupo de relieves decorando la monumental puerta de bronce de la mansión cazzi. La escultura está creada en mármol.

LOS BURGUESES DE CALAIS.Escultura que representa a los seis burgueses que en 1347, se ofrecieron a dar sus vidad para salvar a los habitantes de la sitiada ciudad francesa de calais. Está hecha en bronce, y se terminó de hacer en 1889.

EUGENE DELACROIX

(Charenton-Saint-Maurice, Francia, 1798-París, 1863) Pintor francés. Aunque nacido en el seno de una familia formada por Charles Delacroix, político de profesión, y Victoire Oeben, que pertenecía a una familia de artesanos y dibujantes, se da prácticamente por seguro que su padre fue Talleyrand, un diplomático amigo de la familia. Se formó en el estudio de Pierre Guérin, pero debe sus rasgos estilísticos a Géricault y Gros, coetáneos a los que admiró, y también a Rubens y los venecianos. Fue también un gran admirador de la pintura inglesa.

LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO :

La libertad guiando al pueblo.Representa una escena del 28 de Julio de 1830 en la que el pueblo de Paris levantó barricadas. No está representada de forma abstracta, sino que es una figura alegórica muy sensual y real. Se utilizan colores pálidos con pinceladas sueltas destacando el azul, el rojo y el blanco

LA MUERTE DE SARDANÁPALO :

El color domina y la luminosidad es brillante. Utiliza colores cálidos, en particular pigmentos castaños y rojos. De ellos surgen, poco a poco colores como el blanco, amarillos y anaranjados

LA MATANZA DE QUIOS :Al parecerle “triste y sin luz” su cuadro, decidió modificarlo. Puso pinceladas borrosas que fortalecieron la impresión de desolación que el cuadro transmite. Tiene tonalidades cobrizas que unifican el espacio y proporcionan al cuadro una luz infernal

LA BARCA DE DANTE:Es un óleo sobre lienzo realizada en 1822. Es una de las primeras pinturas de Delacroix

2º EL REALISMO

Camille Claudiel

Honore Daumier

Edouar Manet

INTRODUCCIÓN

CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES: • Es cabal • Es objetivo • No toma en cuenta la línea o el color, ya que siempre busca la aproximación a lo real • Siempre intenta describir la vida y la sociedad tal y como son, con sus aspectos positivos y

negativos. • Busca el detalle, observa la realidad y la describe minuciosamente.

Es una corriente opuesta al romanticismo que surge en la segunda mitad del siglo XIX, como su nombre lo indica, El Realismo busca la realidad, aunque surge de la imaginación, deben ser vistos de tal forma que sean creíbles.

En arte, aunque nunca se desarrolló una escuela realista como tal, el concepto en sí, se ha manifestado de diferentes maneras y en distintas ocasiones.

El término realista, utilizado para describir una obra de arte, a menudo, significa simplemente objetos y figuras feas en oposición a aquellas que se consideran bellas. Con frecuencia se usa para describir escenas humildes de la vida. Este término implica una labor de crítica a las condiciones sociales, sin rehuir en ningún momento lo desagradable.

CAMILLE CLAUDEL

Nació el 8 de diciembre de 1864 en Villeneuve-sur-Fère. Hermana del poeta Paul Claudel y amante del que fuera su maestro, el escultor Auguste Rodin.

Desde muy temprana edad se apreció en ella un talento natural para el arte. Desde su infancia modela y esculpe, siendo su hermano Paul y su sirvienta Helene sus primeros modelos. A los doce años, su familia se traslada a Nogent-sur-Seine y entra en la Academia Colarossi, una de las pocas escuelas de arte que admitía estudiantes femeninas.

Su encuentro con Rodin, de cuarenta y tres años, y ella, de diecinueve, fue el inicio de una relación que duró quince años, en los que recibió influencias en la técnica y temática de las composiciones. En 1884, colaboró con Rodin en la realización de Las Puertas del Infierno y en Los Burgueses de Calais. Por esa época realiza las composiciones Giganti (1885), o Joven mujer con una gavilla, ejecutada seis años después.

EL TALLER DEL PINTOR: obra de Courbet, de 1855 que dio origen a la definición del término 'Realismo'.

LE DÈJENEUR SUR L'HERBE, obra de Manet, 1863.

SAKOUNTALA (1886-1905):Inspirada en principio en una leyenda hindú que trata de un amor desafortunado entre Sakountala y el rey Duchmanta Rey quien, caído de rodillas, funde su rostro al de ella en un beso implorándole perdón por no haberla reconocido como amante ni haber reconocido a su hijo.

EL VALS (1889-1905) :Escultura en bronce de la que logra arrancar un dinamismo sorprendente. La pareja de bailarines que la constituyen apenas se sostienen. Casi salen del espacio virtual de la escultura rompiendo sus ataduras con la roca para alejarse a danzar libremente por el salón imaginario. La tensión aumenta por el modo en que en un juego de ilusión perfecto los rostros de ambos amantes se entre tocan.

LA OLA (1897-1903):Representa a un grupo de mujeres que se bañan en el mar sin temor de la ola gigante que se les viene encima

LA EDAD MADURA (Hacia 1902):Esta escultura tiene una doble lectura que invita a reflexión sobre la complejidad de las relaciones humanas, o como una alegoría del tiempo en el que el transcurso de los años conducen al hombre a la pérdida inexorable de la juventud, preludio de la vejez que conduce a la muerte.

HONORÉ DAUMIER

(Marsella, 1808 - Valmondois, Francia, 1879) Caricaturista, pintor y escultor francés. Destacó sobre todo como caricaturista, con litografías de sátira política, social y de costumbres que aparecieron en publicaciones periódicas como La Silhouette, La Caricature y Le Charivari. Se cree que realizó más de 4.000 litografías caricaturescas con un trazo muy expresivo, capaz de ilustrar una idea con sólo un gesto o una actitud. A partir de 1860 se dedicó también al dibujo, la pintura al óleo y la acuarela. Estas obras, de colorido cálido, composición simplificada y grandes contrastes de luces y sombras, no gozaron del favor del público. Daumier fue valorado tan sólo por algunos entendidos, como Delacroix y Corot, y este último le prestó importantes ayudas económicas para impedir que acabara en la miseria. Entre sus pinturas destaca la serie en la que presenta a Don Quijote como un héroe inmortal.

CRISPÍN Y SCAPÍN (1865):

En esta obra, Daumier trata temas del espectáculo, que posteriormente utilizará el impresionismo. Juega con la luz, la expresividad, las líneas de contorno.

EL VAGÓN DE TERCERA CLASE (1864):En El vagón de tercera clase, Daumier nos muestra la diferencia entre la clase trabajadora y la más alta. Es una obra muy monocroma.

EL MELODRAMA (1860):

La escena de la obra teatral, en la que un asesino señala a un muerto a una mujer iluminada por las candilejas, en un intenso claroscuro.

UNA DISCUSIÓN LITERARIA EN LA SEGUNDA GALERÍA

EDOUAR MANET

(París, 1832 - id., 1883) Pintor y grabador francés. Hijo de un importante funcionario del ministerio de Justicia, Édouard Manet fue un mediocre estudiante interesado únicamente en el dibujo. Ante la resistencia paterna a que iniciara una carrera artística, trató infructuosamente de ingresar en la Escuela Naval hasta que, tras un segundo intento fallido, su familia accedió a regañadientes a financiar sus estudios artísticos, que inició en 1850 en el taller del pintor clásico Thomas Couture.

Tras seis años de aprendizaje, Édouard Manet se estableció en un estudio propio. En esos primeros tiempos entabló relación con artistas y literatos como Henri Fantin-Latour, Edgar Degas y Charles Baudelaire. A principios de 1860 empezaron a ser reconocidas algunas de sus obras, que merecieron, entre otras, la cálida acogida del crítico y escritor Téophile Gautier.

OLYMPIA (1863):

Explícitamente inspirada en la Venus de Urbino de Tiziano, sin embargo el personaje central resulta ser una prostituta parisina

EL BAR DE FOLIES BERGÉRE (1882):

Fue la última gran obra del pintor francés Édouard Manet. presenta a una chica delante de un fondo vívido y típicamente impresionista, en este caso el bar cabaret de Folies Bergère.

EL PÍFANO (1866):

Manet pintó El pífano influido por la manera de los retratos de Velázquez que había admirado en el Museo del Prado de Madrid. Como en el cuadro del pintor español, Manet concibe un fondo sin profundidad, en que los planos vertical y horizontal son apenas distinguibles.