EDUCACIÓN PLÁSTICA VISUAL Y AUDIOVISUAL
IES MANUEL LOSADA VILLASANTE
Segundo de la ESO
Segundo trimestre
Unidad 5. Tamaño y proporción ( La figura humana ).
Unidad 6. Tangencias y enlaces.
Unidad 7. La representación del espacio y el volumen.
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Unidad 5
Tamaño y proporción ( La figura humana)
1. La proporción en las formas
La proporción se puede definir como la relación de correspondencia entre las partes
con un todo o entre dichas partes. La proporción está ligada tanto a las medidas y
tamaños como a las relaciones y comparaciones de esas dimensiones.
Perceptualmente la proporción está ligada a la sencillez y la armonía.
2. La proporción en el cuerpo humano.
2.1. Representación del cuerpo humano a lo largo de la historia.
La representación de la figura humana ha sido uno de los temas más tratados a lo
largo de la historia. Desde sus orígenes, el hombre ha tenido una necesidad imperiosa
de establecer unos ideales o cánones de representación de la figura humana que han
ido variando según los diferentes períodos históricos. El término canon deriva del griego
(kanon, que quiere decir regla) y su uso más habitual en el arte ha sido para hacer
referencia a las proporciones de un cuerpo humano ideal. Cada artista elige una
manera personalísima de representar la figura humana, reflejando con fidelidad los
detalles de la realidad o huyendo poco a poco de ellos para encontrar más la
esencia, la personalidad, la fuerza o los sentimientos de lo retratado. La real academia
define en su tercera acepción el canon como: regla de las proporciones de la figura
humana, conforme al tipo ideal aceptado por los escultores griegos.
El canon se ve influido por creencias religiosas, antropológicas y estéticas. Cada
sociedad considera ideal un determinado canon o proporción pero siempre es fruto
de la observación y de establecer relaciones entre unas partes y otras del cuerpo, así
que, como las constituciones anatómicas de los humanos varían de unas culturas a
otras el canon también varía.
Fueron los griegos los que establecieron
el primer canon universal, basado en un
sistema de medidas partiendo de los
estudios egipcios, que fueron los
primeros en concebir la idea de dividir
el cuerpo humano en partes iguales con
un fin práctico (poder dividir el trabajo
entre varios escultores).
El canon egipcio estaba basado en la
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repetición de la medida del puño, y para ellos un cuerpo armónicamente
proporcionado debía tener 18 puños.
Entre los artistas griegos, el concepto de canon fue uno de los más importantes que se
plantearon entorno a la representación del cuerpo humano.
Según la tradición, se dice que el escultor griego Policleto del siglo V a.C., fue el
primero que esculpió una figura empleando una proporción basada en la medida de
la cabeza repetida 7 veces para la medida total del cuerpo, en su obra denominada
el Doríforo, con la intención de crear un ideal de perfección que otros imitarán
después.
Doríforo Apoxiomeno
Igualmente valorado es el canon de otro griego, Lisipo del siglo IV a.C, en donde
ofrece una mayor esbeltez del cuerpo humano equiparando su altura a la medida de
8 cabezas. en su obra Apoxiomeno.
Los romanos continuaron aplicando el canon de Lisipo.
Una de las imágenes más famosas sobre la proporción del cuerpo humano es el
Hombre de Vitruvio de Leonardo da Vinci (renacimiento). Leonardo hizo un estudio en
profundidad de la figura humana, para demostrar qué partes fundamentales guardan
relación con la Sección Áurea.
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2.2. Encaje y dibujo de la figura humana.
Para el estudio y representación de la figura humana, podemos dividir el cuerpo en
ocho partes iguales siendo la cabeza la unidad. Dicho de otra forma el canon de
cuerpo humano ideal es de ocho cabezas de alto. Observad los siguientes gráficos
que nos servirán de ejemplo. Aunque estas posiciones son relativas tanto en el hombre
como en la mujer, pues hemos de partir de la base que esto es un canon ideal, pero
evidentemente cada persona es distinta a las demás y tiene sus particularidades.
El canon nos sirve para el estudio de las
proporciones y así situaremos el pubis
en el centro de la figura, el pecho
coincidiendo con la segunda línea,
algo más bajo en la mujer al igual que
sucede con el ombligo, las manos se
sitúan a la misma altura, al igual que las
rodillas, en fin que estos bocetos nos
sirven de guía, aunque a la hora de
dibujar una persona tenemos que
fijarnos en sus particularidades.
Como el niño es una persona en constante y
rápida evolución es difícil concretar un canon,
aunque podemos establecer uno aproximado:
cinco cabezas para niños de dos años, de seis
cabezas entre seis y doce y siete entre los doce y
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los quince, aproximadamente
El centro de gravedad es el punto en el que todas las fuerzas y pesos del cuerpo se
compensan manteniendo su equilibrio y está situado en la zona pelviana. Existen tres
ejes que intervienen en el movimiento del cuerpo.
Eje vertical: Pasa por la columna vertebral y va desde la cabeza hasta el suelo.
Eje horizontales: Uno pasa por la clavícula y otro por la pelvis.
Cuando una figura está en movimiento, mantiene el equilibrio gracias a los
mecanismos de compensación de las distintas partes del cuerpo.
Se llama encaje al conjunto de acciones y líneas que sirven para marcar las
proporciones generales de un dibujo. Cualquier forma a representar, puede
considerarse encerrada en una figura geométrica más o menos simple o bien
combinaciones de varias. La figura geométrica que envuelve al objeto actúa como
una caja, de ahí la palabra "encajar".
Así pues el primer paso a la hora de comenzar cualquier dibujo es realizar un esquema,
que funcionará de esqueleto, estableciendo la proporciones entre las diferentes partes
y siempre de lo más general a lo más particular. Así pues, podemos afirmar que el
encaje es el proceso por el que , basándonos en el esquema, iremos dando forma a
ala figura.
3. Las proporciones del rostro
Para dibujar un rostro hay una serie de medidas y proporciones que se mantienen más
o menos fijas independientemente de las características particulares de cada uno.
Digamos que existen unas proporciones por tener un cráneo humano que se
mantienen y nos diferencian por ejemplo de otro animal como un mono o gato.
Para comenzar a dibujar el óvalo de la cara puedes trazar una circunferencia inscrita
en un cuadrado. Añade aproximadamente una tercera parte del cuadrado anterior
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para dibujar la zona inferior del óvalo correspondiente a la barbilla.
Divide verticalmente el óvalo
de la cara en cuatro partes
iguales y la zona inferior del
óvalo divídela en dos .
A continuación divide el óvalo
horizontalmente en cinco
partes iguales.
La línea de los ojos divide el
óvalo en dos partes iguales. El
volumen del pelo no forma
parte de las proporciones del
rostro puesto que varía en
cada persona, por lo tanto
deberás dibujarlo al final,
cuando tengas
correctamente distribuidos
todos los rasgos faciales.
La anchura de la nariz viene a
ser una quinta parte del
ancho de la cara. Los ojos ocupan aproximadamente los espacios contiguos a ésta,
por lo que la separación entre ambos suele ser igual al ancho de la nariz.
Coloca los ojos en la línea horizontal que divide el óvalo por la mitad. Sitúa los
ojos en la segunda y cuarta divisiones verticales y la nariz en la central.
La línea de las cejas está a la misma altura que la parte superior de las orejas.
Trazando líneas desde el punto
medio entre los ojos hasta el borde
de la nariz te indicará el ancho de la
boca.
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Si trazas una línea desde el centro de la nariz hasta el extremo del ojo te marcará el
final de la ceja.
Debes de tener en cuenta, que la edad, es también un factor que modifica el canon
de las proporciones:
Debes tener en cuenta que esto son solo orientaciones para el encaje y que luego
cada persona tiene una serie de particularidades que habrá que aprender a observar
y representar a la hora de realizar un retrato.
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Unidad 6
Tangencias y enlaces
1. Concepto de tangencia y enlace
Las tangencias se pueden dar entre circunferencias o entre rectas y circunferencias.
Una recta y una circunferencia o dos circunferencias son tangentes cuando se tocan
en un punto, es decir tienen un solo punto en común.
Recta- Circunferencia Circunferencia - Circunferencia
Un enlace es la unión armónica de curvas con curvas o curvas con rectas. Son una
aplicación práctica de las tangencias y se usan para redondear aristas, consiguiendo
una línea contínua sin puntos angulosos. Los enlaces se utilizan mucho en piezas
industriales y en el diseño. ( ejemplo : arcos que cierran la parte superior de puertas y
ventanas)
Arco carpanel Arco conopial
2. Propiedades fundamentales de las tangencias
Recta - Circunferencia: Si una recta y una circunferencia son tangentes, la
recta será perpendicular al radio en el punto de tangencia.
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Circunferencia - Circunferencia: Si dos circunferncias son tangentes los centros
estarán alineados con el punto de tangencia.
3. Ejercicios de tangencias y enlaces
3.1. Trazar las rectas tangentes a una circunferencia desde un punto exterior.
Datos: Solución:
Procedimiento:
1) Unimos el centro de la circunferencia con el punto exterior, trazando un
segmento.
2) Trazamos la mediatriz del segmento, obteniendo el punto medio de éste.
3) Haciendo centro en el punto medio y con radio hasta el centro, trazamos una
circunferencia que corta a la dada en dos puntos, los puntos de tangencia.
4) Trazamos radios hasta los puntos de tangencia.
5) Desde el punto exterior hasta los puntos de tangencia trazamos dos rectas que
son la solución. ( Comprobamos perpendicularidad entre estas rectas y los
radios)
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3.2. Enlazar dos rectas con una circunferencia de radio conocido.
Datos:
Procedimiento:
1) Trazamos una paralela a una distancia r de una recta.
2) Hacemos lo mismo con la otra recta y donde ambas paralelas se cortén
tendremos el centro de la circunferencia buscada.
3) Desde el centro trazamos perpendiculares a las rectas del enunciado para
hallar los puntos de tangencia y trazamos la circunferencia.
3.3. Enlazar una recta y una circunferencia con otra circunferencia de radio conocido.
Datos:
Procedimiento:
1) Trazamos una paralela a una distanccia r de la recta.
2) Trazamos un arco concéntrico a la circunferencia dada de radio (+ r ). Para
ello se traza un radio arbitrario y a partir del punto de corte con la
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circunferencia se transporta la medida r. Los puntos de intersección con la
recta paralela serán los centros de las circunferencias soluciones.
3) Hallamos los puntos de tangencia y trazamos las circunferencias solución.
3.4. Enlazar puntos mediante arcos de circunferencia.
Procedimiento:
1) Unimos los puntos con segmentos.
2) A cada segmento le trazamos su mediatriz. El primer arco lo trazamos de forma
aleatoria haciendo centro en cualquier punto de la mediatriz y lo hacemos
pasar por ambos extremos.
3) Unimos el último punto de cada arco con su centro. La prolongación de esa
recta cortará a la mediatriz del segmento contiguo determinando el centro del
siguiente arco.
4) Se procede del mismo modo hasta acabar con todos los puntos.
4. Curvas técnicas. El óvalo y el ovoide
Las curvas son las figuras más comunes en la naturaleza y en el diseño. Algunas de
ellas, como los óvalos y ovoides se utilizan en la creación de objetos cotidianos.
4.1. Trazado de un óvalo dado el eje mayor.
Procedimiento:
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1) Dividimos el eje mayor dado en tres partes iguales. Los dos puntos que lo
dividen serán dos de los centros.
2) Trazamos dos circunferencias desde O1 y O2 y radio hasta los extremos del eje.
Los puntos e intersección de las circunferencias, serán los otros dos centros del
óvalo.
3) Unimos O3 y O4 con O1 y O2 para hallar los puntos de tangencia en los puntos
de corte de las rectas trazadas con las circunferencias.
4) Desde O3 Y O4 se trazan los arcos que completan el óvalo.
4.2. Trazado de un ovoide dado el eje menor.
Procedimiento:
1) Hallamos la mediatriz del eje AB, hallando el
punto medio del eje dado.
2) Con centro en O1 y radio la mitad del eje,
trazamos una circunferencia que determina
O2.
3) Unimos los extremos A y B con el punto O2
mediante dos rectas.
4) Con centros en A y B y radio la medida del
eje, dibujamos dos arcos que determinan C
y D en las rectas anteriores.
5) Con centro en O2 y radio O2-C, dibujamos
un arco que une C y D.
5. Curvas técnicas. Espirales.
La espiral ha sido un motivo muy presente a lo largo de la historia del arte. Ya en las
culturas antiguas, como la griega, se utilizaba ( ejemplo: diseño del capitel jónico).
Así pues, la espiral es una línea curva generada por un punto que se va alejando
progresivamente del centro, a la vez que gira alrededor de él.
5.1. Trazado de una espiral de dos centros.
Procedimiento:
1) Sobre una recta situamos los dos centros a la distancia deseada. Con centro en
1 y radio 1-2 trazamos una semicircunferencia que nos da el punto 3.
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2) Con centro en 2 y radio 2-3 trazamos una semicircunferencia en el lado
opuesto a la primera obteniendo el punto 4.
3) Con centro en 1, de nuevo, trazamos una semicircunferencia de radio 1-4,
obteniendo el punto 5.
Se trata de alternar los centros uno y dos, trazando semicircunferencias, siempre en el
mismo lado para cada centro y abriendo el compás el radio máximo posible en cada
paso.
5.2. Trazado de una espiral de tres centros dado el paso.
Procedimiento:
1) Dibujamos un triángulo equilátero. Sus vértices serán los tres centros utilizados.
2) Prolongamos los lados del triángulo.
3) Con centro en A y radio AC, trazamos un arco de C a D.
4) Con centro en B y radio BD, trazamos un arco de D a E.
5) Con centro en C y radio CE, trazamos un arco de E a F.
6) Seguimos este proceso sucesivamente, alternando los centros A, B y C
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Unidad 7
La representación del espacio y el volumen.
Lenguaje expresivo La representación del espacio y el volumen
1. El volumen
El volumen es el espacio tridimensional (largo, ancho y alto)que ocupan los cuerpos en
la realidad. Así pues el volumen puede considerarse de dos maneras:
El volumen real de los objetos: Se encuentra presente en ámbitos como la
escultura,, el diseño industrial y el de interiores o la arquitectura.
El volumen simulado: Consiste en representar el volumen en un soporte
bidimensional y que este se perciba como tridimensional.
1. El espacio. Las claves de profundidad
Para representar las formas tridimensionales y crear sensación de espacio en una obra
bidimensional, podemos utilizar diversos recursos gráficos, que reciben el nombre de
claves de profundidad:
Reducción de tamaño: En una composición, las formas que queremos
representar como cercanas deben ser de mayor tamaño que las que
aparecen más lejos. Cuanto más pequeñas sean estas últimas, mayor será esa
sensación de profundidad.
La superposición: Superponiendo las figuras, simulamos que una cosa está
delante de la otra. Nuestro cerebro interpreta que estarán más cerca aquellos
elementos que tapan a los demás, y por lo tanto, los elementos parcialmente
ocultos, estarán más lejos.
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La perspectiva aérea: Con la distancia, se suavizan los contrastes cromáticos y
lumínicos. Los objetos más lejanos se percibirán más desdibujados y los colores
más agrisados, al aumentar la distancia al observador.
La degradación de las formas: Hace referencia al nivel de detalle con el que se
representan los objetos que están situados en diferentes planos. Cuanto más
lejos, las superficies se representarán menos detalladas y texturadas.
La perspectiva: Existen diferentes tipos de perpectivas y sistemas de
representación, incluídas dentro del dibujo técnico. De ellas, la perpectiva
cónica es la más utilizada en el dibujo y la pintura, pues es la que más se
parece a la imagen que capta la retina humana. A través de la perspectiva
cónica, se establecen relaciones de cercanía y lejanía que nos ayudan a
conseguir sensación de espacio y profundidad.
El claroscuro: El cambio progresivo entre las zonas de luz y sombras en
un cuerpo u objeto, ayuda a que estas parezcan tridimensionales y
contribuye a acentuar la sensación de profundidad en nuestra obra.
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2. La luz
La luz es el fenómeno físico que nos permite ver las cosas que nos rodean.
Define los volúmenes y nos muestra las texturas y los colores de los objetos.
Todo esto estará condicionado por el tipo de luz y la posición y dirección con
la que esa luz incide sobre los objetos.
2.1. Tipos de luz.
Luz natural: Es la luz que nos llega direcamente del sol. Su dirección y
características varían a lo largo del día.
Luz artificial: Es la que produce cualquier tipo de luminaria artificial
(Flexo, fluorescente,....). Suelen producir sombras más fuertes y
contrastadas.
2.2. Dirección de la luz.
Luz lateral: Se produce
cuando el foco de luz está
situado en uno de los lados
del objeto iluminado.
Permite dibujar sin
estridencias las facciones en
un retrato o los contornos en
un objeto.
Luz cenital: Se produce
cuando el foco de luz se
sitúa justo encima del motivo
que iluminamos. Es un
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recurso muy utilizado en publicidad para captar la atención del
espectador y conferir al objeto anunciado la sensación de ser " único ".
Esta iluminación no es oportuna para el retrato de personas, pues
produce excesivas sombras y deforma las facciones.
Luz baja o nadir: El foco de luz se sitúa debajo del objeto iluminado. Este
tipo de iluminación tampoco es apta para el retrato pues deforma las
facciones. Se utiliza para generar efectos de terror.
Contraluz: El foco de luz está detrás del objeto que ilumina.
Desaparecen los detalles interiores y se aprecia únicamente la silueta.
3. La luz y la sombra.
Cuando un objeto es iluminado, este produce una sombra en el lado opuesto
a la luz. Hay que distinguir dos tipos diferentes de sombra:
Sombra propia: Es la que se produce sobre el propio objeto, en el lado
opuesto a la dirección en la la luz incide.
Sombra arrojada: Es la que produce un objeto sobre las superficie en la
que está apoyado o los objetos de alrededor.
Las sombras suelen ser progresivas, es decir, que se produce una degradación
tonal de las zonas más oscuras a las más claras. Estas zonas de transición entre
la luz y la sombra recibe el nombre de zona de penumbra.
4. El claroscuro
En una obra artística tridimensional, se producen sombras reales que influirán
en nuestra percepción del volumen y de la obra, sin embargo, en una obra
bidimensional ese juego de luces y sombras, será simulado mediante la
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técnica del claroscuro. Esto aportará a nuestra obra expresividad y nos
ayudará a dar volumen a los objetos.
Así pues, se llama claroscuro, a la simulación de los juegos de luces y sombras
de la realidad en una obra bidimensional ( dibujo o pintura ) representando
una variación gradual de los tonos. Los materiales pueden ser muy diversos, ya
sean monócromos como en el caso del dibujo ( lápiz, carboncillo, grafito...) o
con colores como en el caso de la pintura en todas sus variantes (óleo,
acuarela,...)
Para la realización del claroscuro son determinantes:
El estudio de la iluminación de los objetos.
El análisis de las sombras y la gradación de valores ( grado de claridad
u oscuridad de los tonos)
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