Problemática del Arte ContemporáneoTema VII:PatriciaAscuasiatiLeticiaCeballosCarmenDuranValentííinGuerreroJimmyHungriía

NievesPeguero

Instructora: Laura Gil Fiallo

Diplomado Apreciación de las Artes VisualesMódulo: Estética & Teoría del Arte

Arte contemporáneo :Se desarrolla desde la teoría postestructuralista la cual ha acuñado el término "postmoderno", ya que desde esa teoría se vislumbra la imposibilidad de seguir creando desde los preceptos de la originalidad y la novedad (elementos propios de la modernidad); en lugar de ello se apunta a elementos como reinterpretaciones, resignificaciones y el giro lingüístico con el fin de ampliar el concepto de arte y establecerlo como un acto comunicativo.

Este tipo de prácticas se inician desde la obra de Marcel Duchamp y sus cuestionamientos de la institución del arte. Pero este pensamiento se comienza a ampliar y a tomar seriamente desde la década de los setenta hasta nuestros días con el redescubrimiento de la obra de Duchamp y de los Dadaístas de principios del siglo XX a manos de artistas como Robert Rauschemberg, teóricos como Rosalind Krauss y toda la escuela postestructuralista.

El concepto mismo de arte contemporáneo genera controversia. Se suelen dar ejemplos salidos de grandes eventos como la Documenta de Kassel (quinquenal) , la Bienal de Venecia. Esta visión del arte suele criticarse por ser demasiado sesgada, reduciendo las expresiones contemporáneas solamente a las surgidas del conceptualismo y minimalismo como grandes tendencias.

En este tipo de arte se nota una progresiva radicalización en la búsqueda del impacto y sobre todo el impacto a través de los medios, con obras desagradables y muy polémicas como caballos disecados y colgados del techo, vacas en formol partidas por la mitad con

todos sus órganos visibles y el caso reciente de un artista chino que pretendía comer un feto en directo en televisión. Esta radicalización en un intento extremo por perpetuar la

originalidad y la novedad como motor del arte se denomina Shock Art, y tiene su origen en las acciones artísticas o performances de artistas de los años 60 como Joseph Beuys, Yves

Klein o Piero Manzoni.

/ Damien Hirst

La crítica a este estado de las cosas suelen provenir de ambientes artísticos más que de la prensa, y se basa en tres aspectos:

Disminución de la exigencia técnica. Desde el fauvismo, el nivel técnico de los artistas no ha hecho sino bajar con cada avance en originalidad o novedad. En el caso de las tendencias contemporáneas hay un verdadero desprecio por la propia importancia del elemento técnico, habiendo textos conocidos incluso que desprestigian el oficio, igualándolo al virtuosismo. En muchos casos los artistas son meramente directores y el trabajo gráfico lo realizan artesanos u operarios.

Oficialismo. El arte contemporáneo usualmente entendido como tal es enseñado en academias, facultades de Bellas Artes, editado en lujosas ediciones, expuesto en museos, comprado por gobiernos nacionales y regionales, subvencionado por estos gobiernos, ayuntamientos y hasta codiciado por bancos, empresas y coleccionistas privados. Es decir, es bendecido por la oficialidad, por las instituciones, como ocurrió en el siglo XIX con el arte académico. Según esta crítica el arte contemporáneo no es tal, sino sólo arte contemporáneo oficial y académico, dados sus compradores y que se imparte en la enseñanza reglada oficial (academia).

Excesiva teoría. Aunque se presupone que este arte surge de una respuesta de los artistas a la imposibilidad de la originalidad, basta hojear catálogos de exposiciones, premios, recortes de prensa, etc, para ver que todavía se utiliza la originalidad y la novedad como rasero para los artistas. En cualquier caso hay un evidente divorcio entre estas formas de arte y el público, que apenas llega a comprender el impresionismo del siglo XIX. En general es necesario recurrir a la literatura especializada o muchas veces a los letreros con explicación que acompañan a las obras para que el grueso del público entienda lo que se expone.

Tras el fin de La Guerra Fría, se hace evidente el fin de la era polar. Esto produce como consecuencia la cristalización de un nuevo paradigma global cuyos máximos exponentes son la Globalización, y el Neoliberalismo. El mundo postmoderno se puede diferenciar y dividir en dos grandes realidades: La realidad históricosocial, y la realidad sociosicológica.

Antecedentes Históricos

Las grandes instituciones, como la Iglesia, pierden influencia

En contraposición con la Modernidad, la Postmodernidad es la época del desencanto. Se renuncia a las utopías y a la idea de progreso.

Se produce un cambio en el orden económico capitalista, pasando de una economía de producción hacia una economía del consumo.

Desaparecen las grandes figuras carismáticas, y surgen infinidad de pequeños ídolos que duran hasta que surge algo mas novedoso y atrayente.

La revalorización de la naturaleza y la defensa del medio ambiente, se mezcla con la compulsión al consumo.

Histórico Social

Los mas media y el marketing se convierten en centros de poder

a.-No importa el contenido del mensaje, sino la forma, y el grado de convicción que produce b.-Desaparecen las ideologías como forma de elección de los líderes, y es reemplazada por la imagen. c.- lo que no aparece por un medio de comunicación masiva, simplemente no existe para la sociedad. d.- Aleja al receptor de la información, convirtiéndola en mero entretenimiento. e-Se pierde la intimidad y la vida de los demás se convierten en un show

…el pensamiento del posmodernismo

Jean francoiseLyotard versailles 1924 paris 1998

Datos biográficos• Nació en Versalles, Francia, en 1924 • Cursó estudios de filosofía en la Sorbona, en el estado oriental de

Argelia.• Quedó marcado con la ocupación francesa convirtiéndose en uno sus

críticos más radicales.• Obtuvo su doctorado en letras en 1971, llegando a obtener tìtulos como

profesor de la Universdad de Paris, miembro del Colegio de Francia. Profesor emèrito de la universidad de Paris.

• Fue militante del grupo “Socialismo o Barbarie”, iniciado en 1956, en contra del stalinismo.

• Fue presidente del Colegio Internacional de Filosofía yganó honores y premios (el de la Sociedad de Literatos por el conjunto de su obra en 1996).

• Fue el teórico que definió el posmodernismo, tras publicar en 1979 "La Condición Posmoderna”.

• Publicó más de treinta libros. Su último texto, fue La Confession D¹Augustine (La Confesión de San Agustín). Falleció de leucemia en la noche del 20 al 21 de abril de 1998 en París.

Otros datos• . En Discurso, figura. Un ensayo de estética (1971) subrayó el

concepto de "deseo" en la palabra y en la percepción; para él, la obra de arte expresa la subversión del deseo, por lo que proponía el arte de la libido.

• En Economía libidinal (1974), abolía cualquier realidad que no fuese la del flujo del deseo: que creía que era necesario mantener una discriminación de los signos .

• . Denunció desde su seno el compromiso militante radical, que creía se podía convertir en un dispositivo análogo al de la religión.

• En 1973 publicó A partir de Marx y Freud, texto en el que manifestaba su distanciamiento tanto del marxismo como del psicoanálisis

El grito del postmodernismo• 1977, Robert Venturi: “Aprendiendo de Las Vegas”, primer

manifiesto posmodernista.

• La denominación apuntaba a diferenciar lo que ellos y otros estaban haciendo del llamado Movimiento Moderno encabezado por Le Corbusier y su norma de que la forma debía

seguir a la función.

• Dos años después, Jean-François Lyotard lanzó La Condición Posmoderna, trasladó el debate a Europa, definiendo posmodernismo como:

«La evolución ineluctable de la sociedad industrial hacia la destrucción de los grandes sistemas discursivos y su sustitución por una nube de

pequeñas moralidades comunitarias cuya quintaesencia sería la caída en lo fútil y en el

artificio»

La posmodernidad invadió la estética, la literatura, el cine, la sociología, la propia filosofía; Lyotard se convirtió en su

abanderado.

La posmodernidad invadió la estética, la literatura, el cine, la sociología, la propia filosofía; Lyotard se convirtió en su

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La posmodernidad invadió la estética, la literatura, el cine, la sociología, la propia filosofía; Lyotard se convirtió en su

abanderado.

/ Calatrava

Ya hemos pagado suficientemente la nostalgia del todo y de lo uno, de la reconciliación del concepto y de lo sensible, de la experiencia transparente y comunicable. Bajo la demanda general de relajamiento y apaciguamiento, nos proponemos

mascullar el deseo de recomenzar el terror, cumplir la fantasía de apresar la realidad. La respuesta es: guerra al todo, demos

testimonio de lo impresentable, activemos los diferendos, salvemos el honor del hombre.

Jean Francois Lyotard

Rosalind Krauss

Es una de las figuras más importantes en el campo de la historia y la crítica del arte contemporáneo. Ha publicado

numerosos ensayos sobre arte contemporáneo y posmodernismo. Entre sus libros mencionaremos:

“La originalidad de la vanguardia y otros mitos modernos”

“Los papeles de Picasso”

“Lo fotográfico. Por una teoría de los desplazamientos”

Sus planteamientos• La fotografía no responde a los mismos criterios históricos que la pintura. La

fotografía constituye en sí misma un campo específico.

• La fotografía pasa a ser un modelo teórico o clave de lectura que pierde su carácter empírico.

• La fotografía desempeña una función desencadenante en la transformación del arte contemporáneo, más allá de la problemática de la reproducción.

• Esta transformación conlleva la ruptura de los géneros tradicionales, su estallido o expansión, que también se expresa en la pintura y en la escultura.

• En la pintura, la expansión se manifiesta en la oposición entre unicidad y reproductividad.• En la escultura, se presenta un campo expandido constituido por un conjunto de confluencias y

oposiciones entre arquitectura y paisaje.

• El mito central de la vanguardia sería su supuesta originalidad, pero esta, en la práctica real, surge como resultado de lo repetido y lo recurrente.

• El arte contemporáneo opera cada vez más con signos que son, ante todo, huellas o improntas, elementos autorreferenciales que brotan del acto expresivo individual del artista en su sentido más extremo.

Jean Baudrillard“El sexo se había liberado de la

reproducción, hoy la reproducción es la que se ha liberado del sexo”.

La semiótica se define como el estudio de los signos. Un signo

(del griego semeîon) es todo lo que se refiere a otra cosa (referente), es la materia prima del pensamiento y por lo tanto de

la comunicación.

Semiótica

Baudrillard y la HiperrealidadEs un concepto en semiótica y filosofía postmoderna. Entre los hiperrealistas más famosos se incluyen Jean Baudrillard, Daniel Boorstin y Umberto Eco.

El hiperrealismo es un síntoma de la cultura postmoderna. No se puede decir de la hiperrealidad que "exista" o "no exista". Simplemente es una forma de describir la información a la que la conciencia es expuesta.

Baudrillard sugiere que el mundo en el que vivimos ha sido reemplazado por un mundo copiado, donde buscamos nada más que estímulos simulados.

La concepción de hiperrealidad de Baudrillard fue marcadamente influenciada por la fenomenología, la semiótica y Marshall McLuhan.

Jean Baudrillard(Reims, Francia, 20 de junio de 1929 – París, 6 de marzo de 2007) fue un sociólogo y crítico de la cultura francés. Su trabajo se relaciona con el análisis de la posmodernidad y la filosofía del postestructuralismo.Justo antes de que se iniciara la Guerra del Golfo, Baudrillard predijo que dicha guerra no ocurriría. Después de la guerra, proclamó haber estado en lo cierto:

Según su postura, Estados Unidos se ve comprometido con la ilusión de estar combatiendo, La «guerra» que fue transmitida por la televisión, y en consecuencia, la guerra tal como fue entendida por la mayoría de la gente, no fue realmente real.; Al tiempo que su ataque a las ideas de verdad y su relativismo axiológico se profundizan, Baudrillard adopta posturas controvertidas en lo político, que van desde una excéntrica interpretación de la guerra del Golfo hasta la celebración de la no ratificación de Francia a la Constitución Europea pasando por una valoración, por decir lo menos, ambigua de los atentados terroristas del 11 de septiembre.

Baudrillard insiste en que la realidad supera a la ficción y asegura que los receptores de la Hiperrealidad desempeñan un papel pasivo. Para él no existe la construcción de sentido independiente.

La expansión de la hiperrealidadCon el desarrollo de Internet y las nuevas tecnologías se pueden crear, casi

literalmente, nuevos mundos de los que, en cierto sentido, se puede decir que no necesitan de la materia prima del mundo real para existir e interactuar.

Ejemplos de hiperrealidad 1. Las bebidas deportivas de un sabor que no existe ("Xtreme, Fierce, X-

factor").

2. La foto de una modelo que se retoca con ayuda de una computadora antes de publicarla en una revista .

3.La pornografía ("más sexy que el sexo mismo").

4.Las relaciones amorosas creadas y mantenidas exclusivamente a través de Internet ("cibernoviazgo").

"La simulación de algo que en realidad nunca existió.“Jean Baudrillard

"La falsedad auténtica." Umberto Eco

Los bienes de consumo tienen un valor de signo, es decir que indican algo sobre su poseedor en el contexto de un sistema social. Por ejemplo: un rico tiene un Mercedes Benz para indicar su estatus de rico; Para Baudrillard el consumo genera un sistema de prestigios e identidades que distorsionan las necesidades reales, anuncian la dominación del sujeto por el objeto y conllevan el peligro de conducir a una sociedad habitada por autómatas ignorantes de su interioridad y sus expectativas más genuinas, Esencialmente, la satisfacción y la felicidad se encuentran a través de la simulación e imitación de lo real, más que a través de la realidad misma.

Particularmente en una sociedad como la estadounidense. De acuerdo a sus tesis, Estados Unidos ha construido para sí un mundo que es más «real» que Real, cuyos habitantes viven obsesionados con la perfección, evitar el paso del tiempo y la objetivización del ser..

Matrix / Jenny Saville Pasaje / Jenny Saville

Thomas Ruff

Nos acercamos cada vez más a eso que llaman la «alta definición» de la imagen, a la perfección inútil de la imagen. A fuerza de ser real, a fuerza de producirse en tiempo real, mientras más lograda la definición absoluta, la perfección realista de la imagen, más se pierde el poder de la ilusión.

Ahora bien, una imagen es justamente una abstracción del mundo, en dos dimensiones; es lo que le quita una dimensión al mundo real y, por eso mismo, inaugura el poder de la ilusión.

La virtualidad, por el contrario, al hacernos «entrar» en la imagen, al recrear una imagen realista de tres dimensiones, o al añadir una cuarta dimensión que vuelve a lo real hiperreal, destruye esta ilusión. La virtualidad tiende a la ilusión perfecta, pero ya no se trata en absoluto de la misma ilusión creadora y artística de la imagen; se trata de una ilusión realista, que acaba con el juego de la ilusión, no apunta más que a la exterminación de lo real por su doble.

Rubias palabras & el primero de los días / Ray Caesar

PHPTOSHOP (Arte Digital)

Hay una simulación verdadera y una simulación falsa, en arte y en todo lo demás.Por ejemplo, cuando Warhol pinta las sopas Campbell en la década de los sesenta es un lance imprevisto, un brillo sorprendente de la simulación, y para todo el arte moderno, de un solo golpe, el signo(objeto)-mercancía, queda irónicamente sacralizado.

Pero cuando Warhol pinta las mismas sopas Campbell en 1986, es decir, veinte o veinticinco años más tarde, ya no está en absoluto en el brillo de la simulación, está en el estereotipo de la simulación. En el primer momento, Warhol atacaba el concepto de originalidad de una manera original, pero en 1986 por el contrario reproduce lo no original de una manera también no original. Se puede pensar que se trata de una ironía superior más que de rehacer la misma cosa veinte años después.

/ Andy Wharol

-Vivimos en un mundo de simulación, en un mundo donde la más alta función del

signo consiste en hacer desaparecer la realidad y enmascarar al mismo tiempo

esa desaparición. El arte no hace otra cosa. Los medios actuales no hacen otra cosa. Es por esto que están dirigidos al

mismo destino.

-Todas la utopías de los siglos XIX y XX han expulsado la realidad de la realidad, y nos han dejado en una hiperrealidad vacía de sentido, ya, puede ser que la tecnología

sea la única fuerza todavía capaz de religar los fragmentos dispersos de lo

real. secreto?

Todas las cosas quieren hoy manifestarse. Los objetos técnicos, industriales, mediáticos, todos los artefactos quieren significar, ser

vistos, ser leídos, ser registrados, ser fotografiados; y es cómo Wharol lo prometió,

todos queremos nuestro 15 minutos de gloria.

El arte se ha vuelto iconoclasta. La iconolatría moderna no consiste en herir a las imágenes, sino en fabricarlas, una profusión de imágenes donde no hay nada que

ver.

Frank Gehry / Edificio que Baila

Si se retorna un poco historia se nota que el arte moderno, al ya no ser más que idea, se dedica a trabajar con ideas: el Portebouteilles de Duchamp, por ejemplo, es una idea, las latas de sopa Campbell de Warhol son una idea; cuando Yves Klein vende un poco de aire por un cheque en blanco, eso también es una idea. Todo esto son

ideas, signos, conceptos y ya no significan nada en absoluto, aunque significan de todas maneras. Lo que hoy llamamos «arte»

parece dar fe de ese vacío irremediable. La idea disfraza al arte y el arte disfraza a la idea.

. .

/ Campaña de PETA

Todo el arte moderno es abstracto, debido a que está atravesado por la idea más que por la imaginación de las formas o de las sustancias. Todo el

arte moderno es conceptual porque fetichiza en la obra el concepto, de una modalidad cerebral del arte,

Dirigido a esta ideología fetichista y decorativa, el arte no tiene existencia Dirigido a esta ideología fetichista y decorativa, el arte no tiene existencia propia. En esta perspectiva se puede decir que estamos en vías de una propia. En esta perspectiva se puede decir que estamos en vías de una

desaparición del arte en cuanto actividad específica.desaparición del arte en cuanto actividad específica., , Andy Warhol parte de no importa qué imagen para eliminar de ella lo imaginario y hacerla un

puro producto visual.es que con Andy Warhol la crisis del arte ha terminado sustancialmente.es que con Andy Warhol la crisis del arte ha terminado sustancialmente.

/ Rothko

Octavio Paz

“Nuestro arte ha sido y es crítico; quiero decir, en las grandes obras de esta época — novelas o cuadros, poemas o composiciones musicales — la crítica es inseparable de la

creación. Me corrijo: la crítica es creadora. Crítica de la crítica, crítica de la forma, crítica del tiempo en la novela y del yo de la poesía, crítica de la figura humana y de la realidad visible en la pintura y en la escultura. . . . la pasión hace la crítica de la forma amada y por eso sus violencias y sevicias tienen la crueldad inocente del amor. Crítica

pasional, negación corporal. Las desgarraduras, tarascadas, navajazos y descuartizamientos que inflige al cuerpo son castigos, venganzas, escarmientos:

homenajes. Amor, rabia, impaciencia, celos: adoración de las formas alternativamente terribles y deseables en que se manifiesta la vida. Furia erótica ante el enigma de la presencia y tentativa por descender hasta el origen, el hoyo donde se confunden los

huesos con los géneros.”Paz, Octavio: “Picasso: el cuerpo a cuerpo con la pintura” (1982)

                  

  

Picasso / Las señoritas de Avignon1907, Metropolitan Museum of Art, NY

Octavio Paz es el poeta mexicano más prestigioso y controvertido de la segunda mitad del siglo XX. Nace en la ciudad de México en 1914, pasa parte de su niñez en los Estados Unidos y en su vida adulta vive en Francia y en la India debido a su actividad como diplomático mexicano. Es galardonado con el Premio Nóbel de Literatura en 1990. Muere en ciudad de México en abril de 1998.

La crítica en general se ha centrado en sus libros como los ensayos “El Laberinto de la Soledad” y “El Arco y Lira” y los libros poéticos “Libertad de la Soledad” y “Libertad bajo Palabra”, “Ladera Este”, y “El Mono Gramático”

Octavio Paz

La matanza de Tlatelolco ocurrida el 2 de octubre de 1968 en la Plaza de las Tres Culturas en Tlatelolco, Ciudad de México fue una represión militar organizada directamente por el gobierno mexicano contra grupos estudiantiles críticos del

sistema político que encabezaba el Partido Revolucionario Institucional. No se ha logrado esclarecer la cantidad de muertos: algunos estimados apuntan a centenas (más de 300 personas), pero casi todas las fuentes gubernamentales reportan una

estimación de entre 40 y 50. Decenas de personas resultaron heridas y varios arrestados. La fuente oficial reportó en su momento 34 muertos, en su mayoría

soldados.La masacre representa uno de los episodios más trágicos de la historia reciente de

México. En la actualidad, aun existen numerosos casos de desaparecidos sin aclarar, y el crimen permanece impune.

Octavio Paz, al igual que otros intelectuales, no es el inventor de la crítica, pero, sin duda, es uno de sus ejecutores de mayor peso y aprecio en esos momentos. A tal grado se corporeiza la crítica en su espíritu que se transforma en una de sus premisas, impulsándolo a afirmar que el sello distintivo del siglo XX es la modernidad y de ésta, la crítica se constituye en su instrumento más importante.

“La modernidad es una palabra en busca de su significado[...] La modernidad ha sido una pasión

universal. Desde 1850 ha sido nuestra diosa y nuestro demonio. En los últimos años se ha

pretendido exorcizarla y se habla mucho de la «postmodernidad». ¿Pero qué es la

postmodernidad sino una modernidad aún más moderna?”

Discurso de aceptación Premio Nóbel de Literatura, 1990.

Picasso / mujer sentada en un sillón gris1939, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

El compromiso de la critica

“La paradoja de Picasso, como fenómeno histórico, consiste en ser la figura representativa de una sociedad que detesta la

representación.” Paz, Octavio: “Picasso: el cuerpo a cuerpo con la pintura” (1982)

PABLO RUIZ PICASSO

Pablo Ruiz Picasso, que una vez consagrado como pintor firmaría sólo con el apellido materno nació en Málaga en una familia vinculada a la pintura. Su padre, José Ruiz Blasco, se ganaba la vida como profesor de dibujo, primero en Málaga y luego en La Coruña y Barcelona. Aunque ya en la ciudad gallega empieza sus estudios de Bellas Artes, será Barcelona, adonde la familia llega en 1895, el lugar en el que completa su formación y comienza su carrera de pintor. La excepcionalidad de sus dotes artísticas se manifiesta pronto, y la Mención honorífica obtenida por Ciencia y Caridad en 1897 parece augurarle un brillante futuro como pintor académico.

Lejos de seguir ese camino, Picasso se sumerge en la bohemia barcelonesa de principios de siglo. La capital catalana era entonces un centro artístico de gran vitalidad, donde el modernismo de la arquitectura y las artes decorativas convive con las grandes tendencias de la escena artística europea: el gusto poético del simbolismo, encarnado en pintores como Modest Urgell, y la nueva pintura clara y plenairista, que Casas o Rusiñol han importado de París. Picasso frecuenta la cervecería "4 Gats", donde conoce a todos los artistas catalanes del momento. En 1900 viaja a París con su amigo Carles Casagemas. Un año después celebra su primera exposición francesa y en 1904 se instala en el mítico Bateau-Lavoir de Montmartre. A caballo entre Paris y Barcelona discurre la primera etapa de su obra, los llamados períodos azul y rosa, que se extienden hasta 1906. Son cuadros en los que la figura, trazada con el dominio virtuoso del dibujo que siempre le caracterizó, se erige sobre fondos monocromos de los colores citados. Predomina la influencia de pintores catalanes como Nonell y su gusto por escenas alegóricas que aluden a los aspectos más desolados de la existencia.

El interés por la escultura ibérica y las máscaras africanas del Museo del Trocadero, apunta un nuevo giro en sus obras de 1906 (Autorretrato con la paleta en la mano, Retrato de Gertrude Stein) Entre ese año y el siguiente trabaja en Las señoras de Avignon, punto de partida del cubismo. En las pinturas realizadas en 1908 en Horta de Ebro los volúmenes se geometrizan y facetan a lo largo de la superficie del cuadro, con lo que los primeros pasos del nuevo movimiento estarían ya dados. Su desarrollo se produce entre 1909 y 1914, período en el que trabaja. Estrechamente vinculado a Georges Braque, hasta entonces en las filas del fauvismo y al que conoce en 1907 a través del poeta Apollinaire. Ese trabajo en común va depurando el nuevo lenguaje e incorporando procedimientos como el collage y el papier collé, que Picasso comienza a practicar desde 1912. Estas técnicas establecen una nueva relación entre cuadro y realidad percibida hasta constituir uno de los episodios fundacionales de la pintura moderna

En la simplificación y desarrollo del nuevo método, que suele conocerse como cubismo sintético, tiene gran importancia la colaboración de Picasso con los ballets rusos de Diaghilev. En 1916, por mediación de Jean Cocteau, diseña la escenografía del ballet Parade, con música

de Erik Satie, punto de partida de una cierta dimensión decorativa del cubismo. También conoce por entonces a Olga Koklova, con quien se casa en 1918 y que le da su primer hijo.

Un siglo de guerrasDurante el período de entreguerras sigue ahondando en el cubismo a través de la pintura, el collage y la escultura, retornando eventualmente a una figuración clasicista y mediterránea (Tres mujeres en la fuente, 1921) La introducción de temas fantásticos llama la atención de los surrealistas, que siempre consideraron su figura con respeto. La guerra civil española marca un nuevo hito en su vida y su obra: Picasso abraza la causa de la República y acepta la dirección del Museo del Prado, desde la que contribuye a la salvaguardia del patrimonio artístico español. En 1937, la aviación alemana, aliada de los sublevados, bombardea Guernica provocando una verdadera matanza de población civil. La profunda sacudida que el horror provoca en Picasso se traduce en Guernica, exhibido en el Pabellón Español de la Exposición universal de París de ese año y que, con el tiempo, se convierte en el cuadro más famoso y reproducido del siglo XX. La estela del Guernica tiñe toda la obra de los años treinta de un peculiar expresionismo, en el que se otorga una nueva dimensión al tratamiento cubista de la figura humana. Son los años de su relación con Dora Maar, que sucede a Marie-Thérése Walter, madre de su segunda hija.

Los últimos años Tras la Segunda Guerra Mundial, Picasso se instala en el sur de Francia, que viene frecuentando desde los años veinte. Su vitalidad artística le lleva a la cerámica y la escultura, que practicó con continuidad a lo largo de toda su carrera hasta el punto de contarse entre los grandes escultores de nuestro siglo. También su abundante obra gráfica merece por sí sola un lugar de privilegio en la historia del arte moderno. Sus dos últimas relaciones amorosas, con Francoise Gilot, que le daría dos hijos más, y con Jacqueline Roque, con la que se casa en 1961 y permanece hasta su muerte, le dan la estabilidad que hace posible el asombroso despliegue de su obra de vejez. Picasso utiliza entonces todos los recursos que ha ido descubriendo a lo largo de su carrera para hacer una pintura de extraordinaria libertad, que filtra de forma oblicua aspectos de su propia vida personal. Su legendaria vitalidad dionisíaca no lo abandona hasta su muerte, que le sorprendió en 1973 en plena actividad creadora.

“Es imposible comprender a la pintura moderna sin Picasso pero, asimismo, es imposible comprender a Picasso sin ella. No sé si Picasso es el mejor pintor de nuestro tiempo; sé que su pintura, en todos sus

cambios brutales y sorprendentes, es la pintura de nuestro tiempo. Quiero decir: su arte no está frente, contra o aparte de su época; tampoco es una profecía del arte de mañana o una nostalgia del pasado,

como ha sido el de tantos grandes artistas en discordia con su mundo y su tiempo. Picasso nunca se mantuvo aparte, ni siquiera en el momento de la gran ruptura que fue el cubismo.”

Paz, Octavio: “Picasso: el cuerpo a cuerpo con la pintura” (1982)

•

                  

  

“El arte de Occidente, al recoger y recrear las imágenes que había dejado el naturalismo idealista de la Antigüedad

clásica, consagró a la figura humana como el canon supremo de la hermosura. El ataque del arte moderno contra la

tradición grecorromana y renacentista fue sobre todo una embestida contra la figura humana. La acción de Picasso fue decisiva y culminó en el periodo cubista: descomposición y

recomposición de los objetos y del cuerpo humano.”Paz, Octavio: “Picasso: el cuerpo a cuerpo con la pintura” (1982)

•

                  

  

Picasso / Guernica1937, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

Hal Foster

Visión e Ideas“… Algunos criticos, como rosalind krauss y douglas crimp,definen el

posmodernismo como una ruptura con el campo estetico del modernismo. Otros, como gregory ulmer y edward said, se ocupan del “ objeto de la

postcritica” y la politica de la interpretacion en la actualidad; algunos como frederic jameson y jean baudrillard, particularizan el momento posmoderno como un modo nuevo, “ esquizofrenico” de espacio y tiempo. Otros, entre los

que se encuentran craig owens y kenneth frampton, enmarcan su origen en el declive de los mitos modernos del progreso y la superioridad. Pero todos los

criticos,excepto jurgen habermas, tienen una creencia en comun: que el proyecto de modernidad es ahora profundamente problematico.

Pero a pesar de los asaltos de pre, anti y posmodernistas por igual, el modernismo como practica no ha fracasado. POR EL CONTRARIO: EL

MODERNISMO, ALMENOS COMO TRADICION, HA “ GANADO” , PERO LA SUYA ES UNA VICTORIA pírrica QUE NO SE DIFERENCIA DE LA

DERROTA…” ( hal foster, the anti-aesthetic: essays on postmodern culture)

• Hal Foster, profesor de Historia del Arte

y Literatura Comparada en la

Universidad de Cornell, es uno de

los críticos y teóricos

contemporáneos que mayor

imaginación en los presupuestos,

coherencia en los significados e

inteligencia en las soluciones aporta en la actualidad.

Hal Foster es Townsend Martin Professor de Arte y

Arqueología en la Universidad de Princeton.

Crítico de arte e historiador de la

vanguardia, ha mantenido un fuerte interés por las

dimensiones éticas, sociales y políticas del

arte contemporáneo. Nació en Seattle en 1955

•Realizó sus estudios de licenciatura en Princeton, en Master en Literatura inglesa la Universidad de Columbia para finalmente doctorarse en Historia del Arte por la City University de Nueva York. Ha sido profesor de Historia del Arte en diversas instituciones, entre las que destacan el New School for Social Research, el Pratt Institute y el Independent Study Program del Whitney Museum of American Art, las tres en Nueva York y las Universidades de Cornell, Berkeley y, actualmente, Princeton.Ha ocupado diversos cargos en publicaciones como Artforum, Art in America, Diacritics, Documents y October, en la que colabora desde 1991. Ha sido editor de The Anti-Aesthetic: Essays on Postmodern Culture (1985, traducido como La posmodernidad, 1999), Discussions in Contemporary Culture (1987) y Vision and Visuality (1988). Como autor ha publicado Recodings. Art, Spectacle, Culture, Politics (1985), Compulsive Beauty (1993), The Return of the Real (1996; El retorno de lo real, 2001), Design and Crime (2002; Diseño y delito, 2004) y Prosthetic Gods (2004).

El Retorno de lo RealEn el texto, Foster realiza una revisión del arte entre la

década de los sesenta y la actual, siempre teniendo como eje la idea de retorno. Más allá del pastiche, defiende la

existencia de una relectura constante de las vanguardias, aportando esta una nueva visión, y por tanto una propuesta

moderna y singular. Una articulación teórica que abarca desde la abstracción minimalista, el arte como texto de los

setenta, la disolución de este modelo en un convencionalismo generalizado en los ochenta, y las reacciones a estas

tendencias, en lo que él llama "el retorno de lo real", con el predominio del cuerpo vulnerable y la búsqueda de identidad como temas. Capítulos diferenciados pero que recurren a un

hilo conductor de la paradoja temporal en el arte del siglo XX.

El Retorno de lo Real

• "Mike Nedo quiere demostrar dos cosas: una, que cualquiera puede ser un gran artista, como cualquiera puede ser un gran amante, y, otra, que cualquier cosa en arte puede ser importante si se difunde de la forma adecuada". Es decir, el viejo debate de qué es arte y qué no lo es. Es más, a lo largo de la historia del arte contemporáneo hay innumerables precedentes que, no con mucho esfuerzo, podrían situarse como antecesores de la acción de Nedo.

ElRetorno de lo Real•Hal Foster sostiene que somos testigos de un “retorno de lo real”, un retorno del arte y la teoría que buscan asentarse en los cuerpos reales y en los sitios sociales.

El pintor de este cuadro es una persona anónima que pintó el lienzo "de la peor forma posible, en menos

de 15 minutos". Mike Nedo (No Existe)

La tournée de lo Real psicoanálisis del arte y la cultura

La mirada es cuerpo, cuerpo proyectado, que se

desparrama, eyaculado, hacia el exterior

Jean Paris

Franko B / teatro experimental (Performance).

Enfoque 1

•En su lectura de los modelos críticos del arte y la teoría desde 1960, Foster identifica dos “genealogías” que retornan de la represión operada por el modernismo greenbergiano: una primera minimalista, que, por medio de la abstracción y el abandono paulatino del objeto, se aleja de la ilusión y el realismo; y otra, evolucionada a partir del Pop Art, entendido como una reapropiación del surrealismo, mucho más relacionada con el ilusionismo y la cuestión de lo Real.

Enfoque 2

•Foster observa la importancia de la genealogía “realista” de la neovanguardia para comprender cierto arte “posmoderno” que reelabora estas nociones, y allí utiliza también el concepto lacaniano de “lo Real” para codificar una serie de preocupaciones comunes en el arte, especialmente en el americano, de los años noventa.

• ART SINCE 1900

• Editorial:• THAMES AND

HUDSON

• ARTE DESDE 1900: MODERNIDAD, ANTIMODERNIDAD, POSMODERNIDAD Editorial:

• EDICIONES AKAL

• DISEÑO Y DELITO: Y OTRAS DIATRIBAS

• Editorial:• EDICIONES AKAL

The Anti-Aesthetic: Essays on Postmodern Culture (1985, traducido como La posmodernidad, 1999)

Editorial Kairos / Barcelona,2002

5ta. Edicion

Otros textos de Hal Foster

Arthur C. Danto

El final del arte

• Imagen de Hegel, el filósofo especialmente invocado por Danto para fundamentar su famosa interpretación del fin del arte en el mundo contemporáneo.

•  Arthur Danto, crítico de arte, alcanzó celebridad por su tesis sobre una supuesta "muerte del arte" en el

horizonte contemporáneo de la cultura. Para fundamentar

su postura acude a la meditación hegeliana sobre la muerte del arte en el contexto

de su Estética.

Arthur C. Danto ha sido durante muchos años catedrático de Filosofía de la Universidad de Columbia.

• Arthur Danto ya había situado el fin del arte exactamente en los años sesenta. Sin embargo, y a pesar de esta afirmación radical, ha continuado efectuando una crítica radical de la naturaleza del arte en nuestro tiempo.

• Después del fin del arte presenta la primera reformulación a gran escala de esa intuición de Danto y muestra cómo, tras el

eclipse del expresionismo abstracto, el arte se ha desviado irrevocablemente del curso narrativo que Vassari definió para

él en el Renacimiento, de modo que lo que debe hacerse es señalar el camino hacia un nuevo tipo de crítica que resulte

capaz de ayudarnos a entender el arte en esta era posthistórica: un tiempo en el que, por ejemplo, las teorías

tradicionales no pueden explicar la diferencia entre una obra de Andy Warhol y el producto comercial en el que se inspira.

• la Caja de Brillo no sólo enfatiza que en virtud de atributos metafóricos sorprendentes es una caja de Brillo.

• Hace lo que las obras de arte han hecho ya desde siempre: exterioriza un modo de contemplar el mundo, expresa el interior de una época cultural y se ofrece como un espejo para poner en evidencia a nuestros reyes."

Andy Warhol / bera Brillo kaxa artean

A medida que la fotografía y el cine van avanzando y

utilizando el color, la belleza empieza a ser abandonada

por los artistas, por la sencilla razón de que no

tienen como competir con ella. La figuración es la

respuesta a estos avances en los medios visuales

/ Rafael Azofeifa

La estética según Danto• analiza cómo la belleza que fue un atributo esencial del arte hasta

comienzos del siglo XX, durante éste, fue rechazado como tal y excluido de las artes que llama "miméticas", la pintura y la escultura.

• Pero esta constatación empírica, para Danto tiene como punto de partida la llamada "Vanguardia Intratable", cuando Roger Fry organizó en la Grafton Galery de Londres en 1910 y 1912 sus dos celebradas exposiciones de arte "post-impresionista".

• Un ejemplo de cómo se puede conciliar el adelanto científico-tecnológico con la belleza y el arte, lo da el artista francés Miguel Chevalier, quien con su exposición "supra-natura", -uno de los pioneros del arte virtual y el arte numérico,- quien recrea con la computación flores y plantas, que proyectadas además de tener una gran belleza en forma y color, permiten reproducir el movimiento que sobre ellas genera el viento, que siempre es distinto e irrepetible

Exposición supra-natura

Miguel Chevalier / Paraíso digitalGalería Pariisud, Paris.

Miguel Chevalier / Paradis Artiificiels.

La estética, a la luz de Danto

 

- La conclusión es que ya no es posible aplicar las nociones tradicionales de la estética al arte contemporáneo, sino que hay que centrarse en una filosofía de la crítica de arte que pueda arrojar luz con la que quizá sea la característica más sorprendente del arte contemporáneo: que todo es posible.

Nada mas subjetivo que el arte…Nada más subjetivo que el arte... pero, ¿tanto como para que en vez de arte parezca basura? Empleados de la ciudad alemana de Francfort incineraron una obra de arte callejero pensando que se trataba de un montón de basura. El director del departamento "Francfort limpio" del ayuntamiento de la metrópolis financiera, Peter Postleb, asumió hoy la responsabilidad por haber desechado la instalación del artista Michael Beutler. Según dijo, él mismo consideró -por las partes de plástico- que la obra se trataba de basura y ordenó su transporte a la incineradora municipal. Beutler había realizado por encargo de una asociación cultural local diez esculturas de gran tamaño con hormigón y plástico que fueron repartidas por diversos puntos de la ciudad.

• el artista anunció que no presentará ninguna demanda al tratarse de un trabajo provisional, cuyo material iba a ser después desechado o utilizado por otros. Por su parte, Postleb, el responsable de la destrucción de la obra, dijo que se enteró por la prensa de lo ocurrido. El funcionario se disculpó y afirmó que "no había ningún cartel y que algunas partes habían sido esparcidas por el viento". Postleb contó que en los últimos años dos obras similares se salvaron por poco de terminar en un basural. En el primer caso se trató de un coche relleno de arena y en el segundo, de una bañera atada con cadenas a un árbol.Fuente: DPAPublicado a las 09:09 PM“ (5)

El arte contemporáneo y el linde De la historia

Editorial: PaidosClasificación: Arte, Arquitectura y DiseñoPáginas: 256 Publicación: Octubre 2003 | Idioma: Español*Salida habitual

La estética y el concepto del arteEditorial: PaidosClasificación: HumanidadesPáginas: 232 Publicación: Mayo 2005 | Idioma: EspañolFormato: Rústica

Editorial: PaidosClasificación: Arte, Arquitectura y DiseñoPublicación: Diciembre 2003 | Idioma: Español

Ensayos en un mundo del arte plural

Editorial: PaidosClasificación: Arte, Arquitectura y DiseñoPublicación: Marzo 2004 | Idioma: Español

La transfiguración del lugarcomún