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ARTISTAS Y PERSONAJES DEL SIGLO XX

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ARTISTAS Y PERSONAJES DEL SIGLO XX

INDICE

INTEGRANTES...................................................................................................6

AGRADECIMIENTOS.........................................................................................7

OBJETIVOS

GENERAL...........................................................................................................8

ESPECIFICOS....................................................................................................8

INTRODUCCION.................................................................................................9

FUNDAMENTACION.........................................................................................10

METODOLOGIA

METODOLOGIA DE LA INVESTIGACION.......................................................11

MARCO TEORICO

ARTISTAS Y PERSONAJES

FEDERICO GARCIA LORCA............................................................................12

SALVADOR DALI..............................................................................................18

FACUNDO CABRAL.........................................................................................23

LUIS ALBERTO DEL PARANA.........................................................................27

GROTOWSKI....................................................................................................29

STANISLAVSKI.................................................................................................29

BRECHT............................................................................................................29

EL ARTE ACADEMICO.....................................................................................31

CREANDO TENDENCIAS................................................................................37

EMILIANO R. FERNANDEZ..............................................................................43

FELIX GIMENEZ GOMEZ.................................................................................46

GUITARRISTAS PARAGUAYOS......................................................................51

BAILARINES PARAGUAYOS...........................................................................65

VESTIMENTA....................................................................................................69

HISTORIA DEL PARAGUAY.............................................................................80

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ARTISTAS Y PERSONAJES DEL SIGLO XX

HISTORIA DE ESPAÑA....................................................................................82

DANZA ESPAÑOLA..........................................................................................86

ANTONIO MARQUEZ.......................................................................................88

JOSE TEJADA MARTIN....................................................................................90

ANTONIO GADES.............................................................................................89

DANZA PARAGUAYA.......................................................................................91

CONCLUSION...................................................................................................94

ANEXOS

GRAFICOS ESTADISTICOS............................................................................96

IMÁGENES........................................................................................................97

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INTEGRANTES

Arguello, Enry Gabriel

Agüero Gómez, Silvia Alejandra

Avalos, Sannie Gabriela

Bareiro Sánchez, Fabio Alberto

Brizuela, Adeline

Cáceres Velázquez, Derlis Javier

Cáceres Velázquez, Néstor Javier

Candia Núñez, Patricia Noemí

Cerrano Samaniego, Luján Patricia

Chamorro Espínola, Joel

Denis Aquino, Yessenia Madheleyne

Díaz Dure, Víctor Rubén

Domínguez Silvero, Rubén Alfredo

Espínola Galeano, Lourdes Belén

Estigarribia Oviedo, Rolando Ariel

Ferreira, Jorge David

Gamarra Gómez, Eduardo Daniel

Giménez Servín, Edith Lorena

González Román, Andrés Alejandro

Irala Sandoval, Roque Javier

Jiménez Torres, Adilson Gabriel

Marecos Espínola, Bianca Rosa

Núñez Montiel, Johana

Ortigoza Gamarra, Cris Mabel

Ortiz Landaida, Mario Alberto

Orue Oviedo, Camila Alejandra

Rodríguez Rivera, José Luis

Sanabria Blanco, Andrea Noemí

Torres Ibáñez, Carmen Viviana

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ARTISTAS Y PERSONAJES DEL SIGLO XX

AGRADECIMIENTOS

Agradecemos primeramente a Dios por darnos la bendición para llevar a cabo este proyecto con gran éxito.

Damos Gracias a los Directivos del Colegio Nacional España por darnos la oportunidad de ser partícipes de ésta familia Educativa.

Agradecemos a nuestros familiares por el inconmensurable apoyo. Por habernos inculcado la importancia de la educación, pese a las dificultades que reviste.

Agradecemos infinitamente a los profesores: Alma María Gullón, Edgar Rolón y Beatriz Benítez Barboza, por habernos acompañado en la elaboración y ejecución de este proyecto. Admiramos la gran valentía ofrecida por cada uno de ellos al capacitarnos para que enfrenemos los desafíos. demundo real.

Y por último, damos gracias a todos los que ofrecieron su apoyo desinteresado a fin de culminar eficazmente este proyecto.

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OBJETIVOS

GENERAL:

Reconocer las características y manifestaciones artístico-culturales del siglo XX, como también de los personajes y genios de este siglo.

ESPECIFICOS:

Determinar las principales características estético-literarias de las

producciones del siglo XX.

Identificar las características, los representantes y el estilo de las

producciones literarias y artísticas del siglo XX.

Evaluar la influencia de los eventos históricos en las producciones del

arte popular y academicista entre el siglo XIX y XX.

Describir los cambios que se dan en cada una de las manifestaciones

artístico- literarias, tanto en la música, el teatro, la danza y la poesía.

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INTRODUCCION

El arte de la época del siglo XX, es pues un producto formal, atemporal,

reveladora al espectador de los mayores encantos, sueños y expresiones que

puede tomar un deseo mediante esta actividad, expresando ideas, cambiando

ideologías y culturas, modificando principios y conclusiones que pensadores

creían establecidas.

«Escribí cuando no conocía la vida. Ahora que entiendo su significado, ya no tengo que

escribir. La vida no puede escribirse; sólo puede vivirse.»

Cita templadamente el dramaturgo irlandés, Oscar Wilde, quien quizás sin

querer similarmente describía el arte, pues el arte aun en sus profusas facetas,

en sus multiplicables formas es un secreto del alma indescifrable, cotejable a la

vida en la acreditada cita de Wilde al nivel de que no puede escribirse o

pormenorizarse; solo puede vivirse.

Solemne horizonte obliga a la necesidad de adoptar un límite, un marco que

alinee y encauce, dentro del cual agenciarse con inexorabilidad. Es por ello

que, consientes de todo el menester y obligación, responsables de este trabajo

condicionan el ámbito histórico de la pesquisa sobre el fenómeno artístico al

periodo del siglo XX, mas sucintamente a sus artistas, ejecutantes,

productores y personajes que fueron los administradores, encargados,

gestores, de cuadros, esculturas, literatura y muchos elementos más en el

extenso, vasto y dilatado mundo de todo este fenómeno irracional que

representa aptitud, facultad, destreza o simplemente una desajustada definición

de talento a la que esta sociedad y desde el principio de la historia llamó arte.

Los artistas y personajes de esta época son pues el ingrediente de

investigación propio de este proyecto, retados estamos a deliberar y descifrar,

aclarar todo lo que los condujo a afrontar modelos y estéticas, principios y

enseñanzas en busca cada uno de su propia verdad, de su propia libertad y

sobre todo en busca de expresar cada uno a su manera y en sus diversos

recursos de lo que llamamos arte.

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FUNDAMENTACION

Amenazado por la inminencia de su mortalidad, perplejo ante la inmensidad del cosmos que lo rodea, desatinado en su albedrío por la contradictoria presencia dentro de su ser de las contrapuestas pulsiones de la generosidad y la avaricia de la pasividad y la agresión de la soledad y de la vida gregaria, el hombre encuentra en el ate, es decir en las mimesis de la realidad un espacio de reales posibilidades para alcanzar, si no la verdad, al menos una respuesta oscuramente convincente acerca de los formidables enigmas de la existencia.

Transitando frágilmente a través de esa delgada cuerda en la que el ser y el no ser arrojan sus tentáculos cargados de preguntas, el ser humano halla en la danza, el teatro, la poesía, la música, la pintura, el tallado, el diseño y la construcción, vías adecuadas para la representación de sus eternas dudas y de sus efímeras certezas, de su ansiedad de cielo y de su afárica condición de prisionero de los deberes de la tierra

Y con ello accede a la catarsis y a la revelación que es requisito primordial del conocimiento.

El arte constituye, pues, cabalmente, el ámbito preciso y sagrado en donde las preguntas son respondidas, los enigmas hallan respuestas y los límites entre los silencios de la eternidad y los caóticos sonidos dl tiempo, se encuentran en una nueva y poderosa dimensión: La dimensión inefable de la belleza.

Este proyecto sumerge una sonda de considerable profundidad, en ese inmenso mar de individualidades corrientes intentos, refutaciones reivindicaciones, propuestas y alternativas que es el arte para intentar transmutar lo eterno artístico inefable en el lenguaje objetivo y transparente de la razón y del método.

Recoge en par de ello, fragmentos dispersos pero notables de la historia del arte y los analiza en su contexto histórico, social y político para llegar hasta el origen mismo de su influjo estético y ético, y captar así en toda su envergadura y esplendor el integro caudal de valores, evocaciones, sus tratos, augurios y mensajes de toda índole que subyacen en la obra artística.

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METODOLOGIA

Divisar y comparar el pasado con el presente es gratificante, valorar y enaltecer a las genialidades que marcaron historia en el siglo XX, un desafío magnánimo.

El devenir de todos los involucrados en el desarrollo de este proyecto fueron momentos, donde la unión y creatividad eran necesarias; la observación y presión constantes de los docentes fueron como puntos luminosos para cada integrante, aprovechamos y seguíamos las indicaciones a toda velocidad.

Cinco grupos, trabajamos con informaciones de primera mano, fuentes infalibles e inagotables consultamos, nos aclaraba cada duda y todos analizábamos las particularidades propias de los grandes protagonistas de las “Bellas Artes”.

Transcurría el mes de la juventud del año 2013, ya acercándose a su fin, apurados, inquietos, desesperados y muchos agotados, pues las intrigas nos amenazaba a todos, la puesta a punta del esforzoso libro al fin se lograba.

Ansiosos esperamos el gran día 31 del mencionado mes y año, sabíamos que ese momento llegara y culminara, lo ideal sería que todos expongamos de una manera explícita y lucidamente, para ello será menester que cada alumno demostremos seriedad y prudencia.

Las artes son hoy día, valoradas y respetadas, pues todos somos participes de la evolución de ella. Amemos el arte, este no surgió como un simple distractor, mas bien todos seriamos distraídos sin algo que nos pueda entretener y que mejor culturizarnos entretenidamente, esto ofrece el tesoro que abunda para todos “Las Artes”.

Temimbo’e. Omboguatába ko apopyrã ojehecha kuri apañuãime: oñepyru hembiapo vy’a ha torýpe oimo’ãgui hikuái vyroreitaha. Katu, upéi ohechata tavahúpe, ndoikuaai rupi moõguipa oñepyruta ha moõ gotyopa ojapita.

Ha peicha hasype oguahe ipahápe, hesakã porã javete ore rembiapo, rohechauka haguã maymavévape ipyapy haikatupyruha opavave romba’apovaekue koapopyrãme.

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MARCO TEORICO

Comenzamos este largo trayecto de búsqueda, interrogaciones y saberes con el primer tema en cuestión: Artistas y personajes. Genios y figuras del siglo XX.

En primer lugar, aparece la genialidad del poeta y dramaturgo español Federico García Lorca, un  poeta dramaturgo y prosista español, también conocido por su destreza en muchas otras artes. Adscrito a la llamada Generación del 27, es el poeta de mayor influencia y popularidad de la literatura española del siglo XX. Como dramaturgo, se le considera una de las cimas del teatro español del siglo XX, junto con Valle-Inclán y Buero Vallejo.

Murió fusilado tras la sublevación militar de la Guerra Civil Española. Las causas de su ejecución son ampliamente debatidas; las hipótesis incluyen su afinidad con el Frente Popular, ser abiertamente homosexual y desentendimientos familiares.

Biografía

Nació en el municipio de Fuente Vaqueros, Granada (España), en el seno de una familia de posición económica desahogada, el 5 de junio de 1898, y fue bautizado con el nombre de Federico del Sagrado Corazón de Jesús García Lorca; su padre fue Federico García Rodríguez (1859–1945), un hacendado, y su madre, Vicenta Lorca Romero (1870–1959) fue la segunda esposa de su padre,6 maestra de escuela que fomentó el gusto literario de su hijo.

Desde los 2 años, según uno de sus biógrafos, Edwin Honig, Federico García Lorca mostró su habilidad para aprender canciones populares, y a muy corta edad escenificaba en miniatura oficios religiosos. Su salud fue frágil y no empezó a caminar hasta los cuatro años. Leyó en su casa la obra de Víctor Hugo y de Miguel de Cervantes. Como estudiante fue algo irregular. De niño lo pusieron bajo la tutela del maestro Rodríguez Espinosa, en Almería, ciudad en la que residió con su familia entre 1906 y 1909[cita requerida]. Inició el bachillerato de vuelta a su provincia natal y abandonó la Facultad de Derecho de Granada para instalarse en la Residencia de Estudiantes de Madrid (1918–1928); pasado un tiempo, regresó a la Universidad de Granada, donde se licenció en Derecho, aunque nunca ejerció la abogacía, puesto que su vocación era la literatura.

La España de García Lorca era la de la Edad de Plata, heredera de la Generación del 98, con una rica vida intelectual donde los nombres de Francisco Giner de los Ríos, Benito Pérez Galdós, Miguel de Unamuno y, poco después, Salvador de Madariaga y José Ortega y Gasset imprimían el sello distintivo de una crítica contra la realidad de España.

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Influyeron, además, en la sensibilidad del poeta en formación Lope de Vega, Juan Ramón Jiménez, Antonio Machado, Manuel Machado, Ramón del Valle-Inclán, Azorín y el Cancionero popular.

Juventud y primeras obras

En 1918 publicó su primer libro Impresiones y paisajes, costeado por su padre. En 1920 se estrenó en teatro su obra El maleficio de la mariposa, en 1921 se publicó Libro de poemas, y en 1923 se pusieron en escena las comedias de títeres La niña que riega la Albahaca y El príncipe preguntón. En 1927, en Barcelona, expuso su primera muestra pictórica.

En esta época frecuentó activamente a los poetas de su generación que permanecían en España, en torno a la Residencia de Estudiantes: Jorge Guillén, Pedro Salinas, Gerardo Diego, Dámaso Alonso, Rafael Alberti, y sobre todo Buñuel y Dalí, a quien después le dedicó la Oda a Salvador Dalí. El pintor, por su parte, pintó los decorados del primer drama del granadino: Mariana Pineda. En 1928 publicó la revista literaria Gallo, de la cual salieron solamente dos números.

En 1929 marchó a Nueva York. Para entonces se habían publicado, además de los antes mencionados, sus libros Canciones (1927) y Primer romancero gitano (1928). Esta última es su obra más popular y accesible.

Viaje a Nueva YorkDe su viaje y estancia en Nueva York surge el libro Poeta en Nueva

York. En 1930 fue a La Habana, donde escribió parte de sus obras Así que pasen cinco años y El público. Ese año regresó a España, donde fue recibido en Madrid con la noticia de que su farsa popular La zapatera prodigiosa se estaba escenificando.

Segunda República y «La barraca» Al instaurarse la Segunda República española, Fernando de los

Ríos fue nombrado Ministro de Instrucción Pública. Bajo el patrocinio oficial, se encargó a Lorca la codirección de la compañía estatal de teatro «La Barraca», donde disfrutó de todos los recursos para producir, dirigir, escribir y adaptar algunas obras teatrales del Siglo de Oro español. Escribió en este período Bodas de sangre, Yerma y Doña Rosita la soltera.

En 1933 viajó a la Argentina de la Década Infame para promover la puesta en escena de algunas de sus obras por la compañía teatral de Lola Membrives y para dictar una serie de conferencias, siendo su estancia un éxito: a manera de ejemplo, su puesta de La dama boba —durante años olvidada,7 descubierta, editada y reeditada por la Universidad de La Rioja8 —, de Lope de Vega, atrajo a más de sesenta mil personas. Co-fundador el 11 de febrero de 1933 de la Asociación de Amigos de la Unión Soviética, creada en

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unos tiempos en que la derecha sostenía un tono condenatorio en relación a los relatos sobre las conquistas y los problemas del socialismo en la URSS. Entre este año y 1936 escribió Diván del Tamarit, Llanto por Ignacio Sánchez Mejías, que conmovió al mundo hispano, La casa de Bernarda Alba y trabajaba ya en La destrucción de Sodoma cuando estalló la Guerra Civil española.

Guerra Civil y asesinatoColombia y México, cuyos embajadores previeron que el poeta pudiera

ser víctima de un atentado debido a su puesto de funcionario de la República, le ofrecieron el exilio, pero Lorca rechazó las ofertas y se dirigió a su casa en Granada para pasar el verano.

En esos momentos políticos alguien le preguntó sobre su preferencia política y él manifestó que se sentía a su vez católico, comunista, anarquista, libertario, tradicionalista y monárquico. De hecho nunca se afilió a ninguna de las facciones políticas y jamás discriminó o se distanció de ninguno de sus amigos, por ninguna cuestión política.

Yo soy español integral y me sería imposible vivir fuera de mis límites geográficos; pero odio al que es español por ser español nada más, yo soy hermano de todos y execro al hombre que se sacrifica por una idea nacionalista, abstracta, por el sólo hecho de que ama a su patria con una venda en los ojos. El chino bueno está más cerca de mí que el español malo. Canto a España y la siento hasta la médula, pero antes que esto soy hombre del mundo y hermano de todos. Desde luego no creo en la frontera política.11

Una vez en Granada buscó refugio en la casa del poeta Luis Rosales, amigo suyo con el que se sentía más seguro en su condición de falangista. A pesar de ello, el 16 de agosto de 1936, se presentó allí la Guardia Civil para detenerlo. Acompañaban a los guardias Juan Luis Trescastro Medina, Luis García-Alix Fernández y Ramón Ruiz Alonso, ex diputado de la CEDA, que había denunciado a Lorca como espía ruso ante el gobernador civil de Granada José Valdés Guzmán. Valdés consultó con Queipo de Llano lo que debía hacer, a lo que este le respondió: «Dale café, mucho café».

Federico García Lorca fue fusilado a las 4:45 h de la madrugada del 18 de agosto, en el camino que va de Víznar a Alfacar, y su cuerpo permanece enterrado en una fosa común anónima en algún lugar de esos parajes con el cadáver de un maestro nacional, Dióscoro Galindo, y los de los banderilleros anarquistas Francisco Galadí y Joaquín Arcollas, ejecutados con él. Trescastro presumiría después de haber participado personalmente en los asesinatos, recalcando la homosexualidad de Lorca. La fosa se encuentra en el paraje de Fuente Grande, en el municipio de Alfacar.

En 2009, en aplicación de la ley para la recuperación de la memoria histórica aprobada por el gobierno de José Luis Rodríguez Zapatero, se decide

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abrir la fosa donde supuestamente descansaban los restos del poeta. Aun así, no se encontró nada.

En mayo de 2012 salió a la luz su última carta, dirigida a su novio, el escritor y crítico Juan Ramírez de Lucas.

ObraEl universo lorquiano se define por un palpable sistematismo: la poesía,

el drama y la prosa se alimentan de obsesiones —amor, deseo, esterilidad— y de claves estilísticas constantes. La variedad de formas y tonalidades nunca atenta contra esa unidad cuya cuestión central es la frustración.

Estilo

Los símbolos: de acuerdo con su gusto por los elementos tradicionales, Lorca utiliza frecuentemente símbolos en su poesía. Se refieren muy frecuentemente a la muerte aunque, dependiendo del contexto, los matices varían bastante. Son símbolos centrales en Lorca:

La luna: es el símbolo más frecuente en Lorca. Su significación más frecuente es la de muerte, pero también puede simbolizar el erotismo, la fecundidad, la esterilidad o la belleza.

El agua: cuando corre, es símbolo de vitalidad. Cuando está estancada, representa la muerte.

La sangre: representa la vida y, derramada, es la muerte. Simboliza también lo fecundo, lo sexual.

El caballo (y su jinete): está muy presente en toda su obra, portando siempre valores de muerte, aunque también representa la vida y el erotismo masculino.

Las hierbas: su valor dominante, aunque no único, es el de ser símbolos de la muerte.

Los metales: también su valor dominante es la muerte. Los metales aparecen bajo la forma de armas blancas, que conllevan siempre tragedia.

La metáfora: es el procedimiento retórico central de su estilo. Bajo la influencia de Góngora, Lorca maneja metáforas muy arriesgadas: la distancia entre el término real y el imaginario es considerable. En ocasiones, usa directamente la metáfora pura. Sin embargo, a diferencia de Góngora, Lorca es un poeta conceptista, en el sentido de que su poesía se caracteriza por una gran condensación expresiva y de contenidos, además de frecuentes elipsis. Las metáforas lorquianas relacionan elementos opuestos de la realidad, transmiten efectos sensoriales entremezclados, etc.

El neopopularismo: aunque Lorca asimila sin problemas las novedades literarias, su obra está plagada de elementos tradicionales que, por lo demás, demuestran su inmensa cultura literaria. La música y los cantos tradicionales son presencias constantes en su poesía. No obstante,

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desde un punto de vista formal no es un poeta que muestre una gran variedad de formas tradicionales; sin embargo, profundiza en las constantes del espíritu tradicional de su tierra y de la gente: el desgarro amoroso, la valentía, la melancolía y la pasión.

Poesía

La obra poética de Lorca constituye una de las cimas de la poesía de la Generación del 27 y de toda la literatura española. La poesía lorquiana es el reflejo de un sentimiento trágico de la vida, y está vinculada a distintos autores, tradiciones y corrientes literarias. En esta poesía conviven la tradición popular y la culta. Aunque es difícil establecer épocas en la poética de Lorca, algunos críticos diferencian dos etapas: una de juventud y otra de plenitud.

Época de juventud

Aquí se incluyen sus primeros escritos: Impresiones y paisajes (en prosa, aunque sin embargo muestra procedimientos característicos del lenguaje poético) y Libro de poemas (escrito bajo el influjo de Rubén Darío, Antonio Machado y Juan Ramón Jiménez); en este poema García Lorca proyecta un amor sin esperanza, abocado a la tristeza.

La Diputación de Granada editó en 1986 una antología poética, seleccionada, presentada y anotada por Andrew A. Anderson (ISBN 84-505-3425-9). Esta antología aporta Suites (1920–1923) yPoemas en prosa (1927–1928). En Suites se encuentra «Cancioncilla del niño que no nació» (pág. 71), y en Poemas en prosa «Degollación de los Inocentes» (pág. 150). En estos escritos el poeta hace referencia al drama del aborto.

Época de plenitud

Comienza con el Poema del cante jondo (1921) que, mediante la unidad temática, formal, conceptual y la expresión de los sentimientos, debida en parte a su inspiración folclórica, describe la lírica neopopularista de la Generación del 27. En Primeras canciones (1936) y Canciones (1927) emplea las mismas formas: la canción y el romance. Los temas del tiempo y la muerte se enmarcan en el alba, la noche, la ciudad andaluza y los paisajes lunares.

La muerte y la incompatibilidad moral del mundo gitano con la sociedad burguesa son los dos grandes temas del Romancero gitano. Destacan los procedimientos habituales de poesía de origen popular, y la influencia del compositor Manuel de Falla. No se trata de una obra folclórica; está basada en los tópicos con que se asocia lo gitano y andaluz. Lorca eleva al personaje gitano al rango de mito literario, como después hará también con el negro y

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el judío en Poeta en Nueva York. En el Romancero gitano emplea el romance, en sus variantes de novelesco, lírico y dramático; su lenguaje es una fusión de lo popular y lo culto.

Lorca escribió Poeta en Nueva York a partir de su experiencia en EE. UU., donde vivió entre 1929 y 1930. Para Lorca la civilización moderna y la naturaleza son incompatibles. Su visión de Nueva York es de pesadilla y desolación, propia de un mal sueño. Para expresar la angustia y el ansia de comunicación que lo embargan, emplea las imágenes visionarias del lenguaje surrealista. Su libertad expresiva es máxima, aunque junto al verso libre se advierte el uso del verso medido (octosílabo, endecasílabo y alejandrino).

El Diván del Tamarit (1940) es un libro de poemas de atmósfera o sabor oriental, inspirado en las colecciones de la antigua poesía arábigo-andalusí. El tema central es el del amor sujeto a experiencias frustrantes y amargas; su lenguaje está muy próximo al de Poeta en Nueva York.

Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejías (1935) es una elegía de incontenible dolor y emoción que actúa de homenaje al torero sevillano que tanto apoyó a los poetas de la Generación del 27.

La obra poética de García Lorca se cierra con Seis poemas gallegos y la serie de once poemas amorosos titulada Sonetos del amor oscuro. Lorca siempre ha contado con el respeto y admiración incondicional de los poetas de generaciones posteriores a la Guerra Civil. Considerado un poeta maldito, su influencia se ha dejado sentir entre los poetas españoles del malditismo.

TeatroEl teatro de García Lorca es, con el de Valle-Inclán, el de mayor

importancia, escrito en castellano en el siglo XX. Es un teatro poético, en el sentido de que gira en torno a símbolos medulares —la sangre, el cuchillo o la rosa—, de que se desarrolla en espacios míticos o presenta un realismo trascendido, y de que, en fin, encara problemas sustanciales del existir. El lenguaje, aprendido en Valle-Inclán, es también poético. Sobre Lorca influyen también el drama modernista (de aquí deriva el uso del verso), el teatro lopesco (evidente, por ejemplo, en el empleo organizado de la canción popular), el calderoniano (desmesura trágica, sentido de la alegoría) y la tradición de los títeres. La producción dramática de Lorca puede ser agrupada en cuatro conjuntos: farsas, comedias «irrepresentables» tragedias y dramas.

Entre las farsas, escritas entre 1921 y 1928, destacan La zapatera prodigiosa, en la que el ambiente andaluz sirve de soporte al conflicto, cervantino, entre imaginación y realidad, y Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín, complejo ritual de iniciación al amor, que anuncia los «dramas irrepresentables» de 1930 y 1931: El público y Así que pasen cinco años, sus dos obras más herméticas, son una indagación en el hecho del teatro, la revolución y la presunta homosexualidad —la primera— y una exploración —la segunda— en el ser humano y en el sentido del vivir.

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Consciente del éxito de los dramas rurales poéticos, Lorca elabora las tragedias Bodas de sangre (1933) y Yerma (1934), conjugación de mito, poesía y sustancia real.

Los problemas humanos determinan los dramas. Así, el tema de la «solterona» española (Doña Rosita la soltera, 1935), o el de la represión de la mujer y la intolerancia en La casa de Bernarda Alba (1936), para muchos la obra maestra del autor.

Salvador DalíEugenio Salvador Dalí, pintor español nacido en Figueres, provincia de

Girona, el 11 de mayo de 1904 en la calle Monturiol de Figueras. Se crió en una familia burguesa del Ampurdán donde, su padre Salvador Dalí Cusí, era notario de profesión. Se le da el mismo nombre que a otro hijo nacido diez años antes y que murió en 1901 a la edad de 7 años de meningitis. Este hecho será traumático en su Biografía y en sus conversaciones nos hablará del otro-yo, esto le crea gran desestabilidad emocional al tener que llevar de pequeño flores a una tumba que tiene su nombre.

En 1911 acude ya con siete años a la escuela pública del maestro Traiter cuyos métodos no son nada pedagógicos. En 1912 a pesar de tener un padre republicano, federal y laico envía al joven Salvador a la escuela religiosa de los Hermanos de la Doctrina Cristiana. En este año ya tiene su primer estudio en la azotea de su casa, entre otras cosas hace una reproducción en barro de la Venus de Milo.

En 1914 cursa Bachillerato en los Hermanos Maristas donde se hace famoso por sus excentricidades y falta de afición a los estudios. Ese mismo año cae enfermo y sus padres le envían a Casa de los Pichot, familia de pintores y músicos, amigos de la familia.

 Ya dibujaba con  diez años y pintaba con regularidad, retratos de miembros de su familia y paisajes. Maravillado por la pintura impresionista de Ramón Pichot, pintó su primer autorretrato aprovechando una convalecencia.

En el Moli de la Torre descubre el Impresionismo francés, el Puntillismo, la obra de Modesto Urgell y Fortuny, accede a la revista "L’Espirit Nouveau" donde ve reproducciones de los cuadros cubistas de Juan Gris.

Dalí exploró todas las corrientes de moda: impresionismo, puntillismo, futurismo, cubismo y neocubismo o fauvismo rindiendo homenaje, a grandes pintores como Picasso o Matisse. Sin embargo, él niega esta influencia.

Siempre dijo que su pintura no es otra cosa que fotografías a color, pintadas a mano, de imágenes superfinas y extrapictóricas de la irracionalidad concreta.

En 1918 sus primeros cuadros, son expuestos en el teatro municipal de Figueres y apreciados por la crítica. En 1919 Se lleva a cabo la primera exposición de su obra en el Teatro de Figueras, donde unos años después se construirá el Museo Dalí.

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En 1921 muere su madre Felipa, acontecimiento que hunde a toda su familia en la tristeza y que causará dos reacciones muy contradictorias en años posteriores, por un lado le lleva a afirmar que "Me era totalmente necesario alcanzar la gloria para vengar la afrenta que representó para mí la muerte de mi madre, a la que adoraba religiosamente".

Eso fue después que años antes el grupo Surrealista le impusiera, como a todos sus miembros, rechazar públicamente su pasado, su familia y sus amistades. Para ello Dalí presenta un cuadro con la forma de un Sagrado Corazón sobre el que escribe "Yo escupo sobre mi madre".

Esto provoca la ira de su padre que le expulsa del hogar en 1929, año del incidente. También en 1921 obtuvo el título de Bachillerato y viaja a Madrid con su padre y su hermana para hacer el ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Tiene buenas notas, pero no está contento con sus profesores, ya que no le enseñan nada del clasicismo, estilo inicial de sus primeras obras.

Dalí se aloja en la Residencia de Estudiantes donde aparece vestido de luto con unas patillas largas y melena, viste pantalones bombachos de cazador y en las piernas lleva unas bandas que en Cataluña se llaman "mulataire" que usaban los excursionistas y cazadores.

Acude asiduamente al Museo del Prado y entra en contacto con la obra de Freud. Es aceptado en el grupo de la Residencia formado entre otros por Lorca, Buñuel, Moreno Villa, etc., cuando ven en su habitación un cuadro en estilo cubista.

Cambia en su pintura y en su forma de pensar que se traduce en su forma de vestir: se corta el pelo y se lo peina engominado, desaparecen las patillas y viste trajes de corte inglés, aunque este cambio fue adoptado contradiciendo la opinión de sus compañeros, pues el aspecto de Dalí llamaba la atención y en ocasiones provocaba enfrentamientos y altercados que le ponían nervioso, pero que divertían terriblemente a Buñuel.

En 1923 Dalí pone en duda la capacidad de sus profesores, causando grandes disturbios en la universidad; por esta razón es suspendido por un año de San Fernando, por apoyar a la cátedra vacante a Vázquez Díaz. El mismo año es encarcelado 35 días en Girona por razones políticas.

En 1924-25 acude a las clases de la Academia Libre, fundada por Julio Moisés y sita en el pasaje de la Alhambra. Ese verano expone en la Galería Dalmau y la críticia es unánime en elogios hacia el pintor de 21 años.

En 1925-26 es readmitido en San Fernando. El 11 de abril y hasta el 28 de ese mes lleva a cabo su primer viaje a París con su "Tieta" y su hermana, Buñuel les recibe en la capital francesa y le presenta al grupo de Españoles que reside en la ciudad y consigue ver a Picasso.

De regreso en Madrid, en junio se niega a ser examinado de Historia del Arte "por tres ignorante catedráticos". Este hecho hace que le expulsen

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definitivamente de la Real Acaemia de San Fernando. A partir de ahora el escándalo y la execentricidad presiden su vida.

Frecuentaba en Madrid círculos vanguardistas donde conoció a Pekín Bello, Pedro Garfias o Eugenio Montes. Sin embargo, cultivó una gran amistad fue con el poeta Federico García Lorca y el cineasta Luis Buñuel. Descontento por la expulsión, regresa a su casa para desarrollar su carrera por su cuenta.

Su estancia en Paris.

En 1927 se traslada a París con su hermana y su tía para integrarse en el grupo de pintores y escritores surrealistas. Conoce a los primitivos flamencos y su ídolo, Pablo Picasso.

De este periodo datan algunas de las obras que lo convertirían en uno de los máximos representantes del surrealismo, entre ellas El espectro del sex-appeal, El juego lúgubre y La persistencia de la memoria.

En aquella misma época, su amigo Luis Buñuel le explica la idea de una película que quería filmar, financiada por su madre: Un perro andaluz.

Dalí en esta época tiende a crear objetos cargados de símbolos sexuales. En París también pinta su autoretrato enriqueciéndolo con, la cabeza de un león, hormigas o saltamontes.

A finales de 1926 expone en  Barcelona, en la Galería Dalmau. En 1927 lleva al Salón de Otoño de Barcelona sus obras. La miel más dulce y, Aparato y mano serán las más exitosas.

También ayuda a Federico García Lorca en el diseño de decorados para sus obras, en concreto la de Mariana Pineda.

En 1929 vuelve a Paris; Miró le pone en contacto con el grupo surrealista de André Bretón al que se une posteriormente. Este mismo año expone en la galería Goemans,presenta, entre otros lienzos, El enigma del deseo y El gran masturbador. En  esta etapa aparice  Gala, mujer que alimentó su inspiración.

El amor de Gala (Kazan, 1894 - Portlligat, 1982).En 1929 conoció a la joven rusa Helena Ivana Diakonova, Gala, que a

partir de entonces se convertirá en su musa y compañera.En 1913 fue enviada por su familia al sanatorio suizo de Clavadle con

síntomas de tuberculosis. Allí, conoció al poeta francés Paul Éluard que, junto con Breton, Soupault y Aragon, dio vida al surrealismo. En el año 1917 se casaron y, juntos irrumpieron en el movimiento surrealista de París.

En el verano de 1929, Éluard y Gala visitaron a Dalí en Portlligat, cerca de Cadaqués. Durante ese periodo vacacional Gala y Dalí se enamoraron. Más adelante, Gala le propuso a Dalí un encuentro.

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Después de acompañar a Gala a la estación de Figueres para coger un tren dirección París, Salvador se encierra en su estudio para concluir el retrato que le había encargado Paul Éluard, esposo de Gala.

Posteriormente, Dalí viajó a París para inaugurar su primera exposición en la capital francesa, sin embargo, su cometido era secuestrar a Gala. Y así lo hizo. Los dos juntos abandonan la ciudad para descansar en un balneario de Sitges pero antes, no se perdieron la proyección de la película "Un perro andaluz" de Buñuel.

A partir de entonces Gala se convirtió en la modelo, musa y compañera inseparable de uno de los artistas más famosos del siglo XX y lo siguió en sus viajes por toda Europa y los Estados Unidos.

Desde el año 1971 al 1980, Gala permaneció en el Castillo de Pubol, donde fue enterrada. Desde 1996 el castillo está abierto al público como Casa-Museo Castillo Gala-Dalí.

Su estancia en Estados Unidos.Con el inicio de la Segunda Guerra Mundial, Salvador Dalí y Gala se

establecen durante unos años en Estados Unidos, donde la pintura de estilo realista y onírico tuvo mucho éxito.

Se dedica a pronunciar conferencias, diseñar joyas y trabajar para los estudios de Hollywood. Termina Su relación con el grupo surrealista de André Bretón en esta época, fué expulsado por realizar actos contrarrevolucionarios para glorificar el fascismo hitleriano. Siguió participando en las exposiciones del grupo; era un buen agente publicitario y Bretón lo necesitaba.

En noviembre de 1942 el Museum of Modern Art de Nueva York expone 50 cuadros y 17 dibujos de su obra. También realiza campañas publicitarias para la revista "Vogue"; crea un pabellón para la Feria Mundial de 1939; dibuja figurines y escenarios para obras de teatro.

Al mismo tiempo, España escenario de la guerra civil; se reflejaba en sus pinturas, a través de ojos repletos de calaveras como en Retrato de guerra o la composición Mercados de esclavos con aparición del busto invisible de Voltaire. Dalí expresaba el sentimiento aterrador que sentía hacia la muerte.

En el ámbito del cine, publica el guión de "Babaouo", película que no logró llevar a la gran pantalla.

En 1948 Dalí vuelve a Europa y se instala en Portlligat con Gala debido a una crisis económica. La galería Goemans estaba a punto de cerrar y no podía vender sus pinturas.

Entonces se le ocurre realizar objetos extraños como un teléfono con una cigala, uñas artificiales con espejitos para mirarse o maniquíes transparentes con el cuerpo lleno de agua y Gala se dedicaba a venderlos.

Sus últimos años.

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En los años 50, instalado en Portlligat, su clasicismo pasa ser religioso. Estudia y pinta  grandes temas de la cristiandad: La Madona de Portlligat, el famoso Cristo de San Juan de la Cruz, Corpus Hypercubicus, Santiago el Mayor y La Última cena.

Además, continúa realizando obras profanas como Leda atómica, El sueño de Cristobal Colón, Cabeza rafaélica explotando, Joven virgen autosodomizada por su propia castidad o Galatea en las esferas.

Durante los años 60 se decanta hacia el pop-art o arte óptico como es el caso de las pinturas de La mano de Dalí retira un Vellocino de Oro en forma de nube para mostrar a Gala la aurora completamente desnuda muy lejos detrás del sol y Gala mirando el mar Mediterráneo que a veinte metros se transforma en el retrato de Lincoln.

Durante los años 70 la obra de Dalí se extiende por todo el mundo, en 1971 se abre el Museo Salvador Dalí en Cleveland que será transferido en 1982 a San Petersburgo (Florida).

En 1979 el Centro Georges Pompidou ofrece una retrospectiva del pintor que posteriormente se traslada a la Tate Gallery de Londres.

En los años 80 comienza su decaimiento, muere su esposa Gala en 1982. A partir de entonces, se refugió en el castillo que años antes había regalado a su musa. En 1983 Salvador Dalí pinta su último cuadro La cola de la golondrina.

En 1984 un incendio fortuito se produce en su dormitorio del castillo de Pubol le provocó una serie de quemaduras. A partir de entonces y hasta el 23 de enero de 1989 Dalí vivió en Torre Galatea. Actualmente sus restos permanecen en la cripta de su Teatro- Museo de Figueras.

Dalí produjo alrededor de 1.500 pinturas, decenas de ilustraciones para libros, litografías, diseños escenográficos, vestuarios, y una ingente cantidad de dibujos, esculturas y proyectos paralelos en fotografía y cine. Colaboró en la película Dalí en Nueva York (1965), de Jack Bond.

También animado por su amigo Lorca, Dalí tanteó la creación literaria en una "novela pura". En su única obra literaria Dalí describe en vistosos términos, las intrigas y amoríos de un grupo de aristócratas excéntricos y frívolos que, con su lujoso y sofisticado estilo de vida representan la decadencia de los años treinta.

 Surrealismo: el estilo de Dalí.El surrealismo surgió del movimiento "Dadá", empieza en 1924 en

París. Allí, el escritor francés André Breton publica el Primer Manifiesto del Surrealismo y define el nuevo movimiento como "automatismo psíquico puro a través del cual nos proponemos expresar, ya sea verbalmente o por escrito, o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento".

Surgió en movimiento para escritores, pero se extendió a la pintura y la escultura. Se distinguieron dos modos de arte surrealista. De una parte, los

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pintores que seguían defendiendo el automatismo como mecanismo libre de la intervención de la razón; como Joan Miró y André Masson.

De otra, la opinión de quienes creían que la figuración naturalista podía ser un recurso igual de válido. Como Dalí, René Magritte, Paul Delvaux o Yves Tanguy, éste último más interesado en las formas viscosas, líquidas.

El arte surrealista investigó nuevas técnicas, como el frottage, la decalcomanía, el grattage, el cadáver exquisito o la pintura automática. Se interesó por la expresión de colectivos a los que apenas se había prestado atención en el pasado. Como consecuencia del surrealismo y la abstracción, la pintura contemporánea norteamericana lideró a partir de 1945 el arte mundial.

Dalí se asoció en 1930, después de ser relegado por los artistas surrealistas, acusado de estar más interesado en la comercialización de su arte que en las ideas del movimiento.

A pesar de ello, durante cierto tiempo fue el artista más renombrado del grupo. Su obra personal constituye una de las muestras más representativas del surrealismo.

La pintura surrealista es muy variada en contenidos y técnicas. Dalí, por ejemplo, transcribe sus sueños de una manera más o menos fotográfica, inspirándose en la primera etapa de la pintura de De Chirico

Facundo Cabral

Biografía

InfanciaUn día antes de su nacimiento, su padre se fue del hogar. Su madre y

sus otros siete hermanos vivían en casa del abuelo paterno de Facundo Cabral, quien expulsó al resto de la familia. Cabral afirmó varios años más tarde que su nacimiento se produciría en una calle de la ciudad de La Plata.

Sus primeros años los pasó en Berisso, localidad adyacente a La Plata. Posteriormente, la madre de Cabral y sus hijos emigraron hacia Tierra del Fuego, en el sur de Argentina.

A la edad de 9 años, escapó de su hogar y estuvo desaparecido cuatro meses. Su propósito inicial era llegar hasta Buenos Aires para conocer al entonces presidente argentino Juan Domingo Perón, ya que tenía la referencia de que el mandatario "le daba trabajo a los pobres".

Después de una larga travesía, transportado por diferentes personas, al llegar a la ciudad capital, un vendedor de la "Feria Franca" le dio la dirección de la Casa Rosada; mas aquel señor le dijo enseguida: "Es muy difícil que te atienda, porque los presidentes suelen ser gente ocupada; pero yo leí en el diario que mañana 19 de noviembre va a ir a La Plata porque es el aniversario de la ciudad. Ándate ahí". Así que se fue a La Plata, durmió al costado de

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la catedral, y al día siguiente Facundo Cabral, siendo apenas un niño, logró burlar el cerco policial alrededor del mandatario y su esposa, Eva Duarte.

Cuando un policía lo agarró para retirarlo, el presidente, que estaba saludando hacia ese lado le dijo al policía: -"Déjelo venir"-, e hizo parar su auto descapotable que tenía un estribo al que Facundo se subió de inmediato y conversó con ambos. -¿Quería decirme algo?-, le habría preguntado el presidente. -Sí, ¿Hay trabajo?-, respondió Facundo.

En un reportaje en los años 90, confesó que Eva Perón, en ese momento diría la primera "frase ética", que el escucharía en su vida, y que lo acompañaría por siempre: "Por fin, alguien que pide trabajo y no limosna". Gracias a esta conversación, logró que su madre obtuviera empleo y el resto de la familia se trasladara a la ciudad de Tandil.

Facundo Cabral tuvo una infancia dura y desprotegida; se convirtió en un marginal al punto de ser encerrado en un reformatorio pues se había convertido en alcohólico desde los nueve años de edad. Escapa y luego cae preso a los 14 años por su carácter violento. En la cárcel, un sacerdote jesuita de nombre Simón fue quien le enseñó a leer y escribir, lo puso en contacto con la literatura universal y lo impulsó a realizar sus estudios de educación primaria y secundaria, los cuales, llevó a cabo en tres años, en lugar de los doce que era el período normal en Argentina. Un año antes de salir de la cárcel, Cabral escapó de la prisión, aunque recibió aún ayuda del sacerdote. Gracias a un vagabundo, Cabral conoce la religión, aunque declarándose librepensador, sin pertenecer a iglesia alguna. Poco después, se iniciaría como músico y cantante en el medio artístico.

Trayectoria artísticaCabral citaría así sus inicios en el medio musical: "Empecé a cantar

con los paisanos, con la familia Techeiro, en Tandil. El 24 de febrero de 1954, un vagabundo me recitó el sermón de la montaña y descubrí que estaba naciendo. Corrí a escribir una canción de cuna, Vuele bajo, y empezó todo."

En 1959, ya tocaba la guitarra y cantaba música folklórica, admiraba a Atahualpa Yupanqui y a José Larralde, se trasladó a Mar del Plata, ciudad balnearia argentina, y solicitó trabajo en un hotel; el dueño lo vio con su guitarra y le dio la oportunidad de cantar. Así comenzó su carrera dedicada a la música; su primer nombre artístico fue El Indio Gasparino. Sus primeras grabaciones no tuvieron mayor repercusión. Luego se presentó con su apellido verdadero.

En 1970, grabó No soy de aquí ni soy de allá que consagró su éxito. Empezó a ser conocido en el mundo, grabó en nueve idiomas con cantantes de la talla de Alberto Cortez, Julio Iglesias,Pedro Vargas o Neil Diamond entre otros.

Exilio y retorno Durante la última Dictadura Argentina (1976-1983), era ya considerado

un cantautor de protesta, lo que lo obliga a abandonar Argentina en 1976. Se

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radicó en México, donde continuó componiendo y haciendo presentaciones. Se estima que recorrió 165 países.

En 1984, regresó a Argentina con su nombre consagrado. Ofreció un recital en el Estadio Luna Park. Siguió por Mar del Plata. En 1987, hizo una presentación en el estadio de fútbol de Ferrocarril Oeste, en Buenos Aires, con capacidad para treinta y cinco mil personas. El 5 de mayo de 1994, comenzó una gira internacional.

Se presentó en conciertos junto a Alberto Cortez en “Lo Cortez no quita lo Cabral” uniendo humor y poesía con las canciones que hicieron famosos a ambos intérpretes. En enero de 1996, ambos actuaban en la ciudad de Mar del Plata, cuando Alberto Cortez debió ser operado debido a una obstrucción en la carótida, así que Cabral continuó con la gira de la cual se hizo una grabación.

Ya casi invidente, él mismo resumió en una nota: "Fue mudo hasta los 9 años, analfabeto hasta los 14, enviudó trágicamente a los 40 y conoció a su padre a los 46. El más pagano de los predicadores cumple 70 años y repasa su vida desde la habitación de hotel que eligió como última morada".

MuerteSus últimos conciertos los realizó en una gira en Centroamérica. Se

presentó en la Ciudad de Guatemala el martes 5 de julio de 2011 en el Expocenter del Grand Tikal Futura Hotel, a las veinte horas donde para despedirse expresó lo siguiente: “ya le di las gracias a ustedes; las daré en Quetzaltenango, y después que sea lo que Dios quiera, porque Él sabe lo que hace”. El jueves 7 se presentó en el que sería su último concierto, en el Teatro Roma de la ciudad de Quetzaltenango, el cual cerró interpretando la canción No soy de aquí, ni soy de allá.

Fue asesinado el 9 de julio de 2011 alrededor de las 5:20 am, en Ciudad de Guatemala, víctima de un atentado aparentemente dirigido al empresario Henry Fariña el cual conducía al cantautor y a su representante al Aeropuerto Internacional La Aurora desde el hotel donde se hospedaba, para continuar en Nicaragua con su gira de presentaciones. El atentado fue perpetrado por varios sicarios que se dirigían en tres vehículos y armados con fusiles de asalto en el Boulevard Liberación de dicha ciudad, quedando únicamente herido el empresario y fallecido el cantautor. En Julio del 2012 fiscales nicaragüenses dijeron que Cabral fue asesinado por parte de una disputa entre Alejandro Jiménez González y Henry Fariñas, ambos miembros de la pandilla "Los Charros" aliada con La Familia Michoacana e involucrada en el lavado de dinero en cantidades de más de mil millones de dólares.

Pensamiento espiritual, estético y políticoInfluido en lo espiritual por Jesús, Lao-Tsé, Chuang Tzu Osho,

Krishnamurti, Gautama Buda, Arthur Schopenhauer, Juan el Bautista, San Francisco de Asís, Gandhi y La Madre Teresa de Calcuta, predicó

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el Misticismo, la desaparición del Ego y la auto-realización global de la Conciencia humana.

En literatura tuvo admiración por Jorge Luis Borges con quien también mantuvo conversaciones filosóficas y por Walt Whitman. Este rumbo de observación espiritual, inconformista, se imprimió en su carrera como cantautor que tomó el rumbo de la crítica social sin abandonar su habitual sentido del humor.

No se conoce que Cabral haya tenido participación militante en movimiento político alguno, aunque por muchos años abogó por el pacifismo como forma de solucionar conflictos autodefiniéndose como "violentamente pacifista" y "vagabundo firstclass", se identificó en sus últimos años con una especie de anarquismo filosófico y contemplativo.

ReconocimientosNo existe una lista documentada de sus reconocimientos discográficos,

ya que Cabral al no tener una vivienda propia, sino que vivía en cuartos de hoteles, en los últimos años de su vida, decidió entregárselos a un conductor de taxis, conocido suyo, quien los coleccionaba. Sin embargo se reseñan los siguientes:

Ciudadano ilustre de la Ciudad de Buenos Aires. Por el voto unánime de la Legislatura porteña y merced a "su gran trayectoria en la escena musical nacional e internacional y por su infatigable labor como mensajero de paz y unidad de los pueblos del mundo". Por 41 votos a favor y ninguno contra, la Legislatura porteña convirtió ley un proyecto de la diputada del PRO, Silvia Majdalani, que declara Ciudadano Ilustre de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires al cantautor Facundo Cabral. Según el artículo 1°, la legisladora afirma que hizo la presentación, no solo porque el trovador posee una "vastísima trayectoria en la escena musical nacional e internacional", sino por "su infatigable labor como mensajero de paz y unidad de los pueblos del mundo".

En reconocimiento a su constante llamado a la paz y al amor, la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco) lo declaró “Mensajero Mundial de la Paz” (1996). De hecho, el presidente Oscar Arias Sánchez de Costa Rica, lo propuso para el Premio Nobel de la Paz.

Miembro honorario de Amnistía Internacional.Memorándum de su muerte en los premios Grammys del año 2012.

Obra literariaDe su obra literaria, Cabral mencionó en alguna ocasión que había

escrito alrededor de 22 libros "sin títulos y sin autor", que eran considerados por él como textos manuscritos que se editaban y se imprimían, de los cuales existen traducciones en chino mandarín o japonés. Por ello, la siguiente es una lista incompleta de sus obras en el campo literario.

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Luis Alberto del ParanáLuis Osmer Meza, más conocido con el nombre artístico de Luis

Alberto del Paraná, nació en Altos, Departamento de Cordillera, Paraguay, el 21 de junio de 1926, a las 14:30, y fue anotado en el Juzgado de Paz el 14 de agosto de 1926, por su madre, Jacinta Mesa. Hizo sus cursos primarios en Ypacaraí. Falleció el 15 de septiembre de 1974 en Londres, Reino Unido.

Nació para el Arte en 1942, durante el Primer Certamen de los Barrios; el mozalbete de dieciséis años, de timbre de voz sorprendente, representó a Campo Grande, acompañado de Humberto Barúa, y otro nombre mayúsculo de la música paraguaya, el arpista Digno García. Allí en el viejo cine Rex, el público empezó a asombrarse con un jovencito que prestaba el servicio militar, entre tímido y decidido, a medio camino entre la parquedad del campesino y una sonrisa grande abierta hacia nuevos horizontes".

Murió en Londres, Inglaterra, a consecuencia de un derrame cerebral, el domingo 15 de septiembre de 1974, en el Prembridge Court Hotel (34 Prembridge Garden, Londres, W2 4DX Reino Unido), 1er. piso, habitación No.8, a los 48 años.

Su familiaEl cuarto de ocho hermanos, entre ellos, una sola mujer: Obdulia

(Chiquita), también cantante, ahora retirada. Doña Jacinta, madre de Paraná, falleció a los 67 años, cuando él se encontraba de gira por Europa, el 15 de agosto de 1956. Era costurera. El padre de Paraná era José Domingo Encina Gonzalez, un maestro rural el cual también gustaba de ejecutar la guitarra y cantar. Murió en Piripucú (Dpto. de Concepción), luego que Doña Jacinta le despidiera del hogar por "infidelidad", defendiendo a la Asociación Nacional Republicana (Partido Colorado), durante la guerra civil paraguaya, en 1947.

Luis Alberto del Paraná considerado como el 'Embajador de la música paraguaya y soldado del Arte paraguayo', casado por primera vez con Lissette Cairoli, francesa originaria de una renombrada familia cirquera. Segundo matrimonio, con la bailarina española Carmen González Caballero (nombre artístico: Carmen Santana). Con ella tuvo dos hijos: Luis Manuel Meza González y Carmen Fabiola Meza González.

Vida y obraA los 14 años ingresa como explorador en el "Batallón Rojas Silva" (del

Colegio Salesianito), a cargo del Padre Ernesto Pérez Acosta (también conocido como Pa'í Pérez), quien lo escuchó una vez cantando "bajo un árbol, como un ruiseñor...". Más tarde (1958), en Milán (Italia), Paraná le regala al Pa'í Pérez, una bandaliza completa para el Batallón. Tiempo después le dedicó también al Pa'í Pérez, una canción que posteriormente grabó en un disco de larga duración (LP) en Philips International, que lo distribuyó por todo el mundo.

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Luego de volver de los países centroamericanos, Luis Alberto del Paraná (nombre artístico que adoptó en México), forma grupo con Digno García y Agustín Barboza tomando el nombre de "Trío los Paraguayos", a instancias, según parece, del poeta y político, Epifanio Méndez Fleitas. Por decreto del Poder Ejecutivo No.1.736, de fecha 24 de noviembre de 1953, firmado por el Pdte de la República, Dr. Federico Chávez, y el Ministerio de Hacienda, Dr. Guillermo Enciso Velloso, el Gobierno de la Nación entrega 3.200 dólares, a cada uno de los artistas para difundir la música paraguaya en Europa, en "Misión Cultural Oficial".

Cumplido el contrato, el Trío se disuelve, y Paraná forma su conjunto "Los Paraguayos", con su hermano Reynaldo Meza, Rubito Medina, y el arpista José de los Santos González; grabando enseguida para Philips de Holanda, dos LP: Famous Latin American Songs" y "Ambassador of Romance", que constituyeron de inmediato un gran éxito de venta. Inicia así la grabación de "más de 500 canciones, yendo de suceso en suceso, hasta su muerte.

Fue uno de los primeros latinoamericanos de renombre en Europa en las décadas de los sesenta y setenta, e incluso trabajó para la Philips, el mayor sello discográfico del mundo de aquellos tiempos. Llegó a superar las 500 canciones grabadas, además de batir récords de venta con sus discos. En 1971, recibió en Alemania el Globo de Oro por la venta de más de 30 millones de discos ,650.000 casetes, 76 países visitados más de un millón de kilómetros de tour, 8 discos de oro obtenido. Fue sensación en el Madison Square Garden de New York, el Olympia Paris, elLondon Palladium, el Latin Quarter Tokio , el Tchaikovski Hall de Moscú , el Royal Variety Performance el 4 noviembre de 1962 en Londres donde actuó con los Beatles en 1966 en el Festival de San Remo, Italia y en cientos de lugares más donde se presentó.

El compartió escenario con The Beatles y grabo una música con The Rolling Stones. [[Luis Alberto del Paraná]] y "Los Paraguayos", interpretando en vivo en el programa de Benny Hill "Season 1 Episode 3" (1970)

En la cultura popular: De sus grabaciones "HACE UN AÑo" y "Malagueña" fueron utilizados en la película Nacido el cuatro de julio (1989)

Su sepelio en AsunciónConstituyó un acontecimiento pocas veces visto en la vida de la

Nación. La ciudadanía se volcó a las calles, espontáneamente, para atestiguar el último adiós a uno de sus hijos más queridos.

Catalizador de aquella inquietud ciudadana fue la llamada "Cadena del Dolor", donde la casi totalidad de las emisoras radiales del Paraguay (y países aledaños), se unieron para transmitir minuto a minuto, antes de la llegada del féretro de Paraná al aeropuerto de Luque; su velatorio en el Teatro Municipal, y su camino hasta el Cementerio Italiano (Cementerio de la Recoleta). Artífices de esta gran cruzada radial fueron Radio Ñanduti (Gloria y Humberto Rubín) y Radio Comuneros (Juan Carlos "Coco" Bernabé).

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ARTISTAS Y PERSONAJES DEL SIGLO XX

GrotowskiCursó estudios en Cracovia y Moscú, tras lo que inició su carrera de

director y teórico teatral fundando una compañía propia, el Teatro de las 13 filas, que dirigió entre 1959 y 1964. En 1965 se trasladó a Wroclaw y cambió el nombre por el de Teatro Laboratorio. Triunfó con sus adaptaciones libres de los clásicos como El príncipe constante de Calderón de la Barca, donde Ryszard Cieślak encarna su concepción de actor santo.

En 1976 el Teatro Laboratorio desapareció y continuó con la enseñanza y el trabajo experimental por todo el mundo. Genera el concepto de Teatro Pobre. Su obra ha influido en directores y actores contemporáneos, como Alejandro Jodorowsky, Eugenio Barba y Peter Brook. La colección de sus escritos teóricos, Hacia un teatro pobre, se publicó en 1968 con introducción de Brook.

StanislavskiConstantin Stanislavski, actor y director ruso, fue el primero en articular

de forma sistemática un método de actuación realista. Este movimiento teatral al igual que cualquier otro, surge como consecuencia o reacción a movimientos anteriores como es el caso de los estilos romántico, melodrama mático, larmoyante, o el propio clásico que se identifican más con una actuación artificiosa sostenida por un estudiado uso de la voz y de la gestualidad pero que no tenían nada que ver con la forma como los seres humanos se comportan socialmente. Como todo movimiento, el método surge en estrecha relación con los avances en materia tecnológica, política, social, científica. Por ejemplo, su vinculación directa con los nuevos avances en materia de la psicología freudiana lo han convertido desde su creación en el siglo 19 como el método de actuación más importante y que ha prevalecido hasta nuestros días como tal. Vale aclarar que surgieron y aun hoy día siguen apareciendo teorías muy específicas que invalidan o transforman el Método de Stanislvaski en otros recursos disponibles para actores y directores; o simplemente nuevas técnicas de actuación que bien pueden o no vincularse al Método.

Autor de “Un actor se prepara”, “Construyendo un personaje”, “Creando un personaje” y “Mi vida en el Arte”, Stanislavski desarrolló su técnica con el fin de hacer que los personajes se vieran “vivos” en el escenario. Para lograr esto, invertía bastante tiempo en ensayos enfocándose en la vida interna de los personajes. Estas técnicas de actuación han sido conocidas como “El Método”, las cuales sintetizamos a continuación.

Brecht

Características del Teatro Épico de Bertolt Brecht:El teatro épico, asimismo llamado teatro político, surge a inicios del

siglo XX gracias al director alemán Bertolt Brecht quien incentivaba un teatro más comprometido con las causas sociales de su época.

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ARTISTAS Y PERSONAJES DEL SIGLO XX

En este tipo de teatro, a diferencia de las corrientes realista y Naturalista, se intensifica el uso de la ilusión, ya que es de suma

importancia que el espectador tome distancia de lo que sucede en escena para así llegar a un juicio crítico.

En este sentido, Brecht habilita la idea de recibir el relato y la crítica durante el relato.

Por último, el teatro épico alberga la idea del podio, a partir de la cual se señala que el teatro va a estar en un podio, y que va a ponerse en evidencia para romper con la idea de identificación con el espectador.

Cuadro comparativo.

Brecht

El tipo de teatro de Brecht se diferencia en el uso de la ilusión, ya

que es de suma importancia que el espectador toma

distancia de lo que sucede en escena para

llegar así a un juicio crítico.

Stanislavski

Fue el primero en articular de forma

sistemática un método de actuación realista.

Este movimiento teatral al igual que cualquier

otro surge como consecuencia o reacción

a movimientos anteriores como en el

caso de los estilos románticos,

melodramáticos, larmoyante o el propio

clásico.

Grotowski

Grotowski crea lo que llama “Teatro pobre”, un teatro que puede existir

sin maquillaje, sin vestuarios, sin

escenografía, sin iluminación, sin efectos

de sonido, etc. Solamente existe una

cosa que sin la cual no existiría el teatro: la

relación que hay entre actor y espectador.

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ARTISTAS Y PERSONAJES DEL SIGLO XX

Academismo: EL ARTE ACADEMICO

El academicismo es una corriente artística que se desarrolla principalmente en Francia a lo largo del siglo XIX, y que responde a las instrucciones de la Academia de Bellas Artes de Paris y al gusto medio burgués, como herencia del Clasicismo.

El academismo huye, así mismo, del realismo naturalista, esto es, de los aspectos más desagradables de la realidad. El termino se relaciona directamente con las academias y con el arte que allí se produce, presentes en Europa desde 1562, con la creación de la academia de dibujo de Florencia, y diseminadas por diversos países durante el siglo XVIII, las academias de arte son responsables del establecimiento de una formación artística tipificada, anclada en una enseñanza practica.

Al defender la posibilidad de enseñanza de todo y cualquier aspecto de la creación artística por medio de reglas comunicables, esas instituciones desechan la idea del genio, movido por la inspiración divina o por la intuición y talento individuales. Rompen con la visión de arte como artesanía, y eso acarrea un cambio radical en el estatus de los artistas: pasan a ser considerados teóricos e intelectuales. Además de la enseñanza, las academias son responsables de la organización de exposiciones, concursos, premios, pinacotecas y colecciones, lo que significa el control de la actividad artística y la fijación rígida de normas de gusto.

El sello oficial de las academias, asociado a la intransigente defensa de ciertos ideales artísticos y patrones de gusto que los premios y concursos ponen en evidencia, trae consigo el rechazo a otras formas y concepciones de arte, lo que acarrea un inevitable conservadurismo. De ahí, el sentido peyorativo que rodea las nociones de arte académico y academismo, asociadas con el arte oficial, la falta de originalidad y la mediocridad. Los grandes artistas del siglo XIX, al igual que importante parte de los impresionistas, buscan canales alternativos para exhibir sus obras, al margen de la academia.

ARTISTAS RELEVANTES DEL ACADEMISMO:

Pintores

Hans Makart: Nació el 28 de Mayo de 1840 en Salzburgo y murió un 3 de Octubre de 1884 en Viena. Fue un pintor academista austriaco, diseñador y decorador. Es más conocido por su influencia sobre Gustav Llimt y otros artistas austriacos, pero en su propia época fue considerado como artista importante y fue una celebridad en la cultura elevada de Viena.

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Pierre Auguste Cot: Nació el 17 de febrero de 1837 y falleció en Julio de 1883, fue un pintor francés de la escuela academista. Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se sentaron las bases de la sociedad contemporánea, marcada en el terreno político por el fin del absolutismo y la instauración de gobiernos democráticos. En el terreno del arte, comienza una dinámica evolutiva de estilos que se suceden cronológicamente cada vez con mayor celeridad, que culminara en el siglo XX con una atomización de estilos y corrientes que conviven y se anteponen, se influyen y se enfrentan. Surge el arte moderno como contraposición al arte académico, situándose el artista a la vanguardia de la evolución cultural de la humanidad

Carl Theodor von Piloty: Nació el 1 de octubre de 1826 en Múnich y falleció el 21 de julio de 1886 en Ambach hoy parte de Münsing, era un pintor alemán.

Se le reconoce como uno de los más importantes pintores del género histórico realista, que buscaba una reproducción detallada de las escenas. En 1840 fue admitido en la Academia de Bellas Artes de Múnich. Después de un viaje por Bélgica, Inglaterra y Francia comenzó su trabajo como pintor de género. En 1853 su obra "Die Amme" ("La Nodriza") causó sensación en Alemania por la originalidad de su estilo. En 1874 fue nombrado director de la Academia de Bellas Artes de Múnich.

Su monumental obra “Allegorie Monachia” puede verse en el Gran Salón del ayuntamiento de Múnich. Esta obra de 15,30 x 4,60 metros es considerada la pintura más grande de Baviera. En ella se ven a 128 personajes de la historia la ciudad de Múnich.

EL ARTE ACADEMICO; Retorico, Poético y Artístico

Aristóteles: Fue un filósofo y científico de la antigua Grecia (384 a. C. – 322 a. C.) cuyas ideas han ejercido una enorme influencia sobre la historia intelectual de Occidente por más de dos milenios.

Aristóteles escribió cerca de 200 tratados sobre una enorme variedad de temas, incluyendo lógica, metafísica, filosofía de la ciencia, ética, filosofía política, estética, retórica, física, astronomía y biología.

Entre muchas otras contribuciones, Aristóteles formuló la teoría de la generación espontánea, el principio de no contradicción, acto, potencia y primer motor inmóvil. Algunas de sus ideas, que fueron novedosas para la filosofía de su tiempo, hoy forman parte del sentido común de muchas personas.

Fue discípulo de Platón y de otros pensadores durante los veinte años que estuvo en la Academia de Atenas. Fue maestro de Alejandro Magno en el Reino de Macedonia. En la última etapa de su vida fundó el Liceo en Atenas, donde enseñó hasta un año antes de su muerte.

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Nicolás Boileau: Nicolás Boileau-Despréaux nació en París, 1 de noviembre de 1636, y falleció en su misma ciudad natal un 13 de marzo de 1711. Era el penúltimo de los dieciséis hijos de Gilles Boileau, escribano de la Cámara Parlamentaria de París. Estudió Derecho en el Colegio d'Harcourt primero y luego en el de Beauvais, Empieza estudios de teología en la Sorbona y obtiene incluso un priorato (dotado con 800 libras) al que renunciará a la muerte de su padre en 1657. Estos hechos le permiten vivir de las rentas y dedicarse a la literatura.

Sus primeros escritos relevantes son las Sátiras (1660–1667), inspiradas de las de Horacio y Juvenal, en las que critica el gusto literario de algunos de sus contemporáneos

Fue el protegido de Madame de Montespan, quien lo presentó al rey Luis XIV en 1674. En 1677 es nombrado, a la vez que Racine, historiógrafo de Luis XIV. Muy apoyado por éste, ingresa en la Academia francesa en 1684.

Boileau es el principal teórico de la poesía francesa del Siglo XVII. Representa la estética clásica y fue apodado legislador del Parnaso. Fue uno de los principales cabecillas del clan de los Antiguos en la famosa disputa entre los Antiguos y los Modernos, polémica literaria y artística que sacudió la Academia Francesa a finales del S.XVII y que oponía dos corrientes antagonistas en cuanto a modo de ver la cultura.

ARTE CLASICO: Desde el punto de vista de nuestra disciplina, el Arte Clásico se interpreta como el conjunto de formas artísticas que se mezclan a partir de las diversas influencias de una sociedad humanista como la griega y tienen su continuidad práctica en el mundo romano. Se desarrolla durante el primer milenio a.C. y hasta la primera mitad  del primero d.C., como expresión  plástica de las civilizaciones griega y romana. Y supone, en primer lugar, un desplazamiento de los centros culturales hacia el Mediterráneo: Atenas y Roma, así como también la constatación de un nuevo espíritu ideológico más cercano a lo positivo, al hombre y la razón.

Escultores clásicos: A mediados del siglo V a. C., coincidiendo con el esplendor de Atenas bajo el gobierno de Pericles (461-429 a. C.), los distintos géneros del arte griego alcanzan su culminación. Es el tiempo de los grandes escultores, entre los que destaca Fidias, o de la construcción del Partenón en la Acrópolis de Atenas, o del refinamiento de los pintores como Zeuxis de Heraclea o Parrasio de Éfeso.

Fidias:

Atenas, hacia 490 a. C. – Olimpia, h. 431 a. C. fue el más famoso de los escultores de la Antigua Grecia, además de pintor y arquitecto.

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Fidias, que se encuadra en la etapa conocida como «primer clasicismo griego», diseñó las estatuas de la diosa Atenea en la Acrópolis de Atenas y la colosal estatua sentada de Zeus en Olimpia.

Se conocen pocos detalles de la vida de Fidias. Se sabe que nació en Atenas poco después de la batalla de Maratón. Se tienen diversos relatos sobre su formación. Al parecer, su actividad artística empieza en 464 a. C.. De su vida se sabe poco más aparte de sus obras.

Praxíteles:

Fue el más renombrado escultor clásico ático del siglo IV a. C. Nació en Atenas, con la obra de Praxíteles la escultura griega evoluciona desde el clasicismo hacia una especie de anticipado manierismo, al acentuar el sensualismo.

Fue el primero en esculpir la forma femenina desnuda en una estatua a tamaño natural. Aunque no queda ninguna escultura que sea atribuible sin dudas a Praxíteles, numerosas copias de sus obras han sobrevivido; autores contemporáneos, incluyendo a Plinio el Viejo, escribieron sobre sus obras; y han sobrevivido monedas grabadas con siluetas de varios de sus modelos estatuarios.

LA MUSICA ACADEMICA:

Los sistemas de notación musical existen desde hace miles de años. Se han encontrado pruebas arqueológicas de escritura musical practicada en Egipto y Mesopotamia hacia el III milenio a. C. Otros pueblos también desarrollaron sistemas de notación musical en épocas más recientes. Los griegos utilizaban un sistema que consistía en símbolos y letras que representaban las notas, sobre el texto de una canción. Algunos de los ejemplos más antiguos de este tipo son el epitafio de Seikilos, encontrado en una tumba en Turquía; Los tres himnos de Mesomedes de Creta existentes en manuscrito; y los himnos délficos, datados hacia el siglo II. Los griegos tenían por lo menos cuatro sistemas derivados de las letras del alfabeto.

El conocimiento de este tipo de notación se perdió, como gran parte de la cultura griega, tras la invasión romana.

El sistema moderno tiene sus orígenes en las neumas (del latín: curvado), símbolos que representaban las notas musicales en piezas vocales del canto gregoriano, hacia el siglo VIII. Inicialmente, las neumas, trazos que representaban intervalos y reglas de expresión, estaban situadas sobre las sílabas del texto y servían como recordatorio del modo de ejecutarlo para los que ya conocían la música. Sin embargo, este sistema no permitía que los que nunca hubieran oído la música pudiesen cantarla, ya que no era posible representar con precisión las alturas y duraciones de las notas.

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Para resolver este problema las notas pasaron a representarse con distancias variables en relación a una línea horizontal. Esto permitía representar las alturas. Este sistema evolucionó hasta una pauta de cuatro líneas, con la utilización de claves que permitían alterar la extensión de las alturas representadas. Inicialmente el sistema no contenía símbolos para las duraciones de las notas ya que eran fácilmente inferidas por el texto a cantar. Hacia el siglo X, se introdujeron cuatro figuras diferentes para representar las duraciones relativas entre las notas.

Contrapunto: Del latín punctus contra punctum, «nota contra nota» es una técnica de composición musical que evalúa la relación existente entre dos o más voces independientes (polifonía) con la finalidad de obtener cierto equilibrio armónico. Casi la totalidad de la música compuesta en Occidente es resultado de algún proceso contrapuntístico. Esta práctica surgió en el siglo XV alcanzando un alto grado de desarrollo en el Renacimiento y el periodo de la práctica común, especialmente en la música del Barroco y se ha mantenido hasta nuestros días.

En su aspecto más general el contrapunto implica la escritura de líneas musicales que suenan muy diferentes y se mueven independientemente unas de otras pero suenan armoniosas cuando se tocan simultáneamente. En cada época, la escritura de música organizada contrapuntísticamente ha estado sujeta a reglas, en ocasiones estrictas. Por definición, los acordes se producen cuando diversas notas suenan al mismo tiempo. Sin embargo, los rasgos armónicos verticales se consideran secundarios e incidentales, cuando el contrapunto es el elemento textural predominante. El contrapunto se centra en la interacción melódica y sólo en segundo lugar en las armonías producidas por esa interacción.

Armonía: El término armonía (arcaicamente, y también aceptado harmonía) tiene muchos significados, musicales y extra musicales, relacionados de alguna manera entre sí. En general, armonía es el equilibrio de las proporciones entre las distintas partes de un todo, y su resultado siempre connota belleza. En música, la armonía es la disciplina que estudia la percepción del sonido en forma «vertical» o «simultánea» en forma de acordes y la relación que se establece con los de su entorno próximo.

Como otras disciplinas humanas, el estudio de la armonía presenta dos versiones: el estudio descriptivo (es decir: las observaciones de la práctica musical) y el estudio prescriptivo (es decir: la transformación de esta práctica musical en un conjunto de normas de supuesta validez universal).

El estudio de la armonía sólo se justifica en relación con la música occidental, ya que la Occidental es la única cultura que posee una música

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«polifónica», es decir, una música en la que se suele ejecutar distintas notas musicales en forma simultánea y coordinada.

Disonancia: Es el conjunto de sonidos que el oído percibe con tensión, y por tal razón, tiende a rechazarlos. En música, la disonancia es un intervalo que es definido por las reglas de la armonía como «desagradable» al oído. Se la suele definir también como consonancia lejana, al ser sonidos armónicos lejanos. Usualmente se consideran como disonancias los intervalos de segunda menor, segunda mayor, cuarta aumentada o quinta disminuida (también llamado tritono), séptima menor y séptima mayor. También se consideran disonantes los intervalos compuestos que derivan de ellos. La tensión que crea la disonancia «pide» psicológicamente su resolución, es decir, su aumento o disminución que la lleve a convertirse en una consonancia. El concepto opuesto al de disonancia es, pues, el de consonancia.

LA PINTURA ACADEMICA

Leonardo Da Vinci:

Fue un pintor florentino. Notable polímata del Renacimiento italiano (a la vez anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista) nació en Vinci el 15 de abril de 1452 y falleció en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas. Trabajó a continuación en Roma, Bolonia y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I.

Frecuentemente descrito como un arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento, genio universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita solo puede ser equiparable a su capacidad inventiva, Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido.

Miguel Ángel:

Michelangelo Buonarroti nació en Caprese, 6 de marzo de 1475 y murió en Roma, 18 de febrero de 1564, conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos.

Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida: Le Vite de' più eccellenti pittori, scultori, ed architettori, de Giorgio Vasari, publicada en 1550 en su primera edición, en la cual fue el único artista vivo incluido, y Vita de Michelangelo Buonarroti, escrita en 1553 por Ascanio

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Condivi, pintor y discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti.

Rafael Sanzio:

Raffaello Sanzio: (Urbino, 6 de abril de 1483 – Roma, 7 de abril de 1520 ), también conocido como Rafael de Urbino o, simplemente, como Rafael, fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Además de su labor pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.

Hijo de un pintor de modesta relevancia, fue considerado un niño prodigio por su precoz habilidad. A los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos

como La escuela de Atenas, considerado una de sus obras cumbre. Junto con

Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período.

CREANDO TENDENCIAS

Arte Pop

Pop Art no es un término estilístico, sino un término genérico para fenómenos artísticos que tiene que ver de forma muy concreta con el estado de ánimo de una época. Establece asociaciones con los diferentes elementos superficiales de una sociedad.

Es un movimiento artístico, surgido al final de los años cincuenta en Inglaterra y caracterizado por el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas y aplicados al arte de la pintura. El término fue utilizado por primera vez por el crítico británico Lawrence Alloway en 1962 para definir el arte que algunos jóvenes estaban haciendo, utilizando imágenes populares dentro del arte. Puede afirmarse que el pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (pop), caracterizado por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en un objeto más de consumo.Los orígenes del Pop se encuentran en el dadaísmo y en su desprecio por el objeto, sin embargo el pop descarga de la obra toda la filosofía anti-arte de Dadá y encuentra una vía para construir a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana al igual que Duchamp había hecho con sus ready- mades. En cuanto a las técnicas también toma del dadaísmo el uso del collage y del fotomontaje.

El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de

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su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

EL DADAISMO: INFLUYENTE EN EL ARTE POPULAR

El dadaísmo es un movimiento cultural que surgió en 1916 en Zúrich (Suiza). Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadaístas; posteriormente, se unió el rumano Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del Dadaísmo. Una característica fundamental del Dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado. El Dadaísmo se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas y, especialmente, por burlarse del artista burgués y de su arte. Su actividad se extiende a gran variedad de manifestaciones artísticas, desde la poesía a la escultura pasando por la pintura o la música. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, el Dadaísmo crea una especie de antiarte, es una provocación abierta al orden establecido.

EL ARTE FOLKLORICO; BASE DE TODO LO POPULAR

El arte folclórico es aquel creado de un modo tradicional por campesinos, marineros, artesanos o comerciantes que no cuentan con una preparación formal. También es el arte producido por miembros de un grupo social o étnico que han preservado su cultura. Para que un objeto o hecho sea considerado folclórico debe ser anónimo, es decir, que nadie sabe quien lo hizo pero todos sienten que pertenece a ese pueblo o cultura.

Es, en su mayoría, funcional, hecho a mano para uso personal, limitado o colectivo. Las pinturas son generalmente parte decorativa de baúles, relojes y muros interiores o exteriores. La escultura se fabrica de madera, piedra o metal y su uso final recae en juguetes, cubiertos, candelabros u objetos religiosos.

En cuanto a arquitectura se encuentran tanto edificios públicos como residenciales, ejemplos de ello son las iglesias de madera construidas en Europa Oriental y las clásicas cabañas estadounidenses. También existen muestras de arte folclórico en técnicas de grabado, tallado, cerámica y textiles.

La Contracultura

La contracultura son los valores, tendencias y formas sociales que chocan con los establecidos dentro de una sociedad. El término fue acuñado por el historiador norteamericano Theodore Roszak en su libro de 1968 El nacimiento de una contracultura.

Aunque hay tendencias contraculturales en todas las sociedades, el término contracultura se usa especialmente para referirse a un movimiento organizado y visible cuya acción afecta a muchas personas y persiste durante un período considerable. Así pues, una contracultura es la realización, más o

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menos plena, de las aspiraciones y sueños de un grupo social marginal. Podemos considerar ejemplos como el romanticismo del siglo XIX, la bohemia que se inicia en el siglo XIX y dura hasta hoy o  el movimiento hippie nacido en los años 60 en Estados Unidos de América y el movimiento punk de finales de los setenta hasta hoy.

La palabra puede entenderse en dos sentidos: por una parte, constituye una ofensiva contra la cultura predominante; por otra parte, es una "cultura a la contra" que permanece (al menos en un primer momento) al margen del mercado y los medios de formación de masas

La Polémica: En ocasiones se ha señalado a las contraculturas como modas relativamente inofensivas y pasajeras, En estos casos se las considera "subculturas" o subproductos de la cultura dominante, que no se contraponen realmente a la misma. Se ha señalado también que el término "contracultura" puede resultar engañoso desde un punto de vista epistémico, pues da a entender que un grupo social determinado, caracterizado por prácticas "contra convencionales" a la cultura dominante, logra erigir una cultura completamente independiente. Sin embargo, las manifestaciones culturales de los grupos marginales, en la medida en que reaccionan contra la cultura dominante, dependen para su definición de dicha cultura.

MANIFESTACIONES DE LA CULTURA NO OFICIAL

El movimiento Punk:

Es la contracultura que rodea a la música punk y los aficionados a ella. Usualmente vinculada a outsiders por la cultura popular, las prácticas contraculturales punks incluyen una serie de códigos de comportamiento, lenguaje, vestimenta y temáticas que se han vuelto recurrentes y que los distinguen. Su principal medio de expresión son los conciertos del género ("escena") y las publicaciones de aficionados ("fanzine").

A mediados de la década de 1970 en Estados Unidos, Gran Bretaña y Australia, bajo la influencia de bandas de garage rock y rock agresivo, surge

una corriente de bandas que basaban su música en fórmulas sencillas y un

sonido especialmente fuerte. El punk fue primeramente un fenómeno estético-musical, que generó una moda generacional en los 1970, y más tarde fue tomando la forma de un movimiento estético-filosófico que se convertiría en una cultura. Sus inicios se sitúan en una sociedad anglosajona entonces saturada de clichés y convenciones estereotipadas

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Arte fuera de las reglas; Graffiti

Del italiano graffiti, graffire, y ésta a su vez de la latina scariphare, Su origen son las inscripciones que han quedado en paredes desde los tiempos del Imperio romano, especialmente las que son de carácter satírico o crítico. En el lenguaje común, el grafiti es el resultado de pintar textos abstractos en las paredes de manera libre, creativa e ilimitada con fines de expresión y divulgación donde su esencia es cambiar y evolucionar buscando ser un atractivo visual y con un alto impacto, como parte de un movimiento urbano revolucionario y rebelde; por lo tanto, una pintada política no se considera un grafiti como tal.

graffiti, plural de graffito, que significa ‘marca o inscripción hecha rascando o rayando un muro’ El arqueólogo Raffaele Garrucci divulgó el término en medios académicos internacionales a mediados del siglo XIX.

Música contracultural; Rap

El rap (de las siglas «Rhythy And Poetry») es un tipo de recitación rítmica de rimas y juegos de palabras surgido a mediados del siglo XX entre la comunidad afroamericana de los Estados Unidos. Es uno de los cuatro pilares fundamentales de la cultura hip hop, de ahí que a menudo también se lo llame metonímicamente hip hop. Aunque puede interpretarse a capella, el rap va normalmente acompañado por un fondo musical rítmico. Los intérpretes de rap son los "Maestro de Ceremonias".

El término rap tiene varias sugerencias: pudiera ser rhythm and poetry (ritmo y poesía). Otros posibles acrónimos son recite a poem y, por el origen americano "Radical American Poetry".

La palabra inglesa flow (“flujo”) se utiliza para referirse a los ritmos (cadencia) creados por palabras y sílabas por encima del beat, o sea, es la forma que tiene cada Mc para adaptarse al beat, o instrumental, así como la interacción del esquema o patrón de rimas con el ritmo de fondo.

A veces se consideran parte del flow matices tales como la altura, el timbre y el volumen. Hay muchos tipos de flow, que son diferentes por cada persona, acento o lugar de residencia. Muchas veces, el flow determina la soltura o nerviosismo que puede tener el Mc (Sobre todo en las "batallas de Gallos") durante el rapeo. Si a una persona se le nota y escucha con mucha soltura, entonces no está nervioso y se dice que “está flotando la base”.

Eso es tener buen flow. En cambio si se escucha que el flow está muy “acartonado” y no es tan dinámico, puede que esté nervioso y se le denomina “flow cuadrado”. A veces el “flow cuadrado” es el flow del Mc, y, por lo tanto, no tiene nada que ver con los nervios.

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Música Popular; Purahei Jahe`o

La Polka Paraguaya o purahéi es un género de música popular, el cual se interpreta de manera instrumental o cantada. De tipo folclórico, su origen se dio de manera aún desconocida en el Paraguay, en el período anterior a su independencia (1811). Tuvo una gran difusión en el país principalmente desde el siglo XIX, y luego en la región del Río de la Plata.

El nombre fue tomado por los paraguayos de la polca europea, pero no guarda ninguna relación de ritmo, armonía, contrapunto ni melodía con la misma. Por todo esto, para diferenciarla de aquella se agrega la palabra "paraguaya" al nombre.

Aunque la palabra polka se puede escribir también con "c" (polca), últimamente se prefiere la primera manera, principalmente porque en guaraní sólo existe la letra "k" para dicho sonido. En guaraní el estilo es denominado "purahéi", término que también significa canción, canto o tema musical.

Arte paraguayo en el Siglo XX:

A lo largo del siglo XIX se pierden, se conservan o readaptan distintas formas del arte indígena; se afirman las expresiones propias de la nueva clase criolla y, ya durante el conflicto armado de mediados de la década de 1860, se origina el fenómeno de xilografías realizadas por soldados combatientes.

Los avatares del arte indígena

Muchas formas de arte fueron abandonadas cuando cambiaron las condiciones originales; otras continuaron desarrollándose alejadas de influencias y al margen de los programas del Estado, el cual veía en ellas más un signo de atraso que una posibilidad de desarrollo cultural diferente. Siempre más allá del resguardo terreno de las imágenes básicas, se perdieron formas significativas como la cerámica guaraní, cuyas grandes vasijas fueron retrocediendo hasta terminar suplantadas por utensilios criollos. Aunque continúo desarrollando sus esquemas ornamentales básicos, el arte plumario guaraní también comenzó a reducirse y ciertas piezas, como los grandes mantos principales acabaron por desaparecer.

Hubo casos ilustrados de reacomodo cultural. Uno de ellos el de los payagua, terribles piratas del río Paraguay que sembraban el terror entre españoles y guaraníes durante la colonia. Sintiéndose amenazados en sus posibilidades de supervivencia, estos famosos guerreros chaqueños se acercaron a Asunción, se establecieron en sus alrededores y comenzaron a desarrollar una nueva vida, sin renegar de sus formas culturales básicas. Se volvieron hábiles comerciantes: vendían a los asuncenos sus grandes cerámicas de paredes gruesas, sus hermosos mates grabados y sus pipas densamente talladas, formas renovadas de su memoria antigua.

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El arte popular

Las expresiones derivadas de la síntesis entre formas indígenas y europeas se arraigaron fundamentalmente a lo largo del periodo y se difundieron como formas de cultura popular: Una cultura relativamente nueva; profundamente singular y notable viva, a pesar de la crónica falta de apoyo oficial. En el siglo XIX constituye por ese motivo el momento en el que fraguan las mejores aleaciones interculturales producidas previamente durante los siglos XVII y XVIII.

Cuando en 1767 los jesuitas fueron expulsados de Paraguay, los artesanos indígenas, tras que siglos de vivencia colonial habían perdido su identidad étnica, rara vez volvieron a sus comunidades originarias, en las que alrededores de lo pueblos civiles, en cuyas practicas de taller influyeron.

Cuando en 1848 Carlos Antonio López proclamo la libertad de los “tava” se produjo un nuevo movimiento de dispersión que acelero los procesos de intercambio cultural y desencadeno nuevas influencias que enriquecieron el devenir del arte popular y reafirmaron su vocación hibrida.

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Emiliano R. Fernández

Emiliano R. Fernández, es el seudónimo del poeta y músico paraguayo Emiliano Fernández Rivarola (alteró el orden de sus apellidos en homenaje a su madre). Fue uno de los más prolíficos exponentes de la poesía popular del Paraguay y de la polka paraguaya.

Si bien existió una larga discusión sobre el lugar y la fecha de su nacimiento, los últimos y más importantes estudios indican que nació el 8 de agosto de 1894 en la compañía Yvysunú, de Guarambaré, Paraguay. Sus padres fueron Silvestre Fernández y Bernarda Rivarola.

Infancia y juventud

Es autor de más de 2.000 poemas. Si bien no se conocen con exactitud aspectos de su infancia, es sabido que los primeros años vivió en el pueblo de Ysaty, donde asistió a la escuela primaria hasta el quinto grado.

Durante la revolución de 1904, que llevó a los liberales (miembros del Partido Liberal, agrupación política tradicional fundada en 1887) al poder, se estableció en la ciudad de Concepción (al Norte del Paraguay), donde posteriormente realizó el servicio militar.

Primeros pasos

A partir de la década de los años 20, espíritu bohemio y errante, comenzó a recorrer todos los rincones del Paraguay, escribiendo sus primeros versos que recitaba o cantaba acompañándose con su guitarra: “Primavera” (I y II), “Trigueñita” y “Pyhare amaguype”, publicados en “Okara poty kue mi”, revista de versos y canciones populares editada por largos años por la familia Trujillo. Posteriormente escribió dos de sus más populares composiciones de tono épico: “Che la reina” o “Ahama che china” y “Rojas Silva rekavo”.

Durante la Guerra del Chaco, entre Paraguay y Bolivia (1932-1935) formó parte como soldado del Regimiento de Infantería “13 Tuyutí”, escribiendo sus mejores versos entre las pausas de las batallas. Herido en el frente fue trasladado a Asunción. Como combatiente, en la Batalla de Nanawa, llegó a la cumbre del valor y el sacrificio. Durante el conflicto internacional, sus versos llegaron a los confines de la Patria, insuflando entusiasmo y convicción de victoria, lo cual le valió el apelativo de “Tirteo verde olivo”, expresión que se debe a Mauricio Cardozo Ocampo. A más de sesenta años de aquellos momentos, al escucharse cualquiera de sus canciones, una inevitable emoción patriótica embarga los sentimientos de sus ciudadanos. El erudito e intelectual Carlos Villagra Marsal lo considera el poeta popular por excelencia en el Paraguay. Con sus versos escritos en “jopará” (mezcla del guaraní y el castellano) supo auscultar como nadie el alma profunda de su pueblo y de su gente.

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Terminado el conflicto Chaqueño se adhirió a la Revolución del 17 de febrero de 1936 que llevó a Rafael Franco a la Presidencia, siendo este el "pecado" por el cual Emiliano sufrió persecuciones y exilios por los gobiernos liberales y luego colorados.

Ideológicamente abrazó las doctrinas social demócrata del Partido Revolucionario Febrerista, siendo un ferviente Franquista (partidario de Rafael Franco) hasta su muerte.

Al asumir la presidencia el Cnel. Rafael Franco, escribió su "Catecismo Patriótico"

Su trayectoria

Una de las curiosidades en su inmensa producción son los versos dedicados a las mujeres que alguna vez tuvieron relación con su vida y que no fueron pocas: su esposa, María Belén Lugo, Leandra Paredes, Zulmita León, Mercedes Rojas, Catalina Vallejos, Dominga Jara, Eloísa Osorio, Otilia Riquelme, Marciana de la Vega, entre otras. Su último poema fue dedicado a quien fuera su enfermera, Facunda Velázquez, poco antes de su fallecimiento.

Se dedicó durante algunos años al periodismo, trabajando en el “Semanario Guaraní” con Facundo Recalde. En vida, publicó un pequeño libro titulado “Ka’aguy jary’i”, que contiene algunos de sus poemas emblemáticos.

Emilianore, como era conocido, fue una síntesis de la bohemia paraguaya. Viajero y trasnochador, vivió un tiempo en Sapukái, otro en Pedro Juan Caballero, luego en San Pedro ,Puerto Casado, Puerto Pinasco, en Rancho Carambola (Brasil) y, aparte de ser músico y poeta, desarrolló variadas actividades tales como las de carpintero, obrajero, guía de scouts y guardabosques. En la ficha de uno de sus trabajos en la compañía de Carlos Casado figuraba, junto a la constancia de su despido, la siguiente recomendación: “No tomarlo nunca más como empleado en la empresa porque es muy farrista”.

En 1950 la Asociación de Escritores Guaraníes lo declaró “Gloria nacional”.

En la compañía Yvysunu de Guarambaré existe un monumento a su nombre, y se realiza un homenaje cada año, como parte de los Festivales del Takuare'ê

Obras

Su extensa obra poética y musical incluye, entre otras, a más de las ya citadas, las canciones populares:

“Asunción del Paraguay

“Las siete cabrillas”

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“Adiós che paraje kue”

“Salud che paraje kue”

“La última letra”

“Siete notas musicales”

“Guavirá poty”

“Oda pasional”

“Tupasy del campo”

“Despierta mi Angelina”

“Che pochyma nendive”

“Nda che pochyi nendive”

“¿Por qué?”

“De lejos vengo”

“Tujami”

“Jagua rekove”

“Mboriahu memby”

“Reten pe pyhare”

“13 Tuyutí”

“Cerro Porteño”

“Soldado guaraní”

“1º de Marzo”

“Ñemuhame”

“Nde keguype”

“Nde juru mbyte”

“Farra chui che kepe guare”

“Ahama che china" (Che la reina)

“Causa nde ñaña”

“Ñe'ẽpoty ha pumbasy”

“Pyhare amangúype”

Otras obras menos conocidas.

Fallecimiento aún joven

El historiador Roberto A. Romero, entre sus biógrafos uno de los principales, refiere acerca de las circunstancias de su muerte: “El día 3 de noviembre del año 1948, siendo las 18 horas aproximadamente, llegó Emiliano

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al almacén llamado “Caracolito” del barrio “Loma Kavará”. Allí fue alcanzado por un tiro de pistola disparado desde las sombras, que lo dejó gravemente herido. Le habían preparado una emboscada. El autor del crimen no fue detenido. Los músicos Ricardo Pereira, Federico Esmerdel y Carlos Vera lo condujeron en una camilla hasta el Hospital Militar Central. Esa misma noche fue intervenido quirúrgicamente por el Dr. Pedro de Felice. Allí permaneció algunos meses... Mas no habiéndose recuperado de sus heridas... falleció... luego de mucho sufrimiento, siendo las 4 y 25 horas del día 15 de septiembre de 1949”. Sobre el hecho que determinó su deceso, “Okara poty kue mi” expresa: “Murió de pérfida bala”.

El gran poeta paraguayo Elvio Romero le cantó: “Con alma de caminante / partió para descansar / hacia la muerte, en instante / triste de su caminar. / Partió en una noche errante / y nos dejó su cantar”

Félix Giménez Gómez (Félix De Guarania)

Félix Giménez Gómez, más conocido como Félix de Guarania (Paraguarí, 20 de noviembre de 1924 - Lambaré, 14 de marzo de2011), fue un poeta, investigador y escritor paraguayo, militante socialista miembro honorario de la conducción nacional del P-MAS también reconocido como uno de los más importantes estudiosos de la lengua guaraní. De ascendencia indígena, pues sus abuelos maternos fueron mbya guaraní. Escribió más de ochenta y cinco libros, entre las que figuran poemarios, dramaturgias, traducciones de obras clásicas del español al guaraní, biografías y diccionarios bilingües.

Fue exiliado durante 26 años por la dictadura de Alfredo Stroessner, aun así, don Félix no abandonó el compromiso cultural con su país. Por sus publicaciones, militancia socialista y lucha a favor de la cultura indígena, es considerado un defensor de los Derechos Humanos y ha recibido numerosas distinciones.

Biografía

Nació en Paraguari, el 20 de noviembre de 1924 y su verdadero nombre fue Félix Giménez Gómez, siendo Félix de Guarania su seudónimo literario. Hijo de campesinos pobres, pero trabajadores, que migraron a la ciudad con el objetivo de encaminar la educación de sus hijos.

Realizó sus estudios primarios y secundarios en su ciudad natal. En 1941 fue apresado por vez primera, a raíz de un discurso pronunciado en el colegio de su ciudad natal ante sus compañeros. Ingresó a la Facultad de Medicina en 1944, pero la tuvo que abandonar por ser aprehendido y luego recluido en el campo de concentración de prisioneros políticos llamado "Puesto Muñeca", en el lejano Mariscal Estigarribia del Chaco paraguayo; esta segunda

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detención se debió al contenido de su obra de teatro “Mboriahu rekove”, publicada y representada a pesar de haber sido puesta en el índex por el Departamento Nacional de Propaganda (DENAPRO), un organismo de censura y represión a la cultura de la dictadura militar del Gral. Higinio Morínigo. En el campo de Puesto Muñeca fue víctima de una grave enfermedad a causa de los trabajos forzados en la construcción de rutas y tajamares y el inhumano escenario de vida en el que estaba obligado a desenvolverse. Luego de seis meses obtuvo su libertad y fue enviado en calidad de desterrado a varias poblaciones del interior del país, como Paraguarí, Ybycuí, Villarrica y finalmente a Ybytymí.

Volvió a la capital después de la apertura democrática de junio de 1946 y se inscribió a la Facultad de Derecho de la Universidad Nacional. Esta carrera fue de nuevo truncada por los sucesos del 13 de enero de 1947 que condujeron a la guerra civil paraguaya. Entonces, fue demorado e internado en la cárcel pública de Asunción casi dos años y obtuvo su libertad recién a principios del año1949.

En 1960 empezó la carrera de Letras en la Facultad de Filosofía de la Universidad Nacional de Asunción. Pero fue nuevamente víctima de persecución política, esta vez por parte de la dictadura de Alfredo Stroessner, por lo que fue expulsado del Paraguay en 1963. En el exilio, fue primeramente a la Argentina (donde le esperaban su esposa y cuatro hijos), luego a La Habana, a algunos países de América Latina y finalmente a Europa.

Desde 1968 disfrutó de una mayor estabilidad y tranquilidad, cuando se trasladó a Rusia en donde trabajó durante cinco años dentro de una empresa editora como estilista, y en una emisora moscovita. En la entonces Unión Soviética, dictó un curso al claustro de profesores de la Facultad de Filología de la Universidad Patrice Lumumba de Moscú, llamado: Orígenes y Leyes del Lenguaje Aplicados al Idioma Guaraní, basado en la obra del lingüista correntino Dr. Alfredo T. Martínez. A cambio, la misma institución educativa le brindó asistencia científica para realizar sus investigaciones acerca del idioma guaraní.

En 1989, merced a la caída de la dictadura de Alfredo Stroessner, regresó a vivir al Paraguay, radicando en la ciudad de Lambaré del Departamento Central, dedicándose desde entonces principalmente a la docencia, investigación y creación de libros. La mayor parte de sus publicaciones corresponden al período entre dicho año y el 2010. A fin de obtener más beneficios económicos, él mismo se encargó del costo de publicación de la mayoría de sus obras a través de una editorial particular.

Recientemente, en un acto cultural, donó al Centro Cultural de la República del Paraguay El Cabildo, uno de sus cuadernos originales de poemas escritos en su juventud, durante los años 40.

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Desde el 2008 su salud se encontró muy deteriorada debido a la diabetes que padecía, por lo que tuvo que retirarse de la docencia. A pesar de esto, hasta sus últimos días, se siguió dedicando al estudio y trabajos sobre el guaraní, además de la publicación de sus conocimientos, investigaciones y resultados. Falleció el 14 de marzo de 2011 como consecuencia de complicaciones diabéticas, a la edad de 86 años.

Obras

Pétalos, 1942; poemario.

A Tiempos de Nostalgia en 1942 (reeditado en 1992): poemario en español publicado en Paraguarí originalmente.

Mboriahu rekove, 1944: dramaturgia, que luego de ser estrenada le costó 6 meses de cárcel y trabajos forzados.

Poemas de Noche y Alba, 1954.

Penas Brujulares, 1963.

¡Despierten las palabras!, 1986.

Tojevy kuarahy, 1989: en guaraní.

Curso práctico de idioma guaraní, 1992.

Diccionario Mitamî (Niñito), 1995: diccionario guaraní-castellano castellano-guaraní para niños.

Che irûnguéra (Compañeros), 1997.

El Cristo de Collar y otros cuentos, 1997: narrativa en edición bilingüe.

Diccionario Ñe'ê aty mirî, español-guaraní guaraní-español, 1997.

Gran diccionario Katygara, 1998.

Me identifico, 1999: poemas.

Julio Correa, imagen de nuestra tierra, 1999: biografía y selección de obras de ese autor popular.

Cuentos clandestinos, 2000.

De la sabiduría popular, 2000.

Scapin poromoñuhangue. Kuña jejapo ñeñembohoryha. Mbaretepegua ñemonenda, 2000: Moliere en guaraní.

Paraguay Cultural, 2000: texto de historia utilizado en la cátedra en la cual daba clases dentro del Instituto Superior de Bellas Artes, de Asunción.

Tekoa’anga: obra de teatro popular en guaraní, 2001.

Martín Fierro traducido al guaraní, 2001.

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Estos son mis testigos y mi testimonio 2003: relata sobre las décadas de represiones, torturas y otras violaciones a los derechos humanos contra el pueblo paraguayo durante las tiranías del general Higinio Morínigo (1940-1948) y del general Alfredo Stroessner (1955-1989).

Pohâ ñana rehegua mba'ekuaâ (Acerca de las plantas medicinales), 2002.

Esopo guaraníme (E. en guaraní), 2004.

Ñe’erekokatu ha ñe’ê morangatu, 2004: gramática y literatura guaraní.

Mitos y Leyendas en guaraní, 2007.

Tabla sinóptica para una nueva gramática guaraní, 2008: tesis de maestría.

Tekoanga rire, tekoanga jevy (Después de Teatro, Teatro), 2009; publicación bilingüe.

GUARANI KUAARETA. Ñe’êypy rechauka. Ñe’ê rekokatu kuaa / Enciclopedia-Diccionario etimológico gramatical del idioma guaraní, 2010.

Ortografía Razonada de la Lengua Guaraní.

Enciclopedia "Nuevo Arte y Tesoro de la Lengua Guaraní".

Diccionario “Ñande ayvu tenonde porãngue’i”.

Kuimba’e katupyry ño Quijote yvyunga: traducción de fragmentos de El Quijote al guaraní.

Traducción al guaraní de fragmentos de la Biblia al guaraní.

Traducción al guaraní de obras de Bécquer.

Traducción al guaraní de obras de Federico García Lorca.

Premios, distinciones y homenajes

Plaqueta Homenaje de la Poesía Local (XX Edición del Festival del lago de Ypacaraí).

Homenaje del Festival del Takuare'ê.

Mención del premio literario municipal, en 1992.

Plato Los 12 del Año otorgado por Radio 1° de Marzo (Paraguay), en 1992.

Condecoración al Mérito en el grado de "Comendador", por el gobierno nacional de su país, en 1995.

Fue declarado hijo dilecto de la Ciudad de Asunción en el año 2005.

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Reconocimiento “La utilidad de la virtud” (La Habana, Cuba), 2006: máxima distinción que otorga la Sociedad Cultural José Martí, por su larga trayectoria como intelectual e incansable luchador en defensa de su pueblo y su cultura.

Doctor honoris causa por la Universidad Nacional de Asunción, en el año 2007. "Por ser una figura de alto relieve intelectual y cultural [...] uno de los poetas y escritores en guaraní de mayor relevancia en el Paraguay [...] que se ha distinguido por sus gestiones a favor de la difusión de la cultura paraguaya".

La Academia Literaria del Colegio Nacional de Lambaré adoptó el nombre del poeta como denominación oficial, realizó un festival y publicó una revista cultural en su honor.

El Centro Cultural de la República El Cabildo del Congreso de la Nación, lo distinguió como “Maestro del Arte 2009”, en el área de literatura.

Orden Nacional del Mérito en el Grado de “Gran Cruz”, máxima distinción al que puede acceder un ciudadano paraguayo, 2009.

Doctor en Lengua y Cultura Guaraní, por el Ateneo de Lengua y Cultura Guaraní de Asunción, Paraguay.

Expresiones sobre el guaraní

“Dentro de 50 años el guaraní será un recuerdo si no se cuida”.

"Con las traducciones pretendo demostrar que el guaraní es una lengua que vale, que está en condiciones de reflejar los sentimientos y los pensamientos que se dan en los otros idiomas. Que nosotros no estamos atrás de los idiomas, el guaraní es un idioma actual, desarrollado, solo que nosotros lo hemos marginado, lo hemos dejado atrás, no le hemos cuidado y resultó que por obra y gracia de nosotros mismos, lo hemos empobrecido, lo hemos mezclado ensuciándolo. Porque el guaraní no necesita de ese jopará, de ese jehe'a que es una barbaridad, ninguna otra lengua tiene el problema que nosotros tenemos".

"En cuanto a la gráfica moderna, su principal acierto consiste en su sencillez y la exactitud con que se representan los sonidos del guaraní".

Félix de Guarania no dejó de escribir hasta el día de su muerte, tal y como lo citó en múltiples ocasiones: “Moriré con la pluma en la mano”.

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GUITARRISTAS PARAGUAYOS

Juan Cancio Barreto

Juan Cancio Barreto (n. Asunción, Paraguay; 27 de marzo de 1950) es un guitarrista y requintista paraguayo.

Biografía

Es hijo de Carmen (Pochó) Emategui, y de Rodolfo (Pochó) Barreto. Los primeros pasos con su viejo amor, la guitarra, lo dio cuando su papá, a los 13 años le regaló una guitarra pequeña (el requinto). A partir de ahí, ya no dejó nunca este maravilloso instrumento. A los 14 años conoció, en los obrajes de Jejui Guasu, a Efrén Echeverría, el cual probablemente sin saberlo, estaba marcando con sangre y fuego, lo que sería posteriormente su particular estilo, en este niño prodigio del requinto, evento que el artista recuerda con cariño y gratitud.

Juan Cancio compartió y recibió el ejemplo de los grandes músicos con tanto talento y fama por el mundo y una rica herencia de canciones inolvidables a: Mauricio Cardozo Ocampo, Eladio Martínez, Diosnel Chase, Emilio Vaesken, Emigdio Ayala Báez, Samuel Aguayo, Agustín Barboza, Luis Alberto del Paraná y Faustino Brizuela.

Durante sus frecuentes giras, Juan Cancio Barreto ha viajado mucho, llevando con él, el duende juguetón que hay en su música conquistando audiencias en el Paraguay y fuera de fronteras. Continúa recorriendo el interior de nuestro país y visitando la Argentina, Brasil, Chile, donde sigue cosechando galardones por sus magníficas actuaciones artísticas.

Trayectoria

Año Actividad resaltante

1968Medalla de oro al mejor requinto con el trío Esmeralda en el Estadio Comuneros

1969Revelación del Programa Caravana del Canal 9. Ese mismo año integra el elenco del Departamento artístico del Ministerio de Defensa Nacional de donde surgieron grandes valores artísticos

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Década del 1970

Noches de peñas y folklore en la Guarida del Matrero, junto a importantes músicos como el inolvidable Maneco Galeano, los hermanos Carlos y Jorge (Necho) Pettengil,Enrique (Gua-í) Torales, Viquito Benítez Perrier, Santi Medina, Óscar Gómez, Graciela Abbate, Marcos Brizuela, Maria Cristina Gómez Rabito, Carlos Noguera, entre otros.

Década del 1970

Formó con Marcos Brizuela el dúo de mayor resonancia consagrándose definitivamente con su instrumento predilecto, recibiendo varios premios.

1983Revelación del Festival del Lago Ypacarai y de ahí en adelante cada año levantó la más alta efervescencia de las noches festivaleras del tacuaral.

1976Ganador del trofeo "La Guitarra de Oro", el galardón más preciado por los grandes músicos

1977

Integra la delegación del Festival del Lago de Ypacaraí, participando en el Festival de Cosquín, Córdoba, Argentina ganando el trofeo Carmín Cosquín, premio que él vuelve a obtener en el año 1979

1978En el Festival latinoamericano de Punta Arenas Chile gana el "Ñandú de Oro".

1980 Realiza junto al afamado grupo Los Indianos varias grabaciones.

Década del 1980

Lo acompaña en la guitarra su hijo Juan Ángel con quien comparte muy buenos momentos artísticos. Juntos continúan cosechando éxitos y recibe la medalla de oro al éxito y la popularidad en el Festival de la Raza en la ciudad de Villarrica.

1997 en adelante

Inicia junto a Berta Rojas el ciclo de conciertos denominados "Guitarra adentro" en Asunción y recorren varias ciudades del Paraguay. El mismo espíritu de unir la guitarra clásica a la popular es el que lleva a los dos artistas a diversos.

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2004Recibe un disco de platino del sello discográfico Blue Caps, por el álbum Vya'y yave, que se convirtió en el disco más vendido de la última década.

2007

Reedita el Programa Entre Amigos, que Fue Novedad por 3 Años en el Canal 9 Tv Cerro Kora Tras Más de dos Décadas sin Pantalla, y permanece en el aire en Red Guaraní, junto a su viejo compadre, don Marcos Brizuela.1

2012

Participa de "La Serenata Del Siglo" con artistas internacionales por el centenario del Club Cerro Porteño (el club de fútbol más popular de la capital guaraní)ante 40.000 personas en el Estadio General Pablo Rojas; ejecutando la Polka del club a las 00:00 para dar la bienvenida al Centenario del club.

Mauricio Cardozo Ocampo

Mauricio Cardozo Ocampo fue un músico paraguayo. Referente principal de la denominada «generación de oro» de la música popular paraguaya y riguroso investigador del folklore del Paraguay. Nació en Ybycuí (Paraguay) el 14 de mayo de 1907, hijo de Crescencia Cardozo Caballero.

Infancia y juventud

Inició su formación musical con el flautista Eloy Martín Pérez, en su pueblo natal. Continuó sus estudios con Juan J. Rojas y los primeros instrumentos que ejecutó fueron la flauta y la guitarra. Ya en Asunción, capital del Paraguay, se incorporó a la Banda de Policía de la Capital, trabajando bajo la dirección de los maestros Nicolino Pellegrini y Salvador Déntice.

Carrera profesional

En 1932, a propósito del estallido de la Guerra del Chaco que enfrentó a Paraguay y Bolivia, el dúo Martínez-Cardozo, junto con otros artistas, realizó exitosas actuaciones para recaudar fondos para la Cruz Roja Paraguaya. En 1936 fue uno de los fundadores de la Sociedad Argentina de Autores y Compositores, habiendo pertenecido antes al Círculo de Autores y Compositores de cuya fusión con la Sociedad de Autores surgió en 1936 la actual SADAIC. Esta entidad lo nominó como delegado ante el presidente de la República del Paraguay para gestionar la promulgación de una legislación protectora de la propiedad intelectual; fruto de esta gestión fue el decreto-ley nº 94 suscripto por el presidente Federico Cháves.

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Entre 1948 y 1952 escribió y dirigió ciclos radiofónicos sobre música y cultura paraguayas por Radio Argentina (en Buenos Aires).

En 1954 creó la Banda Ocara en Asunción, con la que trabajó hasta 1957.

Se mudó nuevamente a Buenos Aires, donde entre 1961 y 1962 realizó ciclos de conciertos de música paraguaya al frente de la Orquesta Estable de LR4 Radio Splendid, en la capital porteña, por dos temporadas.

Entre 1959 y 1965 fue profesor de folklore del Instituto de Bellas Artes Romaro (en Buenos Aires).

Trayectoria

Realizó giras artísticas por países y ciudades del cono sur sudamericano, recalando finalmente en Buenos Aires (Argentina), donde fijó residencia y continuó sus estudios con los destacados maestros de armonía, composición e instrumentación Isidro Maistegui y Gilardo Gilardi. Con el folklorólogo argentino Juan Alfonso Carrizo inició sus estudios sobre la ciencia del folklore.

En sus tiempos de conscripción militar conoció a Eladio Martínez, con quien integró el dúo Martínez-Cardozo, el cual grabó una apreciable cantidad de discos para el sello Odeón de Buenos Aires y realizó innumerables presentaciones en teatros, radioemisoras y centros culturales.

Finalizada la Guerra del Chaco, se funda en Buenos Aires el Círculo Paraguayo del cual Martínez-Cardozo son activos integrantes y poco después, Cardozo Ocampo inicia al frente del conjunto folklórico Ñande Roga, una fundamental labor musical que desembocará, andando el tiempo, en la fundación de la Agrupación Folklórica Guaraní y luego del Club Folklórico Rincón Guaraní.

Cargos ocupados a favor del arte

Entre sus múltiples actividades vinculadas al quehacer musical, a la ciencia del folklore y a la labor gremial en favor de los músicos se cuentan las de

secretario fundador de APA (Autores Paraguayos Asociados)

miembro de la Asociación de Músicos del Paraguay

integrante de la Academia de la Lengua y Cultura Guaraní

miembro de la Asociación Indigenista del Paraguay

jefe del Departamento Folklórico de la Dirección General de Turismo del Paraguay

asesor folklórico de la Municipalidad de Asunción

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presidente honorario de APROFON (Asociación Paraguaya de Productores de Fonogramas)

asesor folklórico de IFAP (Intérpretes del Folklore Asociados del Paraguay).

Aporte cultural

Como conferencista su tarea fue grandemente fecunda, presentándose en innumerables encuentros científicos de la especialidad folklórica, festivales, congresos, seminarios y simposios en más de una veintena de ciudades de la Argentina y el Uruguay. Desde 1961 dictó charlas y conferencias sobre temas tales como

«La música paraguaya y sus ramificaciones»

«El arpa paraguaya»

«Nombres genéricos de la música paraguaya»

«La fiesta de la galopa»

«El origen de la música paraguaya»

«Músicas y danzas paraguayas»

«La música paraguaya y su influencia en el Río de la Plata»

«Música y danza paraguaya y la voz espuria de litoraleña»

«Leyendas y costumbres del Paraguay»

«6x8, signo musical de América Latina»

«Folklore paraguayo»

«¿Qué es folklore?»

«El tirteo verde-olivo: Emiliano R. Fernández»

«Instrumentos musicales del Paraguay»

«Músicos, poetas y artífices de la cultura artística paraguaya», entre otros.

Cuando su regreso definitivo al Paraguay encaró la formación del Conjunto Folklórico Perú Rimá, cuya tarea en la jerarquización de la música paraguaya, por la calidad y el rigor artístico y estético impresos a su trabajo, es bastamente reconocida.

Su estilo artístico

Se dedicó fundamentalmente a la composición de música de inspiración folklórica sobre ritmos paraguayos. Su obra, de gran valor, se destaca por la captación del sentir popular del hombre de campo y, al mismo tiempo, por la delicadeza en el tratamiento melódico y armónico, lo cual para el Maestro, según su propia expresión, era «cuestión de honor musical».

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Su familia

Casado con Fidelina Fleytas, todos sus hijos se vincularon al hecho artístico musical:

Oscar, director y arreglador orquestal, pianista y compositor de reconocimiento internacional a partir de su trabajo en la capital porteña

Amambay, cantante tempranamente desaparecida

Aníbal, crítico musical

Mauricio (hijo) Pinchi, refinado guitarrista, compositor y arreglador.

Obras

Entre sus más de trescientas composiciones destacan:

Amambay

Añoranza

Arroyito del sendero

kambá la mercé

Canto a Itacurubí

Che morenamí

Chokokué kerá yvotí

Chokokué kera yvotý

Chokokué purahéi

Corazón

En una noche azul

Estrellita

''Galopera (tiene el mérito de figurar entre las tres obras más difundidas de la historia de la música paraguaya)

Guavirá poty

Josefina

La carreta campesina

Las siete cabrillas

Luna de mi Asunción

Mansú resay

Marizza

Mi amor guaraní

Mi destino

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Mi retorno

Mombyry guive

Morena

Noches blancas

Ondina del Plata

Paraguaya linda

Pueblo Ybycuí

Punta porá

Qué linda es mi bandera

Regalo de amor

Rincón guaraní

San Baltasar

Sé que te perdí

Soledad

Solito estoy

Tronco al cielo

Volverás a soñar

Yo soy purahéi

Es, asimismo, el autor de los libros Mis bodas de oro con el folklore paraguayo (Memorias de un pychäi) y Mundo folklórico paraguayo (en tres tomos).

Cirilo R. Zayas

Nació en Asunción, Capital de la República del Paraguay, el día 9 de marzo de 1929; fueron sus progenitores, Don Ramón Zayas y su madre Doña Ramona Román, fue de su padre de quien probablemente haya heredado su pasión por la música y las letras, ya que fue abogado y músico, gran intérprete del violín , guitarra, y flauta.

Falleció en Asunción, Capital de la República del Paraguay, el día19 de septiembre de 2001.

Primeros Pasos

Don Cirilo R. Zayas pertenece a una numerosa familia de universitarios, artistas, periodistas, profesores, sacerdotes y sindicalistas. Su padre, antes de pasar por la Facultad de Derecho y Ciencias Sociales, fue violinista, flautista y guitarrista. Fue víctima del fanatismo político de otros tiempos; “su madre, en compañía de valientes compañeras desafiaron

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acostadas en la vía del tren a un convoy en plena marcha que conducía hombres y armamentos, en una de las tantas huelgas sindicalistas de connotación política en el Paraguay”, explica un escrito que preserva Autores Paraguayos Asociados (APA).

Trayectoria

Don Cirilo R Zayas , hombre de letras y músico, al componer “Felicidades” ha dotado a nuestra música folclórico de una canción que describe el sentimiento de profundo cariño y respeto por quien está de aniversario, haciéndole llegar un mensaje de buenos augurios subido al ritmo de una alegre polca canción paraguaya.

“Felicidades, bien de mi vida, que tu destino te brinde siempre felicidades “; cuando escuchamos esta conocida composición compuesta para brindar por alguien que esta de cumpleaños, deberíamos recordar siempre al autor y compositor de dicha canción, una de las más conocidas , difundidas y vigentes del repertorio musical nativo.

Además de desarrollar una gran labor artística en el campo de las composiciones musicales, otro tema que mucho le apasionaba eran las letras; durante muchos años volcó esta vocación escribiendo una columna sobre las tradiciones y folclórico de nuestra patria, que llevaba por nombre “Parrilla Luna y Folclore”, de cuyo compendio llego a publicar un libro que lleva el mismo título.

Logros

En una autobiografía se puede leer que don Cirilo R. Zayas fue autor y compositor musical, además de autor teatral y escritor de libros, un autor y compositor de canciones laureado muchas veces por Autores Paraguayos Asociados (APA), Municipalidad de Asunción y otras instituciones .

Accedió además al título de licenciado en relaciones públicas egresado del Instituto Superior internacional de Relaciones Públicas (ISIRP); posteriormente se desempeñó como profesor de relaciones públicas, humanas y sociales en casi todas las instituciones de enseñanza de la Política de la Capital; también fue becario de la Organización de Estados América (OEA), de la Radio y Televisión Francesa, en Paris, y de la Central de Trabajadores de los Estados Unidos de América, estados de Virginia, Nueva York y Washington.

En el CIESPAL (Centro Internacional de Estados Superiores de Periodismo para América Latina), culminó su carrera de periodismo y posteriormente se desempeñó como jefe de artes, espectáculos y afines en diferentes medios de prensa escrita de nuestro país.

Fue profesor de periodismo radiofónico, literatura radiofónica y libretos radiofónicos en la Escuela Municipal de Locución Radial y Televisiva de

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Asunción, además de ser libretista profesional en casi todas las emisoras de la capital e interior de la República.

Con todos estos conocimientos se desempeñó además como jefe de redacción de la revista de la Policía de la Capital y director de cultura de la Intendencia Municipal de Encarnación, de la Subsecretaría de Informaciones y Cultura de la Presidencia de la República y vicepresidente de Autores Paraguayos Asociados (APA), como también jefe de relaciones públicas de la Delegación de Gobierno del Alto Paraná.

Sus obras

Es actor de numerosas poesías cuya música han sido creaciones de grandes compositores, como Chinita de Incola, Porfirio Báez, Gerardo Arroyo, Vicente Orrego, Duarte, Alejandro, Lorenzo Álvarez y otros.

Su composición musical elaborada en coautora con Chinita de Nicola, Extraña Mujer, fue seleccionada entre muchas otras para ser incluida en la película EL Trueno entre las hojas, de producción argentina, basada en el libro de Augusto Roa Bastos.

Sus obras más conocidas son: Felicidades, Por Tu Gracia Angelical, Al Pensar Que Me Querías , Ensueño De Claro Lunar, ,Mi Rosal De Amor, Paraguaya Rohayhu, Curubica De Amor, Lucero De Mi Camino, Por Tu Amor Mi Palomita, La Morena Karape, Dulce Melodía, Mañanitas Paraguayas, Soy Paraguaya, Entre Otras.

Se ha destacado principalmente en la actividad periodística de promoción del folclore nacional. Como columnista del diario Última Hora ha publicado más de 150 artículos, actualmente reunidos en el libro Parrilla, Luna y Folclore (Asunción 1995).

También ha incursionado en la composición de música para Zarzuelas y una de ellas, la zarzuela paraguaya: Mburukuja, con música del maestro Neneco Norton, goza de gran popularidad y difusión hasta nuestros días.

Carlos Sosa (Paraguay)

Carlos Sosa fue un compositor, músico, y cantante paraguayo.

Hijo de Antolín Sosa e Hilaria Melgarejo, este artista conocido como “El ruiseñor del Paraguay”, nació el 29 de abril de 1926 en elBarrio Trinidad de Asunción, Capital de la República del Paraguay.

Murió el 10 de junio de 1989 a la edad de 63 años, y sus restos descansan en el panteón de Autores Paraguayos Asociados (APA) entidad a la que perteneció como socio y donde trabajó como funcionario por casi 2 décadas.

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Infancia y Juventud

Durante su niñez y adolescencia, Carlos Sosa tuvo como seudónimo “chopelo”.

Poeta, compositor, cantante y guitarrista, quizás sea uno de los autores y compositores más fáciles de identificar por las características de su obra e interpretación.

En su juventud fue jugador de fútbol, militó en el 12 de Octubre Football Club del barrio Santo Domingo, donde brillaron grandes figuras del deporte como Efigeno Benítez, Gabino Arévalo y otros. Posteriormente se alistó en el Club Nacional, donde llegó a conocer al gran “Saltarín Rojo “, Arsenio Erico.

Posteriormente, Sosa se radicó en el barrio Pinozá, donde formó familia, eligiendo como esposa a otra figura del arte, una estrella de las tablas como Doña Máxima Lugo, con quien tuvo 5 hijos: Veridiana, Miguel Ángel, Marlene Isabel, María de las Nieves y Nimia Luciana.

De su posterior unión con Nela Albabi tuvo una hija, Nimia Carolina.

Su estilo

Para sus poesías, “El Ruiseñor del Paraguay “adoptó el estilo de resaltar la belleza, la cordialidad, la fraternidad y la gran predisposición a la amistad que tiene el pueblo paraguayo; gracias al carácter especial y la particular manera de ser que ostenta.

Ne porá che Paraguay, "Bienvenido hermano extranjero", "Mi retorno", "Qué lindo está mi pueblo", "Felicidades mi gran amigo", "Señor turista", "Paraguay tierra de amor", entre otras muchas composiciones de su autoría, tienen el sello de su pluma y su guitarra, pues rinden homenaje a la patria y a los amigos.

Su trayectoria

Los inicios de Carlos Sosa en el arte, ocurrieron a temprana edad.

Aún precoz, Sosa demostró sus habilidades en las famosas veladas artísticas. Estas fueron actividades artísticas muy extendidas a partir de la década del 30 en Paraguay. En ellas se formaron muchos artistas que pronto quedaron consagrados por el éxito.

Antes de volcarse del todo a la música Sosa desarrolló otras actividades dentro del espectáculo, como la de animador y actor de teatro. Actuó al lado de otras rutilantes estrellas como José L. Melgarejo, Ramón Gamara, Juan Bernabé, Silvio Rojas, Dora del Cerro, Máxima Lugo y Blanquita Villalba, entre otros. Muy pronto se destacó como cantante y como una de las figuras de mayor preponderancia del quehacer folclórico nacional. También se desempeñó como profesor de guaraní, idioma que utilizaba con solvencia en sus poesías.

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Sosa eligió a la guitarra como compañera inseparable y la creatividad que desarrolló en el instrumento se debe varias consagradas canciones; de las que fue autor en letra como en música. Interpretes famosos han grabado estas canciones para hacerlas conocer alrededor del mundo, siendo el más renombrado de ellos Luis Alberto del Paraná; verdadero embajador de la música paraguaya por los escenarios de varios continentes.

Creador nato, Sosa fue un juglar que con sus canciones llevó alegría, emoción y cordialidad por los distintos escenarios en que le ha tocado actuar, tanto en nuestro país como por casi toda América, En su andar conquistó al público por su gran talento artístico, don de gente, sencillez y caballerosidad.

Su carrera de músico

Sus primeras incursiones artísticas, como cantante y guitarrista, fueron en el bar "Ideal", ubicado a un costado del teatro municipal.

Con Luís Alberto del Paraná le unió una gran amistad, a tal punto que se consideraban “hermanos espirituales”. Par él, Sosa compuso la canción "Mi retorno", durante uno de los regresos del artista al Paraguay, por motivo del fallecimiento de su madre. Dice la letra: "He vuelto a mi patria porque ya no pude resistir la ausencia de mi mborayhu, que ayer me acunaba con toda ternura dándome las flores de su kunu´ú. Y al llegar al puerto yo quise abrazarla, besarla, y decirle: ajúma mamá; más todo fue en vano porque ñandejára ahechave`yre chupe ogueraha “. Y Luis Alberto del Paraná cantó estos versos con el hondo sentimiento que le imprimió Sosa. Esta composición es, para muchos, una de las más emotivas escritas por el cantautor.

Giras y presentaciones

Entre las presentaciones más destacadas de Carlos Sosa podemos citar las realizadas en los principales festivales del país, como el de Ypacarai. El cantautor era número de jerarquía en los eventos culturales donde se rendía homenaje a la música de la patria. Actuaba además en los locales donde la paraguayidad era el estilo y albergaban a los clientes, compatriotas y extranjeros, ávidos de llenarse de emociones con las canciones de nuestra tierra.

En sus giras fuera de nuestro país, Sosa actuó en el festival OTI de la canción; Festival de Viña del Mar; Festival en la Mitad del Mundo, Ecuador; Festival Internacional de la Canción, en Buenos Aires; Festival del Limón, en Santa Fe; Festival del Poncho, en Catamarca; Festival Latinoamericano, Buenos Aires; Festival de Cosquín, Festival de Salta; Festival de Danza y Folclore, en Barreto, Brasil y otros. Su voz, su canto y guitarra conocieron escenarios de Brasil, Argentina, Ecuador, Bolivia, Chile, Perú, Colombia, Uruguay, y Venezuela.

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En 1983 y 1984 actuó en Estados Unidos, invitado por el Centro Paraguayo de Nueva York entidad que le preparó giras por los Estados de Pennsylvalnia, Florida, Nueva Jersey, Washington y Nueva York, según un artículo realizado por la revista Ocara Poty Cue Mí de aquella época.

Sus galardones

Carlos Sosa conoció el éxito y disfrutó de él cuando, en sus presentaciones en vivo y cantando obras de su propia autoría sentía cómo eran aplaudidas, percibía el reconocimiento del público. Por tres años consecutivos, Sosa ganó la competencia de composición del Festival del lago de Ypacaraí.

Fue triunfador en el concurso de Canal 9 de 1998 con el tema "La noche que te conocí" y galardonado con medalla de oro en la ciudad de Villa del Rosario por su canción Puerto de la Amistad.

Sosa fue nombrado “hijo dilecto” de Villa de San Pedro de Ycuamadyyú por su canción dedicada a dicha ciudad.

De su inspiración han nacido varias joyas musicales como "Mi Retorno “dedicada a Luís Alberto del Paraná su más apreciado amigo; "Bienvenido hermano extranjero" y "Señor turista" , como saludo fraternal a los visitantes de nuestro país ;"Buen viaje mi amor", "Quiero verte", "Te vuelvo a encontrar", "Paraguay tierra de amor" , "Soy el arpa" , "Amorosamente" , "La noche que te conocí", "Siempre me acuerdo de ti", "Yo soy la morena" , "La reina del ñandutí" , "El crack" , "Villa de san pedro de ykuamandyju, "Che vallemíre" , "Che mandu´ávo" , "Che retáme, araka´etépa" , "Nendivéntemo ra´e" , "Che vallemi yvotytyre" , "Mi pueblo tiene un pesebre" , "A mi noble Asunción" , "Canción de la lejanía" y "Ne porà che Paraguay", obra ganadora del premio nacional de música en el año 2003.

Obras inéditas

De su amplia producción Carlos Sosa ha dejado varias obras inéditas. Entre ellas:

A la sombra de un naranjo. Albirroja querida. Carnaval del Paraguay. Cielo kuña pyryryin. Desde que conocí de tus negros ojos. Duda Encadenado a tu amor Escríbeme siempre. La lluvia me trae recuerdos. La prisionera. Ne Pora che Paraguay.

Ramón Vargas Colman

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Ramón Vargas Colman nació en el pueblo de Tebicuarymí, localidad cercana a Caballero, Departamento de Paraguarí, Paraguay, el 3 de marzo de 1925, en aquel entonces Tebicuarymí pertenecía al Departamento del Guairá.

Quedó huérfano de padre a corta edad y desde entonces tuvo que realizar varias actividades, para hacer sostenible la vida de su familia, a cuya cabeza quedó su madre.

Él falleció en la ciudad de Asunción, capital de la República del Paraguay en el año 1983, 14 de julio.

Infancia y juventud

Sus inclinaciones musicales se manifestaron hacia la música folclórica popular de nuestro país, desde joven y famosos dúos de la época, como: Melga-Chase y los Hermanos Cáceres, le sirvieron de modelo para afirmar su deseo de convertirse en intérprete y compositor.

En 1952, formó un dúo que llegaría a alcanzar el éxito y la trascendencia que conocieron sus maestros, el dúo Vargas-Saldívar, integrado por él y el también interprete y compositor Andrés Cuenca Saldivar.

Estilo

Con un estilo sencillo que obviamente se refleja en las numerosas composiciones creadas a lo largo de su extensión carrera artística, nos muestra a cabalidad sus condiciones.

Composiciones como, “Mokoi Kogoe”, “13 Tuyuti” y “Tupasy del campo”. Son testimonios de esa gran sensibilidad artística que le sirvió para ponerles música a los versos de grandes poetas nacionales.

Primeros pasos

Andrés Cuenca Saldívar, su dúo, rememora lo siguiente en un escrito que consta en los archivos de Autores Paraguayos Asociados (APA): "Cuando vine de Buenos Aires con el arpista Pedro Gamarra, conocí a Ramón Vargas Colman, siendo él, en ese entonces, funcionario del puerto de Asunción; en el año 1958, grabamos el primer disco, nuestro primer éxito fue el tema Vapor cué, y nuestros trabajos de grabación se sucedieron en forma ininterrumpida y de modo periódico. La última vez que grabamos fue en el año 1980", acoto el artista.

Trayectoria

Efectivamente, el éxito definitivo y la consagración a nivel Nacional e Internacional, llegarían con la tan conocida y característica composición

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interpretada por el dúo Vargas-Saldivar Vapor cué, cuya letra describe las hazañas de la flota naval paraguaya, durante la guerra de la triple alianza.

Este tema fue grabado en el año 1958 para el sello “Columbia” de la Argentina, y contó con la participación especial, en la interpretación del Arpa, de otro consagrado en este instrumento el artista Lorenzo Leguizamón.

En la década del 70, el Dúo Vargas-Saldivar se presentó en numerosos escenarios de países latinoamericanos en giras internacionales, que realizaban; tuvieron ocasión de llevar su arte a numerosas ciudades de Argentina, Bolivia, Brasil, Uruguay, y otros países del Continente Sudamericano.

En el año 1972 cantaron ante los micrófonos de radio El Mundo de Buenos Aires.

En el año 1979, los residentes paraguayos en los Estados Unidos de América, organizaron una “Histórica y multitudinaria presentación”, en aquel país del Norte, según un escrito preservado en APA.

Obras

Entre sus numerosas composiciones, sobresalen algunas que se han convertido en verdaderos iconos del cancionero nativo guaraní; canciones como:

13 Tuyuti.( obra de Emiliano R. Fernandez)

Tupasy del Campo.

Mokoi Kogoe.

Ko´ape che avy´ave.

Serenata Carmencitape.

Che resa mbohory jára.

Porque siempre rohayhu.

Cadete Alberto Benítez.

Mariposa del Ensueño.

Amada Flor.

Romilda (a su esposa).

Mi Ofrenda.

Ambición.

Che Sy Hipolita Pe Guará.

Muñequita.

BAILARINES PARAGUAYOS

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Breve historia de la Danza en el Paraguay.

La danza paraguaya tuvo una historia paralela a la del teatro, haciendo camino sobre una fuerte herencia española. El baile de la Polca, conocida hoy como ritmo típico del Paraguay, nació en las huellas de la polca europea traída por los colonizadores, y las danzas tradicionales como el Pericón, la Palomita, el Chopï y el Solito, surgieron como variaciones populares de las danzas de salón que la clase aristocrática bailaba.

Hasta muy entrado el siglo XX, la danza cultivada en el Paraguay se circunscribió a estas modalidades populares y a la danza clásica que empezó a enseñarse en algunas academias como las de Tala Ern de Retivoff y Bertha Ortiz Faithman. Entre los primeros elencos importantes que se formaron se cuentan el Ballet Folclórico Municipal y el Ballet Clásico y Moderno Municipal, en la segunda mitad del siglo XX. Entre los nombres que abrieron camino a la danza en el Paraguay están los de Teresa Capurro, Celia Ruiz de Domínguez, Reina Menchaca, Nicole Dijhuis, y los hermanos Miguel y Perla Bonnín.

El lenguaje de la danza contemporánea ingresó al Paraguay en la década del 80, con la llegada de algunos maestros extranjeros y la pasantía de bailarines paraguayos en importantes compañías extranjeras. La figura más destacada de esos años, continuadora de la línea clásica en la mayoría de sus roles de repertorio, fue Eliana Rodas.

Miguel Bonnin

Bailarín, coreógrafo, maestro y director de Ballet

Nació en Asunción. Inició sus estudios a los 8 años de edad en la Escuela Municipal de Danzas. Estudió Danza Clásica con Tala Ern de Retivoff, Alexander Plisestky, Vera Stasny, Bjorn Homgren., Tatiana Leskova y Eugenia Feodorova; y Danza Moderna con María Retivoff e Hilda Riveros. Desde 1996 hasta la fecha, dirige el Ballet Clásico y Moderno Municipal de Asunción, donde ha creado numerosas obras que fueron grandes éxitos para la Compañía como “Despertar Campesino”, “Ejercicios Espirituales”, “Don Quijote”,  “Francesco”, “El Arbol de la vida”, como así también bajo su dirección se realizaron los estrenos mundiales de Madame Butterfly (Pinto), La Viuda Alegre (Beiro), Los Tres Mosqueteros (Pinto) y otras. Es asesor artístico de la Fundación Ballet Teatro de Asunción-Paraguay.

En el 2008 recibe la distinción de Maestro del Arte otorgado por el Senado y reconocimientos varios por su trabajo por el Ballet en el Paraguay. Como primer bailarín profesional trabajó en el Ballet Moderno de Cámara del Instituto Nacional de Cultura de Lima (Perú), y también en el Ballet de la Universidad de San Marcos de Lima (Perú), Royal Ballet de Suecia, Cullbergballetten del Teatro Nacional  Sueco, Ballet Municipal de Asunción,

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Ballet del Teatro Municipal de Río de Janeiro, Ballet del National Theater de Mannheim (Alemania). Con el Cullbergballetten realizó giras actuando en importantes teatros de Francia, Italia, España, Dinamarca, Finlandia y Noruega. En Europa trabajó bajo la dirección de renombrados coreógrafos contemporáneos, como Jiri Kilian, Birgit Cullberg y Mats EK. Realizó cursos de perfeccionamiento Raymond Franchetti (Francia), Marin Putke (Alemania), Vera Kirova (Bulgaria). Ha compartido escenarios con figuras como Fernando Bujones, Zandra Rodríguez, Jean Ives Lormeou, Yoko Moroshita, Max EK, Nacho Duato, Ana Laguna y Daniela Malusardi.

En Asunción realizó numerosas presentaciones con Nidia Neumayer, primera bailarina del Teatro Colón; con Ana Botafogo, primera bailarina del Ballet Teatro Municipal de Río de Janeiro: con Mariel Odera, primera bailarina del Ballet S.O.D.R.E de Montevideo y con Teresa Capurro primera bailarina del Paraguay con quien conformó una de las parejas más exitosas del Ballet en Paraguay. Como bailarín ha realizado los principales papeles en ballets como : "Romeo y Julieta", "El Lago de los cisnes", "Don Quijote", "Paquita", "La Fille Mal Gardeé", "Corsario" y numerosas obras de coreógrafos contemporáneos de renombre internacional. En 1985 fue invitado para participar en el espectáculo de 30 años de Eugenia Feodorova en el Brasil, y en numerosos espectáculos con el Ballet de Brasilia.

Es  uno de los fundadores del “Ballet Teatro Producciones” en el Paraguay, con el cual llevó a escena grandes obras del repertorio clásico y ha organizado con dicha fundación las Galas Latinoamericana de Ballet desde 1986, evento que aglutina a los principales bailarines de toda latinoamerica.

Comienza su labor coreográfica a los 17 años con “Trilogía”; continuando con “Entre Cenizas”, “Solo”, “Siglo XX”, “Entre Telones”, “Danza del Tambor Olla”, “Tango”, “Canto a la alegría”, “Despertar Campesino”,  y “Tiempo para el Indio”. Esta última fue presentada en Perú, Brasil, Cuba y Suiza, recibiendo elogiosos comentarios de la crítica especializada.

En 1973 realiza con Tala Ern de Retivoff la coreografía del Ballet Don Quijote para el Ballet Teatro Producciones, y en 1993 la coreografía de El Lago de los Cisnes para el Ballet Clásico Municipal. Ha realizado coreografías para numerosos grupos teatrales como El Grupo Popular  del Teatro Nacional  del Perú con la obra “La Zarzuela del Mendigo”, Grupo Aty Ñe´e de Paraguay con la obra Mascarada en Río Revuelto, Arlequín Teatro con las obras Las Troyanas y Romeo y Julieta., Centro de Investigación y Divulgación Teatral con la obra “Vida y Muerte  de Chirito Aldama. Fue director del Ballet Clásico y Moderno Municipal desde 1990 hasta 1993, bajo su dirección se presentó obras coreográficas como los Ballets  “Giselle”, “Romeo y Julieta”, “Paquita” “El Lago de los Cisnes” y varias coreografías contemporáneas.

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En 1981 fundó con Perla Bonnín, el “Estudio de Arte Coreográfico Bonnín”, donde se han formado numerosos bailarines paraguayos y se ha hecho numerosas obras académicas como “Blanca Nieves”, “Cascanueces”, “La Bella Durmiente”, “Cenicienta”, “Gaitée Parisienne”, “Coppelia”, „Corsario“, „Lago de los Cisnes“ entre otras. En 1993 fue designado por su actuación en Romeo y Julieta junto a Teresa Capurro como los Doce del Año.  Obtuvo el segundo puesto en el Primer Festival de Pas de Deux Clásicos de Trujillo, Perú, con los Pas de Deux “Corsario” y “Cisne Negro.

En 1999 recibe el premio “Arlequin”, otorgado por la Fundación Arlequín Teatro, por su trabajo como bailarín, coreógrafo y productor de ballet; también la mención de honor del premio “Oscar Trinidad” por su trabajo en el Ballet.

Reina Menchaca

A lo largo de 52 años de carrera profesional, la profesora de danza Teresita Eugenia “Reina” Menchaca desplegó su facilidad para el baile en escenarios de Miami, España, Venezuela, Brasil, Argentina, Chile y otros países en donde fue homenajeada con medalles y trofeos. Ganó el Gran Premio Madrid en 1960.

Fue nombrada miembro de honor de la Real Fundación Iberoamericana de la Danza, con sede en Barcelona. Si bien obtuvo reconocimientos en varios lugares, fue este año la primera vez que recibió una distinción en su país cuando en el marco del tercer aniversario del Centro Cultural de la República El Cabildo integró la lista de los “Maestros del Arte 2007”.

Nació el 30 de diciembre de 1936 en San Lorenzo. Hija única, hizo su primera presentación bailando danza española a los 5 años. Le dio las primeras nociones de ese estilo una vecina aficionada. El estudio más formal lo hizo en Asunción con Ana María Maneglia. Más adelante, con el profesor Inocencio Báez Villalba. También estudió en la Escuela Argentina de Arte, y en España. En el ballet folclórico del profesor Báez comenzó a participar en eventos fuera del país. Fue así como en 1958 llegó al Festival de las Américas en Miami. Si bien estudió danza clásica, sus fuertes siempre han sido la danza paraguaya y la española.

Reina Menchaca es profesora normal superior, fue maestra de grado por cinco años, pero dejó el magisterio para dedicarse enteramente a la danza, ya que cada día crecía el número de alumnos. Por su afán de difundir nuestra cultura, concluyó la carrera de diplomacia y relaciones públicas. Quería ser agregada cultural de alguna embajada paraguaya para la expansión de nuestro arte. “Como no soy política, nunca pude llegar a eso”, dijo.Rememoró que en sus inicios la que estudiaba danza era mal mirada.

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Despectivamente decía que era una bailarina. “Ahora se venció esa mentalidad y hay más posibilidades, pero lastimosamente la cultura sigue muy dejada, no se ayuda a la cultura”, mencionó.Actualmente, dirige sus cuatro conservatorios de danza, el de Asunción y los de Quiindy, San Juan y Coronel Oviedo, totalizando unos 500 alumnos. Semanalmente viaja para supervisar las diferentes escuelas.

Reina fue maestra de maestras. Enseñó a Sussy Sacco, a María del Carmen Avila, Zully Vinader, Miriam Miers de Galeano y a muchas otras más que con el tiempo ganaron prestigio como bailarinas y ahora también cuentan con sus academias.

Piensa que toda persona debe cultivar un arte porque este nos sensibiliza y es eso lo que falta en nuestra gente. Evalúa toda su carrera como gratificante y enriquecedora.

Asombro de Nixon

El entonces presidente de los Estados Unidos Richard Nixon vino a Asunción para la palada inicial de la hoy embajada de los Estados Unidos. En la ocasión, Reina bailó con un grupo de compañeras. Nixon quedó asombrado con la danza de la botella y se acercó aún más a mirarlo, ya que pensaba que las botellas estaban pegadas a la cabeza de las bailarinas. Reina conserva una foto de Richard Nixon autografiada y enviada luego de dejar Asunción.

Eliana Rodas

Nació en Asunción el 2 de setiembre de 1967, inició su formación artística de Ballet en Paraguay desde los ocho años, continuando en Argentina, Alemania, Suiza donde se radicó desde los dieciséis años, así como Estados Unidos y Francia. Realizó cursos de perfeccionamiento en Alemania y Francia, continuó sus estudios en Saint Gallen, Suiza. Trabajó con grandes coreógrafos del mundo. En Paraguay estuvo en las dos últimas galas latinoamericanas de ballet. Además, en Asunción danzó en Coppelia con Alejandro Totto (Teatro Colón) y Miguel Florenciáñez bajo la dirección de Néstor Roigt. Con esta reseña queríamos dar un destaque a la danza, porque la consideramos muy importante desde el punto de vista cultural, y de gran ayuda mediante esta en el desarrollo físico armónico de los niños/as por medio de los ejercicios y la música. El lenguaje de la danza contemporánea ingresó al Paraguay en la década del 80, con la llegada de algunos maestros extranjeros y la pasantía de bailarines paraguayos en importantes compañías extranjeras. La figura más destacada de esos años, continuadora de la línea clásica en la mayoría de sus roles de repertorio, fue Eliana Rodas. A lo largo de su carrera artística ha recibido numerosos premios y distinciones.

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Vestimenta Evidentemente para desarrollar el tema sobre las vestimentas

citaremos a los estudiosos historiadores1: Ulrico Schmidt: vestimenta de indígenas2: El padre José Gardiel: sobre los trajes en la época de las misiones

de la provincia del Paraguay3: Efraím Cardozo: que comenta sobre los trajes de la época de los

jesuitas 4: Ramón I Cardozo: se remonta más o menos hacia el año 1575Vestimenta de los indígenas (1747)Las mujeres llevaban una camisa desde el cuello hasta cerca de los

pies y un rapón encima algo más largo de algodón o de lana que lo llamaban typoi

También  Azara dice que su vestido se reduce a sombrero o montera, calzones, camisa y poncho para los hombres, las mujeres typoi o camisón sin mangas que llegan hasta los tobillos seguido con una cinta de algodón (1790)

León Carroga habla de los guaraníes  y los describe como que casi todos andaban completamente desnudos, solamente adornados con penachos de pluma, collares de dientes o de garras de animales, salvajes.

Durante el frío se adaptaron las prendas de los indios al chaco asi se difundieron el txiripá que es una faja de algodón que se sujeta a la cintura y llega hasta la altura de la rodilla, provista de franjas en sus bordes.

El txumbe es una faja blanca de algodón que posee bordados en hilos de colores obtenidos con tintes vegetales, este sirve para sujetar el txiripa.

El ponchito, un poncho pequeño que en ocasiones posee una belleza excepcional por los adornos de pluma que ostenta.

Se usaban también las mascaras para realizar los rituales o también para caracterizar a los actores es sus representaciones utilizadas con fines evangélicos. Las mascaras estaban hechas de telas, plumas o madera, tan popular era el uso de las mascaras que el personaje de kamba ra·anga

Surge en el ámbito de las festividades religiosas, cuya mascara es de cartón o tela negra o cara pintada de negra, antebrazos o manos con ollin

AccesoriosMantos, plumarios, adornos, plumarios, diademas, plumarios

Aspecto complementario de la vestimenta ParaguayaUn detalle singular de las peinetas; fue publicado en el periódico La

Reforma del 19 de Setiembre de 1879; por poco no tenemos que lamentar  una desgracia de una bailarina haciendo uno de esos movimientos donairosos , tropezó con una lámpara pendiente del techo  y se volcó encima de la infeliz bailarina todo el querosene que contenía, librándose de casualidad que el fuego no se haya comunicado juntamente con el petróleo. De hoy en adelante

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no usará más tan descomunales peinetas, que más bien parecen campanarios que otra cosa.

Esto demuestra que por aquella época se usaban los peine tones altos.En la antigüedad se usaban una mantilla grande, llamada espumilla,

con bordados de flores  y flecos en los bordes. Se la llevaba doblada en forma triangular, sobre un hombro  y anudada a un costado de la cintura.

Las mujeres usaban un cinto hecho de tira de genero llamado chumbé, para sujetar la blusa o el typoi.

Chumbé es el nombre de la víbora coral. Existe pues una relación entre el cinto que se envuelve retorcido en la cintura, semejando una víbora.

Fotografías  de la kyguá verá de este siglo, nos muestran a algunas de ellas con cinto y  otras sin él.

La manera o forma de llevar el poncho indicaba la condición social del hombre en tiempos pasados; el del campo lo llevaba puesto; el de la clase media lo usaba doblado sobre el hombro, aunque para bailar lo colocaba en el brazo.

El hombre casado acostumbraba llevar el anillo de compromiso anudado al pañuelo de cuello, para indicar así su estado civil.

El caballero comúnmente llevaba una flor (clavel o reseda) junto al nudo del pañuelo, en tanto que la mujer  la sujetaba al typoi.

En cuanto al color, se prefería el pañuelo blanco. Posteriormente se adoptó  el  negro y con el tiempo  los de colores.

En ciertas regiones, el hombre usaba sobre la faja común de seda o lana, otro cinto ancho de cuero con grandes hebillas y bolsillitos o cartucheras.

Algunas damas llevaban prendido en el pecho del  typoi   un pañuelito de ñandutí.

Era tradicional ponerse el sombrero para bailar. Terminada la danza, una vez  sentados, lo colocaban en la pierna.

Varios autores nos comentan este singular  detalle:Rengger en la época del Dr. Francia: Frecuentemente la gente baila

con las espuelas puestas, el cigarro encendido en la boca y con el sombrero puesto.

Masterman en la época de los López: Me parecía muy extraña una de sus costumbres: cuando se levantaban a bailar, siempre se ponían el sombrero y cuando se sentaban lo tenían en la mano.

G. Pelleschi estuvo en Humaitá entre 1876 al 78: ..”y hubierais visto a los bailarines, siempre con el sombrero en la cabeza…  ”

José L. Melgarejo informo a comienzo de este siglo en los bailes  llamados de 1ra. no se usaba sombrero  y en los bailes de 2da. se bailaba con sombrero puesto.

El ingenio campesino dio nombre según como se usaba

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Guyra i apí caza de pajaritos es cuando la parte de adelante del sombrero se dobla un poco hacia arriba, a manera de dejar  visibilidad para cazar las aves con el fusil

Ñembo ki enamorarse, galantear, coquetear es cuando bajan bastante de un lado como para tapar la cara del caballero que esta galanteando a la dama.

A lo chusco, con estilo gracioso, picaresco, formas diversas para parecer elegante, a lo valle que significa al estilo campesino.

El sombrero por lo general era de paño y en especial de color negro. En la actualidad aún podemos ver en el campo que los varones  bailan con el sombrero puesto.

Innovación del Vestuario en las presentaciones teatrales.Se adoptó un cinto angosto para las mujeres  y  ancho para los

hombres, trabajo indígena con hilos de algodón, de varios colores y a veces con los colores de la bandera nacional. Antiguamente usaban la faja de seda o lana negra.

Se generalizo el uso de dos trenzas o una sola. Aunque tradicionalmente se llevaba los pies descalzos, en los escenarios  se vienen presentando con zapatos comunes de baile, descalzos o con botitas de modelos no comunes en el hombre de nuestra tierra.

Nuestro traje tradicional muy desvirtuado en el teatro, en cierto momento llego a mostrarse empobrecido, con polleras comunes de cualquier tela, color y dibujos y hasta con otros estilos extraños.

En los últimos años las faldas se vieron enriquecidas con adornos de ñanduti o sustituidas directamente por las polleras de ese encaje.

Indudablemente el ñanduti es uno de los encajes más finos del mundo, admirado internacionalmente. Constituye una prenda paraguaya  lujosa, fina y delicada, pero consideramos que su uso en las representaciones teatrales no debe desplazar al verdadero  traje  tradicional.

Creemos que los modelos muy utilizados así como el  ñanduti, deben ser usados para la danza de  inspiración folklórica, en tanto que el verdadero traje tradicional debe ser preferido para las danzas tradicionales de lo contrario la fantasía ira confundiéndose con la realidad.

Traje Tradicional FemeninoSe lo llama también traje de Kygua verá. Carvalho Neto lo denomina

traje de la paraguaya antigua. Una descripción detallada de esta indumentaria  femenina - Typói: es una blusa blanca o bata suelta de tela de algodón del país,

denominada ao po´ í (vestido delgado o fino). Tiene un escote muy amplio, generalmente de forma redonda, bordado con punto cruzado y de color negro o rojo (actualmente se confecciona en diferentes  colores). Unidos a los hombros,

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a modos de mangas de mallas, lleva un encaje paraguayo, hecho a mano, llamado encaje de bolillos o “encaje ju”. El amplio escote es aprovechado para dejar caer graciosamente la manga hacia un lado, mostrando un hombro descubierto.

- Falda amplia, fruncida, larga hasta los tobillos. Actualmente se usa un poco más arriba del tobillo. Esta falda puede llevar superpuesta uno o dos volantes fruncidos en la parte inferior,  randas bordadas o alforzas. Puede o no llevar adornos de encaje. La tela es liviana como el organdí, de color tenue preferiblemente blanco.

- Una o más enaguas fruncidas  y almidonadas, adornadas con aplicaciones, encajes, puntillas, tiras bordadas  y pasa cintas que terminan en un gran moño  al costado.

- Dos trenzas que pueden estar  sueltas llevando moños de colores en  las puntas o cruzadas atrás en forma de arco.

- Los accesorios  como  peinetas de asta, aros, cadenas, rosarios, prendedores y anillos pueden ser de oro, plata, filigrana o piedras.

- Flores variadas en la cabeza como claveles, jazmines, rosas y  culantrillos, distribuidas coquetamente y sujetas con las peinetas.

Typói Kasô: es un typói que está unido al bombachón, las damas lo utilizan como un pollerón, la parte del ruedo de las piernas están adornados con encaje jú, o con bordados tipo punto cruz. La parte superior del mismo adorno que el typói  enterizo y con mangas de encaje.

Mantilla: es un atuendo de forma triangula, de seda y cuyo color es blanco bordados siempre con motivos florales  o bien de color negro, sus bordes tienen largos flecos de hilos de seda, y el color es el mismo de la tela.

Capa: fue utilizada en la colonia, es de origen netamente español, la dimensión de la capa cubría los vestidos, generalmente era de color oscuro, lo utilizaban tanto los hombres como las mujeres.

Rebozo: atuendo usado por las mujeres en época de frio, el material está confeccionado por hilos de lana, su nombre proviene de la palabra rebozar, que significa envolver, dado que se utiliza para taparse la cabeza y  una de las puntas se envuelve por el cuello.

Manto: es casi la misma cosa que el rebozo, con la diferencia que las mujeres utilizan en verano, es de un material liviano, seda o espumilla. 

Traje Tradicional Masculino Camisa blanca de tela nacional llamada ao po´í lleva bordados en

blanco o en colores en la parte delantera.Pantalón recto común, de color negro, aunque a veces se usa también

el blanco, la faja ancha en la cintura es de seda o lana negra, con flecos en los extremos; en la actualidad se está generalizando la faja de varios colores, en trenzado de algodón  y trabajo indígena.

Sombrero en la cabeza puede ser de paño de ¨pirí¨ (junco, estera).

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Pañuelo al cuello en triangulo y anudado adelante, en color blanco o negro. También se suele usar rojo  o azul, a veces se coloca graciosamente la punta del pañuelo hacia un costado, de modo que el nudo caiga hacia el otro costado y se completa este traje con un poncho de un solo color o el llamado ¨60 listas¨ pies descalzos o zapatos negros comunes.

Otros Trajes Tradicionales Traje de Galopera: lo usan las mujeres especialmente para bailar las

galopas en las fiestas patronales y es más generalizado en el campo.Blusa typói, bata llamada ¨matinée¨, que se usa encima del typoi. Es

suelta y cae sobre la falda en los bordes de esta blusa, cuello y mangas lleva ruches de tela o encaje ¨ju¨ por lo general esta bata esta bordada con motivos florales multicolores, la manga es largo o de tres cuartos en telas livianas y transparentes.

La matinée es usada por las señoras de edad, con una falda amplia, larga y fruncida, de un color o más comúnmente con motivos florales la tela de algodón o lienzo llamado cambray.

También lleva enaguas de cintura, anchas y largas, lleva en los bordes una tira o un volante de encaje ju mantilla de espumilla con flecos largos, colocada sobre un hombro, cruza el pecho y la espalda y se anuda a un costado de la cintura.

Los aros, collares, rosarios, cadenas y peinetas no eran tan lujosos como los kygua vera.

Trenzas sueltas y flores variadas en la cabeza.Los pies descalzos.Raída Potî: nombre en guaraní  que significa mujer limpia aseada de

clase humilde, con typói, falda larga de cambray de un color que lleva un volante con pestaña. Enaguas almidonadas con adornos de encaje ju. Completa este atavió la mantilla de espumilla con flecos, anudada a un costado y pies descalzos.

Raído: es el hombre, usa sombrero de paja de anchas alas, ropa de burdo lienzo extranjero o de algodón silvestre, pies descalzos, largo y fino poncho de abundantes flecos y pañuelos de vivísimos colores al cuello.

Algunos Significados de las Prendas y Accesorios:En Flores: Punta del ramito de Flores hacia arriba: Significa mujer Soltera sin

compromiso.Punta del ramito de Flores hacia abajo: Mujer Comprometida.

Pañoletas: Anillo atado por la pañoleta en el cuello de la camisa de un hombre;

este está comprometido.

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Joyas de Perla en una Novia:Una desgracia ocurrirá durante en el Matrimonio.

Trajes PopularesTroperos: la vestimenta de ellos consta de varios accesorios como ser:  Bombachón: es un pantalón de tela, posee varias tablas que se

encuentran en el tobillo, protege la piel de los mosquitos y otros insectos. Camisa: es conveniente que sea mangas largas, la tela es de franela

para una mayor protección, sobre todo del sol.Zapatón: parece una bota pero más corta ya que llega solo al tobillo, es

confeccionado en cuero vacuno y su principal función es de proteger  de las espinas características de los bosques y campos.

Piernera: Hecha en cuero vacuno y su principal función es de proteger  la pierna del tropero de insectos y espinas de árboles ya que le llega hasta el muslo.

Guardamonte: elaborado de cuero vacuno o de tejido de carpa, tiene la estructura de un pantalón, le protege de picaduras de insectos y espinas de plantas.

Polaina: está elaborado de cuero vacuno, es muy parecida a la pernera, solo que esta llega a la rodilla.

Cinto Doble: es un cinto un poco más ancho que el normal, pues su función es sostener el bombachón , portar armas con sus correspondientes proyectiles, llevar documentos y dinero. Puede poseer bordados de hilo o pequeñas argollas de mental para una imagen más elegante.

Sombrero retobado: está hecho de tela y carpa o cuero vacuno, con un esqueleto de cartón o plástico, se encarga de proteger la cabeza de las ramas y sobre todo de los rayos del sol.

Tirador: es hecho en cuero, se utiliza en la parte frontal del cuerpo, desde la cintura para abajo, es un retazo de cuero hasta el muslo y culmina con tiritas hasta los tobillos aproximadamente, este  elemento  evita que el lazo queme o destruya el bombachón.

Arreador: es una especie de látigo.Guacha: parecido al arreador pero termina en una especie de lengua

de cuero.La Pañoleta, el  Breche  y el Pantalón de Montar: es hecho en cuero

curtido.El Lazo y la Capa: es una especie de impermeable.  Mensús o Trabajadores de los Yerbales: usan calzados toscos, de

fabricación casera, cubriendo casi media pierna.Jinete: del campo o campesino va generalmente descalzo y con

espuelas.Burrerita: vende su mercancía, vistiendo una amplia y larga falda, su

chal o rebozo negro y cigarro en la boca.

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Existen características que hasta hoy se ven como la amplias bombachas de los hombres de campo y bata suelta a modo de saco; las botas con espuelas, el ancho cinto de cuero, brillando por debajo un largo facón; las chiperas, vestidas de blanco con delantales de organdí o algodón, también en blanco.

Además el pantalón recto o bombacha metida dentro de botas negras que llegan hasta debajo de la rodilla.

Indumentaria en la epoca del Doctor FranciaEn esta época ya el criollo paraguayo fue adoptando muchas de las

vestimentas europeas, con la mezcla de ciertas costumbres criollas y las asumidas del exterior, los trajes fueron tomando fisionomía propia, Juan y Guillermo Robertson, que estuvieron en nuestro país entre 1.811 y 1815, indican y resaltan que el color preferido para las faldas femeninas es el blanco.

¨El espectáculo más interesante, curioso y nuevo que ofrece  Asunción al viajero es el mercado.

Se halla en la plaza central, allí una mañana a las 5, la reunión de la gente que suministra a la ciudad sus provisiones diarias. Todas las entradas del campo a la plaza derramaban cientos de mujeres, vestidas sin excepción de blanco, una llevando en la cabeza botijas de miel, otras de mandioca, del total de vendedoras, a lo menos tres cuartas partes eran mujeres y de los compradores igual proporción, de modo que el suelo se hallaba cubierto por una masa compacta de figuras vestidas de blanco.

Si bien las señoras nativas, de la clase superior, vestían en casa de manera mezquina, al salir y especialmente cuando iban a la iglesia, lo que acontecía todos los días, llevaban vestidos de bombasí negro, que llegaban hasta el suelo, mientras el rebozo cubría sus cabezas y las partes superior de sus cuerpos¨, esto se refería estrictamente a las clases superiores, ya que las mujeres de clases inferiores se vestían invariablemente de blanco y de manera que destacara sus formas precisamente como la naturaleza les había hecho.

Justo Pastor Benitez, comenta lo siguiente ¨Asunción era en la época cercana a la independencia una ciudad señoral, su sociedad gozaba fama de ser culta y distinguida, al igual que las principales villas. E l pueblo vestia a la española, con pequeñas variantes. Durante la dictadura las damas acomodadas iban a misa con sus vestidos tradicionales. E l hombre usaba pantalones largos, sin saco y los chalecos con los botones de oro y plata.

El ¨Raido¨ es decir el hombre del pueblo, no usaba saco o americana, sino una camisa de ao-poi, pantalones asargad o (sarga es una tela de lana o estambre cuyos dibujos forman diagonales) y poncho al hombro. La mujer del pueblo, pollera y typoi, cubria la cabeza con blancas sabanas en lugar del manto blanco de paño. La mayor parte de la gente andaba descalza.

Efraim Cardozo nos dice ¨traje de domingo del hombre del pueblo, chaqueta, pantalón y camisa blancos y un sombrerito, sin calzado. Francia

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prohibió terminantemente el uso de pantalones largos y anchos que usaban los portugueses.

Indumentaria en la época de los LópezDe acuerdo a las descripciones vertidas por los diferentes personajes

del momento, llegamos a la conclusión  de que en época de los López eran utilizados lujosos vestidos y gran cantidad de costosas joyas, se realizaban fastuosas fiestas en centros sociales, donde se observaban bonitos y costosos atavíos.

Demersey, no muestra grabados en que la mujer  tiene un largo typoi, a modo de túnica, con un cinto, lleva en la cabeza un largo manto tirado hacia atrás. El hombre viste un poncho, sombrero de alta copa y pantalones a rayas.

El ciudadano inglés Charles Blackfor Mansfield, nos dice que los varones eran muy distintos a la generalidad de los sudamericanos que le toco conocer, por ejemplo el capitán vestía pantalones blanco de algodón con flecos del largo de un pie, chiripa de algodón también blanco, camisa del mismo color y faja roja ceñida a la cintura, un quepí, dicho sea de paso más limpio y elegante que cualquier otro que haya visto en Europa, y nada de zapatos ni calcetines.

Las mujeres del pueblo eran generalmente muy hermosas, los pocos vestidos que llevaban eran casi todos blancos, estaban compuestos por un camisón de algodón blanco bordado, arriba con lana negra y encaje en los hombros. Sobre el camisón vestían una falda, comúnmente  de muselina, que fijaban con un cinturón de lana escarlata en las caderas y estaba adornado con  numerosos vuelos de encaje, obedeciendo modelos diseñados por ellas mismas o tomados de cualquier parte donde lo hayan  encontrado, eran muy hermosos. Algunas mujeres llevaban  falda de muselina inglesa estampada.

El traje de los campesinos consistían en:Una camisa blanca, hecha de una especie de rustica muselina de

algodón  y tejida en el paísUna pechera hermosamente bordada.Un pantalón que bajaba hasta más allá de las rodillas y tenía las

últimas tres o cuatro pulgadas con enlace de fruncido  del que colgaban largos y gruesos flecos de hilos sueltos.

Chiripa tejido de lana con tiras  horizontales de color rojo Los hombres generalmente, llevaban el poncho  sobre el hombro, el d

más común era el de algodón blanco con  listas azules para el verano  y de lana para el invierno.

Las mujeres más pobres protegían su cabeza al caminar, llevaban una especie de manto de algodón blanco con flecos que se echaban sobre la cabeza y los hombros cubriéndolos, aparentemente las mujeres se cubrían con

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ese manto cuando iban descalza y las clases superiores llevaban un chal o manto de tipo más ordinario.

Jorge Masterman, completa la descripción de los tocados diciendo lo siguiente: ¨bonitos tocados, una rosa o una pluma suave y sedosa ánguida y coquetamente colocada. En días de fiesta ostentan zarcillos de excesivo tamaño, trabajados en el país, tan largo que descansaban en los hombros, uno o dos collares de oro macizo y sortijas suficientes para tapar todos los dedos de la mano. Este traje estaba casi fuera de las familias de tono y una peineta de oro significaba hoy día una mujer de clase inferior¨

En otro pasaje el mismo autor nos dice y veía pasar a lo largo del peristilo lugar rodeado de columnas, una criada que con paso silencioso y felino llevaba en la cabeza un cántaro, con sus torneados brazos y su blanco typoi realzado por negros ribetes, cayendo de los hombros en pliegues graciosos y hasta tentadores.

Julio Cesar Chávez, describe acerca de los trajes utilizados en una fiesta, por la señora y las hijas del Pte. Carlos A. López y doña Juna Carrillo de López, vestía de damasco blanco con ramazón dorado, corpiño de riquísimo encaje francés. En la cabeza adorno de oro y cinta de terciopelo negro, todos ellos prendidos con agujas de oro. Collar, pendientes y brazaletes de perlas y esmeraldas.                                                                                                           Rafaela López, de barrios, traje de gro (tela de seda sin brillo) de Nápoles con tres amplios volantes picados, turbante de tul de seda con perlas y pimpollos de rosas. Collar de oro del que pendía una cruz de brillantes, todas las otras damas, señoras y señoritas  competían en lujo y distinción.   Jorge Thompson, describe las vestimentas de la camisa con pechera y mangas bordadas, calzoncillos blancos con flecos largos y anchos cribos. Sobre este no usaban calzado y calzoncillo un chiripa asegurado con una faja de seda punzón; no usaban  calzado y completaban su traje con un poncho, el traje de las mujeres consistían en una larga camisa blanca, de mangas cortas, bordadas y adornadas con randas y los escotes bordados con seda  negra hasta la cintura no llevaban otra cosa más que la camisa y completando el traje, una enagua blanca, asegurada con una ancha cinta colorada, andaban descalzas. Estos trajes los llevaban solamente las campesinas y la clase baja.

En referencia a la vida en sociedad de la época de los López, dice lo siguiente

¨El regreso del general López de Europa significo diversos cambios en la vida social del país, de su viaje trajo  gustos distinguidos  y costumbres sociales que revolucionaron la tranquila rutina colonial de la sociedad paraguaya. Se constituyó el club nacional, que fue el centro de la vida social y donde se realizaron suntuosas fiestas  que sorprendían a los visitantes extranjeros. Con la llegada de Madame Lynch también llegó la moda de las amplias faldas de distintos colores, uso de abanicos plumas, encajes de colores etc.

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La sociedad en contacto con el mundo civilizado, después de tantos años de forzosos aislamiento, aunque desgajadas de sus rancios y representativos elementos, se reconstruyo rápidamente con un sentido democrático muy peculiar, manifestando en los bailes populares porque se conmemoraban los grandes acontecimientos, las encopetadas familias, que lucían elegantes trajes importados de Paris junto a las famosas kygua verá, descalzas y vestidas al estilo popular.

Vestimenta para los bailes antiguosSe ha descripto que el que asistía en Asunción a una fiesta o baile

podría creerse en el mismo Paris.Es por ello que los demás trajes populares de la época, existieron

trajes de fiesta de la alta sociedad eran usados para los bailes de moda, las damas vestían trajes lujosos, bonitos y elegantes. El traje se llamaba dama antigua eran adornados con finos encajes importados, mangas abullonadas o ceñidas pasa cintas, volantes y la falda era amplia con grandes miriñaques o angostas con una pequeña cola hacia atrás y lucían peinados con bucles, arreglos de plumas o moños en la cabeza.

Los Colores y Significado Blanco: la pureza inmaculada, lo angelical.Rosa: el amor, el romance y la adolescenciaVerde: la naturaleza y la paz espiritual.Negro: las perdidas, lo prohibido y la mala suerte.Marrones y ocres: la pachamama (la madre tierra).

El ÑandutiEste encaje de hilo es fiel representante de la artesanía del Paraguay,

es por ello que debemos dedicar una mención muy especial ya que la gran mayoría de los atuendos folklóricos y tradicionales están confeccionados con este delicado y hermoso material.

El nombre ñanduti es un vocablo del guaraní, esta palabra significa blanco de araña, del ñandú (araña) y  ti (blanco o blancura) otro nombre que se le da al encaje es el ñandutini y más tarde por ley eufónica idiomática en calidad de sonar mejor la palabra pierde el ni, esto evoca el nido aureolado o la cimbra de rayos concéntricos de la araña.

Su característica principal es que está conformado por pequeños cuadrados, rectángulos o círculos generalmente de unos 8 cm cuya urdimbre o conjuntos de hilos que se extienden en forma de radios o en forma cuadriculada en los puntos de fondo sobre los cuales se tejen los motivos decorativos existen leyendas o creencias que hablan de esta creación fue de los guaraníes. Es casi seguro     que este encaje llego a nuestro país proveniente de España y posiblemente incorporado por los Jesuitas. Se debe señalar que el termino ñanduti es netamente paraguayo. Se lo comenzó utilizar como adorno para las cortinas, manteles y en algunas prendas como en los

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cuellos de blusas  y adornos en la ropa interior femenina. Oficialmente  El Ñandutí se comenzó a utilizar como Prenda Exterior Femenina en un traje de Danza Paraguaya como Volado en una Presentación en España en el Festival de las Américas en la ciudad de Cáceres con la Coreografía India en el año 1962, a cargo de la Profesora de Danza Paraguaya Reina Menchaca.

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HISTORIA DEL PARAGUAY

La historia de Paraguay abarca desde el comienzo del poblamiento humano del territorio del actual Paraguay hasta nuestros días.

Época Colonial

.Paraguay fue descubierto por Alejo García y Sebastián Gaboto, a las órdenes de España en 1524, dándose inicio a una historia de Colonialismo, hasta 1811, año en que se independizó de España.

Los primeros europeos se establecieron en la zona refugiados tras el fracaso de la primera fundación de la ciudad de Buenos Aires a principios del siglo XVI y fundando una casa fuerte que sería Asunción del Paraguay el 15 de agosto de 1537. La ciudad finalmente se convirtió en la cabecera de una provincia colonial española, llegando a conocerse como "Madre de Ciudades" ya que de ella partieron las corrientes pobladoras y repobladoras de diversas ciudades: Ontiveros, Ciudad Real del Guairá y (la primera) Villa Rica del Espíritu Santo en la antigua provincia del Guairá (actual estado brasileño de Paraná), Santiago de Jerez del Itatín (en el actual Mato Grosso del Sur), San Francisco de Mbiaza en las costas del océano Atlántico (actual estado brasileño de Santa Catarina), Santa Cruz de la Sierra en el Chaco Boreal, así como las importantes ciudades argentinas de Buenos Aires, Corrientes, Santa Fe y Concepción de Buena Esperanza, más conocida como Concepción del Bermejo.

Bajo el gobierno de Hernandarias, llegan al Paraguay los jesuitas para contribuir a la tarea de pacificación de los indígenas, dando así origen a las célebres reducciones Jesuíticas. Desde 1604 a 1767 los jesuitas realizan con los indígenas guaraníes de Paraguay un gobierno teocrático. Las reducciones jesuitas tenían autonomía respecto a los gobernadores de Asunción. Las misiones llegaron a cobijar a más de un cuarto de millón de indígenas donde se les enseñaba la religión católica, agricultura, artesanía y pequeña industria.

La organización total abarcó 32 reducciones. Las misiones primero se instalaron en la región del Guairá (también llamado La Pinería)-actual estado brasileño de Paraná- y luego se establecieron entre los ríos Tebicuary y el divortium aquarum de la Cuenca del Plata con las cuencas menores afluentes directas del Océano Atlántico. La lengua guaraní fue respetada y se fijó en forma escrita; en ella fueron vertidas importantes obras de teología, impresos en la primera imprenta del Río de La Plata. Paralelamente el asunceno Ruy Díaz de Guzmán escribía las primeras obras de historia atinentes a la región del Cono Sur.

En 1617, se produjo la división de la Provincia en dos gobernaciones: la del Paraguay y la de Buenos Aires. De esta forma Paraguay perdió la zona marítima del estuario del río de La Plata, y conservó solo Asunción, Ciudad

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Real y Villa Rica del Guayrá. La pérdida de la "salida de la tierra" por el puerto de Buenos Aires se hizo sentir mucho más desde que la provincia española del Paraguay perdió el estratégico territorio llamado la Mbiazá o Yviazá (o La Vera), que correspondía al actual estado brasileño de Santa Catarina.

En 1717 la rebelión Comunera representó el primer grito de libertad de América, pero con la derrota en la batalla de Tobati en 1721 se impusieron duras sanciones al departamento que asfixiaron su economía.

En 1750, el tratado de límites entre España y Portugal, afectó a Paraguay con las pérdidas de Guairá (entre el río Paraná y el Océano Atlántico), la gran provincia del Itatín y la región deCuyabá que fueron cedidos al Brasil portugués a cambio de la Colonia del Sacramento, en la Banda Oriental del río de la Plata.

En el ya citado año de 1750 la corte española de acuerdo con la corona portuguesa decidieron repartirse el territorio de las reducciones, Los jesuitas se negaron a ello, dando lugar a que los ejércitos español y portugués emprendieran la llamada Guerra Guaranítica y acabaran con la resistencia en 1757.

En 1767 los jesuitas fueron expulsados de España y sus dominios por orden de Carlos III. Las reducciones pasaron a ser dirigidas por grupos seglares y religiosos, pero entraron en un proceso de decadencia.

Independencia

En 1810 llegó a Buenos Aires, capital del virreinato del Río de la Plata, la noticia de que España había sido ocupada por tropas francesas de Napoleón Bonaparte. En respuesta, en Buenos Aires se reunió un cabildo abierto, que el 25 de mayo de 1810 estableció la Primera Junta de Gobierno; ésa fue la llamada Revolución de Mayo. Entre sus objetivos estaba formar un congreso de representantes de todas las provincias del Virreinato del Río de La Plata, de modo que comunicó las novedades a todas las ciudades de su jurisdicción.

En respuesta, el gobernador realista del Paraguay, Bernardo de Velasco remitió a Buenos Aires una nota comunicando la separación de la Provincia del Paraguay del Virreinato del Río de La Plata. Velasco y sus adeptos reunieron una Junta General el 24 de junio de 1810, que reiteró su fidelidad al Consejo de Regencia, que se había refugiado en Cádiz y gobernaba la monarquía española de Fernando VII, prisionero de Napoleón.

A fines de 1810 las tropas al mando del General Manuel Belgrano marcharon en una expedición para intentar sumar al Paraguay a las recién creadas Provincias Unidas del Río de la Plata. Las fuerzas de esa expedición no recibieron apoyo local y fueron derrotadas en las batallas de Paraguarí y Tacuarí —19 de enero y 9 de marzo de 1811— por los realistas,

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entre quienes hasta entonces revistaban los oficiales Fulgencio Yegros y Manuel Cabañas. Estas batallas, tanto por el éxito de las fuerzas paraguayas como por la huida en la ocasión del gobernador español Velasco —al pensar que habían sufrido un revés militar— y los repetidos contactos de la oficialidad paraguaya con Belgrano, son consideradas como el comienzo de una toma de conciencia de las propias fuerzas por parte de los paraguayos.

Tras varias semanas de conspiraciones, en la noche del 14 al 15 de mayo de 1811 estalló una revolución, dirigida en lo militar por el capitán Pedro Juan Caballero y Fulgencio Yegros. El gobernador fue obligado a convocar un Congreso paraguayo y gobernar con dos consocios, Juan Valeriano Zeballos y José Gaspar Rodríguez de Francia.

El 12 de octubre de 1811 se firmó un tratado con la Junta de Buenos Aires, que establecía —entre otras disposiciones— un proyecto de confederación entre las Provincias Unidas del Río de la Plata y Paraguay, pero los intereses contrapuestos de las elites porteñas y asuncenas chocaron.

HISTORIA DE ESPAÑA

La historia de España es la propia de una nación europea, abarcando tanto el periodo comprendido desde la prehistoria y la creación de la Hispania romana, pasando por la Hispania visigoda, Al-Ándalus. La Monarquía Hispánica y la formación y caída del imperio español, hasta la formación del moderno Estado-Nación y la instauración del actual Reino Constitucional español.

Los primeros humanos llegaron al territorio de la actual España hace 1 200 000 años. Durante los milenios siguientes el territorio fue invadido y colonizado por celtas (aunque se baraja la posibilidad de que éstos se tratasen de un pueblo autóctono de la Península), fenicios, cartagineses, griegos y hacia el 200 a. C. la mayor parte de la Península comenzó a formar parte del Imperio romano. Tras la caída de Roma, se estableció el Reino visigodo. Dicho reino se inició en el siglo V y se mantuvo hasta comienzos del siglo VIII. En el año 711 se produjo la primera conquista musulmana desde el Norte de África; en pocos años el Islam dominaba gran parte de la península ibérica. Durante los 750 años siguientes, se establecieron reinos moros independientes, aunque el área dominada por los musulmanes era conocida con el nombre global de al-Ándalus. Mientras gran parte del resto de Europa permanecía en la Edad Oscura, al-Ándalus florecía cultural, científica y artísticamente.

De modo simultáneo se produjo la Reconquista, por la que los primeros reinos cristianos de lo que se acabaría convirtiendo en España buscaron arrebatar el territorio a los musulmanes. Comenzada aproximadamente en 722 con la rebelión de Don Pelayo y partiendo desde el Norte, avanzó durante los siglos VIII a XV culminando con la conquista de Granada en 1492. Durante este periodo los reinos y principados cristianos se desarrollaron notablemente;

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gradualmente en un proceso de concentración, la unión de los dos más importantes, Castilla y Aragón, por el matrimonio en 1469 de los Reyes Católicos (Isabel I de Castilla y Fernando II de Aragón) posibilitaría la formación del Reino de España.

En 1492 los Reyes Católicos financiaron el proyecto del explorador Cristóbal Colón de buscar una nueva ruta comercial con Asia a través del océano Atlántico. Su llegada al Nuevo Mundo y la consecuente conquista de América llevaron a la creación del Imperio español. Durante los siguientes siglos España se alzó como actor central de los asuntos europeos y mundiales. Durante los siglos XVI y XVII tendría lugar también la época de apogeo de la cultura española conocida como Siglo de Oro. Sin embargo, durante este periodo se produce también la expulsión de los judíos y musulmanes (en 1492) y se establece la Inquisición, que posteriormente gozará de un gran poder. 

El imperio colonial, cuyos últimos restos España mantuvo bajo su control hasta finales del s. XIX, incluía América del Sur (con la excepción de la zona bajo dominio portugués), grandes zonas de América del Norte en diverso grado de influencia o control, las islas Filipinas en Asia, así como enclaves de diversa importancia en las costas en África. Incluía además numerosas posesiones en Europa (los Países Bajos españoles, el Ducado de Milán, el Reino de Nápoles o el propio Reino de Portugal hasta 1640), la mayoría de ellas perdidas tras la paz de Utrecht de 1713.

España mantuvo durante este período diversos enfrentamientos con sus vecinos de la Europa continental, especialmente con Inglaterra (incluyendo el fracaso de la conocida como Armada Invencible) y Francia. Con la muerte de Carlos II en 1700, la casa de Austria se extinguió para dejar paso a la de los Borbones tras la Guerra de Sucesión. España fue perdiendo progresivamente su preponderancia militar y tras sucesivas bancarrotas el país redujo paulatinamente su poder; a finales del siglo XVIII ya se había convertido en una potencia de segundo orden. Liberales, republicanos y partidarios del Antiguo Régimen. Entre 1873 y 1874 tuvo lugar la I República. La llegada de la Revolución industrial a finales del siglo elevó el nivel de vida de una clase media que empezaba a ampliarse en algunos núcleos principales; sin embargo la Guerra hispano-estadounidense de 1898 (conocida como el Desastre del 98), con la pérdida de la mayoría de los restos del imperio, supuso un profundo choque en la sociedad española.

Mientras el nivel de vida crecía (en parte por la neutralidad española en la Primera Guerra Mundial) y la integración con el resto de Europa progresaba, la inestabilidad política marcaba el primer tercio del siglo XX. Tras la salida del país de Alfonso XIII, en 1931 se proclamaría la II República, que acabaría en 1936 con un golpe de estado militar y la subsiguiente guerra civil, que se saldaría en 1939 con la victoria del bando acaudillado por el General Franco.

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Desde entonces el país se sumergió en la dictadura franquista, que se mantuvo hasta la muerte del dictador en 1975.

España fue oficialmente neutral durante la Segunda Guerra Mundial; a las décadas de posguerra, marcadas por la pobreza y la represión política, siguió un importante crecimiento económico durante las décadas de los 60 y los 70, en un país que permanecía cultural y políticamente reprimido. Tras la muerte de Franco y la aprobación de la Constitución de 1978, en el transcurso de la conocida como Transición comenzó una transformación gradual del país hacia la consolidación de la actual democracia (cuyo Jefe de Estado es el rey Juan Carlos I), con un desarrollo económico paralelo que la ha colocado de nuevo entre los países más desarrollados del mundo (España fue el 12º país del mundo por PIB en 2010 según el FMI). 

España ingresó en la Comunidad Económica Europea (actual UE) en 1986 bajo el gobierno socialista de Felipe González. Se Organizaron la Copa Mundial de Fútbol de 1982 y los Juegos Olímpicos de Barcelona en 1992. En 2002, bajo el gobierno conservador de José María Aznar se adoptaba el euro como moneda oficial. En 2005, con los socialistas José Luis Rodríguez Zapatero en el poder, España se convirtió en la tercera nación del mundo en permitir el matrimonio y derecho de adopción a las parejas del mismo sexo. En 2011 los conservadores volvieron a obtener el poder, consagrado Mariano Rajoy como presidente del gobierno de España. 

El auge del castellano

En el siglo XIII, hubo muchos idiomas que se hablan en las secciones cristianas de lo que hoy es España entre ellos.

El castellano, aragonés catalán vasco, gallego, aranés y asturleonés. Pero a lo largo del siglo, el castellano (lo que también se conoce hoy como el español) ganó la prominencia cada vez más en el Reino de Castilla como lengua de cultura y comunicación. Un ejemplo de esto es El Cid. En los últimos años del reinado de Fernando III de Castilla, el castellano empezó a usarse para ciertos tipos de documentos, pero fue durante el reinado de Alfonso X cuando se convirtió en el idioma oficial. A partir de entonces todos los documentos públicos fueron escritos en castellano, así como todas las traducciones fueron realizadas al castellano en lugar del latín. Por otra parte, en el siglo XIII muchas universidades fueron fundadas en los reinos de León y en Castilla, algunos, como las de Salamanca y Palencia se encontraban entre las primeras universidades de Europa. En 1492, bajo los Reyes Católicos, se publicó la primera edición de la Gramática de la Lengua Castellana de Antonio de Nebrija.

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Historia moderna de España

.En 1469, se casan en secreto Isabel y Fernando, príncipe heredero de Aragón. Este enlace acabaría produciendo la unión dinástica de los reinos de Castilla y Aragón en 1479, aunque ambos territorios mantuvieron sus leyes e instituciones propias, eso sí, bajo el mandato del mismo monarca.

Antes de ello, entre 1474, año de la muerte de Enrique IV, y 1479 surge una guerra civil por la sucesión de la corona de Castilla entre partidarios de Isabel y partidarios de Juana la Beltraneja, hermanastra e hija legítima de Enrique IV, respectivamente, casada con el rey de Portugal, que de haber ganado los partidarios de Juana hubiera producido la unión de Castilla con Portugal. 

La reconquista finaliza en 1492 con la toma de Granada por parte de los Reyes Católicos que la anexionaron a la Corona de Castilla. En este mismo año se produce la expulsión de los judíos y el descubrimiento de América, en nombre de la corona, por Cristóbal Colón (véase Descubrimiento de América). Las Islas Canarias, cuya anexión había comenzado durante el reinado de Enrique III de la mano del normando Jean de Bethencourt, serán finalmente conquistadas (Historia de Canarias) cuando los ejércitos castellanos tras largas y duras campañas contra los guanches se apoderen de Gran Canaria (1478-1483), La Palma (1492-1493) y finalmente Tenerife (1494-1496).

Siglo de Oro

El Siglo de Oro español fue un período de artes florecientes y letras en el imperio español (en la actualidad España y los países de habla española de América Latina), coincidiendo con la decadencia política y la caída de los Habsburgo (Felipe III, Felipe IV y Carlos II). Es interesante observar cómo las artes durante la Edad de Oro florecieron a pesar de la decadencia del imperio en el siglo XVII. El último gran escritor de la época, Sor Juana Inés de la Cruz, murió en la Nueva España en 1695. Los Habsburgo, tanto en España como en Austria, fueron los grandes mecenas del arte en sus países. El Escorial, el gran monasterio real construido por el rey Felipe II, invitó a la atención de algunos de los más grandes arquitectos europeos y pintores. Diego Velázquez, considerado como uno de los pintores más influyentes de la historia europea y un artista muy respetado en su propio tiempo, cultivó una relación con el rey Felipe IV y su primer ministro, el conde-duque de Olivares, que nos deja varios retratos que demuestran su estilo y habilidad. El Greco, un artista respetado griego de la época, se estableció en España, y se infunde el arte español con los estilos del renacimiento italiano y ayudó a crear un estilo único de la pintura española.

Algunos músicos más grandes de España se consideran muy relevantes, como Tomás Luis de Victoria, Luis de Milán y Alonso

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Lobo ayudaron a dar forma a la música del Renacimiento y de los estilos del contrapunto y la música policoral, y su influencia se prolongó hasta bien entrada la época barroca. La literatura española floreció y, lo más famoso demostrado en la obra de Miguel de Cervantes, el autor de Don Quijote de la Mancha. El dramaturgo más prolífico de España, Lope de Vega, escribió, posiblemente, hasta mil obras de teatro durante toda su vida, más de 400 de las cuales sobreviven hasta nuestros días.

DANZA ESPAÑOLA

El concepto de baile español o ballet español, que se diferencia del ballet Clásico y suele identificarse habitualmente con el baile flamenco, aunque propiamente no se identifica de forma estricta con él:

Bailarines como Vicente Escudero -que fue también tratadista, estableciendo el Decálogo del buen bailarín-, Antonio El Bailarín, etc. o bailarinas como Mariemma; composiciones musicales como El sombrero de tres picos o El amor brujo de Manuel de Falla -responsable junto con Federico García Lorca del Concurso de Cante Jondo de Granada de 1922.

Obras cinematográficas como El amor brujo o Los Tarantos (1962), de Francisco Rovira Beleta, El amor brujo o Bodas de sangre, ambas de Carlos Saura, etc.

Otros bailes populares españoles con la consideración de danza folclórica más o menos extendidos por distintas zonas del territorio (bailes regionales): jota, danzas vascas, sardana, muñeira, paloteo, isa canaria,2 etc.

Particularmente, algunos de estos bailes tradicionales son habitualmente considerados como ramas de la danza clásica española, sobre todo:

el bolero, en su forma denominada la escuela bolera;3

el fandango (baile);

las seguidillas (la seguidilla es un tipo de estrofa y la seguiriya uno de los palos del flamenco);

la crotacología o arte de tocar las castañuelas o palillos, habitualmente mientras se baila;4

el zapateado.

Alguna clasificación distingue:

las danzas regionales, que incluyen bailes antiguos como el fandango o modernos como las sevillanas;

la danza flamenca;

la danza española clásica o escuela bolera;

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la danza española neoclásica o renacimiento de la danza española a finales del siglo XIX.

Otras formas de danza española no relacionadas con la tradición folclórica o flamenca.

Hay testimonios del particular cultivo de la danza en España en los autores del mundo clásico y en los de la Edad Media. Los romanos tenían a las bailarinas gaditanas por las más bellas y elegantes del mundo. Fue el Renacimiento el que rehabilitó los bailes populares, dándoles tono y llevándolos muchas veces a los salones elegantes (fandango, charrada, pasacalles, 6 contradanza). Resultó entonces que en el transcurso del tiempo se habían ido perdiendo o confundiendo unos con otros, sin que por eso dejaran de advertirse dos grandes grupos: de un lado, las danzas de ritos guerreros o conmemorativos de grandes batallas, antiquísimos (aurresku, paloteo); y de otro, las danzas rituales religiosas, más propias de la Edad Media.

El flamenco

El flamenco surge en el sur de España, concretamente en la comunidad autonómica andaluza, y es producto de una mezcla de culturas: la gitana, la andaluza, la árabe. Se define como la conjugación de tres elementos inseparables: el cante, el toque (la guitarra flamenca) y el baile.

El origen del flamenco constituye un tema delicado, pues a diversas razas y pueblos se les atribuye la procedencia, sin embargo, lo único claro y concreto es que dicho arte es propiamente andaluz.Los acontecimientos más importantes en la escuela flamenca se describen en la siguiente cronología.

Siglo XV. Llegan los gitanos a la península ibérica, donde ya existía un acervo de danzas localistas, sin embargo, los gitanos aportaron su sello particular (se da una mezcla del acervo cultural andaluz y el gitano). Cabe destacar, que los gitanos no son los creadores exclusivos del flamenco

Siglo XVI. El Reino de Castilla decide expulsar a los grupos minoritarios para asentar la pureza de la religión y la raza. Los judíos, los musulmanes y los gitanos; se oponen a convertirse al Cristianismo, por lo tanto, son perseguidos e incluso juzgados por la Inquisición. En este siglo aparece el taconeo y el zapateado.

Siglo XVII. Las seguidillas son el baile más popular, se interpretan, como las sevillanas, por parejas y con acompañamiento de palmas y castañuelas.

Siglo XVIII. Nace el baile del fandango, el cual se extiende por toda España y tomó las características de cada región. A finales del siglo XVIII,

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aparecen los primeros espacios públicos para la comunicación y el desenvolvimiento creativo del flamenco

Siglo XIX. En la segunda mitad del siglo XIX se establece la codificación del flamenco, se presenta en teatros, ensayos públicos de academias de baile, en salones y en cafés cantantes.

El flamenco comienza a solidificarse y alcanza una etapa floreciente con el nacimiento del café cantante, los cuales eran locales donde se despachaban bebidas y se ofrecían recitales de cante, baile y toque flamencos. La instalación consistía en un salón amplio, decorado con espejos y carteles de toros, en el que además de los palcos (para gente adinerada), las sillas y las mesas, se levantaba el tablao donde actuaba el cuadro flamenco. Entre los más conocidos se encuentran: Café del Burrero (Sevilla), Café de la Unión (Madrid), Café de Chinitas (Málaga), Café del Perejil (Cádiz), Café de la Vera- Cruz (Jerez), entre otros. El café cantante concentró a los mejores cantaores, bailaores y guitarristas; por lo tanto, se propició el intercambio de ideas.

Biografía

Antonio Márquez

Antonio García Santillana (Antonio Márquez) nacido el 24 de mayo de 1963 en Sevilla.

Máximo representante masculino de la danza española de finales del siglo XX y principios del siglo XXI, aunque su amplio registro y magisterio abarcan también tanto la sensualidad y desgarro del flamenco, como la expresividad dramática de la composición contemporánea.

De su versatilidad dan fe los éxitos conseguidos en la interpretación de personajes tan distintos como Jasón en Medea o el Molinero en El sombrero de tres picos, así como sus memorables actuaciones en Don Juan; Hamlet; Don José; La Oración del Torero; Ritmos; Zapateado etc.

Tras una brillante carrera como Primer Bailarín en el Ballet Nacional de España, y colaboraciones como artista invitado tanto en Galas de Estrellas como en compañías de renombre internacional, decide crear su propia compañía con la que debuta en 1995 en el Teatro de la Maestranza de Sevilla.

Antonio Márquez participó con su compañía en la inauguración del Teatro Real de Madrid, interpretó la película "La Traviata en Paris" de Giuseppe Patroni Griffi dirigido por Zubin Mehta y ha producido, entre otras muchas, las coreografías de las óperas "Carmen", "La Traviata", " El Barbero de Sevilla "," Don Quixote ".

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Premios

Entre los numerosos premios que se le han concedido, cabe destacar: Premio Nureyev (1997, Italia) Profesional de la Danza Más Valorado (1998, España) Mejor Bailarín Extranjero (1999, Hungría) Premio Nizhinski al Mejor Espectáculo: Zapateado (Italia, 2000) Premio al Mejor Espectáculo del Festival de Jerez: Después de Carmen

(España, 2000) Premio Nacional de Danza Cultura Viva (España, 2001) Primer Premio del Festival Internacional de Danza de Jerez: Boda

Flamenca (España 2003). Premio de la Crítica al Mejor Espectáculo del Festival de Jerez: El

sombrero de tres picos y Bolero (España 2005) Premio Positano “Leonid Massine” per l´arte della danza a Antonio

Márquez “anche il Flamenco a la sua Stella” (Italia 2005). Premio Tanit de la Conseill de Ibiza y Formentera. (España 2006) Premio APDE 2008

José tejada Martin (Pepe Marchena)

Nació el 2 de noviembre 1903 en Marchena (Sevilla). Se hizo llamar Niño de Marchena en los comienzos de su carrera. Ganó su primer concurso en Fuentes de Andalucía en 1916. Debutó en Madrid, en el merendero Casa Juan, en el barrio de La Bombilla en el año 1921. Después le contratan para actuar en el Teatro La Latina y graba su primer disco. En 1926 realiza una gira por España. La primera gira que hace con el célebre Vedrines y sus óperas flamencas. Protagoniza las películas Martín Gala y La Dolores en 1940. Rueda la película Aires de Ronda (1943).

Conoció en 1945 a Isabel Domínguez Cano, compañera y mujer hasta su muerte. Realiza una gira por América. En 1950 realiza otra por Marruecos, Argelia y Francia. Colabora con el programa Cabalgata Fin de Semana de la Cadena SER. En 1965 recibió el Disco de Oro por sus Memorias Antológicas del Cante Flamenco. 

Pepe Marchena falleció el 4 de diciembre de 1976 en Sevilla. 

Obras destacadas

Tarantas de Marchena La Macarrona La Rosa El Gloria Malaya ciudad bravía

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Antonio Gades

Antonio Esteve Rodenas, más conocido como Antonio Gades;  fue un bailarín y coreógrafo español.

Antonio Gades nace en el seno de una familia humilde en Elda, pocos meses después de comenzar la Guerra Civil Española. A principios de1937, su padre, albañil de profesión, se alista voluntario en el Ejército republicano, trasladándose al frente de Madrid.

En 1947 Antonio Gades debe comenzar a trabajar y lo hará en un conocido estudio fotográfico. En 1949 se inscribe en una academia de baile, donde la casualidad le permitiría conocer meses más tarde a Pilar López Júlvez. En 1951 entra a formar parte de la compañía. Pilar y el primer bailarín, Manolo Vargas.

En 1962 funda su primera compañía. En Italia actuara, además de en Roma, en el Festival de Spoleto como primer bailarín y coreógrafo con Carmen y en el Teatro de La Scala de Milán.

Representa a España en 1964 en la Exposición de Nueva York, quien lo acoge como a un ídolo del flamenco. Este es también el año que se casa por la iglesia con Maruja Díaz, de la que se separa 20 meses después. En 1965 estrena Don Juan en el Teatro de la Zarzuela. La obra supone un buen triunfo de público.

En 1969 realiza la coreografía de El amor brujo con la Ópera de Chicago.

En 1971 se separa de su esposa, de quien tenía dos hijos y en 1973 se une a Pepa Flores con quien tendrá tres hijas: la actriz María Esteve, Tamara y la cantante Celia Flores. Con Pepa se casaría en Cuba en 1982.

Hasta 1974 recorrerá todo el mundo. Gades anuncia su retirada y disuelve la compañía como reacción ante los fusilamientos de septiembre de 1975 por parte del régimen franquista. En 1976 rueda Días del pasado.

En 1978 es nombrado Director del Ballet Nacional Español.

Participó en la política encabezando la candidatura del Bloc d'Esquerra d'Alliberament Nacional (BEAN) en las municipales de Alicante en 1979.

En 1986 se separa de Pepa Flores. En 1988 se casa con Daniela Frey, matrimonio que dura hasta 1993.

Su última producción como coreógrafo será Fuenteovejuna sobre el texto de Lope de Vega y adaptación de José Manuel Caballero Bonald, estrenada en la Ópera de Génova en 1994.

Tras una larga enfermedad junto a su nueva compañera, Eugenia Eiriz, falleció en Madrid en 2004.

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Danza Paraguaya

Origen

En el año 1844 fue nombrado como presidente de la República del Paraguay por el Congreso Don Carlos Antonio López; durante su gobierno llegaron numerosos profesionales contratados de Europa quienes introdujeron importantes cambios en las costumbres de los paraguayos, entre los cuales en materia de arte predominaban los cantares y bailes europeos.

Algunas de las danzas que se practicaban en el país adquirieron nuevas características, dando así origen a varias de las danzas tradicionales. En este periodo las danzas alcanzaron un importante surgimiento. Por ejemplo la contradanza, originariamente inglesa que luego pasó a España, ejerció gran influencia en la formación de las danzas como: el Pericón, la Cuadrilla, Cielito, Chopi y otras.Otras danzas muy utilizadas en laépoca fueron: La Golondrina, el Londón Karape, la Polka y la Mazurca.

Ya en la época de Francisco Solano López(1862 1870), durante los primeros años se mantuvo firme el entusiasmo por las fiestas y, en ellas, las danzas ocupaban el primerlugar, implantadas por los españoles.

Al comienzo de la Guerra grande se seguía organizado, fiestas de baile para mantenerla animación en los diferentes campamentos. El mismo Francisco Solano López participaba con entusiasmo y alegría en la concurrencia acompañando a Madame Lynch, que era una entusiasta dirigente bailarina de los diferentes campamentos de la guerra. Las más bailadas en la época eran la Cuadrilla, el Chopi, Londón Karape y Mamá Cumandá.

La vestimenta al estilo europeo que utilizaron en la época eran: pantalones ajustados, camisas con volados en el pecho y puntillas en los puños; saco largo y faja de seda ancha en la cintura, era el atuendo de los caballeros. Las damas usaban vestidos detalle ajustado, mangas cortas o largas; escotes muy adornados con volados y miriñaques. Lucían peinados con bucles y arreglos de plumas o moños.

En la actualidad la danza paraguaya ha evolucionado bastante, existen creaciones coreográficas significativas de gran habilidad y es gracias al sentido rítmico y la flexibilidad que poseen los paraguayos.

Tipos de Danzas TradicionalesLas danzas tradicionales paraguayas se agrupan en:1- Danza de las Galoperas: sin coreografía fija, improvisada,

tradicional y es la manifestación del pueblo durante las celebraciones en honor al Santo Patrono.

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2- Danza de las Botellas: es la única danza individual que se encuentra en vigencia. Requiere de gran equilibro ya que este estilo requiere que la bailarina realice los pasos básicos portando desde una, hasta seis, ocho o más botellas superpuestas sobre la cabeza.

3- Danzas en parejas: con músicas y coreografías fijas. Participan parejas sueltas e interdependientes y en algunos casos independientes. Son ejemplos de este estilo: el Chopï o Santa Fe, el Londón karape, el Cazador, el Solito, la Golondriana, entre otras.

4- Danzas de proyección o inspiración folklórica: No poseen coreografía fija. El profesional crea la coreografía utilizando su creatividad y teniendo en cuenta el ritmo, la letra y las características propias de cada música.

5- La polka paraguaya: Es una danza de parejas enlazadas independientes su nombre proviene de la polka europea nacida más o menos en el año 1830 en Bohemia.

Se difundió por toda Europa y como otras danzas llegó al continente americano y así al Paraguay. Aunque tienen raíces foráneas es fruto de una amalgama de melodías y ritmos españoles que con el tiempo adquirió características propias en esta región.

Las costumbres autóctonas impresas en ella, dieron la tónica necesaria para trasformarla en un tipo de música y danza que reflejan las características peculiares de nuestras danzas. Es una danza rápida, viva y alegre. Existen varias formas de bailar la polka, según su ritmo, estilos y movimientos.

Son Danzas Tradicionales: Chopï. Golondriana Pericón con y sin relaciones (versos). Cazador (existen 2 versiones) Montonero Galopa Palomita (tres versiones) Solito ( cinco versiones) Londón karape Malagueño Danzas de las Galoparas Danzas de la botellaVestuario Típico Masculino Sombrero de karanda´y. Pañuelo al cuello con forma triangular y anudado adelante, en color blanco,

negro, rojo y azul. Camisa blanca de Ao po"i, con bordados en la parte delantera, en los puños

y en el cuello. Pantalón recto, color blanco o negro.

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Faja ancha en la cintura, confeccionada con hilos de algodón en negro o en colores, y flecos en los extremos.

Poncho de un solo color o el llamado "de sesenta listas". Pies descalzos o zapatos negros comunes.Vestuario Típico Femenino Typói; blusa blanca hecha de Ao po"i con mangas de encaje ju. Falda ancha y larga hasta el tobillo, con uno de dos volados y con adornos

de encajes. Se preparan lavándolas en aguas almidonadas. Adornan la cabeza con claveles, reseda, jazmines y otras especies florales

del lugar. Tradicionalmente los pies van descalzos. El vestuario típico femenino se complementa con una gran variedad de

joyas y accesorios como el rosario de oro y corales. Anillo de siete ramales, aros de tres pendientes, peinetas (kygua vera) y collares (mbo´y).

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CONCLUSION

Al llegar a la finalización de esta investigación, retrocedimos fastuosamente en aquel siglo que ha transcendido un pasado en el cual estuvieron los grandes artistas de la música, el teatro y la literatura.

Sin embargo, es este tiempo cuando el arte se ramificó, se difundió, surgió y brilló; destacando las destrezas más sabias del hombre, quien con su sabiduría y excelencia enriquece la historia del arte en todo el mundo.

El arte constituye pues: el acto o facultad mediante el cual, el hombre expresa sus sentimientos, admirando y calificando todo su entorno.

Nada ni nadie surgiría, sin el pasado y es, allí donde la protagonista es la historia, no basta admirar, hay que saber cómo surgió y evolucionó en aquella época y cómo siguen latentes hasta hoy.

Además, tendemos a considerar que el lenguaje del siglo XX, posee gran poder comunicativo, ya que propicia el surgimiento del arte, a los grandes poetas, cantantes, genuinamente marcó la presencia después a las “Bellas Artes”. Esto constituye una base idónea para formular y sostener nuestra hipótesis sobre ciertas características de las genialidades de la mente humana.

En la que cuenta que todos tenemos conexiones múltiples con el pasado siglo y, allí pudimos descifrar las claves secretas del comportamiento humano y los más relevante en todos aspectos.

Oğuahê peicha, hu’âme ore rembiapo, omyesakâ ha omomorâva, upe sâ arype heño’î, o kakuaa ha oñemono’ô vaekue upe mba’e porâite ha’eva porâguerojera (Arte); oparupiete niko oî ko mba’e ha arapyre oñemosarambi.

Tembiapoporâ, hetaiteri romyesakâ ha rohechauka mba’e, mba’epa ojepuru raka’e ikatu hağuaicha ñambojoja ko’ângagua porâguerojerandive.

Oñemosarambi ko’ê ko’êre umi tembiapo ha opavave ojapova upe tembiapo porâ: heta oî ñande retâ rembiasakue jaikuaava ha hetaiteve jaikuaa’ŷva, ña ma’erô ñande rapukuégotyo jajesarekota opa mbae’e

Sâ ary, ndohasareiri va’erâ ni peteî tetârupi ñahesa’ŷiova’erâ opa mba’e ko’â apytepe oî heta opurahéiva, ohaiva ñe’ê poty ha ñoha’ânga, apoha.

Nuestra zafra nacional, se cosecha día a día, no fuimos ni opresores, ni siervos de nadie. Somos libres y el pasado fue duro para nosotros, y en especial el pasado siglo, en el ámbito político, nada secará nuestras raíces, porque nuestra tierra roja es fértil para todos sus artistas y nuestra nación deberá acogernos de una manera igualitaria para poder alumbrar nuestro presente, por ende esperamos un futuro brillante con el corazón lleno de vida. A través del arte habla el amor, sin él no habrá bien posible, con él somos todos sabios y el resultado de ella es la consolidación y una trascendencia cultural impecable.

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ANEXOMúsicos Obras   PorcentajeEmiliano R. Fernández 21 0,19 18,75Félix Giménez Gómez 36 0,32 32,14Mauricio Cardozo Ocampo 40 0,36 35,71Carlos Sosa 15 0,13 13,39Total 112 1 100

Representantes Obras   PorcentajeFederico Garcia Lorca 48 0,16 16,38Salvador Dali 150 0,51 51,19Facundo Cabral 46 0,16 15,70Luis Albeto del Parana 49 0,17 16,72Total 293 1 100

19%

32%

36%

13%

Obras de Musicos Paraguayos

Emiliano R. FernándezFélix Giménez GómezMauricio Cardozo OcampoCarlos Sosa

Obras de los principales Artistas

Federico Garcia LorcaSalvador DaliFacundo CabralLuis Albeto del Parana

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Coreógrafos Obras   PorcentajeAntonio Marquez 12 0,44 44,44Miguel Bonnin 10 0,37 37,04José Tejada Martin 5 0,19 18,52Total 27 1 100

Artistas Obras   PorcentajeGrotowski 4 0,31 30,77

Stanislavski 6 0,46 46,15Brecht 3 0,23 23,08Total 13 1 100

44%

37%

19%

Obras de los principales Coreógrafos

Antonio MarquezMiguel BonninJose Tejada Martin

31%

46%

23%

Obras de los principales Artistas teatrales

GrotowskiStanislavskiBrecht

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Graffiti de Flavio Giménez (Paraguayo)

Cuadro pintado en Óleo de Napoleón (Paris)

Dibujo en 3D hecho con lápiz (Hamburgo)

Graffitis en Manhattan (Nueva York)

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Escenarios

Grotowski

Stanislavski

Brecht

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Trajes Típicos

Kuña Paraguaya

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Romeo y Julieta

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