Universidad de Los Andes

Facultad de Humanidades y Educación

Escuela de Educación

Educación mención Básica Integral

Catedra: Educación Estética

Alumna:

Osorio Salazar Joselyn Paola

C.I 22.657.615

Profesora: Betty Osorio

Mérida- Edo. Mérida

La Edad Contemporánea

INTRODUCCION

La educación estética procura el fomento de la conciencia estética, en general, y

de la artística, en particular, de los seres humanos en un contexto social determinado.

Toda educación estética responde a las exigencias y posibilidades dadas en una sociedad

y una cultura determinadas, desarrollándose mediante las instituciones educativas. La

finalidad de la educación estética consiste en la plena realización de las potencialidades

de los estudiantes mediante el desarrollo integral de sus personalidades, su integración a

la vida familiar y social, con una preparación adecuada para que la persona responda en

el futuro de una forma satisfactoria, a las necesidades propias, de su familia y de la

sociedad en general.

FORMACION ESTETICA CONSTRUCTIVA

La educación estética procura el fomento de la conciencia estética, en general, y

de la artística, en particular, de los seres humanos en un contexto social determinado.

Esto, en cuanto a la comprensión y valorización de los objetos estéticos, así como a la

actividad que, dentro del terreno artístico, se genere. Toda educación estética responde a

las exigencias y posibilidades dadas en una sociedad y una cultura determinada,

desarrollándose mediante las instituciones educativas.

Lo estético ingresa en nuestra vida cotidiana por medio de la mayoría de

nuestros actos y actividades, donde son utilizados diversos objetos usuales, a partir de

su capacidad de satisfacción de esas necesidades, reciben su valor correspondiente.

Cuando estos objetos adquieren un valor de uso, no están destinados a cumplir una

función estética, su forma se adecua a su fin utilitario. Naciendo la estética constructiva

por medio de la implementación de artículos como: la cerámica, la cestería, los textiles

y la maderería.

LA CERAMICA

Es el arte de fabricar recipientes, vasijas y otros objetos de arcilla, u otro

material cerámico y por acción del calor transformarlos en recipientes de terracota, loza

o porcelana. También es el nombre de estos objetos.La historia de la cerámica va unida

a la historia de casi todos los pueblos del mundo. Abarca sus mismas evoluciones y

fechas y su estudio está unido a las relaciones de los seres humanos que han permitido

el progreso de este arte.

LA CESTERIA

La cestería es un proceso de confeccionamiento mediante tejido o arrollamiento

de algún material plegable, un recipiente (cesta o canasto) u otro artefacto. Las personas

dedicadas a este trabajo se denominan canasteros o cesteros.La cestería es una de las

artes más antiguas de la humanidad, practicada a partir de tiras o fibras de origen

vegetal (mimbre, junco, papiro) y también de origen animal o cabello humano y hoy en

día procedente también de materias sintéticas (plásticos, aleaciones metálicas y otros.

LOS TEXTILES

Es el término genérico aplicado originalmente a las telas tejidas, pero que hoy se

utiliza también para fibras, filamentos, hilazas e hilos, así como para los materiales

hilados, afieltrados o no tejidos y tejidos, acolchados, trenzados, adheridos, anudados o

bordados, que se fabrican a partir de entrelazamiento de urdimbre y trama o tejido, ya

sea plano o elástico.

LA MADERERIA (TALLA)

Una talla es una obra de escultura, especialmente en madera. La madera se talla

mediante un proceso de desgaste y pulido, con el propósito de darle una forma

determinada, que puede ser un objeto concreto o abstracto. El producto final puede ir

desde una escultura individual hasta elementos decorativos trabajados a mano que

forman parte de una tracería.

ARTE EN EL TIEMPO

ARTE CONTEMPORANEO

El término arte contemporáneo ha sido utilizado para designar genéricamente el

arte y la arquitectura realizados durante el S. XX. El cuestionamiento de los principios

artísticos que se inició en las últimas décadas del S. XIX tuvo una influencia decisiva en

la formación del espíritu crítico propio del S XX. Esta revolución estética no depende

de los arbitrios de una generación de artistas, ya que estos no hacen más que traducir las

concepciones intelectuales y sociales de un momento histórico. Por tanto, son los

cambios filosóficos, científicos y políticos los que exigen del arte una forma diferente

de afrontar la realidad.

A finales del S. XIX y principios del S. XX Europa vivía en una situación

caracterizada por la inestabilidad social, la rivalidad económica y política entre las

distintas naciones, que desemboca en la Primera Guerra Mundial, y una fecunda

productividad en el ámbito científico e intelectual. En ello el arte se vio afectado y

empezaron a surgir múltiples corrientes que se denominaron "ismos", eran las diferentes

rupturas con los modelos de belleza dominantes en la época. No todas las tendencias se

suceden linealmente en el tiempo, sino que muchas son coetáneas y tienen

interrelaciones entre sí. Las vanguardias no se pueden entender intentando establecer un

orden cronológico, hasta la II Guerra Mundial tienen lugar las primeras vanguardias

artísticas o vanguardias históricas, mientras que pasada la guerra aparecen las segundas

vanguardias y el postmodernismo. Las raíces del arte contemporáneo las encontramos a

finales del S. XIX. El Impresionismo y el Postimpresionismo constituyen un punto de

partida para las corrientes del S. XX. Dentro de las vanguardias históricas, las más

destacadas fueron el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el

constructivismo, el neoplasticismo, el dadaísmo y el surrealismo. Todas tienen una serie

de elementos comunes en su ideología, pero no en lo estilístico. Existe una conciencia

de grupo dentro de cada uno de ellos y lo dejan reflejado en sus respectivos manifiestos.

Niegan el pasado y buscan un nuevo lenguaje expresivo basado en una visión diferente

de la realidad, a la que ya no imitan, interpretan. El deseo de novedad los lleva a

experimentar con el color, las formas y la composición.

IMPRESIONISMO

Movimiento artístico que surgió en Francia durante el último tercio del

siglo XIX. Es considerado como el acontecimiento artístico más importante después del

renacimiento. Se manifiesta como un movimiento de rebelión contra las “leyes”

tradicionales y conceptuales que había regido. No fue una escuela, se basaba en la

intuición personal con exclusión de todo conocimiento teórico. No es un movimiento

espontaneo que surgió de repente, se fue gestando lentamente a través del tiempo y las

obras y en el influyo la tradición pictórica iniciada con el renacimiento, avanzando en el

camino de la exploración óptica de la realidad, los paisajistas ingleses, los de

Fontainebleu y los pintores realistas que precedieron al movimiento impresionista,

entre ellos Monet: su pintura fue una pintura de sensación. Pintaba lo que veía, estando

siempre fiel a sus reacciones. Esta fue la base fundamental para el concepto

impresionista que pintaban sobre la marcha, el aire libre, preocupándole la luz, el color

y la atmosfera de la naturaleza.

Al grupo de pintores que promovieron este nuevo estilo se les llamo

impresionistas, el término se debe al periodistaLeroy, que en una nota publicada con

motivo de la exposición colectiva de ellos,así los llamaba. Su verdadero iniciador fue

Claude Monet.

PUNTILLISMO

Un grupo de artistas influidos por los principios del impresionismo e inspirados

en las teorías del científico Chevreul que trata del análisis de los fenómenos luminosos

y su expresión plástica, desarrollo a fines del siglo XIX un movimiento pictórico basado

en la mezcla óptica, se le llamo Neo-impresionismo. Esta modalidad recibe también el

nombre de puntillismo o Divisionismo. Este se caracteriza por:

Utilizar solo colores puros.

Aplicar los colores sobre la tela a bese de puntos, se le llamo puntillismo o dar

pinceladas en forma rectangular, su extensión es variable según el artista o el

tamaño del cuadro. Esta técnica se llama divisionismo.

Los colores se yuxtaponen. A distancia el ojo humano los ve como masa

luminosa, la mezcla se produce en la retina del espectador.

Entre sus representantes más importantes se encuentra:Georges Seurat y Paul Signac.

POST-IMPRESIONISMO

El término no designa una escuela o tendencia, es una nominación de carácter

cronológico que reúne a los artistas que siguen por diferentes caminos después del

impresionismo. Los valores impresionistas tan exaltados en un época, entran en crisis

que determinan una nueva situación, se disgregan los artistas, la experiencia colectiva

empieza a perder entusiasmo y se ensayan otras búsquedas, cada quien elige su propio

camino. Esta reacción abre un nuevo camino a la pintura y en ella se basara toda la

pintura actual. Como característica prescinde de la impresión instantánea y fugaz, las

figuras son delimitadas con líneas muy marcadas y se desecha la pincelada fraccionada

y la división del color. Este nuevo movimiento pictórico se conoce como post-

impresionismo. Entre los representantes más destacados se encuentra:Pablo Cézanne,

Paul Gauguin y Vincet Van Gogh.

EXPRESIONISMO

Es un movimiento artístico de origen alemán, reacciona contra el impresionismo

y tiene como fundamento la emoción subjetiva de lo patético. Los artistas se valen de la

distorsión de la forma y el color y para ello todos los elementos de expresión

contribuyen, las líneas se rompen y contorsionan, las formas se retuercen, unas veces se

agigantan otras se achican, el color se revitaliza, se enciende para expresar un

sentimiento apasionado, el dibujo es sacrificado violentando las formas a fin de darles

máxima intensidad emotiva. El expresionismo se deriva del arte de Van Gogh y

Munch, fue la cristalización estética de una actitud de repulsión y protesta contra la

cultura tradicional y el modo de vida burgués. Su influencia aun persiste, tuvo

seguidores por todas partes entre ellos se destacan: Edward Munch, Wassily

Kandinsky, Emil Hansen y Georges Roualt.

FAUVISMO

El movimiento fauvista (fovista) nace en Francia casi en contemporaneidad con

el expresionismo alemán, en la primera década del siglo XX. El nombre fauves significa

fieras, se debe al critico de arte Louis Vauxcelles, que en el salón de otoño de Paris en

1905 llamo así a todos los pintores que encabezados por Matisse, expusieron sus obras.

Este movimiento llegó a ser uno de los más dinámicos de la pintura contemporánea. Los

fauvistas utilizan medios de expresión muy simples, evocan la naturaleza pero vista a

través del temperamento de cada artista, tienden a deformar y exagerar las formas y el

color de manera instintiva y arbitraria, este adquiere un valor particular que expresa una

emoción personal, se aplica en superficies planas sin modelado ni claroscuro. Su dibujo

es de trazo torpe caricaturesco pero cargado de vitalidad. Busca la belleza en el

cuadrado, no en la realidad. Lo representativo es desplazado por lo emotivo.

“el fauvismo fue la primera revolución artística del siglo XX y con el

expresionismo alemán, formó la vanguardia de todos los movimientos artísticos

renovadores que han sucedido hasta el presente”. La inspiración fauvista proviene del

estudio del mosaicobizantino y arte persa, del arte de Paul Gauguin y Van Gogh y de

la escultura negra. El fauvismo fue de corta duración, alcanza la plenitud en 1907,

después decae ante el avance del cubismo. La temática preferida por el grupo

representativo fue la vida común, el paisaje urbano, espectáculos de la calle y de los

muelles, tipos populares, interiores de viviendas y retratos. Entre sus mayores

exponentes se encuentra: Henri Matisse, Albert Marquet, RaoulDufy y Kees Van

Dongen.

SURREALISMOS

Hacia 1924 surge el movimiento literario llamado surrealismo, palabra que

caracteriza un método espontaneo de escribir con el cual experimentaban, por lo tanto

sus orígenes fueron literarios y constituyo un acontecimiento revolucionario. El

surrealismo pictórico juzga que el arte ha de ser expresión del subconsciente, del mundo

vivencial y onírico. Dentro de las composiciones fantásticas del Bosco encontramos un

anticipo a esta pintura surrealista llena de alucinaciones, mundos de sueños y

obsesiones.

Se caracteriza por: asociar elementos de seres dispares, les despoja de su destino

convencional y les da otros inesperados y sorprendentes. Recurre a imágenes

compuestas, perspectivas fantásticas y solitarias, los restregados y collages para dar

existencia real a elementos o seres sugeridos por alucinaciones. Concebía la realidad

sorbe todo del sueño, mas valor y verdad que la percibida en estados de vigilia. Debido

a la influencia dadaísta, el surrealismo centra su interés a veces, con complacencia

morbosa en aspectos más escandalizadores para el profano de las teorías de Freud, sobre

la vida erótica o sexual. Chagall junto con Giogio de Chirico, son los primeros en

aceptar el surrealismo. Entre los representantes más importantes se encuentra: Giorgio

de Chirico, Chagall, Salvador Dali y Joan Miró.

EL POP-ART

Es el término con el que designa una corriente pictórica que surgió en 1962, en

reacción contra la pintura abstracta. Se caracteriza por prestar particular atención y dar

máximo relieve a los objetos cotidianos, en un intento de alcanzar lo popular a través de

lo más inmediato. Las primeras muestras de esta corriente se ubican en Estados Unidos,

y en ese país también aparecen los más destacados representantes: Andy Warhol,

Jasper Johns, Bruce Conner y Ernest Trova. Este movimiento artístico tuvo también

acogida en Francia, Italia e Inglaterra.

El pop-art surgió después de la segunda guerra mundial y es un tipo de arte figurativo,

inicialmente se le llamo neo-dada. Lo mas característico del pop, en cuanto a contenido

es la naturaleza de objetos que presenta, producto de una cultura tecnificada y

consumista, el pop toma como símbolo plástico de ésta aquellos objetos que le dan su

carácter más marcado: latas de Coca-Cola o cerveza, alimentos que expanden maquinas

automáticas, autopistas y estaciones de servicio, actrices e ídolos musicales, comics,

chicas sofisticadas de almanaques, diseños gráficos, entre otros.

Para algunos críticos el pop-art no debe ser aceptado porque prescinde del dibujo, no

juegan las leyes de los contrastes en los colores pues más bien se buscan contrastes

violentos, utiliza objetos que proponen a la admiración, entre otros. Pero el arte pop

tiene merito de haber entrado en contacto con el mundo de todos, la aspiración

fundamental fue hacer el retrato con simpatía y ternura de la civilización industrializada

que domina hoy día, nos enseña a ver lo poco o mucho de bueno e interesante que esta

presente en determinados productos mecánicos e industriales. Sus máximos

representantes son: Robert Rauschenberg, Andy Warhol y Jasper Johns.

ARTE ABSTRACTO

La expresión arte abstracto se aplica a obras absolutamente carentes de

figuración. Este arte rechaza toda copia o imitación de cualquier modelo: paisajes,

figuras de seres animados, objetos, espacio real, formas geométricas. Si se representa

con iluminación y perspectiva, solo se deben crear composiciones que no recuerden en

absoluto lo que existe en la realidad natural.

Podemos distinguir dos tendencias: la radical o pura y la tendencia relativa. En

una obra abstracta radical o pura, como las relaciones entre los elementos que la

componen son puramente estéticas no hay punto de contacto con la realidad. Líneas,

colores y ritmos se presentan para combinaciones imaginativas. Así nace una de las

ramas de la pintura abstracta: la lirica, en ella hay poesía. Ejemplo la obra de

Kandinsky.

La tendencia relativa permite distinguir elementos reales que componen la obra

se basa en la combinación de planos y líneas. El ejemplo lo vemos en la pintura de

Mondrián, este tipo de composición plástica de Mondrián se basa en el plano puro y en

razonamientos matemáticos, geométricos, entre otros. Se le llama constructivismo, se

deriva del cubismo. Con Mondrián el movimiento abstracto toma una dirección

racionalista. El arte abstraccionista se configura a través de una serie de movimientos

plásticos ya conocidos tales como: el cubismo y el futurismo ellos en si, ya son

posiciones abstractas.

ARTE OPTICO

Es una corriente artística basada en el movimiento o factor cinético. El op-arte se

fundamenta en el juego geométrico de los colores, en las sombras y luces, y a la vez

pone en práctica teorías científicas sobre la visión humana. Nació este movimiento

pictórico hacia los años sesenta. Sus precedentes históricos son el impresionismo,

cubismo, futurismo, neoplasticismo, constructivismo y todas las tendencias pictóricas

que se interesaron por problemas de la luz y su acción sobre los sentidos, en especial en

el óptico.

LazloMohoily Nagy es uno de los más importantes artistas de la Bauhaus, ejerció

una influencia en el arte óptico, al experimentar efectos de luz y movimiento haciendo

uso de materiales diversos entre ellos el metal, plástico, vidrio, entre otros. Entre las

ilusiones que nos producen las obras árticas de Op-art se encuentra:

Efecto de moiré: se ven sombras y ondulaciones al sobreponerse líneas o

alambres a periódicas distancias.

Distorsión de la perspectiva: es lograda por combinaciones de volúmenes,

contornos, distancias de los objetos. No concuerdan con la experiencia de la

visión del espectador.

VisiónCromática: se presenta al alternarse las longitudes focales por natural

propensión del ojo cuando ve el color azul o rojo.

Interacción de los colores: al percibirse simultáneamente los diferentes colores,

la vista los aglutina en un solo matiz alternando recíprocamente los tonos

adyacentes.

Centelleo: es producido por la rápida transición de la percepción de imágenes

que constatan en forma o color.

En la visión human el factor cinético es investigado por tres caminos: creando en la

visión del espectador un movimiento virtual o ilusorio, obligando el desplazamiento del

espectador en el espacio frente a la obra y como un modalidad que ya corresponde al

arte cinético o cinetismo, considerado la utilización de motores mecánicos o emisores

de luz a objeto de producir movimientos reales de imágenes. El arte óptico también

aporta el factor lúdico. El espectador estimulado con las imprevisibles sorpresas ópticas

que se le presentan y que le obligan a tomar acción en ese aparente entretenimiento,

especie de “juego” que hace que este arte resulte atractivo y popular.

Entre sus representantes se encuentran: Josef Albers, Víctor Vasarely, BridgetRiley

y Julio Le Parc.

CINETISMO

El arte cinético surge inmediatamente después del op-art. La integración del

espectador a la obra, en el espacio y el tiempo es lo que pretende el arte cinético. Es un

arte de movimiento, éste produce diferentes efectos cuando el espectador se mueve o

cambia de lugar o posición. Cuando el artista origina el movimiento en sus obras a

través de medios electromecánicos o físicos, el espectador recibe y siente los efectos,

vibraciones, cambios de luz, color, entre otros.

Los fundamentos del arte cinético se encuentran en el impresionismo por la

variación constante de luz, en el puntillismo, debido al fenómeno físico que se produce

en la retina del ojo humano, en el constructivismo de Mondrián y Duchamps y en el

Op-art por la serie de sugestiones y efectos visuales. Nuevos procedimientos, materiales

de fabricación moderna e incorporación de técnicas, se suceden debido al afán

investigador del artista cinético. Entre los artistas más destacados se encuentra: Julio Le

Parc, Morellet, Sobrino, Carlos Cruz Diez, Víctor Valera, Aljandro Otero, entre otros.

TRATAMIENTO CURRICULAR

PLANIFICACION, ESTRATEGIAS, DIDACTICA Y EVALUACION

PLANIFICACION

La planificación es la previsión de las actividades y de los recursos, tanto

humanos como materiales, para el logro de los objetivos que se desean alcanzar, es un

proceso para determinar a donde ir de la manera más eficiente y económica posible.

Planificar es elaborar un plan de acción para una tarea de cualquier naturaleza,

por lo tanto, la planificación es un acto de toma de decisiones ante las múltiples

opciones que el razonamiento puede hallar ante una necesidad o ante algún problema

detectado.

OBJETO DE LA PLANIFICACION

Hacer que una labor sea más consciente y mejor percibida y comprendida en

sus detalles y en su totalidad.

Señalar los objetivos que se desean alcanzar.

Indicar las actividades a realizar para la consecución de los mismos.

Precisar los recursos materiales y humanos necesarios.

Controlar la ejecución de las tareas parciales con la finalidad de corregir

posibles desvíos.

Evaluar las fases de previsión y programación con la finalidad de reajustarlas

parcialmente o sustituirlas.

Tratar de obtener el mayor resultado con un mínimo de esfuerzo humano y

recursos materiales.

CARACTERISTICAS

Toda planificación debe ser: flexible, que permita realizar ajustes sin que por

ello se altere su continuidad, objetiva-realista, fundamentada en las condiciones reales o

inmediatas de lugar, tiempo y recursos, integral, a fin de que las actividades se

relacionen y complementen para el logro de los objetivos, continua, ya que las etapas

del trabajo se deben prever en un proceso secuencial.

ESTRATEGIAS

Son procedimientos que el agente de enseñanza utiliza en forma reflexiva y

flexible para promover el logro de aprendizajes significativos en los alumnos. La

estrategia es un conjunto de actividades mentales cumplidas por el sujeto, en una

situación particular de aprendizaje, para facilitar la adquisición de conocimientos. Son

pensamientos y conductas que un alumno inicia durante su aprendizaje que tiene

influencia decisiva sobre los procesos cognitivos internos relacionados con la

codificación. Partiendo de estas definiciones, se podría decir que las estrategias de

enseñanza son el medio o recurso para la ayuda pedagógica, las herramientas,

procedimientos, pensamientos, conjunto de actividades mentales y operación mental

que se utiliza para lograr aprendizajes.

ASPECTOS A CONSIDERAR PARA SABER QUE TIPO DE ESTRATEGIA ES

LA INDICADA PARA SER UTILIZADA EN CIERTOS MOMNETOS DE LA

ENSEÑANZA:

1. Características generales de los alumnos (nivel de desarrollo cognitivo,

conocimiento previos, factores motivacionales, entre otros).

2. Tipo de conocimiento (general, contenido curricular particular).

3. Intencionalidad o meta que se desea lograr y las actividades cognitivas afectivas

y pedagógicas que debe realizar el alumno para conseguirla.

4. Verificación y retroalimentación constante del proceso de enseñanza (de las

estrategias de enseñanza empleadas previamente, si es el caso), así como del

progreso y aprendizaje de los alumnos.

5. Determinación del contexto intersubjetivo (por ejemplo, el conocimiento ya

compartido), creando con los alumnos hasta esos momentos, si es el caso.

6. Tiempo apropiado para la enseñanza y adquisición de aprendizajes.

7. Contar con un diseño de como utilizar la estrategia de enseñanza.

8. Poseer una amplia gama de estrategias, conociendo que funciones tiene y como

puede utilizarse o desarrollarse apropiadamente.

CLASIFICACION Y FUNCIONES DE LAS ESTRATEGIAS DE ENSEÑANZA

Los autores Días-Barriga y Hernández (2002), presentan algunas estrategias de

enseñanza que el docente puede emplear con la intención de facilitar el aprendizaje

significativo en sus alumnos. Entre las más representativas están:

Objetivos: enunciados que establecen condiciones, tipo de actividad y forma de

evaluación de aprendizaje del alumno. Como estrategias de enseñanza

compartidas con los alumnos, generan expectativas apropiadas.

Resúmenes: síntesis y abstracción de la información relevante de un discurso

oral o escrito, enfatizan conceptos clave, principios y argumento central.

Organizadores previos: información de tipo introductorio y contextual.

Tienden un puente cognitivo entre la información nueva y la previa.

Ilustraciones: Representaciones visuales de objeto o situaciones sobre una

teoría o tema específico (fotografía, dibujo, dramatizaciones, otros).

Organizadores gráficos: representaciones visuales de conceptos, explicaciones

o patrones de información (cuadros sinópticos).

DIDACTICA

La didáctica, puede ser ese arte de enseñar la vida a través de técnicas y

estrategias que permitan descubrir un mundo lleno de posibilidades, como lo afirma su

definición desde el punto de vista etimológico: la cual proviene del griego didaktike, el

cual tiene una relación estrecha con enseñar, instruir o exponer con claridad. La

didáctica tiene por objeto las decisiones normativas que llevan al aprendizaje gracias a

la ayuda de métodos de enseñanza, esta definición nos lleva a entender que el autor

expresa una parte fundamental del proceso, como lo es su objeto.

La didáctica se encuentra situada dentro de las ciencias estrictamente

pedagógicas y es una de las ramas de la pedagogía aplicada.

Naturalmente, el estudio de ladidáctica debe referirse dentro del campo de las

ciencias de la educación y para comprender la compleja problemática atendida por esta

disciplina, debemos tener en cuenta que en ella confluyen:

Laexistencia de una inexorable interrelación entre teoría y práctica: lo cual

supone una dimensión explicativa/descriptiva al tiempo que también ha de ser

una ciencia normativa/prescriptiva.

Laespecificidad de la didáctica respecto de la educación.

Las Ciencias de la Educación son todas las disciplinas interesadas en el estudio

científico de los distintos aspectos de la educación ensociedades y culturas

determinadas.

CARACTERÍSTICAS DE SU OBJETO DE ESTUDIO

Posee un objeto de estudio propio y específico.

Posee un sistema conceptual para estudiar el proceso de enseñanza-aprendizaje.

Posee leyes y regularidades y principios sobre el proceso de enseñanza-

aprendizaje.

Tiene metodología específica para investigar el proceso de enseñanza-

aprendizaje.

EVALUACION

La evaluación es una actividad sistemática y continua como el mismo proceso

educativo, un subsistema integrado dentro del propio sistema de la enseñanza y tiene

como misión especial recoger información fidedigna sobre el proceso en su conjunto

para ayudar a mejorar el propio proceso y dentro de él, los programas, las técnicas de

aprendizaje, los recursos, los métodos y todos los elementos del proceso. La evaluación

debe servir de ayuda para elevar la calidad del aprendizaje y aumentar el rendimiento de

los alumnos.

Esta concepción de la evaluación para el mejoramiento, contribuye a asegurar el

aprendizaje del alumno, incentivar su formación y crecimiento personal. En este

sentido, los aspectos generales que se destacan, son los siguientes:

La evaluación como un proceso de valoración del individuo.

La evaluación como un proceso de continuo progreso.

La evaluación como un proceso global donde interviene todos los elementos del

currículo.

La evaluación como un proceso que promueve la participación de los docentes,

alumnos y representantes.

Por otro lado, la evaluación tiene como propósito obtener información útil que

contribuya a mejorar el aprendizaje del alumno. Para cumplir con este propósito, deben

tomarse en cuenta:

Los objetivos de las diferentes áreas o asignaturas.

Los métodos, procedimientos y recursos utilizados.

La participación de alumnos, docentes y otras personas relacionadas con el

proceso.

FILOSOFOS, ARTE Y ESTETICA

MARTIN HEIDEGGER

En el campo de lo estético Heidegger habla de materia y forma como los

elementos constitutivos de una obra de arte. Dice: “El bloque de granito que reposa en sí

mismo es algo material bajo una forma determinada aunque tosca. Forma significa aquí

la distribución y el ordenamiento de las partículas materiales en los lugares del espacio,

de lo que resalta un perfil determinado: el del bloque. Pero también el cántaro, el hacha

y los zapatos son una materia comprendida dentro de una forma. Además, esta

disposición de materia y forma ya viene dispuesta de antemano dependiendo del uso al

que se vaya a destinar una obra”( Heidegger, “Nacimiento de la obra de arte”,

Mèxico,FCE,1978, pp19)

Entonces, en los útiles, materia y forma cohabitan como determinaciones de lo

que es el Ser, manifestado como Ente, siguiendo el más amplio y tradicional

pensamiento de Aristóteles, Tomás de Aquino o la Escolástica medieval europea.

Una vez elaborado un utensilio, dice Heidegger, reposa en sí mismo como mera

cosa que no se ha generado a sí misma, como el bloque de granito, y es pariente de la

obra de arte en cuanto fue elaborado por el hombre, “pero a su vez, debido a la auto

suficiencia de su presencia, la obra de arte se parece más bien a la cosa generada

espontáneamente y no forzada a nada”( Heidegger, “Nacimiento de la obra de arte”,

Opt. Ctd ,pp 20)

El utensilio se halla forzado por su misma naturaleza a ser un útil. La obra de

arte no sirve para ningún fin utilitario ni práctico. Solo para contemplarla y meditar

sobre ella, haciéndola hablar como un objeto arqueológico, pero fundamentalmente

como la poesía que crea un mundo.

Con relación a la obra pictórica de Van Gogh, “Las botas de campesino” dice

Heidegger: “mientras solo nos representamos un par de botas en general, mientras nos

limitemos a ver en el cuadro un simple par de zapatos vacíos y no utilizados. Nunca

llegaremos a saber lo que es de verdad el ser-utensilio del utensilio” (Heidegger,

Nacimiento de la obra de arte, Opt. Ctd , pp23)

Entonces el autor procede a abrir el cuadro, a interpretarlo y significarlo, a partir

del mismo cuadro, en un ejercicio de aplicación de su método fenomenológico,

haciendo que la obra de arte hable por sí misma en su metalenguaje poético y devele su

verdad: “en la oscura boca del gastado interior del zapato está grabada la fatiga de los

pasos de la faena. En la ruda y robusta pesadez de las botas ha quedado apresada la

obstinación del lento avanzar a lo largo de los extendidos y monótonos surcos del

campo mientras sopla un viento Helado. En el cuero está estampada la humedad y el

barro del suelo. En el zapato tiembla la callada llamada de la tierra, regalo del trigo

maduro, su enigmática renuncia de sí misma en el yermo barbecho del campo invernal”

(Heidegger, “Nacimiento de la obra de arte”, Opt. Ctd, pp24)

En esta descripción, la materia del cuadro da cuenta de sí misma, de su época,

del ambiente socio-económico que rodea el trabajo del campesino y cuyo testimonio es

el retrato de unas botas viejas que cuentan su historia, permitiendo establecer relaciones

con el entorno histórico y socio-cultural que lo rodea y modula. El objetivo es

adentrarse en su propia alma que es el ser.

Es así como describe Heidegger la dignificación del objeto que lleva a cabo el

artista a partir de verter sobre él su mirada estética; una mirada que combinada con la

técnica empleada por el pintor, el escultor, el fotógrafo, el cineasta o el poeta llega a

devenir una obra de arte.

HANS GEORGE GADAMER

Fue un filósofo alemán especialmente conocido por su obra Verdad y método y

por su renovación de la Hermenéutica. El arte en Gadamer, es un modo de compresión e

interpretación. Por consiguiente, no es un ámbito de irracionalidad o una cuestión

subjetiva dependiente de los gustos particulares o del genio, sino uno de los terrenos

privilegiados de la verdad y un modo de conocimiento. En el arte opera una

racionalidad distinta a la razón estratégica dominante y, por eso, el arte actúa como

modelo para las ciencias humanas.

Gadamer acude a la Historia y señala los límites evidentes de la estética del

genio. No es la vivencia el rasgo fundante en el arte antiguo o medieval: la ontología de

la obra de arte, es decir, el modo de ser del arte, es mucho más abarcante que la

manifestación restringida a la expresión vivencial. No se afirma que el arte deba volver

a entenderse como alegoría o símbolo. No se trata de una prescriptiva del arte; antes

bien, se trata de una observación que señala cómo el fenómeno del arte puede

concebirse desde otra perspectiva. Y en ese sentido es un recuerdo de conceptos que la

estética del genio olvida: Tradición, Historia, Canon, referencia al mundo en que surge

la obra, Historicidad, Ocasionalidad.

La filosofía estética de H-G. Gadamer sirve de pórtico preliminar a la

fundamentación de la hermenéutica filosófica en el seno de su obra Verdad y Método I.

Su pretensión fundamental es mostrar hasta qué punto ante la experiencia estética las

ciencias naturales y su método particular se topa con una barrera infranqueable. Uno de

los motivos fundamentales es que en la experiencia estética, según Gadamer, se produce

una disolución del sujeto perceptor y el objeto, esto es, la obra de arte. Una experiencia

tal, capaz de romper la dicotomía sujeto-objeto rompe con la tradición de las ciencias

naturales para las cuales todo motivo de estudio es ya siempre un objeto dispuesto para

el estudio por parte de un sujeto o grupo de sujetos. La experiencia estética se hace, se

lleva a cabo, mediante un movimiento de vaivén en el cual transitan en un mismo

sentido la obra y el sujeto que la disfruta, así por ejemplo, en la contemplación de una

obra de arte el espectador se ve sometido, él mismo, a los avatares de la trama y, con

ello, se introduce en la misma obra a la vez que la obra opera sobre él. A esta noción

englobante la denomina Gadamer juego, posiblemente siguiendo, aunque en otro

sentido, la estela del concepto de juego que estaba presente en Schiller. A la vez que se

produce la disolución de sujeto y objeto bajo el juego, también se produce una variación

con respecto a la temporalidad de la experiencia estética.

INTERDISCIPLINARIDAD E INTRANSDISCIPLINARIDAD

ESTETICA, ARTE, CREATIVIDAD Y LUDICA

Cada día se comprueba la necesidad y la importancia de que el juego, el humor,

los conocimientos y las experiencias hagan parte fundamental en cada uno de los

procesos de aprendizaje de todos los seres humanos y en especial en el espacio de los

niños y las niñas.

En muchas ocasiones la escuela y el juego es visto como opuestos, la escuela por

su carácter actual de formalidad y represivo rompe con la relación natural juego-

conocimiento e introduce entre ellos una oposición radical hasta el extremo de asociar

conocimiento con seriedad y juego con ocio e improductividad, desconociéndose el

contexto cultural por excelencia lúdico, en que se desarrollan los niños y las niñas

limitando su creatividad y autonomía.

Se ha demostrado como la utilización de la lúdica con procesos de relajación

previa, ha permitido que los estudiantes se aproximen más a los conceptos. Estas

metodologías buscan un papel más protagónico por parte de los niños y niñas.

TEORIAS DEL JUEGO

Se ha intentado definir el juego y lo lúdico como obra de imaginación en el

sentido de ficción, de construcción de situaciones imaginarias, de algo que no es

literalmente real, sin embargo esta distinción es dudosa los su

Muchas actividades podrían ser lúdicas o juego, sin embargo, no todas lo son.

¿Cuáles?

El juego como una experiencia cultual es el mejor camino para fortalecer los

saberes materiales y espirituales de nuestra cotidianidad, en los que la libertad y la

distensión que dicho proceso produce son ideales para el fortalecimiento de la

conciencia.

El juego es como un artesano en la fabricación de una zona de distensión, de

goce, de placer, propicia para el acto creador. Esta zona de características neutra se

encuentra entre el caos y el orden, entre lo inconsciente y lo consciente, entre lo interno

y lo externo, producto esto último de los procesos de legitimación social y cultural en

que se mueve el sujeto creador.

La libertad que produce el juego en este sentido es similar a lo planteado por

Luis Carlos Restrepo en su libro Libertad y Locura: “La libertad es la capacidad que

tiene el ser humano para romper a su orden simbólico y proponer nuevos modelos de

acción y pensamiento”.

CREATIVIDAD Y LUDICA

Dentro de la lúdica y la creatividad se potencian los siguientes procesos

Capacidad de:

Abstracción y juicios críticos para ser innovadores y creativos.

Entender los nuevos modelos de comunicación y trabajo en equipo.

Promover procesos de paz, cooperación y de solidaridad.

Entender problemas sistémicos y dinámicos, de asombro y curiosidad

Promover procesos de acción, de gestión a nivel social.

Capacidad de imaginar y de fantasear.

Ligar lo operativo con lo emotivo y con lo cognitivo.

Manejar y procesar información, no de memorizar.

Lectura y escritura de los nuevos códigos de la modernidad.

Producir nuevos conocimientos.

Tanto los juego como las fantasías han permitido a los niños, niñas y adultos probar

sus sueños sus imaginarios, para gozar en toda su manifestación simbólica y estética.

También las ha permitido transformar la realidad en aventuras nuevas del conocimiento.

TRATAMIENTO PEDAGOGICO

DESARROLLO INTEGRAL

El ser humano es unidad que integra manifestaciones distantes entre ellas: una

artística, intelectual, de religiosidad, de destrucción, de curiosidad, de vida, de

espontaneidad, de sentimiento negativo, de creación, entre otras. desarrollo integral

debe ser entendido en dos sentidos: 1) como categoría normativa (Miranda, 2007) y, 2)

como herramienta (Bruner, 1987, citado por Molina, 2005-2006); en el segundo de

ellos, lo es por ser un concepto (Molina 2005-2006) y como tal, permite reconstruir el

mundo de lo humano, lo reinterpreta y, desde esta perspectiva, es adoptado por distintos

campos del conocimiento humano con la intencionalidad de explicar fenómenos,

reconstruir procesos e incluso, orientar discursos y prácticas.

Lo educativo, en su sentido más amplio, representa uno de los campos en donde

se ha aplicado este concepto, filtrándose a las filosofías institucionales, los marcos

normativos, los modelos y proyectos educativos, los slogans publicitarios y demás.

La cuestión básica radica en el lenguaje que imposibilita ver al ser humano en

todo lo que es y al mismo tiempo en todo lo que “no” es, es decir, las dimensiones

expresión-acto e inexpresión-potencialidad. Si se usa una categoría normativa que

genera la idea de un desarrollo integral tendremos de entrada que el ser humano, en

concreto, posee en sí mismo un desarrollo integrado, en otras palabras, el ser humano en

todo lo que realiza integra las distintas manifestaciones de su ser, independientemente

de la categoría que se use para nombrarlo.

Un artesano en su labor integra cálculos, arte, ciencia, experiencia, estrategias,

metodologías, uso de instrumentos, creencias, valores, percepciones del mundo que es

el suyo propio y demás. Ninguna manifestación en el ser humano es un producto

aislado, si bien lo es aislado al intelecto, al momento de su análisis, no lo es para la

manifestación del ser mismo.

De ahí la importancia del lenguaje, los conceptos que se usen para describir una

manifestación del ser humano pueden parcializar lo que de suyo es holístico, integrado.

De esta manera, cómo se pretende desarrollar de forma integral al ser humano, cuando

de suyo es estarlo. Se presenta aquí un dilema que se puede enriquecer con las

posibilidades del entorno, la cultura y por tanto: lo social, económico, político, histórico

y demás, es decir, la especie humana es la única en la que el desarrollo no se encuentra

predeterminado como tal y en la que los elementos socioculturales y por ende

contextuales tienen impacto.

Buscar un desarrollo integral implica intencionalidad y toda ella implica

orientaciones que se dan producto de posiciones sociopolíticas, socioculturales y

sociohistóricas, es decir con intencionalidad. Buscar el desarrollo integral

necesariamente remite a la problemática sobre hacia dónde se perfilará al ser humano,

qué significa entonces decir que alguien está desarrollado integralmente. Desde esta

perspectiva la existencia de múltiples significaciones sobre el concepto de desarrollo

integral complicaría las opciones de respuesta y por supuesto las tendencias para

realizar el proceso con miras a lograrlo.

CONCLUSION

El arte podía definirse como el acto o facultad merced a la cual, y trabajando en

la imagen, la materia o el sonido, el ser humano imita o expresa lo material o inmaterial

y crea copiando o fantaseando. Frente a esta definición, Pérez de Ayala opina que “si el

arte fuese tan solo copia del natural, la música no seria arte, la danza no seria arte, el

arte literario mas alto no seria arte” esto muestra la dificultad de definir el arte, que

depende directamente del momento histórico y de las transformaciones culturales, que

hacen ver arte en una coyuntura cuando en otra solo se vería objetos sin interés ni

estética. Todo ellos se combinan para formar piezas que expresan sentimientos,

emociones, pensamientos, objetos, fantasías entre muchas cosas masallá de mundos

inexplorados por el hombre, que son representadas con gracia y belleza, es por ello que

el arte forma parte de lo que somos, de lo que hay, de lo que habrá y de lo que ha de

llegar para el hombre y en el mundo en general.

REFERENCIAS BIBLIOGRAFICAS

Armando P. Como dominar las humanidades. Editorial PLAYOR. Madrid, (1989)

Gran Enciclopedia Ilustrada Circulo en 12 volúmenes. Circulo de lectores, S.A (1984)

Margit, R. La importancia de la educación estética. (1980)

Torres L. Educación Artística 8vo grado. Editorial Biosfera (1993)

Universidad Pedagógica Experimental Libertador. Planificación de los aprendizajes,

manual instruccional. Caracas (1998)

REFERENCIAS ELECTRONICAS

http://www.monografias.com/trabajos16/gadamer-juego/gadamer-

juego.shtml#ixzz3K6W8sddU

http://es.wikipedia.org/wiki/Hans-Georg_Gadamer

http://www.joanmaragall.com/fronesis/11/arteyc/heideggermirada.htm

http://www.bdigital.unal.edu.co/30376/1/29181-104822-1-PB.pdf

http://es.wikipedia.org/wiki/Textil

http://es.wikipedia.org/wiki/Cester%C3%ADa

http://es.wikipedia.org/wiki/Cer%C3%A1mica