Durante la segunda mitad del siglo XX el diseño industrial ha sufrido altibajos. En los 50’ presentó un estilo orgánico que se manifestaba en formas redondeadas de índole naturalista, en la siguiente década se le inyectó un sentido escultórico debido al empleo de plásticos texturizados y el color. El decaimiento de la disciplina se manifestaba de la siguiente manera:

“(...) En los años 60’ el diseño industrial pareció perder el rumbo y terminó degenerándose en una actitud de servilismo ante la cultura consumidora norteamericana, la ideología de comprar ‘más por menos´. Sólo comenzamos a emerger de esto en los años 90”.

Desde 1980 se acusaron los elementos del posmodernismo: el pastiche ( Plagio que consiste en tomar determinados elementos característicos de la obra de un artista o de las de varios y combinarlos de forma que parezcan una creación original. ) y la legitimación del “kitsch”, la apropiación de formas de culturas maduras reunidas para conformar una moda pasajera la cultura del desecho, el usar y botar. A finales de esa década se inició la tendencia a adaptar los objetos al cuerpo humano y en los 90’ se ha rescatado el sentido de lo lúdico, porque los adultos echan de menos los juguetes de la niñez.

Esta panorámica desemboca en el actual renacimiento del diseño, o lo que en la revista Time se titula pomposamente como:

“Economía del diseño, el punto donde la prosperidad y la tecnología convergen con la cultura y el marketing”.

A esto le añadimos la tendencia hacia lo emocional, que se puede apreciar en objetos divertidos como los de la firma italiana Alessi o de la japonesa Sony, los relojes Swatch o la colorida transparencia de la computadora Imac comercializada por Apple. A raíz de esto surgen acepciones como “Tooltoy”, formulada por el canadiense Alexander Manu, la cual refleja la actual fusión herramienta-juguete en los productos que sobresalen en el mercado.

Y en el ámbito de la profesión, los actuales creativos se veneran como divos, tal es la situación de superestrellas como Michael Graves, Sir Terence Conran o Philippe Starck.

A lo largo del siglo xx han ido surgiendo productos, estilos, filosofías y teorías dispares. Probablemente cuando más se ha notado esta disparidad ha sido en los últimos 50 años.

A continuación presentaré algunos movimientos que más han llamado la atención en este periodo y han marcado cánones estéticos en esta, la segunda mitad del siglo xx. Presentándolos de manera consecutiva y siguiendo la siguiente línea de tiempo.

Pop 1958 - 1972Diseño Radical 1968 - 1978High – Tech 1972 - 1985Posmodernismo 1978 - presenteDesconstructivismo 1978 – presentePosindustrialismo 1975 – presenteDiseño Ecológico 1950 - presenteDiseño Orgánico 1930 – 1960

  

El Pop ArtEl Pop es una manifestación occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. Norteamérica es el centro del programa, con lo cual se produce la americanización de la cultura de todo el mundo Occidental, en especial la de Europa. Muchas veces escuchamos este término y lo primero en lo que pensamos es en la cara de Marilyn Monroe pintada por Andy Warhol. Pero el Pop Art es mucho más que eso. Es un movimiento cultural, no sólo artístico, que surgió en los años 60 y tiene mucho que ver con el estado de una época. Como adjetivo de arte, Pop establece asociaciones con los diferentes elementos superficiales de la sociedad. Los términos de los valores "hermoso, bueno, auténtico", se convierten en palabras huecas ante la creciente comercialización dentro de la realidad social. Es decir que el espíritu consumista se instala para quedarse y esto se refleja en las artes. El Pop Art es una manifestación absolutamente occidental que nace en New York y Londres y posteriormente conquista Europa, aunque los países del bloque comunista apenas acceden a él.

 El término Pop surge de la Expresión inglesa "popular" que se refiere a todo lo que tiene aceptación general. Los temas pictóricos del Pop Art están motivados por la vida diaria; reflejan las realidades de una época en la que se define un sistema de vida que tiene como característica la masificación en todos los sentidos. El Pop equipara el arte para todo el mundo; con él desaparece la idea de un tipo de arte elitista. La propaganda también tiene su lugar en este movimiento que plasma en sus obras las expresiones cotidianas como tomar Coca Cola o leer cómics, coleccionar baratijas, comer hamburguesas, y todo lo que hace la vida de todos los días. La conducta provocativa, la conmoción y la alteración de lo cotidiano, la ruptura de los tabúes y el final de la mojigatería forman parte de esta contracultura. Este proceso puso en marcha la inversión de los valores en las relaciones humanas y cuestionó el tradicional reparto de papeles; la educación antiautoritaria, las nuevas estructuras profesionales, la emancipación de la mujer y la liberación sexual, se desarrollaron a partir de esta "revolución cultural". La revalorización de lo trivial se efectuó a muchos niveles. E x p r e s i ó n P o p u l a rLo Kitsh y los souvenirs, las imágenes de la industria del consumo, los símbolos publicitarios, los cómics y la literatura barata, no sólo se fueron convirtiendo en el contenido del arte y en temas de investigación, sino también en objetos coleccionados por los museos

La música y los textos de los Beatles y los Rolling Stones tradujeron en los años sesenta el estado de ánimo, la euforia (high), la fuerza (power), las ansias y las realidades de la juventud. Artistas como Peter Blake, Richard Hamilton y Andy Warhol diseñaron tapas para discos de grupos de música pop. Los medios de masas favorecieron la internalización de los estilos y formas de expresión, así como la accesibilidad global de todas las marcas y todas las artes.

Peter Blake

Richard Hamilton

v

Andy Warhol

El Pop es considerado un arte conceptual (los cuadros se convierten en cosas y las cosas en cuadros), un movimiento estético y cultural que entiende que los hechos son lo más importante.Se trata de una generación que tiende a interpretar los objetos, las realidades, las condiciones y los sentimientos como "Facts". En el lenguaje coloquial americano se generalizó una fórmula para cualquier situación: "That´s a fact" que quiere decir algo así como "así son las cosas". el término "factualist" podría reemplazar al de Pop Art en la historia del arte, incluso los artistas no se asumían como Pop sino que se autodenominaban factualist; el termino Pop se refería al movimiento cultural en general (aunque ha trascendido como abarcativo de todo, hasta de sus expresiones artísticas). No importa como se valore esta situación, un hecho resulta evidente: el Pop Art tiene una nueva actualidad en la recepción del arte, casi un renacimiento, y en las culturas más generalizadas están escalando el Neo Pop, la industria de las baratijas Pop, la publicidad Pop y los slogan cotidianos ligados a ella. Evidentemente el Pop es uno de los movimientos de fin que define la segunda parte del siglo XX. Convive con otras expresiones, pero sigue vigente y se reactualiza permanentemente. Una última frase digna de tenerse en cuenta: "Pop es todo" y "Todo es Pop".

   C o n t e x t o Fue a mediados de los años cincuenta cuando dos críticos británicos de arte propusieron el término “popular art” para referirse, no a una tendencia artística ya en boga, sino a un conjunto creciente de imágenes y representaciones, surgidas en los nuevos ámbitos de la publicidad, la televisión, el cine, los cómics y en general en los nuevos medios de comunicación, y que adquirían un papel cada vez más relevante en la cultura urbana de masas de la época. “Popular” no era, pues, ningún concepto que indicara un origen desde abajo, ligado a la expresión y defensa crítica de los intereses de las clases populares, ni tampoco nos remitía al concepto romántico de pueblo, como conjunto homogéneo que comparte una lengua, una historia y una cultura propias, que le confieren su singular identidad y sus preferencias estéticas. El concepto de lo popular a que nos remitían aquellos críticos estaba despojado de todo halo revolucionario o simplemente romántico, para enlazar directamente con la cultura de masas de la nueva sociedad industrial, que vencida la crisis de los años treinta y aplicando a conciencia las recetas keynesianas, estaba obteniendo unos resultados espectaculares.

La nueva cultura de masas que emerge en esa sociedad industrial urbana absorbe y refleja con un mimetismo elocuente las nuevas formas adoptadas por el modo de producción que no sólo produce masivamente objetos, para el consumo, sino que produce a su vez a las masas mismas, como consumidoras, generando así una dialéctica interna que pone en una relación estrecha y casi lineal la creación de los objetos, que las masas producen para consumir, y a las masas, que consumen para que se pueda seguir produciendo.

Esta inédita interrelación da lugar al nacimiento de la nueva cultura de masas, fenómeno histórico concreto de nuestra época, que se asienta directamente sobre la masiva capacidad de producción alcanzada por las sociedades industrializadas y la gigantesca masa de público consumidores que crea.El pop art no es sino una estetización de esas imágenes populares. Construye un lenguaje artístico nuevo, cimentado en técnicas muy ligadas a las de la misma producción industrial, para elevar esas imágenes a la categoría de arte. Pero sin ellas, y sin la sociedad de consumo que las inspira, es incomprensible. Con razón, pues, algunos críticos han considerado al pop art, que no por casualidad alcanzó, primero en Inglaterra, pero sobre todo en Estados Unidos como la super estructura artística que corresponde a las sociedades más desarrolladas del capitalismo tardío. Este sello peculiar del pop art se manifiesta implícitamente tanto en la temática más general y obvia de su repertorio de imágenes, como en los elementos más característicos de su lenguaje, de sus técnicas o de su actitud misma ante la sociedad que representa.

La temática del arte pop es básicamente objetual e icónica. La vasta mirada que el mundo del arte había desplegado hacia la naturaleza, la sociedad, el hombre, la mitología, la religión o el mundo de los sueños y las fantasías, es arrinconado aquí ostensiblemente para dar paso a una glorificación estética de los nuevos objetos producidos por la industria, latas de sopa, coca-cola, tazas, vasos, pistolas, máquinas..., extraídos del panorama de objetos de uso cotidiano que nos envuelven, e iconos coloreados o dibujos al estilo cómic de imágenes populares de consumo masivo. El pop recupera así la tradición del arte figurativo, que había sido arrinconada por el triunfo de la abstracción pero su pretensión de enlazar con algunos aspectos del surrealismo, sus famosos objetos inútiles, o los “ready-made” de Marcel Duchamp, por ejemplo, substraen un hecho esencial: la voluntad y el carácter crítico y subversivo de los surrealistas que es sustituido ahora por una actitud neutral, objetiva, cuando no directamente apologética.En cuanto a su lenguaje específico el pop art se caracteriza por la apropiación sin rubor de las técnicas expresivas orientadas a la divulgación y el consumo, ya validadas por vehículos de comunicación de masas. Ello tiene consecuencias importantes en la construcción tanto de imágenes como de objetos. La utilización de colores planos e intensos contribuye a la simplificación y fácil identificación del objeto, propio de la comunicación visual de la publicidad.

Marcel Duchamp “Ready-made”

Lo mismo puede decirse del estilo claro y preciso del dibujo como configurador de la forma. Las enormes dimensiones que alcanzan a veces los cuadros y esculturas reproducen la búsqueda de un efecto espectacular. Las series, tan frecuentes en los artistas pop, no son sino un reflejo de la producción masiva capitalista.El artista pop no duda en explotar todos los mecanismos de producción de imágenes populares, ya sea la fotografía, la publicidad, el cine, el cartel, las revistas ilustradas, el cómic, etc. En las obras mixtas estas fuentes se combinan y complementan. Esta peculiar singularidad linguística del pop tiende a eliminar al máximo la expresividad subjetiva del autor y a fomentar una especie de objetividad intrínseca y despersonalización de la obra. Por otro lado, este distanciamiento objetivista del pop va parejo a su aparente neutralidad respecto a la sociedad. Para Roy Lichtenstein el pop art mira al mundo, parece que acepta su medio ambiente, que no es bueno ni malo, sino diferente. Aceptar este mundo parece, en efecto, el estado de ánimo general del pop art frente a la realidad. "Mi obra -dice Rauschenberg, quien más y mejor utilizó el collage como expresión de la nueva visión fragmentada de la realidad- nunca fue una protesta contra lo que estaba sucediendo".El arte pop muestra la realidad existente -el capitalismo triunfante- sin un especial talante crítico, a veces con entusiasmo y a veces con ironía o escepticismo, a veces en serio y a veces en broma, pero nunca -como lo hizo el surrealismo en los años treinta- tratando de ponerse al servicio de una transformación de la vida y el mundo.

Roy Lichtenstein

Robert Rauschenberg

   La producción de masas y el consumismo triunfante, proporcionaron los iconos que se multiplicarán hasta la saciedad en la obra de los llamados “artistas pop”. La experiencia cotidiana marca las pautas de un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas y entendibles por el espectador contemporáneo, un arte desligado del compromiso y de fuerte carga visual, una producción artística que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, propiciando la ampliación de los motivos que pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica; la expresividad queda relegada a un segundo término, manteniendo la supremacía un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.Los motivos marcan las pautas del estilo, desarrollando una temática reducida a los artículos de consumo comercial, latas de sopa, revólveres, flores, etc. El artista como reportero dibuja en sus obras, de temática banal y descuidada ejecución, un universo cercano al ciudadano de a pie, que niega el virtuosismo en ejecución en pro de la reproducción múltiple y desinteresada. Cualquier cosa se podía repetir y reproducir hasta el infinito, artículos y retratos de personajes de la alta sociedad ( Marilyn Monroe o Jackie Kennedy por Andy Warhol). Cualquier cosa podía ser protagonista, elevándola a categoría de obra de arte. Lo único que se precisaba era la novedad, al igual que la publicidad, la temática pop se aparta por completo de lo viejo, en pro de la representación de la actualidad, de lo cotidiano en la vida del artista, del espectador o del comprador contemporáneo a la obra.  LOS MÁS IMPORTANTES ARTISTAS POP :

ANDY WARHOL(1928-1987). El más famoso de los artistas pop comenzó trabajando en el campo de la publicidad comercial ilustrando famosas revistas como "Vogue". Practicó con éxito la estampación de fotografías a través de la serigrafía, reproduciendo las conocidas imágenes de la "Estatua de la libertad", "Marilyn Monroe", "las latas de sopa Campbell" etc...

ANDY WARHOL es uno de los personajes más influyentes en la pintura de la segunda mitad del siglo xx. Andy es considerado el fundador y la figura más relevante del llamado Pop Art. Continuó haciendo anuncios publicitarios e ilustraciones y para 1955 ya era el pintor comercial más famoso de New York. En 1960 realiza su primera pintura basada en personajes de Comic (como Popeye o Superman). Comenzó, también, a ser el pionero en el proceso del desarrollo de fotografías de gran formato, utilizándolas después como base de sus pinturas al óleo o la tinta. Fué esta técnica la que le permitió producir una serie de imagines repetitivas, con pequeñas variaciones, que comenzó en 1962 con el famoso bote de sopas Campbell. Una curiosidad con respecto a sus pinturas y que poca gente conoce, es que, en sus creaciones tiene utilizado a parte de los componentes principales, cholate fundido a la taza, mermelada de frambuesa, e incluso semen humano.A finales de los 60's comienza a hacer cine. En 1965 comienza a trabajar en una banda de rock llamada The Velvet Underground, formada por Lou Reedo y John Cale. Se le podría calificar como el mejor artísta gráfico del Pop Art.Las pinturas de Warhol no contienen elementos homoeróticos o que hablen claramente de su sexualidad. Esto fué algo que siempre evitó enfáticamente: renunció, pues, como muchos otros artistas (David Hockney, por ejemplo) a valerse de su vida y de sus sentimientos como tema; en cambio su obra como director de cine tuvo el efecto contrario, pues pusieron en entredicho la identidad sexual y el papel de cada sexo. Por ejemplo en Flesh nos cuenta la vida de un chapero que mantiene a su mujer e hijo con su trabajo sexual. Warhol fue siempre una persona muy reservada respecto a su vida. Evitaba la comunicación directa y la expresión de los sentimientos y emociones (como sus pinturas: planas y básicas). Su reacción hacia la gente, de desprecio por si mismo, seriedad calculada y una aparente tolerancia hacia todo, sugiere una defensa completa ante un universo hostil y una renuncia e incapacidad para comprometerse.

El término “pop” fue acuñado en los años cincuenta para designar la emergencia de la cultura popular en esa década. En 1952 se fundó INDEPENDENT GROUP en Londres. Sus miembros, entre ellos los artistas Richard Hamilton (nacido en 1922), el escultor Eduardo Paolozzi (nacido en 1924), el crítico de diseño Reyner Banham (1920 – 1988) y los arquitectos Peter y Alison Smithson, fueron los primeros en explorar la expansión de la cultura popular en Estados Unidos.

En los sesenta, otros artistas norteamericanos, como Andy Warhol (1928–1987), Roy Lichtenstein (1923 – 1998) y Claes Oldenburg (nacido en 1929), empezaron a inspirarse en los aspectos de “arte menor” de la vida contemporánea: publicidad, embalaje, cómics y televisión. No es extraño que el pop empezara a manifestarse en el diseño de objetos de uso cotidiano, ya que los diseñadores buscaban un planteamiento con una base juvenil y menos serio que el buen diseño de los cincuenta.

Roy Lichtenstein (1923-1997)

Jasper Johns (1930- )

Jasper Johns (1930- )

Durante los años cincuenta dominó la estilización de los productos (en nombre de obsolescencia integrada para fomentar una mayor producción), lo cual proporcionó un término muy fértil a la actitud “úselo hoy, tírelo mañana” que impregnó la producción industrial de los años sesenta.

La silla infantil BLOW de pvc de De Pas, D’Urbino Lomazzi, eran básicamente desechables y encarnaban la extendida cultura de efímero. También lo hacían los cachivaches de corta vida, como los vestidos de papel, elogiados por su novedad en los numerosos suplementos a color y revistas de papel satinado que cada vez dependían más de la publicación de dichos artículos. Muchos artistas que usaban el lenguaje pop elegían el plástico como material de trabajo.

Silla infantil BLOW de pvc de De Pas D’Urbino Lomazzi

En los años sesenta, las nuevas formas de plástico y de procesos de ajuste, como las molduras por inyección, eran cada vez más habituales y relativamente baratas. Los chillones colores de arco iris y las atrevidas formas asociadas al diseño pop barrieron los últimos vestigios de la austeridad de la posguerra y reflejaron el extendido optimismo de los sesenta, alentando por una prosperidad económica y una liberación sexual sin precedentes. Dado que el diseño pop iba dirigido a un mercado joven, los productos debían ser baratos y, a menudo, de poca calidad. No obstante, su prescindibilidad formaba parte de su atractivo, puesto que presentaban la antitesis de la “intemporabilidad” de los clásicos modernos fomentados en los años cincuenta.

El diseño pop con sus asociaciones al antidiseño, contrarrestó el sobrio dictado dl movimiento moderno “menos es mas” y condujo directamente al diseño radical de los setenta. Se inspiraba en una gran variedad de fuentes (art nouveau, art decó, futurismo, surrealismo, pop art, psicodelia, misticismo oriental. Kitsch y space age) y recibió él estimulo del auge de los medios de comunicación globales. Con todo, la crisis del petróleo de comienzo de los setenta obligó a un enfoque más radical y el diseño pop fue sustituido por el Craft revival, por una parte y por el High Tech, por otra. El diseño pop tuvo una influencia de gran alcance y sentó uno de los cimientos del posmodernismo, puesto que cuestionó los proceptos del buen diseño y, con ello, el movimiento moderno.

1968. Piero Gatti

 HIGH – TEC El capitalismo contemporáneo ha dado como resultado una ciudad en donde han proliferado las arquitecturas ligadas a la espectacularidad y las cuales utilizan el espacio como objeto de "performance diario" del poder de consumo y del avance tecnológico. Centro Pompidou

Richard Rogers & Partners es símbolo de arquitectura y su obra más destacada en esa ciudad (el banco Lloyd's) figura en las guías turísticas y en las perspectivas que acompañan el recorrido peatonal al borde del río Támesis. El Centro Pompidou de París proyectado en el año 70 constituyó un hito en la arquitectura moderna inaugurando un lenguaje high- tech que habría de continuarse en el todavía hoy polémico Lloyd's.

Detalle Centro Pompidou de París proyectado en el año 70 Lloyds Building_stair case

El diseño de Rogers repite principios que utiliza en el Centro Pompidou en París, diseñado en conjunto con Renzo Piano en 1978.

Lo central de la actitud High Tech no consiste en la incorporación de la moderna tecnología a lo edificios, sino en transformar la exhibición de la parafernalia tecnológica en la expresión misma del edificio. Para algunos el High tech es una mentira, debido a que no es un estilo definido, sino una forma de darle solución a determinados problemas, por medio de nuevos materiales, nuevas formas de construcción, nuevas tecnologías. Diferentes significadosLas obras de los máximos exponentes de este movimiento de arquitectura y diseño han logrado estructurar un lenguaje arquitectónico concebido a partir de la exhibición de los componentes tecnológicos de la construcción, confiriéndole un status estético merced a una rigurosa tarea de diseño.

La arquitectura High Tech es la forma en la cual se muestra la estructura del edificio olvidando por completo las paredes y las superficies pesadas estéticamente. Lo central de la actitud High Tech no consiste en la incorporación de la moderna tecnología a lo edificios, sino en transformar la exhibición de esa parafernalia en la expresión misma del edificio.Alta tecnología, o tecnología de punta. El estilo de los high- tech abarca a todos aquellos edificios que toman como concepto estético el lucimiento de la tecnología con la que fueron realizados.

Silla LumbarUna sofisticada silla ejecutiva que tiene muy en cuenta los detalles sin dejar de lado la comodidad y funcionalidad necesarias en los ambientes de la oficina moderna.Reproduce la forma natural de la columna vertebral, asegurando el soporte lumbar y la distribución apropiada del peso del cuerpo.Ofrece una amplia variedad de opciones que se ajustan a las exigencias físicas y del entorno laboral de cualquier persona.

  Últimas tendencias arquitectónicasEl estilo High – Tech surgió en la arquitectura de a mediada de los setenta, inspirada en el formalismo geométrico del movimiento moderno y el diseño radical de Buckminster Fuller. Su utilitarismo contradecía los excesos del diseño pop. Liderado por arquitectos británicos como Norman Foster, Richard Rogers y Michael Hopkins, que incorporaron elementos industriales sin adornos a sus edificios, se introdujo en el interiorismo de los setenta. Los interiores High – Tech empleaban equipos y accesorios utilitarios de uso industrial e institucional, como carritos, suelos de goma, lámparas de pinza, estantes de cinc galvanizados y barras de andamio, y combinaciones de colores primarios inspiradas en el De Stijl.

Norman Foster

Norman Foster Arq Feng Shui Norman Foster

En Estados Unidos sus representantes fueron, Joseph Paul D’Urso y Ward Bennett, que trabajan con materiales industriales reciclados.

Joseph Paul D’Urso

Ward Bennett

Este estilo a fines de los setenta estaba decayendo y a comienzo de los ochenta fue finalmente desbancado por el posmodernismo. Con todo, la promoción del uso de componentes industriales inspiró a diseñadores británicos como Ron Arad y Tom Dixon a la hora de crear a mediado de los ochenta, poéticos y originales diseños a partir de materiales reciclados, como barras de andamios, asientos de coches y tapas metálicas.

Ron Arad

Ron Arad

Tom Dixon

La producción de elementos bajo el rótulo de Higt Tech, incluidos los muebles, implica necesariamente el empleo de materiales de alta tecnología transformados también a través de procesos de avanzada: troqueles que funcionan por control numérico, troquelados, doblados, remaches industriales hechos en serie, entre otros.

En efecto, el segmento está muy relacionado con la capacidad industrial y desarrollo de materiales nuevos, como pueden ser el hallazgo de un plástico de alta resistencia o la producción de un policarbonato, que no cualquiera puede lograr, y que aplicado en mobiliario hace el elemento Higt Tech. Esto significa de paso que no estamos hablando de un estilo apuntando a las formas sino más bien a un producto final reflejo de su proceso específico.

Este estilo y tipo de producción mucho más aplicado y notorio en países de reconocido desarrollo como Alemania, Japón o Estados Unidos, no resulta tan contemporáneo en nuestro continente, porque sencillamente las técnicas, capacidades y alcances de nuestros procesos industriales no alcanzan los niveles de exigencia que si logran los primeros. “Para un alemán el Higt Tech es contemporáneo, para un sudamericano es simplemente Higt Tech”.

CRAFT REVIVAL

Los orígenes del craft revival se remontan a mediados el siglo XIX con la reivindicación de la conservación y la recuperación de la artesanía tradicional tras la industrialización sin precedentes de Gran Bretaña (art & craft).

Desde a mediados del siglo XX, cuando los procesos de fabricación ofrecían mayores posibilidades, el diseño y la producción fueron distanciándose cada vez más y las técnicas artesanales terminaron deteriorándose. Para invertir esta tendencia John Makepeace y Wendell Castle, dos de las figuras más importantes del craft revival actual han y conservado las técnicas artesanales para trabajar la madera a través de su obra como diseñadores y sus escuelas de artesanía. Durante los años ochenta, el craft revival se abrió paso estilísticamente con el posmodernismo, y algunos diseñadores como Fred Baier (nacido en 1949) combinaron el virtualismo técnico con formas extravagantes para crear objetos completamente opuestos al “mobiliario para buenos ciudadanos” defendido por Morris y Ruskin.

John Makepeace

POSTMODERNISMOEl posmodernismo surge a la emergencia del diseño pop y antidiseño. Durante la década del sesenta, se discutía el estado de todos los ámbitos de vida, incluso del diseño moderno. La modernidad se vio realmente cuestionada por primera vez en el libro de Jane Jacobs “muerte y vida de las grandes ciudades” (1961), centrado en el fin de la cohesión social de la construcción y el urbanismo utópico del movimiento moderno habían provocado en as urbes, y en el de Robert Venturi, complejidad y contradicción en la arquitectura (1966), que argumentaba que la arquitectura carecía de sentido ya que no poseía la complejidad e ironía que enriquecía los edificios históricos.

En 1972, Ventura, Denise Scott Brown y Steven Izenour publicaron la obra seminal Aprendiendo de las vegas, que elogiaba la honradez cultural del comercialismo de los rótulos y edificios de es ciudad del desierto. Ese mismo año, la traducción al ingles del libro de Roland Barthes Mitologías (1957) dio paso a la diseminación de sus teorías sobre semiótica (el estudio de los signos y símbolos como instrumentos de comunicación cultural). Se creía que si los edificios y objetos estaban imbuidos de simbolismo, y sus espectadores y sus usuarios podrían relacionarlos psicológicamente.

Los primeros defensores del posmodernismo argumentaban que la adhesión del movimiento moderno a la abstracción geométrica que negaba el ornamento y por tanto el simbolismo, deshumanizaba y a la larga alienaba el diseño y la arquitectura.

A mediados de los setenta, arquitectos americanos como Michael Graves empezaron a introducir motivos decorativos en sus diseños, que a menudo hacían referencia a antiguos estilos decorativos y que solían ser irónicos en su contenido.

Alessandro Mendini Alessandro Mendini Alessandro Mendini

Diseñadores próximos al Studio Alchimia, como Alessandro Mendini y Ettore Sottsass, empezaron a producir obras en el lenguaje posmoderno, con contenidos irónicos sobre el movimiento moderno a través de la decoración aplicada.

Mas tarde, Memphis produjo monumentales y vistosos diseños “Neopop” que causaron gran conmoción a nivel mundial al ser expuestos por primera vez en 1981. La obra de Memphis recibía una serie de influencias muy eclécticas y se burlaba intencionalmente de la noción del “buen gusto” con laminados de plástico de motivos atrevidos y formas estrafalarias. Memphis contribuyó significativamente a popularizar el antidiseño y, por tanto, a la aceptación del posmodernismo como estilo internacional en los ochenta.

Los estilos posmodernos abrazaron el pluralismo cultural de la sociedad global contemporánea y utilizaron un lenguaje de simbolismo compartido para trascender fronteras.

Las formas y los motivos de “objetos simbólicos” no solo derivaron de objetos decorativos del pasado (clasicismo, art decó, constructivismo o de De stijl). A veces también hacían referencia al surrealismo, al kisch, y a la imaginaria informática. Alguno de los diseñadores mas destacados en (además de los ya mensionados) Mario Botta, Michele de Lucchi, Hans Hollien, Shiro Kuramata, Aldo Rossi, Peter Shire, George Sowden, Matheo Thun y Masadori Umeda. Sus atrevidos diseños para cerámica, tejidos joyas relojes, platería, mobiliario e iluminación se produjeron a escala limitada en empresas como Alessi, Artemide, poltronova y Sunar, entre otras.

… al rechazar el proceso industrial, los productos del posmodernismo serian invariablemente “asuntos de una elite” y que, como tal, presentaban el triunfo del capitalismo sobre la ideología social, base del movimiento moderno.

El carácter ecléctico del posmodernismo no solo refleja el dominio del individualismo sino también la mayor fragmentación de la sociedad durante los años ochenta. El Boom de la década, impulsado por los créditos, permitió que floreciera el antirracionalismo del posmodernismo.

A finales de los ochenta el estilo se había diversificado más aun y engloba él descontructivismo y postindustrialismo. Sin embargo, la recepción de principio de los noventa motivó a los diseñadores a buscar enfoques menos expresivos y más racionales. EL atractivo del posmodernismo empezó a desvanecerse.

Las atractivas manifestaciones del antidiseño de los ochenta han sido sustituidas por el silencioso minimalismo de los noventa, pero la influencia del posmodernismo sigue viva, ya que al cuestionar el movimiento moderno ha causado una importante e ininterrumpida revalorización de lo esencial en el diseño.

La década de los ochenta se caracteriza por la eclosión de movimientos artísticos como la transvanguardia italiana, el neoxpresionismo alemán, el New Spirit, los neo-románticos, etc.Sin embargo, la crisis de interpretación artística es muy evidente, los artistas ya no proclaman manifiestos y las vanguardias en el arte han desaparecido, por tanto se habla de crisis de la modernidad y de un nuevo tiempo "el postmodernismo".

Esta nueva situación artística es corroborada por técnicos como D.Bell, A.Toffler, J.F.Lyotard y los filósofos de la Escuela de Frankfurt y del llamado pensamiento negativo, todos proclaman la crisis del sujeto y de la modernidad. A nivel artístico, los términos de cultura artística postmoderna, pos vanguardia, parecen anunciar una nueva sensibilidad, acontecida por el fin de la guerra fría, el derrumbamiento del régimen soviético, la caída del muro de Berlín (1989), estos acontecimientos son el inicio de una nueva era, la era de la globalización y el Neoliberalismo

. El mundo postmoderno se puede diferenciar y dividir en dos grandes realidades: La realidad históricosocial, y la realidad sociopsicologica

Características histórico-sociales 1-Las grandes instituciones, como la Iglesia, pierden influencia.2-En contraposición con la Modernidad, la Postmodernidad es la época del desencanto. Se renuncia a las utopías y a la idea de progreso.3-Se produce un cambio en el orden económico capitalista, pasando de una economía de producción hacia una economía del consumo.4-Desaparecen las grandes figuras carismáticas, y surgen infinidad de pequeños ídolos que duran hasta que surge algo mas novedoso y atrayente.5-La revalorización de la naturaleza y la defensa del medio ambiente, se mezcla con la compulsión al consumo.6-Las medios y el marketing se convierten en centros de poder e influyen en diversos factores como:6.1-Que ya no importa el contenido del mensaje, sino la forma que es transmitido, y el grado de convicción que pueda producir.6.2-Desaparecen las ideologías como forma de elección de los líderes, y es reemplazada por la imagen.6.3-Se convierten en transmisoras de la verdad, lo que se expresa en el hecho de que lo que no aparece por un medio de comunicación masiva, simplemente no existe para la sociedad.6.4-Pero también aleja al receptor de la información recibida sacándole realidad y relevancia, convirtiéndola en mero entretenimiento.6.5-Se pierde la intimidad y la vida de los demás se convierten en un show

Frank Gehry Red Beaver Armchair

Características sociopsicológicas 1-Los individuos solo quieren vivir el presente, el futuro y el pasado pierden importancia2-Hay una búsqueda del inmediato3-Se caracteriza por el proceso de pérdida de la personalidad individual.4-La única revolución que en individuo está dispuesto a llevar a cabo es la interior.5-Se hace culto al cuerpo y la liberación personal.6-Se vuelve a lo místico como justificación de sucesos.7-Perdidas de fe en la razón y la ciencia, pero en contrapartida se hace culto a la tecnología.8-El hombre basa su existencia en el relativismo y la pluralidad de opciones, al igual que un subjetivismo en la mirada de la realidad.9-Perdida de fe en el poder público.10-Perdida de preocupación ante la injusticia:11-Desaparición de idealismos.12-Perdida de la ambición personal de auto superación.13-Desaparición de la valorización del esfuerzo.

Fue a finales de los 70 y principios de los 80 cuando surgió el diseño postmodernista, sus impulsores y máximo exponente fue el grupo Memphis y el estudio Alchimia bajo la dirección de Alessandro Mendini.Sin duda alguna el grupo de diseño Memphis es el más importante de la década de los 80, referente en la historia del diseño, innovaron con nuevos materiales y fue gracias a Ettore Sottsass que fue quien formo el grupo. Sottsass se inicio en 1947 como arquitecto abriendo su propio estudio en Milán, en 1957 asesora al departamento de diseño de la firma Olivetti, sobre todo realizando el mobiliario y accesorios de oficina. En 1979 expone sus obras con el grupo radical Studio Alchimia, que abandona en 1980 para formar "Sottsass Associatti". Un año mas tarde se rodea de un grupo internacional de arquitectos y

diseñadores que trabajaban en todos los campos del interiorismo:mobiliario, tejidos, cerámica, etc...Había nacido el grupo Memphis.

MemphisEntre los diseñadores que componian el grupo podemos mencionar a Peter Shire, Michael Graves, Andrea Branzi, Martine Bedin, George Soweden, Javier Mariscal, Michele de Luchi y Mateo Thun.Memphis se presenta oficialmente en 1981 en la Feria del mueble de Milán, cosechando un gran éxito, el colectivo se inspira de una gran cantidad de fuentes y estilos a la hora de realizar sus obras, desde influencias clásicas hasta el Ktsch y el neopop, desde lo creado por la mano del hombre hasta lo natural, pero su característica principal es el gran uso del color, variedad, tonalidades atrevidas, todo resulta innovador, se pretende resaltar el significado del objeto frente a su función, este nuevo estilo fue muy polémico pero acabo cosechando un gran éxito comercial, sus formas geométricas y estrafalarias, con sus motivos atrevidos se burlaba de lo correctamente establecido.Esta revolución de ideas no podía durar mucho tiempo y el grupo bandera del postmodernismo agoto sus ideas, desapareciendo en 1988.

Otro ejemplo del estilo es el trabajo realizado por el "estudio Alchimia", dirigido por Alessandro Mendini; Mendini nació en Milan en 1931, donde estudio arquitectura, considerado como un teólogo del diseño, ha publicado diversos libros en varios idiomas donde da a conocer sus proyectos, cultiva un interés especial por el diseño neo-moderno y contemporáneo, diseñador de interiores, muebles, objetos...colabora con prestigiosas compañías internacionales, tales como Alessi. Philips, Swarovski y Swatch, además de consultor artístico de varios fabricantes.

El estudio Alchimia era un grupo experimental que producía caras piezas. Estaban a favor del sentimentalismo, la nostalgia y la emoción, por eso apoyaba la influencia del diseño del pasado. Frecuentemente mostraban su oposición al diseño racional tomando objetos cotidianos y aplicandolos a diversas formas de decoración, por ejemplo la silla Wassily de Marcer Breuer o la silla de Proust rediseñada por Alessandro Mendini. -Hemos hablado de los creadores del Post modernismo de los 80, pero no olvidemos mencionar a Barnsley Workshops en Inglaterra, y los cada vez más aclamados diseños de Jhon Makepeace, Wendell Castle producia diseños modernos utilizando las experiencias artísticas. Los diseñadores lideres explotaban tambien antiguos materiales con nuevas ideas, como Frank O Gehry y su gama de mobiliario de madera entrelazada

Desgraciadamente tiempo después, la recesión económica de los años noventa motivo a los diseñadores a buscar enfoques menos expresivos y mas racionales; de este modo, las atrevidas manifestaciones del antidiseño de los ochenta fueron sustituidas por la silenciosa pureza del minimalismo.

Frank Gehry

POSTINDUSTRIALISMOEl postindustrialismo es un planteamiento postmoderno del diseño en el que los objetos diseñados se producen al margen de la corriente industrial.

A fines de los setenta y durante los ochenta, las economías occidentales pasaron a depender menos de la industria y a basarse más en los servicios. Muchos diseñadores empezaron a crear diseños únicos o en ediciones limitadas que reflejaba el carácter postindustrial del periodo y permitían a los diseñadores explorar con más libertad su creatividad individual, libres de restricciones del proceso industrial.

Diseñadores como Ron Arad y Tom Dixon construían artefactos improvisados, consistentemente distanciados de la precisión de los productos industriales estandarizados. Arad proclamó la noción de “arte usable” y, como tal, dio lugar a una nueva práctica de diseño, experimental y poética a la vez.

DESCONSTRUCTIVISMOUna de las corrientes arquitectónicas más criticadas y alabadas de los últimos tiempos...

Se trata de invertir todas las leyes, ir a lo "no convencional", a lo "no lineal", romper paradigmas. Se emplea para distorsionar y dislocar algunos de los principios elementos de una obra ... lo bueno es malo, lo feo es bonito, lo retorcido es estético y así.... por ejemplo Shrek es una película deconstructivista que tuvo gran éxito, el galán del cuento es un Ogro y la princesa bella al final se convierte en Ogro.Deconstructivismo, también llamado deconstrucción, es una escuela arquitectónica que nace en 1980, producto de éste podemos hallar obras inverosímiles de un acabado bastante llamativo que dan por resultado algo maravilloso....

La desconstrucción es un método de análisis asociado a la crítica literaria y postulado por primera vez por el filosofo Jacques Derrida en los sesenta.

En estos años, las ideas de Derrida se reflejaron en un estilo de arquitectura y diseño: el desconstructivismo. Se trata de un movimiento vinculado al postmodernismo, puesto que también cuestiona las premisas tradicionales de la modernidad. Sin embargo, a diferencia de este, rechaza el historicismo y la ornamentación. Así, a menudo alude a la deconstruccion del significado, mientras que es el posmodernismo lo advierte irónicamente y lo vuelve a codificar. Estilísticamente e incluso filosóficamente similar al constructivismo ruso de los años veinte.

Por su carácter básicamente antirradical, del decontructivismo esta asociado al antidiseño y ha ejercido un escaso impacto en el diseño de productos, con excepciones como la radio in a bag de Daniel Weil (1981- 1983), que al dejar sus componentes a la vista contrarresta las formas tradicionales y reconstruía la lógica del diseño convencional.

radio in a bag de Daniel Weil (1981- 1983)

SOFT DESIGNA mediados de los años ochenta se acuñó el termino soft – tech o soft design para describir productos con formas escultóricas redondeadas o “blandas”. Una de las primeras manifestaciones fue el equipo electrónico de consumo, sobre todo los productos SHARP y YAMAHA. Estos diseños posmodernos se oponían al racionalismo y a las buenas formas dominantes promovidos por fabricantes como BANG & OLUFSEN y en su lugar se inspiraban en estilos de época, especialmente biomorfismo de los años cincuenta. Este tipo de estilismo retro estadounidense se convirtió en un fenómeno generalizado en la segunda mitad de los años ochenta. Sin embargo, a principio de los noventa dio paso a un enfoque más reflexivo, orgánico y holístico.

This is the weird-great Honda Puyo

The Diesel-Electric hybrid GMC PAD. Not exactly a car but an entire home, really. Its fuel and water supplies last for weeks or even months.

So he designed the Peugeot Honey-B. Like bees, it is aerodynamic, but unlike bees, it is an SUV powered by hydrogen fuel cells

Nissan Moon Buggy vehicle is the direct inspiration from the Lunar Modules.

The Bombardier Embrio! Powered hydrogen fuel cells, the Embrio's got infrared night vision and an active suspension that adjusts to road conditions, thanks to a computerized network of sensors and gyroscopes.

This one's called the Peugeot Moovie and designed by Portuguese designer, André Costa. The rear wheels are actually part of the doors, and have multiple functions: allowing access to the cabin and also reducing energy consumption because of its such huge set of tires.

El diseño blando, como se denominó este nuevo enfoque, que Ross Lovegrove describió como “un nuevo naturalismo”, era emocional, gestual y antropocéntrico. Es significativo que la industria automovilística fuera una de las primeras en adoptar esta nueva tendencia, como demostraron los automóviles TWINGO de RENAULT (1992) y MICRA de NISSAN (1992).

Renault twingo año 1992 motor 1.2

MICRA de NISSAN (1992)

El surgimiento del diseño blando puede atribuirse a varios factores: el rechazo total, a fines de los ochenta del funcionalismo de estilo BAUHAUS y la revalorización del diseño orgánico en general, el perfeccionamiento de la aplicación de datos ergonómicos, la realización de formas curvas mas complejas, posibles gracias a programas avanzados de CAD/CAM, y la disponibilidad de nuevos materiales, sobre todo tecno – polimeros exóticos, que ofrecían a los productos una mayor tactilidad potencial.

A fines de los noventa las formas blandas hicieron avances significativos no solo en el sector automovilístico, sino también en la práctica habitual del diseño.

El diseño blando se suele utilizar con fines estéticos y no debería confundirse con escencialismo orgánico, ya que, aunque guardan un parecido visual notable, el primero se rige solamente por criterios estéticos. Ross Lovegrove

Ross Lovegrove

Ross Lovegrove

Ross Lovegrove

DISEÑO ORGÁNICO

El diseño orgánico es un enfoque holístico y humanizador del diseño. Este movimiento comenzó a fines del siglo XIX y tuvo un largo desarrollo hasta los años sesenta. Dentro de este movimiento han existido unos de los más recordados y premiados muebles del siglo XX, en los que destacamos los diseños de Eero Saarinen y Charles Eeames, destacados diseñadores de dicho siglo. Sus sillones fueron revolucionarios, no solo por la tecnología de punta utilizada, sino también por el concepto de contacto y soporte continuos, promovido por formas orgánicas ergonómicas y refinadas en su estructura.

Eero Saarinen

Eero Saarinen - Tulip Chair

'Swan Chair' by Arne Jacobsen

Egg Chair' by Arne Jacobsen

Coconut Chair' by George Nelson

Charles Eeames

Charles Eeames

Charles Eeames

George Nelson

George Nelson

Estos diseños, enormemente influyentes, trazaron una nueva dirección en la creación de mobiliario, ya que impulsaron los intentos de conseguir la unidad orgánica estructural, material y funcional del diseño, y tuvieron obras tan representativas como las sillas de contra chapado de Ray y Charles Eames.

El éxito del diseño orgánico en los años de posguerra influyó estilísticamente en el nacimiento del biomorfismo y continuo inspirando a los diseñadores de los sesenta y setenta, como Maurice Calka, Pierre Paulin y Olivier Mourgue en la creación de formas altamente estructurales en el lenguaje orgánico.

Maurice Calka

Pierre Paulin

Olivier Mourgue

A principios de los noventa, impulsado por un mayor crecimiento de la ergonomía y la antropometría y por los avances en e diseño y la creación por computador el diseño orgánico emergió con más fuerza que nunca. Tal y como hicieron Eames y Saarinen, los diseñadores industriales más innovadores de la actualidad, como Ross Lovegrove, quien desarrolla varios diseños orgánicos desmaterialistas a través de aplicación novedosas de materiales y técnicas industriales de alta tecnología.

Sí bien el diseño orgánico esta tradicionalmente asociado con materiales naturales, irónicamente es plástico (lo último en materiales sintéticos) los que mejor expresan la esencia abstracta de la naturaleza y maximizan las conexiones funcionales a través de las formas orgánicas que más se adaptan a la morfología humana.

Sin embargo, el diseño orgánico expresa toda su fuerza cuando su sensual y emocionalmente persuasivo vocabulario formal conecta con nosotros de manera subliminal apelando directamente a nuestro sentido primigenio de la belleza natural.

DISEÑO ECOLÓGICO

Los objetivos principales del diseño ecológico son minimizar los residuos y reducir la producción de energía y materiales en nuestra sociedad para ajustarlos a niveles sostenibles. En sus inicios, su defensor mas celebre fue Richard Buckminster Fuller, que promovió en los años veinte una “ciencia del diseño” basada en la idea de ofrecer “lo máximo, con lo mínimo”. Fue el, quien en los años cincuenta acuñó el termino “Speaceship earth”, lo que contribuyó a que la gente pensara en el planeta de un modo mas holístico. Vance Packard otro de los autores y teóricos que han contribuido a la difusión de un conocimiento más profundo del diseño ecológico, escribió el libro “los artífices del derroche” (1961), que condenaba especialmente la practica de la obsolencia planificada (productos desechables), y Victor Papanek, autor de “diseñar para el mundo real” (1971), que asociaba la conciencia ecológica al proceso de diseño radicales que respetara el medio ambiente.

Estas ideas fueron muy populares en los setenta, cuando la crisis del petróleo incrementó la preocupación por el carácter limitado de los recursos naturales de la tierra.

En los años ochenta, varios desastres ecológicos provocados por errores humanos, junto a la idea cada vez mas patente de la industrialización contribuía al calentamiento del planeta, estacaron la necesidad urgente de un diseño ecológico.

En este tipo de diseño, también llamado diseño verde, se tiene en cuenta el ciclo completo de vida del producto: la extracción de materias primas y el impacto ecológico de su procesamiento, la energía consumida en el proceso de fabricación, la generación de subproductos negativos, la energía requerida para su distribución y el impacto de esta, la duración de la vida útil dl producto, la recuperación de los componentes y la eficacia del reciclaje, y los efectos de los residuos en el medio ambiente, por ejemplo al acumularse en vertederos o al incinerarse.

Aunque el reciclaje puede reducir el consumo de energía, no lo minimiza y en cierto modo puede considerarse que en realidad perpetúa la cultura de los residuos. Por el contrario, una mayor duración de los productos minimiza tanto los residuos como el consumo de energía; al duplicar la vida útil de un producto, su impacto en el medio ambiente se reduce a la mitad.

DISEÑO RETRO

El termino diseño retro se utilizó por primera vez a mediado de los años sesenta en referencia a la tendencia del diseño popular a adoptar estilos de otras épocas.

En los años sesenta y a comienzo de los setenta existió un inmenso renacimiento del interés por el arte victoriano y el art nouveau. Por ejemplo, la tipografía de feria victoriana se utilizó mucho en los carteles pop y en las portadas de discos. Sin embargo, el diseño retro realmente llegó a la mayoría de edad en los años ochenta, cuando el movimiento moderno tardío se convirtió en un estilo internacional. Muchos diseñadores en este movimiento buscaban inspiración en los productos KISCH de los años cincuenta, lo que hizo surgir multitud de productos del diseño retro, como radios de colores papel y muebles asimétricos con patas largas y estrechas.

La fascinación por el estilo de los años cincuenta continuó hasta entrados los años noventa, y en 1991 NISSAN lanzó al mercado su automóvil FIGARO, de edición limitada. Este diminuto vehículo es una representación casi propia del comic del diseño de los años cincuenta, mientras que la motocicleta ROYAL STAR diseñada por GK DESIGN para YAMAHA es una interpretación más directa del estilo de la época. Más recientemente, JAGUAR, BMW y CHRYSLER también han diseñado vehículos con diseños claramente retro.

FIGARO de Nissan

ROYAL STAR yamaha

CHRYSLER

Actualmente este campo, un gran negocio supone la combinación del estilismo antiguo con tecnología de punta para fabricar productos híbridos de un buen funcionamiento y fuerte personalidad.

ESENCIALISMO

El esencialismo es un enfoque del diseño que se ocupa de la organización lógica de aquellos elementos totalmente necesarios para la realización de un objetivo concreto. En este sentido, el esencialismo se basa en un concepto moderno: obtener el máximo a través de lo mínimo. Se trata de una corriente bastante próxima al diseño ecológico. El origen del esencialismo se remonta a la ciencia del diseño DYMAXION (dinámica + máxima eficacia) que promovió Richard Buckminster Fuller en los años veinte y sus innovadores proyectos subsiguientes basados en el uso de la mínima cantidad de energía y materiales.

Una perspectiva esencialista del diseño se suele basar en una lógica de construcción de orientación tecnológica, y por tanto tiene muchos puntos en común con las escuelas de diseño funcionalista y racionalista.

El escencialismo ha caracterizado el trabajo de muchos de los principales diseñadores industriales del siglo XX, aunque el vocabulario formal de sus diseños ha variado frecuentemente de forma considerable.

El esencialismo, visto como una evolución del movimiento moderno, puede adoptar tanto formas geométricas como orgánicas; no existe un estilo definido. El diseño de Dieter Rams, por ejemplo, no posee las mismas cualidades estéticas que un diseño de Charles Eames, pero ambos pueden considerarse modernos y completamente esencialistas. Algunos diseñadores industriales contemporáneos, como Jasper Morrison y Konstanin Grcic, adopta una perspectiva prácticamente utilitaria al diseñar productos esencialistas de gran pureza estética. Otros, como Harri Koskinen, se interesan por paradigmas regionales de características inherentes esencialistas y los interpretan de forma actual.

El esencialismo, cada vez más ligado al diseño orgánico y a un nuevo naturalismo formal, como se puede ver en la obra de Ross Lovegrove.

El esencialismo, que requiere un conocimiento profundo de la estructura, la naturaleza de los materiales y las técnicas industriales, es sin duda el enfoque mas adecuado para el siglo XXI.

Bajo las premisas del esencialismo orgánico, el diseñador Ross Lovegrove ha dado vida a un baño donde el equilibrio de materiales, tecnología y forma de las piezas que lo componen acaban por realizar un ambiente estructuralmente fluido. Lavabos de cerámica, mobiliario, sanitarios con luz de posición, bañeras de fibra, griferías, accesorios y hasta revestimientos cerámicos de brillos plateados, todo de inspiración natural, componen este amplio programa de 175 productos distintos, que representa una encrucijada entre Oriente y Occidente. De hecho, como afirma su autor, la ciudad de Estambul es la génesis de este proyecto.

Según él, el término de esencialismo orgánico  solo es una manera de expresar una aproximación a la creación de formas en el espacio mediante la combinación de dos factores: las formas fluidas y lo esencial  de las mismas. El término denota una conexión entre superficie y contenido, en la que el objeto se concibe mediante una estratificación que expresa estabilidad, honestidad y profundidad. 

fin