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CUERPOS EXILIADOS

Lo “propio” y lo “extraño” en la cultura visual

contemporánea

Autora: Denica Veselinova Sabeva

Institución de procedencia: Universidad Complutense de Madrid

1. INTRODUCCIÓN: CUERPOS, ALTERIDADES, ARTISTAS

El presente artículo trata algunos problemas relacionados con la noción de los “cuerpos

extraños” 1 y la identidad escindida, dentro del contexto artístico contemporáneo, reflejo

de la actualidad.

En nuestra era posmoderna, sentirse “fuera” del “espacio vital” en el que habitan otros,

aumenta la sensación de extrañeza, característica de estos tiempos, subrayando las

diferencias con los demás.

La perspectiva que vamos a presentar se construye a través de un discurso

interdisciplinar, empezando por una breve introducción sobre el presente, marcado por

la migración, el desarraigo, la anomia y el dolor provocado por la pérdida y el destierro.

Vamos a indagar en estos problemas a través del cuerpo humano, influido por el

contexto inestable y cambiante, que caracteriza la posmodernidad.

1 Hemos tomado prestado el concepto del “cuerpo extraño”, del libro de Cristóbal Pera “Pensar desde el

cuerpo”, en especial del capítulo “Cuerpos extraños: de la extrañeza al rechazo”, en el cual, el autor

analiza el cuerpo propio y el cuerpo extraño como construcciones conceptuales que pretenden definir la

identidad en el complejo contexto actual. Nos ha parecido la metáfora ideal para profundizar y ampliar en

los temas de interés de este artículo, que se inspiran también en la obra de la artista internacional Mona

Hatoum – “Corps Étranger”.

2

En este ensayo nos proponemos aportar una visión personal que reflexiona sobre el

cuerpo diferenciado, por razones de color, raza, procedencia, acento, etc. y el rechazo

que puede producir por el simple hecho de ser diferente, extranjero, OTRO.

Centramos nuestra mirada sobre determinados artistas nómadas que, sensibles a ésta

problemática, plasman en sus creaciones no solo su preocupación por el cuerpo, a veces

marginado, vulnerable y sin hogar, pero también aportan en su obra la riqueza que

añade un modo de vida errante y una visión cosmopolita. Su tarea artística refleja, las

propias experiencias vitales, influidas por el contexto en un mundo globalizado. Nos

muestran además las vivencias del resto de migrantes, denunciando el trato que reciben

o el sentimiento de desarraigo tan fuerte que pueden llegar a experimentar.

Los creadores, objeto de éste estudio, utilizan el cuerpo o su ausencia, como una

narrativa, intentando contar una historia a través de él, de manera más comprensible.

Explotan sus características gestuales e icónicas, utilizándolo como vehículo artístico y

representación conceptual de la identidad deambulante.

Estos artistas, construyen relatos mediante significados metafóricos que parten de los

problemas “territoriales” o de “desterritorialización”, derivados del exilio. Recrean a

través de estrategias representacionales, las dificultades procedentes de ésta situación

indeterminada y ardua, donde se acusa fuertemente la falta de hogar, algo que

sociólogos como B. Berger llaman homelessness “…no solo hay en la sociedad

moderna un número cada vez mayor de individuos desarraigados de su medio social

original, sino que, además, ninguno de los sucesivos medios logra tampoco convertirse

realmente en “hogar”.” (Berger 1979)2

La presente investigación es un inicio de la tesis doctoral que en la actualidad

redactamos, titulada “EL ARTISTA NOMADA: Estrategias representacionales de la

identidad, la memoria y el lugar en la cultura visual contemporánea.” empezada al

finales de 2008. Tiene un significado personal, ya que las cuestiones que trata están

intrínsecamente ligadas a mi experiencia vital, a la doble condición de artista y

desplazada.

2 Berger, Peter; Berger, Brigitte; Kellner, Hansfried (1979) “Un mundo sin hogar. Organización y

conciencia” p.175

3

2. MIGRACIONES

“Mi nombre es Nadie y Nadie me llaman todos…”

Homero, Odisea.

Antes de aproximarnos al argumento central de este trabajo, es necesario situarse dentro

del contexto en el que se están llevando a cabo nuestras reflexiones.

El siglo XXI se está caracterizando por grandes migraciones internacionales. Debido a

ese hecho en el mundo globalizado actual, coexisten diversas culturas que favorecen

una visión pluralista, basada en la diversidad.

La cuestión de las migraciones ha adquirido una innegable importancia en la sociedad,

donde la pérdida del sentido de pertenencia a un lugar, produce como primera

consecuencia un desligamiento con respecto a las propias raíces y orígenes, situándonos

en un marco conceptual de confusión y conflicto, afectando y alterando la noción

identidad misma de los nómadas modernos voluntarios o exiliados involuntarios.

El fenómeno actual en el que nos adentramos recuerda la leyenda de la antigua Grecia,

que narra la historia de un héroe, muy humano y frágil.

Ulises, el eterno viajero, se puede interpretar como una metáfora de las migraciones del

siglo XXI. Joseba Achotegui3 denomina “El síndrome de Ulises”, un problema de salud

mental emergente, que estudia - El síndrome del inmigrante con estrés crónico y

múltiple - alude a las interminables y peligrosas aventuras del héroe homérico, sufridas

lejos de su familia, confrontándolas con las vicisitudes inquietantes vividas por los

inmigrantes.

La metáfora de Ulises y el viaje de regreso emprendido por él, nos hace pensar en el

viaje migratorio del nómada moderno, del exiliado, lleno de dificultades, carencias,

miedos, fracaso y soledad. Desolado y apenado, acusando la pérdida de todo lo

conocido, el héroe de la guerra de Troya, siente un fuerte extrañamiento que

inevitablemente atrae la idea de la situación del desterrado actual.

3 Profesor Titular de la Universidad de Barcelona. Director del SAPPIR (Servicio de Atención

Psicopatológica y Psicosocial a Inmigrantes y Refugiados) del Hospital de Sant Pere Claver de Barcelona.

Director del Postgrado “Salud mental e intervenciones psicológicas con inmigrantes, refugiados y

minorías” de la Universidad de Barcelona.

4

La respuesta de Ulises al preguntarle el Cíclope Polifemo por su nombre: “Mi nombre

es Nadie y Nadie me llaman todos…”4, a través de nuestra óptica personal, se podría

interpretar como la pérdida de la identidad que se produce en el interminable

vagabundeo, lejos de la tierra y de la familia.

El presente trabajo intenta analizar una metáfora similar, llevándola al terreno de lo

corporal, estudiando el cuerpo transeúnte. Es ese cuerpo carente de hogar que utilizan

los artistas cosmopolitas al crear sus universos imaginarios “extraterritoriales”. Lo

sitúan en un estado permanente de tránsito que puede provocar anomia, un concepto que

utilizaremos a lo largo del trabajo, tomándolo prestado de la sociología. Lo formula

Emilé Durkheim, refiriéndose a una desviación o ruptura de las normas sociales y a la

imposibilidad de controlar la sensación de alienación y disyunción. Es una consecuencia

del extrañamiento y desorientación, un desgajamiento de la sociedad, como podemos

leer en el magnífico análisis de Irene Martínez Sahuquillo5.

3. ATRAÍDOS POR LA LEJANÍA

Situándonos dentro del contexto de la posmodernidad, analizaremos parte de la

biografía y de la obra de ciertos artistas que podemos llamar ciudadanos del mundo e

incluso ver como privilegiados, a pesar de que pertenezcan a un grupo social que acusa

especialmente la sensación de anomia, debido a su condición6. Norbert Bilbeny

7 define

la situación de estos nómadas culturales como “cosmopolitismo voluntario (…)

protagonizado por grupos e individuos privilegiados.”. Sostiene que no toda la gente es

cosmopolita, diferenciando entre la gente de la cultura en general y el grupo de los

viajeros forzados a desplazarse, desterrados y proscritos, refugiados y toda clase de

personas en el exilio (Bilbeny, 2007), a los que también nos vamos a referir más

adelante, como parte fundamental del artículo.

4 Ulises, Odisea de Homero (Canto IX) 5 Martínez Sahuquillo, Irene (1998) “Anomia, Extrañamiento y desarraigo en la literatura del siglo XX:

Un análisis sociológico”. 6 Ibíd. 7 Bilbeny, Norbert (2007) “La identidad cosmopolita. Los límites del patriotismo en la era global”, p.68

5

Ésta vida errante tiene raíces arcaicas, es la tesis que defiende Maffesoli8, refiriéndose a

los cosmopolitas como descendientes directos de los nómadas. La condición itinerante

no sólo es un estado muy presente en la actualidad, pero está grabada en la memoria

colectiva y es parte de nosotros, de la cultura y de la especie humana, es lo que el autor

expone en su libro. “(…) sea cual fuere el nombre que se le dé, la vida errante, el

nomadismo, está inscrito en la naturaleza humana, ya sea ésta individual o social.”

(Maffesoli, 2004)9.

Yu Fu Tuan10

también define el grupo social de los intelectuales que tratamos, como

privilegiados, aunque acentúa las dificultades que exige el camino elegido. Éste arduo

recorrido intelectual, según el autor, requiere un doble exilio, no solo en destierro, lejos

del hogar, pero también desarraigado del mundo circundante, encerrado en

pensamientos, análisis y creación, donde muchas veces se aumenta la sensación de

anomia, llevando al creador a un espacio de tránsito, donde todo es efímero y

evanescente. El camino emprendido se hace aun más difícil y angustioso por el grande

riesgo de fracaso que supone la vida errante e intelectual. A pesar de todas las

dificultades, éste destino es elegido voluntariamente, consciente y seguro en el sentido y

la dirección creativa, en la trayectoria y en el viaje errante desde el hogar al cosmos11

.

Pero la condición itinerante del artista no es la misma como la de los inmigrantes

desafortunados, privados de libertad y destino. Los artistas que tratamos reflejan en su

obra o en determinados casos incluso denuncian esta situación. Es donde tal vez los

inmigrantes se pueden sentir identificados y representados.

8 Maffesoli, Michel (2004) “El nomadismo; Vagabundeos iniciáticos” México, Fondo de Cultura

Económica. 9 Ibid. p. 37

10 Tuan, Yu Fu “Cosmos y Hogar. Un punto de vista cosmopolita”

11 Ibid., p. 17

6

4. CUERPOS EXILIADOS

“En cualquier cultura el cuerpo está íntimamente ligado

a lo social, ya que toda práctica social es,

de una manera u otra, una experiencia corporal.”

(Esteban 2004)

Una vez situados en el contexto en el que se centra nuestro interés sobre las

migraciones, vamos a adentrarnos más hacia el tema central de este artículo y el motivo

del congreso: EL CUERPO.

Proponemos relacionar la cultura de mestizaje12

actual y las metáforas del cuerpo

“extraño”, foráneo y extranjero, representadas en el arte contemporáneo. Nos interesan

las extensiones de la corporeidad, que se establecen a través de alegorías visuales,

creando nuevos modelos socioculturales del cuerpo.

Ese cuerpo “desplazado” que descubrimos hurgando en la creación artística

contemporánea, podemos denominar a veces incluso “cuerpo intruso”13 o “cuerpo

estorbo”. En ocasiones se ve como un peligro que asalta las fronteras del originario,

“amenazando” su espacio vital, percibido como propio. Le hace reaccionar contra “lo

extraño”, a pesar de que en la sociedad pluralista actual se aboga por una política de

integración, basada en un profundo respeto hacía la diversidad.

Es lo que sucede en la obra del artista albanes Adrian Paci, que reflexiona sobre el

conflicto social provocado por las migraciones, denunciando la situación precaria que

vive el inmigrante en exilio, en un estado de tránsito permanente.

Las desigualdades socioculturales, forman parte de nosotros y de nuestros cuerpos,

alimentando a veces una sensación de rechazo a lo distinto. Estas sensaciones aumentan

el síndrome de anomia y el conflicto psicosocial que se provoca, repercutiendo también

en el físico.

Es muy común en el campo artístico, utilizar el cuerpo como discurso y reflejo de las

incertidumbres surgidas de una crisis de la identidad, representarlo como espacio

principal de las contradicciones sociales. En el presente escrito nos centramos

concretamente sobre las manifestaciones corporales del desarraigo, derivadas de la

12 Todorov, Tzvetan y otros (1988) “Cruce de Culturas y Mestizaje Cultural”. 13

Pera, Cristóbal (2006) “Pensar desde el cuerpo. Ensayo sobre la corporeidad humana”, p. 90

7

escisión del sujeto, en un proceso migratorio, pues “(...) el cuerpo es nuestro único

medio de contacto físico y material con la realidad. A través de él se proyecta nuestra

individualidad y nuestra identidad al exterior. No es de extrañar entonces que la

hostilidad que rodea al emigrante y su desarraigo y pérdida de identidad afecten al

cuerpo directamente.” (Esteban 2004)14

.

5. EL ARTE CONTEMPORÁNEO: UNA VISIÓN INTROSPECTIVA

SOBRE EL EXTRAÑAMIENTO Y EL DESARRAIGO A TRAVÉS

DE LA METÁFORA DEL CUERPO

Por medio de estas reflexiones, intentamos relacionar y entender el grado de influencia

de las nociones: cuerpo, identidad, memoria y lugar, en la producción artística de varios

creadores contemporáneos a través de algunas de sus obras más representativas. Nos

centraremos en las estrategias representacionales de algunos artistas nómadas,

conscientes de su función pública, tales como Mona Hatoum, Adrian Paci, Ana

Mendieta, Chang Zhen y Anawana Haloba.

Todos son desplazados forzados o voluntarios, que han adoptado un estilo de vida

emocionalmente difícil e inestable, y han hecho el tema del exilio principal en su

trabajo. Nos adentraremos en su producción artística, en éste proceso íntimo e

individual que al mismo tiempo se inscribe en los movimientos y transformaciones

socioculturales del presente.

El desarraigo social, una de las preocupaciones comunes en la actualidad, se acusa aun

más entre los intelectuales y los artistas por su condición migrante y también

profesional, pues “…forman un grupo especialmente móvil geográficamente, lo cual

acrecienta su carácter apátrida y la naturaleza nomádica, fronteriza y pluralista de su

identidad.” (Martínez, 1998).

14 Esteban, Mari Luz (2004) “Antropología del cuerpo. Género, itinerarios corporales, identidad y

cambio”, p. 20

8

Los creadores proponen con su obra visiones originales que encarnan las vivencias del

destierro, expresando y autoanalizando su propia predestinación porque “No sentirse

nativo es, en fin, el destino natural del intelectual y el artista (…) también por las

implicaciones psicológicas de su labor.”15

(Martínez 1998).

Hemos intentado ofrecer, debido a la brevedad del artículo, un abanico de artistas de

diversa procedencia, escogiendo algunos conocidos internacionalmente y otros

emergentes, para dar una visión amplia a pesar de ser muy reducida.

5.1 .

Una de las artistas que queremos hacer notar en ésta investigación es Mona Hatoum

(Beirut, 1952), exiliada de su tierra natal, desplazada en Londres, siempre viajando en

un permanente tránsito. Nace en Líbano de familia palestina y es nacionalizada

británica. Su vida errante provoca, como ella misma comenta, una fuerte sensación de

disyunción que inevitablemente se intercala en su trabajo.

Los principales temas que vertebran la obra de Mona Hatoum son el cuerpo, el “hogar”,

el sentimiento de extrañamiento debido al desarraigo, etc. A la vez que vierte las propias

vivencias y sufrimientos en sus instalaciones, plasma las experiencias colectivas.

Los muebles que a menudo utiliza en su trabajo, aluden a la metáfora del cuerpo. Le

dan, como explica la artista, el apoyo y la comodidad necesaria en un entorno tan

inestable, como el actual.

En su escultura “Marrow” (1996) hace

referencia al cuerpo a través de un mueble. Se

trata de una cuna infantil derrumbada, carente de

su sentido inicial. Podemos entrever bajo el

simbolismo de su metáfora, un cuerpo fallido y

frágil que ha perdido la sustancia y el sustento de

su corporeidad. Tal vez ampliando las

interpretaciones, dando nuestra propia visión, podemos incluso reflexionar sobre la

vulnerabilidad de ese cuerpo alienado, desubicado en una realidad desconcertante. La

15 Martínez Sahuquillo, Irene. Op. cit., pág. 241

1. “Marrow” 1996

9

cuna infantil, hecha de goma de color carnoso, desprovista de la médula, de la base y de

la estabilidad que se le presupone, yace en el suelo, con una clara referencia a la

infancia, a los recuerdos y al pasado, desplomado en una vivencia de desamparo y

destierro.

Mona Hatoum habla del cuerpo a la vez que habla de la vida domestica, introduciendo

todo en un universo extraño y alienado, casi fantasmagórico, donde los objetos

cotidianos y los elementos hogareños de tamaños angustiosos, cobran otro sentido, y se

transforman. En muchas de sus obras se pueden ver utensilios de cocina, alfombras o

piezas de mobiliario manipulados, convertidos en objetos insólitos, frágiles o macabros,

a veces incluso amenazadores, desproporcionados… Éstos elementos, como dice Mona

Hatoum en una entrevista con Jo Glencross (Londres 1999), “componen los verdaderos

hogares familiares”, le hacen por tanto reflexionar sobre “lo inestable, nómada y poco

domesticada” que es su propia existencia.

En cada obra suya, se interpola un poco de su identidad nómada, los conceptos

desterritorializados, debidos al

exilio, la extraña ambigua

sensación de la familia y la casa.

Introduce una cierta ironía al hablar

del hogar como residencia de lo

femenino. Su obra “Sin título”

(Jaula de Baalbeck, 1999)

consiste en una jaula grande como

una habitación o una celda que

representa el hogar, en el que cabe

imaginar un cuerpo femenino,

encerrado en sus deberes,

incrustados a la fuerza, exiliado del

mundo real, enclaustrado en una

prisión silenciosa. 2. “Sin título” 1999

10

Siguiendo esta línea de metáforas

visuales en la instalación

“Homebound” (2000) (Encerrados en

casa), la casa – símbolo de protección y

refugio, también cambia drásticamente

su sentido socialmente aceptado y se

convierte en una cárcel, en anti-hogar

hostil, inseguro e inhumano. Igual que

en la obra “Home” (1999) (Hogar),

donde los utensilios de cocina “electrificados” vacilan las teorías del hogar como algo

tranquilo y hermoso, el lugar de la mujer y de la madre. Existe una clara conexión entre

la propia experiencia de la artista y su percepción de la casa, extendiendo los conceptos

que utiliza hasta las ideas ambiguas de patria en una existencia sin hogar.

La artista establece sus puntos de vista a través de unas metáforas muy eficaces y

potentes que denuncian al machismo y hablan de una vida errante, intentando a de-

construir y volver a construir la propia identidad.

La sensación de separación y destierro se manifiestan en su obra introduciendo una

cierta inquietud. Un ejemplo de ello es la obra “Light Sentence” (1992). Jugando con

la luz, creando una atmosfera perturbadora, Mona Hatoum interactúa con el cuerpo del

espectador, situándolo en una zona inestable y movediza, provocando una experiencia

4. “Home”1999

3. “Homebound” 2000

11

escalofriante. La creadora

explica en una entrevista con

Janine Antoni (Nueva York,

1998): “Cuando entras en el

espacio, tienes la impresión de

que toda la habitación oscila y

la perturbadora sensación de

que el suelo se mueve bajo tus

pies.”; “Es un entorno en flujo

constante, sin un único punto de

vista, sin un marco de referencia

sólido. Hay una sensación de inestabilidad y desasosiego en la obra. Así es como la

obra refleja mi origen.”16

En su obra “Measures of Distance” (1998) (Video en color, duración 15’) la artista

habla “de las complejidades del exilio, el desplazamiento, el sentimiento de pérdida y

separación (…)” como ella

misma explica. Utiliza el cuerpo

desnudo de su madre, intentando

reflejar la intimidad de una

relación materno-filial. La

vulnerabilidad de la desnudez,

nos aproxima al cuerpo pero a la

vez nos aleja, aislándolo y

ocultándolo parcialmente detrás

de una cortina de palabras,

interponiendo la imagen de unas

cartas enviadas por la madre.

La escritura árabe que se inscribe sobre la mujer se podría traducir como una valla que

nos impide acercarnos, como un velo tal vez.

16 Centro de Arte de Salamanca, Centro Galego de Arte Contemporánea (2002), Mona Hatoum:

[exposición] 10 de julio - 1 de septiembre 2002. Salamanca, Centro de Arte de Salamanca; Santiago de

Compostela, Centro Galego de Arte Contemporánea. p. 119

6. “Measures of Distance” 1998 . Video

5. “Light Sentence” 1992

12

“Measures of Distance” se puede percibir como un discurso plástico que ahonda en el

sentimiento del desarraigo y la necesidad de preservar los vínculos a través de la

distancia.

Los estereotipos y la representación del cuerpo femenino, son temas sobre los que la

artista nos hace reflexionar a menudo.

En la obra de Mona Hatoum, se advierte un

continuo trato con el cuerpo, a pesar de que

habla de él, muchas veces, a través de su

ausencia. Con sus creaciones nos transporta en

un espacio extraño, inestable y oscilante que

puede perturbar las sensaciones como lo que

sucede en la instalación “Corps Étranger”

(1994) (Cuerpo Extraño). Se trata de un video

realizado mediante una cámara endoscópica, introducida en el cuerpo de la propia

artista, grabando sus entrañas. Varias ideas, cargadas de un gran poder metafórico,

vistas bajo el prisma de lo público y lo privado, se enlazan en este video un tanto

perturbador. El discurso que Mona Hatoum lleva a cabo, habla de nuestro cuerpo como

un territorio extraño que ni siquiera nosotros mismos conocemos, al mismo tiempo que

introduce en él otro cuerpo extraño. Muestra la corporeidad como un terreno

desconocido, haciendo alusiones literales al “cuerpo de un extranjero” y al “cuerpo

femenino” objetivizado por la sociedad. Está proyectado directamente sobre el suelo,

insinuando un “…cuerpo sondado, invadido, violado, deconstruido…”17

. Se convierte

en un espacio que se degrada, siendo pisado y profanado por el espectador involucrado

físicamente en esta reflexión.

Traffic (2002) (Tráfico), es otra instalación llena de significados metafóricos que nos

gustaría mencionar. Consiste en dos maletas situadas en el suelo, conectadas a través de

pelo humano. Reflexiona sobre el viaje y la carga emocional, psicológica y cultural que

cada uno lleva consigo a lo largo de su vida.

17

Centro de Arte de Salamanca, Centro Galego de Arte Contemporánea. Op.cit., pág.130

7. “Corps Étranger” 1994

13

El título sugiere un discurso

sobre el desarraigo, el exilio y

el tráfico humano. El pelo que

desborda las maletas, se puede

interpretar como un cuerpo

derramado; como emociones

que se vierten de una cultura a

otra a través del viaje sin fin, en

una vivencia de continuas

migraciones.

Estas dos maletas sugieren una fuerte metáfora de la vida errante e inestable, en

continuo desplazamiento entre dos culturas, entre dos tierras...

Mona Hatoum utiliza a menudo el pelo en sus creaciones, atribuyéndole una fuerte

carga cultural y un significado simbólico. Lo utiliza también como una referencia

autobiográfica, como una reflexión sobre el sexo, el cuerpo, el género, la sociedad árabe

y la occidental. A parte de esta obra también aparece el mismo elemento orgánico en

“Recollection” (1995), en “Keffieh” (1993-1999), en “Jardin Public” (1993) (Jardín

Público), aunque en esta última se trate de pelo púbico, etc.

9. “Recollection” 1995 10. “Keffieh” 1993-1999 11. “Jardin Public” 1993

8. “Traffic” 2002

14

La última obra que veremos aquí

“Mobile Home” (2005-2007)

(Hogar móvil), se construye a

través de varios objetos

domésticos, movidos

permanentemente por un motor.

En esta instalación todos los

elementos, supuestamente

pertenecientes a inmigrantes,

desentierran un fuerte sentimiento de exilio, evocando el “cuerpo - homeless” ausente.

El espacio está restringido por dos vallas que transmiten la idea de la angustiosa

condición del inmigrante desarraigado y la prisión sociocultural que le encierra. ¿Se

tratará de una celda? ¿De una casa? ¿O tal vez de un refugio para el cuerpo exiliado?

5.2 .

Adrian Paci (1969) también refleja en su obra la compleja realidad social en la que

vivimos. Es un artista de origen albanés, un extranjero arraigado en Milán, Italia. Los

temas como el desarraigo, la identidad, el desplazamiento, la migración y la pertenencia

le son muy afines. Podemos observar en su obra la fuerza poética del recuerdo y la

distancia, que intentan redefinir la identidad del individuo y de todo un pueblo, marcado

por los procesos migratorios. Intentamos analizar su obra a través de la metáfora del

“cuerpo nómada” y el sentido de confusión que penetra en cada uno que se ve obligado

a abandonar la propia tierra

para afrontar una realidad

nueva y desconocida.

La obra que observamos

reflexiona sobre el cuerpo

desplazado y sus

dificultades de adaptación

al nuevo territorio, sobre su

aceptación o no-aceptación 1. “Centro di Permanenza Temporanea” 2007

“Mobile Home” 2005-2007 12. “Mobile Home” 2005-2007

15

dentro de ese espacio muchas veces hostil. Es de lo que el artista habla en su obra

Centro di Permanenza Temporanea (2007) (Centro de Permanencia Temporal).

Consiste en una videoproyección situada en el aeropuerto de San José, en California,

donde un grupo de personas permanecen quietas en una escalera de embarque, sin el

avión, ubicadas en un “no lugar”, entre dos sitios, sin pertenecer ya a ninguno. Mientras

en el fondo, podemos observar un movimiento incesante de aviones, despegando y

aterrizando, creando un contraste con la inacción del grupo de inmigrantes.

“Centro de permanencia temporal”, se refiere a los centros transitorios que existen en

Italia para retener los inmigrantes ilegales antes de repatriarlos. Adrian denuncia la

ambigüedad de éstos sitios, donde las repercusiones psicológicas, sociales e incluso

biológicas para el inmigrante, como podemos leer en el análisis de Rosa María Albert

Sanchís18, pueden tener como consecuencia una fuerte depresión, hipocondría y

paranoia, debidos a la somatización del estrés. Éstos campos de internamiento,

transitorios, de los que habla el artista, se caracterizan con la indeterminación y la

deslocalización y hasta se sitúan en un “limbo jurídico” como denomina Sami Naïr

(2006) las circunstancias de los inmigrantes ilegales en éstos centros. A través de la

potente metáfora utilizada por Adrian

Paci, se puede percibir una

incertidumbre y angustia absoluta, que

nos obliga a reflexionar sobre éstas

detenciones inhumanas en los centros,

donde el cuerpo del inmigrante, en

condiciones precarias, sufre

degradaciones y violencia, que

suspenden la dignidad humana.

El artista consigue integrar en su obra

lo personal junto a lo colectivo,

haciéndolo universal, como en la obra

“Home to go” (2001). Es una figura

de mármol, vaciado de su propio

cuerpo desnudo, encorvado bajo la

18 Albert Sanchís, Rosa María (2007) “El síndrome del desarraigo cultural. Posiblemente la patología

más importante en las sociedades modernas del siglo XXI.” Murcia, p. 381

2. “Home to go” 2001.

16

carga de un pequeño tejado, metáfora de la casa. Una casa que ya no se percibe como un

refugio, cobijo y protección, sino como el peso de la condición humana en exilio. La

potente imagen del cuerpo vulnerable y expuesto, mostrado desnudo, solo con un eslip,

hace referencia a la situación apremiante de la inmigración. El tejado, llevado como una

especie de mochila pesada, quizás llena de esperanzas y miedos, evoca la idea del viaje

forzado hacia el exilio. Situado al revés, sin su contenido habitual, éste techo metafórico

puede recordar a unas alas, mitificando tal vez, el cuerpo martirizado, convirtiéndolo

casi en una figura religiosa.

Adrian Paci utiliza tanto en “Centro de permanencia temporal” como en “Home to go”

los cuerpos errantes, como metáfora de la frontera, de la alienación, de los

desarraigados que se desplazan,

desterritorializados, flexibles y

abiertos a lo imprevisible. Los

cuerpos migrantes, despojados de su

identidad, se convierten en cuerpos

extraños que no consiguen

reconocerse en los otros, algo

evidente de nuevo, en la obra

“Back to Home” (1999). Es una

serie de fotografías de familias de

inmigrantes, donde tal vez podemos

entrever en las actitudes y en las posturas de los cuerpos, el precio de la integración. Son

imágenes como las que probablemente mandan los inmigrantes a sus familiares lejanos

para demostrar que son aceptados y han conseguido la vida esperada, adoptando

actitudes que les muestran iguales a los autóctonos.

3. “Back to home” 1999.

17

5.3 .

Nos gustaría dedicar un poco de este espacio para homenajear a la obra de la célebre

artista cubanoamericana Ana Mendieta (1948 –1985), que muere apenas con 37 años,

dejando una herencia cultural muy significativa.

La situación de desplazada ha

marcado, la vida de Ana

Mendieta y ha incidido

profundamente en su obra. La

artista ha tenido que exiliarse

muy pequeña, junto a su

hermana, en Estados Unidos,

sufriendo la condición de

inmigrante latina con todas las

opresiones derivadas de ello. Ha

experimentado en su propia carne el

desprecio y la no aceptación del otro, del

foráneo, el racismo hacia un “cuerpo

diferente”, algo que hasta la edad de doce

años no había padecido.

El trabajo de Ana Mendieta, muy

autobiográfico, manifiesta la propia

realidad a través de una mirada femenina,

de una visión abierta y plural, aunque

marcada por el extrañamiento,

característico para un inmigrante que ha

sufrido la discriminación y la dura

condición de ser “el otro”.

Nos interesan las reflexiones que

encontramos en la obra de Ana Mendieta,

2. De la serie Silueta, 1976 (La Ventosa, México).

1. De la serie Silueta, 1980 (La Ventosa, México).

18

sobre el género, el lugar, la memoria, el cuerpo y la identidad sexual, como

consecuencias psicológicas debidas a la alienación en un entorno hostil, lejos de los

orígenes.

La artista no solo da una visión influida por su pasado en Cuba, pero también aporta las

propias experiencias de su vida errante en Estados Unidos, creando así una cultura del

movimiento.

Observamos en su obra un deseo nostálgico de regreso, típico de los inmigrantes, a

través de la utilización de la mitología afrocubana, como clara referencia a su cultura de

procedencia. Es lo que percibimos en “Silueta” (1973–1978), donde Ana Mendieta crea

potentes metáforas sobre la intensa relación entre la naturaleza, que asocia a lo

femenino, a su cuerpo de mujer. La propia artista dice, refiriéndose a ésta serie de

intervenciones en la naturaleza: “He estado conduciendo un dialogo entre el paisaje y

el cuerpo femenino (basado en mi propia silueta). Creo que esto ha sido resultado

directo de haber sido arrancada de mi tierra natal durante mi adolescencia. Estoy

abrumada por el sentimiento de haber sido arrojada del vientre (la naturaleza). Mi arte

es la forma en que establezco los lazos

que me unen al universo. Es un regreso

a la fuente materna. A través de mis

esculturas de tierra. Me convierto en

una extensión de la naturaleza y la

naturaleza se convierte en una

extensión de mi cuerpo…” (Mendieta,

A. en Sabbatino, M.; 1997)19

.

En su obra, Mendieta parte siempre de

su propio cuerpo, como en éste caso,

creando huellas, integrándose en la

naturaleza. De esa manera re-produce

una realidad soñada, personal, llena de

simbolismo casi religioso, evocando

tradiciones y mitos de América Latina.

19

Citado por Sandra Escohotado en “Autobiografías: Ana Mendieta y Yoko Ono” pp. 191-192, capítulo

del libro “Geografías de la mirada. Género, creación artística y representación”, López F. Cao, Marián

(ed.) (2001).

3. De la serie Silueta, 1977 (Iowa)

19

La metáfora que utiliza parece representar el deseo de completarse, de fusionarse

íntimamente con la tierra en un intento de volver al ceno materno, a la naturaleza, a la

patria. “Aquél fue para Ana un rito compensatorio de su escisión personal, una

solución imaginaria a su ansia imposible de afirmación mediante la simbolización del

regreso, simultáneamente en términos culturales, sicológicos y sociales.” (Mosquera

2000)20

Parece que acorde con la ritualidad de su obra que indaga sobre el cuerpo, la sangre y la

violencia, la vida de Ana Mendieta termina de manera muy trágica, con otra silueta

lúgubre sobre el cemento, bajo su casa en Nueva York.

5.4 .

Queremos hacer otro homenaje a un artista chino, fallecido no hace mucho, que decía de

sí mismo que no pertenece a ningún lugar. Chen Zhen (1951-2000) atrae nuestro

interés por su condición de eterno viajero, embajador cultural y ciudadano del mundo.

Cuando dos o más culturas están en un continuo contacto, inevitablemente empieza un

intercambio tanto social como cultural, provocando la formación de culturas híbridas,

produciendo un mestizaje cultural. Es lo que sucede en la obra de Chen Zhen, donde se

descubren elementos procedentes de distintos países.

En sus instalaciones el artista chino habla de lo efímera que es la condición humana y de

lo vulnerable que somos,

a través de la ausencia del

cuerpo, aportando por

tanto, una visión casi

apocalíptica, donde la

vida ha terminado y han

quedado solo nuestras

pertenencias.

Siempre se siente la

presencia del ser humano

20

Gerardo Mosquera - crítico y curador del "New Museum of Contemporary Art" de Nueva York.

1. “The voice of migrators” 1995.

20

en sus creaciones, como en la obra “The Voice of Migrators” (1995), un globo hecho

de trapos de diferentes colores, recogidos de varios países. Su metáfora nos hace

reflexionar sobre una identidad múltiple, creada en una amalgama de cuerpos diversos,

provenientes de diferentes culturas. La instalación dialoga con el espectador,

sirviéndose de un susurro, un misceláneo de lenguas, producido por una máquina. Se

puede interpretar como un homenaje a la integración individual y cultural, conseguido

mediante esa especie de Torre de Babel. Es una manera de ver positivamente, el mundo

globalizado.

El exilio inevitablemente se intercala en la obra de Chang Zhen, debido a su estilo de

vida nómada. Es ésa carga personal que percibimos en “Ciudad sin fronteras” (2000),

donde el artista crea una instalación, como una fantasía cosmopolita, situada entre lo

real y lo irreal. Bajo su metáfora se siente un potente simbolismo que muestra una

especie de pueblo, hecho de sillas, sobre las cuales están construidas casas de colores,

mediante velas. Es un poblado utópico erigido a base de piezas que el artista ha reunido

de los cinco continentes.

2. “Un village sans frontieres” 2000

21

5.5.

En un intento de hacer nuestro abanico de creadores nómadas más amplio, vamos a

centrarnos por último, en una artista emergente, proveniente de otro continente.

Anawana Haloba (1978) nace en Zambia. Termina su licenciatura en La Academia

Nacional de Bellas Artes en Oslo, Noruega, donde reside actualmente.

Esta artista también utiliza el propio cuerpo como medio para crear sus performance,

videos e instalaciones. De ese modo crea metáforas que reflexionan sobre la posición

de la mujer y del inmigrante en un contexto socio-cultural.

En su video “Lamentations” (2006), introduce un discurso referente al desplazamiento

y sus consecuencias de extrañamiento, anomia y alienación. Se refiere a éste sufrimiento

a través de una acción en la que con la propia lengua lame un montón de sal, trazando

dibujos que pueden recordar a mapas. Con éste video la artista habla de las barreras

lingüísticas y culturales a los que está expuesto el cuerpo foráneo, vulnerable y

desarraigado. Crea una angustiosa y aflictiva sensación que nos hace reflexionar sobre

los obstáculos políticos, sociales y personales a los que el cuerpo exiliado tiene que

enfrentarse en el nuevo contexto ajeno y muchas veces hostil.

1. “Lamentation” 2006. Video

22

6. CONCLUSIÓN

En este ensayo hemos propuesto una lectura global y alternativa de algunas cuestiones

relacionadas con la identidad, el cuerpo, la memoria y el lugar. Para ello hemos

relacionado el cuadro socio-cultural y la experiencia general y corporal en exilio a

través de las metáforas utilizadas por determinados artistas.

Con este pequeño recorrido por el mundo del arte contemporáneo, hemos tratado de

hacer un breve estudio sobre la condición humana en el mundo global, a través de la

imaginación y la creación.

Han quedado numerosas facetas sin abordar y desgraciadamente no hemos podido

mencionar a otros muchos creadores nómadas en este breve artículo.

Al principio del trabajo, nos referimos al héroe legendario Ulises, el extranjero

perpetuo, como metáfora no solo del viaje, sino también del exilio, de la vida y el

destino inciertos de los migrantes.

Ahora nos atrevemos a concluir este ensayo aludiendo a otro ser de la mitología griega a

través de las palabras del director de teatro esloveno Tomaz Pandur que dice: "Yo he

perdido mi país, que jamás volverá a existir. Soy yugoslavo, lo seré siempre, pero llevo

18 años tratando de encontrar mi país; Medea hace lo mismo hasta que se da cuenta de

que no existe, que está en su corazón.”. Medea es el título de su espectáculo, presentado

en el Festival de Mérida éste año, donde el director esloveno crea el personaje de la

sacerdotisa griega, mostrando una mujer exiliada, anónima y apátrida, dedicada según

sus propias palabras, a aquellos que están en fuga, los refugiados literal o

metafóricamente. Es a ellos que dedicamos también este artículo.

23

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