MODERNISMO GRÁFICO
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HISTORIA DEL DISENO GRAFICO Profesor curso: LDG. Beatriz Navarro [email protected] 8 - 5. MODERNISMO GRÁFICO
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Historia del diseño gráfico
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HISTORIA DEL DISENO GRAFICO
Profesor curso: LDG. Beatriz Navarro [email protected]
8-
5. MODERNISMO GRÁFICO
Los conceptos, las imAgenes y los mEtodos de organizaciOn visual del
cubismo, del futurismo, del dadaIsmo y del surrealismo proporcionaron conocimientos y procedimientos invaluables para los diseNadores
grAficos.
EL SIGLO XX
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ART DECO Este término, acuñado a fines de los años
sesenta como el nombre de los estilos
geométricos populares de la década de los
veinte, es la expresión no de un movimiento, sino
de la sensibilidad estética general de la década.
ART DECO
.Una geometría aerodinámica, en zigzag,
moderna y decorativa, términos que
expresaban los deseos simultáneos de
interpretar la era moderna de las máquinas y, al
mismo tiempo, satisfacer la pasión por la
decoración.
ART DECO
EN INGLATERRA ABRAHAM GAMES EL ULTIMO DISENADOR GRAFICO DEL MODERNISMO GRAFICO
El mensaje se debe transmitir rápidamente y de forma
vistosa para poder retener el interés de forma
subconsciente.
La disciplina de la razón condiciona la expresión del
diseño.
El diseñador construye, enrolla el resorte y el resorte
salta. El ojo del espectador queda atrapado y el
resorte salta.
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SUPREMATISMO Y CONSTRUCTIVISMO RUSOS
Alrededor de 1920 el arte ruso ejerció una influencia internacional en el diseño gráfico y la tipografía del siglo XX.
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La vanguardia rusa tenIa suficientes rasgos comunes con el cubismo y el futurismo para
acuNar el tErmino cubofuturismo
Simbólicamente, los libros futuristas rusos fueron una reacción contra los valores de la Rusia zarista. La utilización de papel rústico, de métodos de producción artesanal y de agregados hechos a mano expresaban la
pobreza de la sociedad campesina.
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KASIMIR MALEVICH fundo un estilo de pintura de formas bAsicas y de color puro al que
llamO suprematismo
Creó una abstracción Geométrica elemental que era
nueva, no objetiva y pura; buscaba “la expresión
suprema del sentimiento, sin buscar valores prácticos,
ni ideas, ni la tierra prometida”
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y
CONSTRUCTIVISMO… Vladimir Tatlin y Alexander Rodchenko, y 25 artistas
mAs en el aNo 1921
y
Propusieron un punto de vista contrario, cuando
renunciaron al “arte por el arte” para consagrarse al
diseño industrial, la comunicación visual y las artes
aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista.
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CONSTRUCTIVISMO… Vladimir Tatlin y Alexander Rodchenko
y
Tatlin cambio de la escultura al diseño de una estufa
que daría el máximo de calor con un mínimo de
combustible; Rodchenko abandonó la pintura por el
diseño gráfico y el periodismo fotográfico.
y
Uno de los primeros intentos para formular una ideologia constructuvista fue el folleto
Konstruktivizm del ano 1922, de Aleksei Gan
y
PRINCIPIOS:
1. La arquitectura representaba la unificación de la
ideología comunista con la forma visual
2. La textura significaba la naturaleza de los materiales
y como son empleados en la producción industrial.
3. La construcción simbolizaba el proceso creativo y la
búsqueda de leyes de organización visual.
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y
CONSTRUCTIVISMO… EL (LAZAR MARKOVITCH) LISSITZKY
y
Desarrolló un estilo de pintura al cual denominó
PROUNS (abreviatura de “proyectos para el
establecimiento -afirmación- de un arte nuevo”).
el PROUNS señalaba el camino para la aplicación de los
conceptos de la forma y del espacio en la pintura
moderna al diseño aplico.
CONSTRUCTIVISMO… EL (LAZAR MARKOVITCH) LISSITZKY
y
Como diseñador gráfico, Lissitky no decoraba el libro, lo
construía al programar visualmente el objeto completo.
La composición tipográfica y las imágenes fotográficas
eran empleadas como material de construcción para
armar páginas, portadas y carteles.
CONSTRUCTIVISMO… EL (LAZAR MARKOVITCH) LISSITZKY
y
La red vertical de tres columnas utilizadas para el
texto, la red horizontal de tres columnas empleada
para la portada y la estructura a dos columnas de la
página de contenido se convirtió en una armazón
arquitectónica para organizar las páginas ilustradas.
y
DE STIJL En Holanda, el último verano del año 1917 marcó la formación
del movimiento y del periódico De Stijl.
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Los artistas De Stijl buscaron una expresion de la estructura matematica del universo y de la
armonia universal de la naturaleza
Para los artistas De Stijl, la belleza proviene de la pureza absoluta de la obra. De Stijl
abogaba por la absorción del arte puro por medio del arte aplicado. Trataban de
purificar el arte prohibiendo la representación naturalista, los valores
externos y la expresión subjetiva.
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Piet Mondrian constituyo una fuente a partir de la cual se desarrollaron la
filosofia y las formas visuales De Stijl.
Mondrian evolucionó de la pintura del paisaje
tradicional hacia un estilo simbólico, influenciado por
Van Gogh, que expresaba las fuerzas de la naturaleza.
En los años siguientes, eliminó todo indicio de los
elementos representativos y evolucionó del cubismo
hacia una abstracción geométrica pura.
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Piet Mondrian
Creía que en el arte visual, la realidad objetiva es
alcanzada por medio del movimiento dinámico en
equilibrio. Las artes plásticas afirman que el equilibrio
sólo puede establecerse a través del balance de
contrastes desiguales, pero equivalentes… La tarea del
arte es expresar una visión clara de la realidad
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La busqueda de un arte puro de relaciones visuales iniciado en Holanda
y en Rusia, habia permanecido como una
preocupacion importante en las
disciplinas visuales durante el siglo XX.
UNA DE LAS TENDENCIAS DOMINANTES DEL DISEÑO
GRÁFICO HA SIDO LA APLICACIÓN DE ESTA SENSIBILIDAD
GEOMÉTRICA PARA DAR ORDEN A LA PÁGINA IMPRESA.
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Malevich y Mondrian utilizaron lineas, formas y colores puros para crear un
universo de relaciones puras
ordenadas armoniosamente. Esto fue
visto como un prototipo quimerico
para un nuevo orden mundial
Para unificar los valores sociales y humanos, la tecnología y la
forma visual se convirtieron en el objetivo para aquellos que
luchaban por un nuevo diseño arquitectónico y gráfico.
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LA BAUHAUS Las ideas procedentes de todos los movimientos avanzados
de arte y de diseño se analizaron, se fusionaron y se aplicaron a la resolución de problemas de diseño y producción de máquinas en una escuela de diseño alemana: la Bauhaus
(1919-1933)
8
“es evidente que no nos vamos a librar de las maquinas nunca mas. Ni ejercitos
enteros de william morris ni de tolstoi
podrian expulsarlas ahora…..
Por consiguiente, aprovechémoslas ara crear belleza, una
belleza moderna ya que estamos.”
ALDOUS HUXLEY 1928.
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De la bauhaus surgio la estetica del diseno del siglo xx
La Bauhaus era la consecuencia lógica de la inquietud alemana por mejorar el diseño dentro de una sociedad industrial que vio sus orígenes en el principio del siglo XX. Abre sus puertas el 12 de abril de 1919
bajo la dirección de Walter Gropius, bautizada con el nombre de Das Staatliches
Bauhaus.
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La bauhaus en weimar
Los años de la Bauhaus en Weimar (1919-1924) fueron
intensamente visionarios y se inspiraron en el
expresionismo. Caracterizados por un deseo utópico
de crear una sociedad espiritualmente nueva, la
primera Bauhaus buscaba una unidad innovadora
entre artistas y artesanos para construir el futuro.
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La bauhaus en weimar
Las ideas avanzadas sobre forma, color y espacio estaban
integradas en el vocabulario de diseño cuando se
incorporaron al equipo los pintores del jinete azul Paul Klee
y Vasily Kandinsky integrando el arte visual moderno con
el trabajo de culturas no occidentales y de niños para
crear trabajos que son pura comunicación visual en el caso
de Klee, mientras Kandinsky erradicaba elementos
figurativos.
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La bauhaus en weimar
En la Bauhaus, no se hacia distinción entre las bellas artes
y el arte aplicado. Lo fundamental de la educación en la
Bauhaus era el curso preliminar, establecido inicialmente
por Johannes Itten (1888-1967). Sus objetivos eran liberar
las aptitudes creativas de cada estudiante, desarrollar una
comprensión de la naturaleza física de los materiales y
enseñar los principios fundamentales del diseño, que son la
base de todo arte visual.
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La bauhaus en weimar
Para la primera exposición en el año 1923, a la que asistieron
15 000 personas y dio reconocimiento mundial a la
Bauhaus, el medievalismo romántico y el expresionismo
estaban siendo reemplazados por un énfasis en el diseño
aplicado, al grado de que Gropius cambió el lema “Por la
unidad del arte y la artesanía” por el de “Arte y tecnología,
una unidad nueva”.
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El impacto de LASZLO MOHOLY-NAGY
La pasión de Laszlo Moholy-Nagy por la tipografía y la
fotografía inspiraron el interés de la Bauhaus en la
comunicación visual y la condujeron a realizar
experimentos importantes en al unidad de la tipografía y la
fotografía. Moholy-Nagy veía al diseño gráfico,
especialmente al cartel, evolucionar hacia la fototipografía.
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El impacto de LASZLO MOHOLY-NAGY
En el año 1922 comenzó a experimentar con fotogramas; al
año siguiente inició su fotoplástica. Moholy-Nagy veía al
fotograma como una representación de la esencia de la
fotografía. Sin cámara, el artista puede capturar la
interacción copiada de luz y sombra sobre una hoja de
papel fotosensible.
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El impacto de LASZLO MOHOLY-NAGY
Moholy-Nagy consideraba su fotoplástica no como una
técnica del collage, sino como un proceso deformado para
alcanzar una expresión novedosa, que podía ser más
creativa y más funcional que la fotografía directamente
imitativa. La fotoplástica podía ser humorística, visionaria,
persuasiva o intelectual. Comúnmente, tiene añadiduras
dibujadas, asociaciones complejas y yuxtaposiciones
sorprendentes.
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La bauhaus en dessau
Durante el periodo Dessau (1925-1932), la identidad y la
filosofía de la Bauhaus se desarrollaron completamente.
Las influencias de De Stijl y los constructivistas eran obvias,
pero la Bauhaus no copió solamente estos movimientos,
más bien, entendió de manera clara los principios formales
que ya habían sido desarrollados para aplicarlos
inteligentemente a problemas de diseño.
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La bauhaus en dessau
En el año 1926., la Bauhaus recibió el nombre de Hochshule
for Gestaltung (Escuela Superior de la Forma) y se inició la
publicación de la revista Bauhaus.
Esta revista y las series de 13 libros de la Bauhaus, se
convirtieron en vehículos importantes para difundir las
ideas avanzadas acerca de la teoría del arte y sus
aplicaciones a la arquitectura y al diseño.
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La bauhaus en dessau… herbert bayer
Herbert Bayer, introdujo al taller notables innovaciones en
el diseño tipográfico. Diseñó un tipo universal que redujo el
alfabeto a formas claras, simples y construidas
racionalmente. Bayer eliminó las letras mayúsculas en el
año 1925, arguyendo que imprimimos y escribimos con dos
alfabetos, que son incompatibles dentro del diseño, y que
empleamos dos signos totalmente diferentes (A mayúscula
y a minúscula) para expresar el mismo sonido.
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Los anos finales de la bauhaus
Con la salida de Walter Gropius y de Moholy-Nagy, Hannes
Meyer un arquitecto suizo asumió la dirección de la
Bauhaus en 1927. Pero en 1930 3w obligado a renunciar y la
dirección es ocupada por un destacado arquitecto berlines
Ludwing Mies van der Rhoe.
En el año 1931, el partido nazi dominaba el Consejo de la
Ciudad de Dessau y canceló los compromisos con los
profesores de la Bauhaus en el año 1923.
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Los anos finales de la bauhaus
Mies trató de dirigir la Bauhaus en una fábrica de teléfonos
vacía en Berlín-Steglitz, pero el acosos nazi hizo
insostenible su continuación. La GESTAPO exigía que los
bolcheviques culturales “fueran destituidos y
reemplazados por simpatizantes nazis. Los profesores
votaron por disolver la Bauhaus y fue cerrada el 10 de
agosto de 1933. Así terminó la escuela de diseño más
importante d este siglo.
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Los anos finales de la bauhaus
Moholy-Nagy estableció la Nueva Bauhaus (ahora el
Instituto de Diseño) en Chicago. Los logros y las influencias
de la Bauhaus transcendieron sus 14 años de vida, sus 33
profesores y sus cerca de 1 250 estudiantes. Creó un estilo
de diseño viable, moderno, que ha influido en la
arquitectura, el diseño de productos y la comunicación
visual. Desarrolló un enfoque nuevo de la educación visual.
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Al disolver los limites entre las bellas artes y las artes aplicadas, la Bauhaus
trato de establecer una estrecha
relacion entre el arte y la vida por
medio del diseno, el cual era visto como
un veiculo para el cambio social y
revitalizacion cultural.
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Jan tschichold y la nueva tipografia En las primeras décadas del siglo XX las exploraciones hacia un nuevo enfoque del diseño gráfico sólo eran percibidas y
comprendidas por un público reducido.
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varios disenadores, trabajando independientemente de los movimientos
de arte moderno o de la Bauhaus,
hicieron aportaciones significativas al
desarrollar lo que se ha denominado
“la nueva tipografia”.
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Jan Tschichold (1902-1974) fue el principal responsable
Desarrollo teorías sobre de la aplicación de las ideas constructivistas a las tipografía, y
de introducirla más ampliamente. Por medio de artículos y libros escritos durante la década de los años veinte, explicó y dio a conocer la tipografía
asimétrica a un público amplio de impresores, cajistas y diseñadores.
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Jan Tschichold
Molesto con los “tipos de letras y composiciones
degeneradas”, buscaba empezar y encontrar una
tipografía nueva que expresara el espíritu, la vitalidad y la
sensibilidad visual de su época.
La nueva tipografía radical rechazaba la decoración a
favor de un diseño racional, planeado únicamente para
efectos de comunicación. Sin embargo, funcionalismo no es
un sinónimo exacto de la nueva tipografía.
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Jan Tschichold
Tschichold demostró cómo los movimientos de arte
moderno podían relacionarse con el diseño gráfico al
sintetizar con experimentos nuevos su concepción
práctica de la tipografía y sus tradiciones.
La nueva tipografía había sido una reacción contra el caos
y la anarquía en la tipografía alemana (y suiza) del año
1923.
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Jan Tschichold
Tschichold comenzó a sentir que el diseñador gráfico
debería trabajar dentro de una tradición humanista que
trascendiera los tiempos y que proviniera del conocimiento
y los logros de los maestros de la tipografía del pasado.
También sentía que la nueva tipografía era adecuada para
publicar productos industriales y para la comunicación
acerca de la pintura y la arquitectura contemporáneas.
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Aluvion de tipografias de palo seco
La pasión por la tipografía creó nuevos diseños de palo
seco:
1. Eric Gill crea la Gill Sans además de la perpetua y la
golden cockerel.
2. Paul Renner diseñó la Futura que tenía 15 alfabetos
incluyendo 4 cursivas y dos de tipo decorativo.
3. Rudolf Kochvdiseñó la popular Kabel.
4. Morison supervisó el diseño de la Times New Roman que
se convirtió en una de las más usadas del siglo XX.
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MOVIMIENTO MODERNO EN ESTADOS UNIDOS
El movimiento moderno tardó en introducirse en Estados
Unidos. En 1913 el Armory Show presentó el movimiento
moderno en el país y genero una ola de protestas por lo
que el diseño modenista europeo no llegó a tener
influencia hasta la década de 1930.
MOVIMIENTO MODERNO EN ESTADOS UNIDOS… LESTER BEALL
Lester Beall buscaba el contraste visual además de un alto
nivel informativo alrededor de 1935 que trasladó su
despacho a New York, en los 50’s participio en los inicios
del diseño corporativo.
El diseño gráfico de información y científico: Se crearon
gráficos con imágenes simples que capturaban la esencia
de contenidos siendo la construcción de elementos
científicos la mas importante.
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MOVIMIENTO MODERNO EN ESTADOS UNIDOS… alexey brodovitch
Ruso que quedó a cargo de la dirección artística de
Harper’s Bazaar en 1930 buscaba “musicalidad” en el fluir
del texto y las imágenes. Brodovitch enseño a los
diseñadores a usar la fotografía. Su recorte, ampliación y
yuxtaposición de imágenes y su exquisita selección de los
contactos se lograba mediante un criterio intuitivo
extraordinario. En 1950 Brodovitch en el apogeo de sus
capacidades gráficas diseño la revista de artes visuales
Portfolio
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Muchos de los imigrantes que llevaron a estados unidos los conceptos
europeos de diseno llegaron solamente
armados por talento e ideas de que el
diseno era una actividad humana
valiosa que podia contribuir a mejorar
la condicion humana.
La experiencia estadounidense se enriqueció
considerablemente gracias a su presencia.
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PUBLICIDAD EN LA DECADA DE 1930 Las Pin Up Girls destaparon a la mujer y fueron parte de la historia de un país. La mujer en el artesiempre había sido
objeto de deseo, reverencia y culto pero es hasta el siglo XX que la imagen femenida se emplea con fines comerciales.
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Mujeres curvilines en poses sugerentes – pero nunca explicitas – con apariencia de
la chica comun y a la vez inalcanzable ganaron la admiracion de millones
durante el siglo xx y dieron pie a un movimiento feminista surgido de la
propaganda belica que las convirtio en
una corriente artistica con una repercusion social enorme
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Pin up girls… mujeres libres
� Se crearon los primeros calendarios con ilustraciones de
mujeres llamados “Cosette”.
� En 1890 el ilustrador Charles Dana Gibson crea la
“Gibson Girl” identificada por hombre y mujeres como la
“mujer ideal”.
� Angelo Asti en 1904 crea la primera “pretty girl” gracias
a lo cual se logró el posicionamiento de calendarios
como vehículo para la exhibición.
Pin up girls… mujeres libres
� Se formó la subdivisión de publicidad pictórica durante
la I Guerra Mundial para impulsar el pratiotismo entre los
jóvenes.
� Estas imágenes aspiracionales se ponían en aviones y
barcos, además de que eran colocadas en
campamentos militares y en casilleros de soldados con
chinches o pines de donde surge el nombre pin up girls.
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Pin up girls… gil elvgren y la girl next door
� Para crear sus ilustraciones Elvgren utilizaba modelos
reales que posaban para captar los rasgos más
significativos, estos debían ser chicas comunes que se
encontraran en cualquier lugar, por eso el propio
creador las llamó girls next door – las chicas de al lado.
� Realizó múltiples campañas bajo este concepto entre
ellas coca-cola y coppertone.
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Pin up girls… simbolo del feminismo
� Las pin up tomaron un lugar tan importante en la
cultura popular que en la década de 1930 Max Fleischer
creó a Betty Boop, cuyos ojos grandes, recatados de
ingenuidad y sensuales atuendas que dejan ver una
liga nada inocente, son carácterísticas de una
auténtica pin up.
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Aunque las pin up girls partieron de la creatividad de ilustradores, se
convirtieron en personajes de carne y hueso como betty page, greta garbo y
Marilyn monroe, cuya foto mas celebre sintetiza todo este movimiento
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Pop art El arte pop surgió en la década de 1950, es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en
obras de grandes proporciones es de los últimos movimientos del arte moderno
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fue un importante movimiento artistico del siglo XX que se caracteriza por el
empleo de imagenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicaci�n,
tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y
del mundo del cine.
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Buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes.
El pop art…
� Surgió en el reino Unido y de ahí pasó a Estados unidos.
� Popular, pasajero, prescindible, barato, producido en
masa, joven, ingenioso, provocativo.
� Aparece en reacción contra el prolongado dominio del
estilo moderno durante la posguerra.
� Los artistas pop rechazaban la gran seriedad, la
angustia y el elitismo asociados al estilo internacional de
abstracción.
El pop art…patrick caulfield
� Pintor Inglés y artista gráfico conocido por sus lienzos
audaces, que a menudo incorporan elementos de
realismo fotográfico dentro de una escena minimalista .
� Las pinturas de Caulfield son figurativas , a menudo
retratando algunos objetos simples en un interior. Por lo
general, se utiliza áreas planas de color simple rodeado
de contornos negros. Algunas de sus obras están
dominados por un solo tono .
El pop art…andy warhol... En el futuro todo mundo tendra 15
minutos de fama
� Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo
expresionista hasta reducir la obra a una repetición
seriada de un elemento popular procedente de la
cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de
comunicación.
� Dicha evolución alcanzó su cota máxima de
despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar como
método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía
El pop art…andy warhol
� Sus ejemplos más representativos son las series
dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth
Taylor o Mao Tse-tung, así como su célebre tratamiento
de las latas de sopa Campbell.
� El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente
reconocibles por todo tipo de públicos, como las latas de
sopa o los botellines de Coca-Cola, se convierte en uno
de los rasgos más interesantes y estables de toda su
producción.
El pop art…roy lichtenstein
� . En sus obras no sólo flotan la publicidad y los cómics
sino que las modas de los sesenta tienen una
relevancia indiscutible.
� Este genio del arte Pop, que se encargaba de destruir
las obras que no quería dejar como herencia al mundo
artístico, fue profesor y escaparatista, antes de
hacerse un sitio importante en la década de los sesenta
con un estilo inspirado en la publicidad y la cultura de
masas.
El arte pop hacia uso de la ironia y de la parodia para contrarrestrar el
simbolismo personal del expresionismo abstracto pero el de inglaterra era mas
academico y estaba alimentado por ideas sobre la cultura estadounidense vista
desde lejos
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La mayoria de las obras de este estilo son consideradas incongruentes ya que no hacían tanto énfasis en el
arte sino en las actitudes que lo conducen
tarea Diseña un periódico de la Bauhaus, notas, entrevistas, reportajes, exposiciones artistas, deta l la y resa l ta d iver sos sucesos y acontecimientos de la época con detalles y características propios del estilo desarrollado en la Bauhaus… formato doble carta vertical.
bibliografia
� HISTORIA DEL DISEÑO GRAFICO. PHILIP B. MEGGS, ALSTON W. PURVIS.
� HISTORIA DEL ARTE. LAURA MENDOZA MARISCAL.
� Caviar Dreams
� Lemon/milk
� CafÈ & brewery
� ViCtoriA Victoria Free Ornamentes
� Veneer extras Veneer extras
� hipster icons
� Cool cool stuff tip
og
ra
fia
