Taller de Iniciación. (Trabajos)

Concepciones del arte. ……………….……2 - 12

Concepciones del teatro y la actuación…… 13- 27

Procesos creativos ……………………… 28- 31

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CONCEPCIONES DEL ARTE

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Concepto de Arte

Al hablar sobre arte debemos tener en cuenta de que se está hablando de una norma moderna que tiene su posición dentro de la ciencia y la cultura, y por ello se enfrenta a problemas como concepto, método, fuentes y bibliografía; así por tanto debemos tener en cuenta la Historia del Arte ya que está compuesta por el arte y por la historia.

En relación con la obra de arte los términos forman y significado son de uso común, y son por tanto aspectos constitutivos de la obra de arte, en torno a los cuáles giran numerosas cuestiones estéticas. Son aspectos distintos pero estrechamente relacionados. También son aspectos flexibles, hasta el punto de que la flexibilidad de éstos permite que de un mismo significado puedan expresarse formas diferentes, y a través de una forma se puedan expresar varios significados.

El arte se representa de varias formas: la plástica, la música, el cine. El teatro, la danza, la arquitectura, etc. Puede ser visto o percibido por el hombre de tres maneras: visualizadas, oídas o mixtas (audiovisuales) El artista precisa del arte y de la técnica para comunicarse la obra de arte es un hecho histórico y no se puede analizar solo desde un punto de vista estético.

Ya que hablando de determinado espacio y tiempo es donde surge alguna técnica alguna relación con la obra que se está presentando Según Hauser, las obras de arte son provocaciones con las cuales polemizamos. Interpretamos las obras de acuerdo con nuestras propias finalidades y aspiraciones, les trasladamos un sentido cuyo origen está en nuestras formas de vida y hábitos mentales. Nosotros de todo el arte con el cual tenemos una relación auténtica, hacemos un arte moderno.

Para Platón, la idea del arte está ligada al concepto de la belleza y la belleza. Estos temas han sido objeto de estudio a lo largo de la historia de la filosofía. Platón fue el primero en ser interrogado sobre lo que debe ser bella y hermosa se identifica con el bien, la verdad y la perfección. Afirma que la belleza existe en sí mismo, separado del mundo tangible. Una cosa es más o menos bella de acuerdo a su participación en la idea suprema de la belleza. En este sentido criticó el arte que se limitó a “copiar” la naturaleza, el mundo sensible, eliminando así la belleza del hombre está en el campo de las ideas.

Crear un concepto de arte único sería imposible porque cada persona tendría su concepto o su concesión sobre cómo ve el arte y que trabajo considera arte, la vista de varios autores e investigadores han tratado de dar un concepto desde su punto de vista.

José Vicente Pérez Márquez

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Concepciones del arte

En esta parte trataremos de revisar algunas concepciones del arte, en el entendido que la definición de arte es insuficiente para caracterizar lo que es una obra de arte y lo que resulta mero pseudoarte. También en este terreno existen múltiples concepciones de lo que es el arte. Como sabemos ya, algunos teóricos piensan que lo esencial del Arte es que sea conocimiento o representación de lo externo, revelación de verdades esenciales. Pero no faltan los que afirman que lo central del arte es que sea expresión de la interioridad humana. También existen los filósofos y creadores que dicen que el arte es, principalmente, diversión y juego creativo. Otros señalan que lo fundamental del arte es la ampliación de la autoconciencia humana. Si no se delimita lo artístico, muchos productos que difunden los Medios de Comunicación de Masas podrían tomarse como tales. Se impone, entonces, la necesidad de ir más allá de una definición del arte y manejar concepciones globales de lo que es lo artístico.

Oyarzún piensa que el arte contemporáneo ha ido rápidamente perdiendo la noción de un solo y privilegiado eje ordenador, cuyo centro lo constituye la figura humana, de raíz grecolatina y que ha dado sentido histórico y continuidad a las artes plásticas, adentrándose hoy en aventuras completamente extrañas a esta norma fundamental, investigando, por ejemplo, formas mecánicas -opuestas a las vitales- “que abandonan toda referencia a la figura humana y que, con toda su inexpresividad aparente, se proyectan en perfección geométrica o en agresividad que no se enlaza con ninguna tradición”.

El arte clásico, en cambio, nunca sufrió de tales contorsiones y en consecuencia jamás tuvo carácter enigmático ni conflictivo, ni para sus creadores ni para sus contempladores contemporáneos. Por el contrario, una secreta angustia, a veces no disimulada, aqueja el alma del contemplador y del creador actual. Este fenómeno se encuentra, piensa Oyarzún, estrechamente ligado con la inconformidad y rebeldía que mantiene el hombre contemporáneo con su sociedad y sus valores. Rousseau ya escribió, preludiando esta nueva sensibilidad: “Hallo en mí un vacío inexplicable que no he podido llenar, cierto impulso de mi corazón hacia otra fuente de placer de la que no tengo conocimiento y cuya necesidad siento sin embargo (...). Encerrado mi corazón en los límites de los seres, se encontraba demasiado oprimido; yo me asfixiaba en este universo; hubiera querido lanzarme hacia el infinito”.

De aquí arranca -y de Delacroix precisamente-, piensa Oyarzún, un sentimiento nuevo y problemático del arte contemporáneo. Persiguiendo sueños y seres ignorados el arte se ha hecho más metafísico y más psicológico. “El arte, en los últimos cien años, escribe Luis Oyarzún, ha perseguido una belleza que no coincide con la belleza natural... y se ha lanzado más bien hacia una vía cognoscitiva que deleitante y, por lo mismo, más trágica en la relación de sus imágenes, para acercarse a algo que tiene que ver también con la aprehensión del ser”. El arte, como cualquier expresión humana, no es un fenómeno autónomo que pueda explicarse y comprenderse prescindiendo de la fuente en la que se gesta, nace y desarrolla. La sociedad y la cultura, insiste Oyarzún, son los ámbitos naturales en los que se inscribe la problemática que conlleva cada arte.

Stephani Solar García

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Arte

Al hablar de arte debemos tener en cuenta de que estamos hablando de una disciplina moderna que tiene su posición dentro de la ciencia y la cultura, y por ello se enfrenta a problemas como concepto, método, fuentes y bibliografía; así por tanto debemos tener en cuenta que la Historia del Arte está compuesta por el arte y por la historia. La Historia del Arte no es una disciplina cerrada, sino que trata de acometer el estudio del fenómeno artístico desde una perspectiva histórica; por tanto de lo que se trata es de reconstruir los elementos determinantes de la obra y las funciones y significados que la obra tuvo en un momento en una sociedad histórica concreta.

El origen del arte reside en la sensación, el recuerdo y el mimetismo. La expresión del lenguaje artístico comenzó a ser utilizada a partir de mediados del siglo XX, en un momento en que los avances de la lingüística y el interés por analizar los léxicos propios de cada profesión comenzaron a realizarse bajo la forma de diccionarios específicos.

La lingüística aplicaría sus propios métodos y enfoques comenzando a considerar el arte como un lenguaje en sí mismo, y las obras de arte como palabras.

Lenguaje artístico significa el reconocimiento y la compresión del arte como una estructura de signos de comunicación, y tenemos que recordar lo que se entiende por lenguaje dentro de la lingüística: conjunto de signos y reglas que permiten la comunicación.

Facultad de personas para crear, imitar lo material o inmaterial, con fines estéticos, valiéndose de la materia, sonido, imagen, gesto o lenguaje.

Arte es todo aquello que resulta cuando alguien en el mundo toma cual cualquier cosa material y produce con él una manifestación deliberada, el arte es todo eso, concebido como una síntesis sensible amalgamada por una valoración estética que se manifiesta en expresión, armonía, proporción y perfección técnica, llevando dentro de sí, la escancia de lo universal.

Es un instrumento eficiente de comunicación, un lenguaje que expresa determinados aspectos sociales e ideológicos. Actividad en la que el hombre recrea, con una finalidad estética, un aspecto de la realidad o un sentimiento en formas bellas valiéndose de la materia, imagen o sonido.

El arte popular solamente tiene sentido en contraposición del “arte señorial” el arte es una masa popular que al contrario no se han dividido en clases dominantes y de servidumbre de gran pretensión no puede ser llamado arte.

La noción del arte está hoy sujeta a profundas polémicas esto debido a que el significado de la palabra “arte” varía según la cultura, la época, el movimiento o el grupo de personas para las cuales el termino es productor de sentido.

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Concepciones de Arte

Cuando empecé a escribir este texto, no tenía ninguna idea clara sobre cómo abordar este tema. Con forme leí algunas fuentes y profundicé lo que opinaban otras personas sobre lo que es el arte, llegué a la conclusión de que “arte” es un concepto muy subjetivo. Así que lo más correcto sería acercarse a él y, entonces, crear tu propia concepción de arte. Porque no es algo que se pueda simplemente definir (aunque muchos lo han hecho ya); es algo que se puede concebir de una forma o de otra según puntos de vista diferentes.

Para tener más claras estas situaciones, decidí empezar citando cinco definiciones, tal vez no contradictorias, pero sí muy diferentes unas de otras, que han propuesto diferentes estudiosos, filósofos y maestros sobre el tema.

“El arte es la libertad del genio” dice Adolf Loos, por otro lado, Max Dvorák dice “el arte es el estilo”; Marcel Duchamp opina que “el arte es la idea”, y Jean Dubuffet que “el arte es la novedad. Supongo que por estos conceptos tan diferentes es que Dino Formaggio propuso que “el arte es todo aquello que los hombres llaman arte”. En este punto estoy de acuerdo, ya que al tomar este último concepto quiere decir que deja a cada quien formular su propia definición de arte y tomar como tal lo que considere arte.

Incluso la misma Academia de la Lengua coincide en su Diccionario que, el término arte, es un concepto ambiguo. Tanto así que su definición ocupa un espacio considerable. El que se refiere al ámbito artístico es: “Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros”. Los demás conceptos hablan del arte como una habilidad, lo cual no está muy alejado desde mi punto de vista.

Así como mencioné concepciones del arte que tienen y que han propuesto algunas personas, hay muchísimas otras que han opinado ya sea semejante o totalmente diferente. Sin embargo, ninguno de ellos está equivocado, porque, como ya había comentado, cada individuo tiene su manera de concebir el arte, y cada quién tiene el derecho de exponer su propia perspectiva.

Diciendo esto último, ya puedo armar mi propia concepción. Yo opino que el arte es un medio que el hombre utiliza para expresar aquello que no puede decir de otra forma. Es un recurso meramente humano, ya que está asociado a la razón, a la trasmisión de ideas, sentimientos y emociones de una forma figurativa o abstracta.

Muchos han argumentado de diferentes maneras sus concepciones de arte, sin embrago, al pensar que tantas personas han profundizado sobre el tema, podemos llegar a la conclusión de que todos coinciden en que el arte es elemental.

Alessandra Pascual Carvallo

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Diferentes concepciones del arte

Se define al arte (del latín ars) como el concepto que engloba todas las creaciones realizadas por el ser humano para expresar una visión sensible acerca del mundo, ya sea real o imaginario. Mediante recursos plásticos, lingüísticos o sonoros, el arte permite expresar ideas, emociones, percepciones y sensaciones.

La historia indica que, con la aparición del Homo Sapiens, el arte tuvo una función ritual y mágico-religiosa, que fue cambiando con el correr del tiempo. Es por eso que la definición de arte varía de acuerdo a la época y a la cultura.

Aun así, hay concepciones que no cambian, como la clasificación utilizada en la Grecia antigua que incluye seis disciplinas dentro del arte: la arquitectura, la danza, la escultura, la música, la pintura y la poesía (literatura). Más adelante, comenzó a incluirse al cine como el séptimo arte. También hay quienes nombran a la fotografía como el octavo arte (aunque suele discutirse que se trata de una extensión de la pintura) y a la historieta como el noveno (sus detractores indican que es, en realidad, un puente entre la pintura y el cine). La televisión, la moda, la publicidad y los videojuegos son otras disciplinas que, en ocasiones, son consideradas como artísticas.

Por otro lado, con el Renacimiento italiano, a fines del siglo XV, comienza a distinguirse entre la artesanía y las bellas artes. El artesano es aquel que se dedica a producir obras múltiples, mientras que el artista es creador de obras únicas.

Precisamente es en el Renacimiento Italiano donde se encuentra una de las etapas más importantes de la Historia del Arte, tanto por los magníficos artistas que en ella trabajaron, como por las sorprendentes obras que los mismos acometieron y que hoy son alabadas en todo el mundo.

Así, por ejemplo, se tiene que destacar a figuras de la talla de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Donatello, Tiziano o Rafael. Y en cuanto a creaciones se encuentran, por ejemplo, “La Gioconda”, “La Capilla Sixtina”, “Gattamelata”, “Venus de Urbino” y “Los desposorios de la Virgen”, respectivamente.

De esta manera podemos ver que van surgiendo distintas modificaciones respecto al arte a lo largo del tiempo, pero lo que permanece inmutable son los parámetros establecidos que la caracterizan; es decir, lo que en algún punto de la historia fue considerado arte no va a dejar de serlo en el futuro.

Jacqueline Guzmán

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Resumen de las concepciones de teatro de Jorge Dubatti.

El teatro parte de una postura historicista que pretende otorgar un estatus ontológico al arte teatral. Dubatti define como un acontecimiento –un encuentro vital- que solo tiene sentido en el espacio del convivio entre artistas y público. La postura historicista implica una perspectiva pluralista al reconocer que la creación de cada pieza artística está completamente permeada por el contexto histórico. Dubatti espera controvertir la postura europeizante que ve al teatro como un ente universalista y ahistórico.

El teatro como poiesis, objeto y proceso de producción, implica autonomía de la realidad cotidiana. Un “mundo otro” que abre una serie paralela y se coloca en una posición metafórica y autónoma para contribuir una entidad ontológica sujeta al proceso histórico. El teatro tiene la capacidad de sintetizar la manera como cada cultura percibe la realidad.

La concepción de teatro es la conciencia que tiene el teatro de cada época sobre la conjunción de estos elementos. Esa misma condición histórica implica que la creación está sujeta al cambio de perspectivas. Y si bien cada concepción del teatro tiene un “carácter de necesidad” para la construcción poética que se sustenta en ella.

Teoría de actuación de Vséolod Meyerhold (1874-1940) Alumno de Stanislavski.

El introdujo el concepto de Biomecánica que es el autoentrenamiento del actor. Partia de las experiencias y dinámicas llevadas a cabo en su “studio”, donde formaba a jóvenes actores. Para el, todo el cuerpo participa en cada uno de nuestros movimientos; teniendo en cuenta que a su parecer el trabajo del actor es la creación de formas plásticas en el espacio, debe estudiar y ser un perfecto conocedor de la mecánica de su propio cuerpo, pues cualquier manifestación de fuerza está sujeta a las mismas leyes del movimiento y la interpretación del actor no es otra cosa que una manifestación de fuerzas del cuerpo humano.

Meyerhold creó un método de ejercicios de entrenamiento de actores, que es un medio tanto para el entrenamiento físico como para el conocimiento de si mismo. La naturaleza del actor debe ser especialmente apta para responder a los reflejos, reproducir los movimientos, el sentido y la palabra, una tarea propuesta desde el exterior.

Jerzy Grotowki (1933-1999) Polaco creador de un laboratorio teatral en Opole en 1959.

Crea lo que llama “teatro pobre”, un teatro que puede existir sin maquillaje, sin vestuario, sin escenografía, sin iluminación, sin efectos de sonido etc. Solamente existe una cosa sin la cual no existiría el teatro: La relación que hay entre el actor y espectador. El actor

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transforma mediante el uso controlado de sus gestos, el cuerpo siempre ha sido la herramienta principal del actor, no es necesario tener tantas cosas, se puede crear música por medio del cuerpo, el cuerpo del actor ilumina el escenario. Incluso se dice que el actor puede existir sin un texto. Por eso mismo Grotowski define al teatro como “lo que Sucede Entre El Espectador y el actor”.

Grotowski se entrenó con los métodos de Stanislavski, también le fueron atractivos el entrenamiento biomecánico de Meyerhold. Esas técnicas no las enseñaban como una colección de métodos prefabricados porque conducen a un estereotipo, sino a la destrucción de obstáculos. En la búsqueda de su teatro, quería quitar el cliqué. Por ejemplo, cuando se diga “buenos días” no sea siempre de buen humor o cuando representas a un loco no lo hagas como retrasado mental.

Abraham Yasiel Rodríguez Prado.

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CONCEPCIONES DEL ARTE.

A lo largo de mi vida he asistido a diferentes manifestaciones artísticas, ya sea a obras de

teatro, a exposiciones de pinturas, esculturas o fotografías en diferentes galerías o espacios,

he visto funciones de danza y escuchado algunos recitales o conciertos; pero a lo largo de

mi vida, ha habido momentos que al estar presenciando cualquier acto artístico, me he

pregunto: ¿Por qué lo que estoy viendo es arte? ¿Qué criterios debe abarcar para que algo

sea arte? ¿Cuál es el objetivo de hacer arte, en mi caso, de hacer teatro? ¿Por qué los

humanos hacemos arte, acaso es el ocio del hombre? ¿De dónde surgió esto del arte? ¿Qué?

Para Aristóteles el arte es la imitación de la naturaleza, de aquello que rodea al hombre; una

producción humana realizada de manera consciente, como las comedia y la tragedia, que

según él, la primera es la imitación de la vida cotidiana llevada a un plano ridículo, y la

segunda es en esencia una imitación, no de las personas, sino de la acción y la vida, de la

felicidad y la desdicha.

Platón en cambio, el arte es producto de una copia, que a la vez es una imitación de la

forma verdadera. De manera que un artista está alejado dos veces de la verdad. Por último

Hegel, en su texto “Necesidad y fin del arte”, plantea al arte como la representación, no de

la forma, si no del principio interno y vivo de la naturaleza. Menciona que es “una creación

del espíritu, y que al pertenecer al dominio del espíritu, el haber recibido el bautismo del

espíritu; en una palabra, no representa más que lo que ha sido concebido y ejecutado bajo la

inspiración y la voz del espíritu”.

Posterior a haber leído ésta ideas, llegué a la conclusión de que como habla Aristóteles en

su poética sobre la necesidad del hombre por crear algo divino que justificara los sucesos

que antes no podía explicarse; pienso que el hombre también ha creado el arte como medio

para llegar, acercase o incluso volverse, ese algo divino, pues el arte y Dios, el hombre y la

naturaleza, así como la belleza del trabajo del hombre y la creación de lo divino, no son

más que producto de una necesidad del ser humano, para poder expresar, y expresarse.

Lesly Marissa Espinosa Gutiérrez.

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“Lo que mis ojos ven, mi cuerpo interpreta”

Concepciones de arte.

Si tomamos en cuenta la definición que el diccionario da de la palabra “arte”,

encontraremos que no es sino la obra o actividad humana a través de la cual el hombre

puede expresar lo inmaterial, crear belleza y suscitar emociones. No obstante me encuentro

con una primera descripción en dicha definición, surgiéndome la siguiente interrogante ¿el

arte sólo e encarga de expresar belleza?, no es acaso el arte la más subjetiva de la

expresiones humanas, no depende acaso la producción del producto artístico de aquél que

observa el mundo que le rodea. Si atendemos a la definición clásica de Aristóteles, en la

que arte es “imitatio”, la creación artística dependerá de su ejecutante, siendo así que, como

diría Humberto Eco, es posible encontrar belleza en la fealdad y no podríamos percibir la

belleza del mundo sin su opuesto “la fealdad”.

Pero ¿cuál es la naturaleza del arte? Para Hegel, el fin más corriente del arte, es la visión

clásica de imitación, pues no basta con reproducir lo que la naturaleza ya ofrece a la mirada

del hombre. El arte tiene por fin representar no sólo la forma exterior de las cosas, si no su

principio interno vivo, en particular las ideas, los sentimientos, las pasiones y estados del

alma.

Entonces pues, el arte tiene que trascender la simple imitación, para traducir el mundo que

observa en un lenguaje que rompe con lo cotidiano. El lenguaje y la comunicación artística

es extra cotidiana, y representa de manera subjetiva el mundo que nos rodea. La naturaleza

del arte puede ser comprendida y gozada por todos los hombres, porque siguiendo a Bretch,

todos los hombres lleven en sí algo de artístico.

El arte en toda su dimensión es alógica e irracional (vid. Samuel Ramos) no podemos

definir la belleza en una concepción estándar, recordemos el intento de Platón al filosofar

en torno a éste. Al ofrecernos su concepción de la belleza no hace sino establecer su

prioridad y su punto de vista como el principio rector y normativo de los juicios de valor

estético al que pretende llegar. No así, que lo único que logra conseguir es alejarse de la

naturaleza sensible de la belleza al llevarla a l universo de lo inteligible. Si la belleza se

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concibe desde la razón, del mismo modo en que se ha pretendido englobar el concepto de

arte, ambos quedarán vacíos.

En el arte” nada es verdad y nada es mentira, todo depende del color del cristal con que se

mira”.

Luis Fernando Arroyo Mendieta.

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CONCEPCIONES DEL TEATRO Y LA ACTUACIÓN

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CONCEPCIÓN DEL TEATRO Y ACTUACIÓN.

Concepción que tenía Federico García Lorca Sobre el teatro: Tengo un concepto del teatro en cierta forma personal y resistente. El teatro es la poesía que se levanta del libro y se hace humana, Y al hacerse, habla y grita, llora y se desespera. El teatro necesita que los personajes que aparezcan en escena lleven un traje de poesía y al mismo tiempo que se les vean los huesos, la sangre. Han de ser tan humanos, tan horrorosamente trágicos y ligados a la vida, y al día con una fuerza tal, que muestren sus traiciones, que se aprecien sus olores y que salga a los labios toda la valentía de su palabra llenas de amor o de asco. Lo que no puede continuar es la supervivencia de los personajes dramáticos que hoy suben a los escenarios llevados de la mano de sus autores. Son personajes huecos, vacíos totalmente, a los que solo es posible ver a través del chaleco un reloj parado, un hueso falso o una caca de gato de esas que hay en los desvanes. Se escribe en el teatro para el piso principal y se quedan sin satisfacer la parte de butacas y los pisos del paraíso. Escribir para el piso principal es lo más triste del mundo. El público que va a ver cosas queda defraudado. Y el público virgen, el público ingenuo, que es el pueblo, no comprende cómo se habla de problemas despreciados por el en los patios de vecindad.

 Ser actores pensantes, que trasmiten un texto literario a través de los sentimientos desde lo más interno y llevarlo así afuera darle vida a un texto, ser actores en un cuerpo vivo no en un cuerpo muerto, una conexión del actor con el texto dramático.

La Actuación es un fenómeno artístico que posee características específicasQue la convierten en objeto de indagación teórica y de apreciación estética.Sin embargo, la concepción tradicional con la que se la ha entendido durante buena parte de la historia del teatro en Occidente, la supedita a parámetros elucidación ajena. En gran medida, la desestimación de la Actuación como Actividad artística, es tributaria de la caracterización del sujeto actor como Mero “intérprete”, y de la concepción dualista del cuerpo asociada al mismo.

Davis Carlos Arenas Romero

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Concepciones de Teatro

La palabra Teatro proviene del griego theatrón, que significa “lugar de donde se mira”,

pero nosotros también lo usamos para referirnos, en este caso, “lo que se mira”. El teatro es

pues, la representación que un actor hace de un personaje ante un espectador (Adame,

2006: 265). Sin embargo, el teatro no fue siempre como lo conocemos ahora; es un arte

muy antiguo y por ello ha cambiado con el paso del tiempo.

El teatro surgió, casi simultáneamente en diferentes civilizaciones antiguas, como rituales

religiosos; rituales a sus respectivos dioses. Estas civilizaciones eran la griega, la romana y

la hindú.

Más adelante, se transformó, y en lugar de ser un rito se convirtió en un medio de

entretenimiento. Por muchos años, en la edad media, se utilizaba para evangelizar al pueblo

“ignorante”. Así, se hacían representaciones religiosas donde se representaban historias

bíblicas y estaba prohibido el teatro profano.

En la edad moderna, el teatro pasó del teocentrismo al antropocentrismo, se hicieron obras

más naturalistas que intentaban reflejar las cosas que se vivían en la vida cotidiana y, de

ellas, hacer historias extra cotidianas.

Desde entonces, el concepto de teatro no ha cambiado mucho. Es la representación

dramatizada de la realidad; agregándole ciertos matices que lo vuelven, muchas veces,

transmisor o generador de sentimientos.

Los siguientes cambios que se presentaron dentro del arte teatral, fueron, principalmente,

cambios relativos a la temática de las representaciones y un poco en la forma de

representarlas. Sin embargo, siempre se mantuvo el concepto original.

A pesar de estos cambios que pudiesen surgir con el paso del tiempo, el teatro no ha dejado

nunca de ser lo que fue desde un principio: una representación dramática ante un público.

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CONCEPCIONES DE LA ACTUACIÓN

La actuación es un fenómeno artístico que posee características específicas que la

convierten en objeto de indagación teórica y de apreciación estética. En gran medida, la

desestimación de la actuación como actividad artística es tributaria de la caracterización del

sujeto quien es el actor como mero interprete. 

La actuación es una obra de arte en las que las instancias del productor y soporte confluyen

en la persona del actor. Pero esta coincidencia ha sido problemática a lo largo de la historia

del teatro y ha provocado la desestimación del actor como creador.

La actuación comienza con la búsqueda personal del actor para conocer y entender a su

personaje que puede ser ficticio o estar basado en la realidad. El cuerpo es entendido

entonces como un objeto al cual debe adiestrarse, con el fin de que obtenga la docilidad

necesaria exterior. En la mayoría de las veces la actuación incluye una caracterización

física que se logra gracias al vestuario, maquillaje, pelucas, efectos visuales y otras

herramientas. El objetivo del actor es resultar creíble y verosímil, logrando que es

espectador pueda introducirse en la historia y suspender la noción de la realidad. 

Se puede decir entonces que la actuación es lo que sucede también con las otras artes

llamadas "Artes interpretativas" las cuales se caracterizan por que son ejecuciones artísticas

que no producen un objeto como resultado, por lo que la obra se halla en la ejecución

misma. 

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Concepciones del teatro

El teatro es acontecimiento de la cultura viviente, en los cuerpos, en el espacio y el tiempo, acontecimiento efímero que construye entes efímeros. El teatro dura lo que dura el acontecimiento irrecuperable, por eso la historia del teatro es la historia del teatro perdido.

La Poética Comparada afirma que, considerada en su territorialidad y a partir de su condición de trabajo humano, toda poética teatral se sustenta en una concepción de teatro. A lo largo de la historia se han configurado diversas concepciones de teatro, por lo que no todos los acontecimientos teatrales de épocas diferentes, e incluso coetáneos (en el mismo momento histórico), pueden ser pensados y abordados de la misma manera. La concepción de teatro es parte constitutiva de la poética y condiciona la base epistemológica desde la que el historiador la comprende.

Llamamos concepción de teatro a la forma en que, ya sea práctica (implícita) o teóricamente (explícita), el teatro se concibe a sí mismo y concibe sus relaciones con el concierto de lo que hay/existe en el mundo (el hombre, la sociedad, lo sagrado, el lenguaje, la política, la ciencia, la educación, el sexo, la economía, etc.). Llamamos base epistemológica para el estudio de dicha poética a los supuestos y consideraciones teóricas, metodológicas, historiológicas y analíticas que realiza el investigador respecto de la territorialidad de la poética; la determinación de la base epistemológica dependerá de su posicionamiento respecto de la concepción de teatro. Queda claro que concepción de teatro y base epistemológica están estrechamente ligadas.

Dubatti lo define como-un encuentro vital- que solo tiene sentido en el convivio entre artistas y público. Además, la postura historicista implica una perspectiva pluralista al reconocer que la creación de cada pieza artística está completamente permeada por el tiempo, el espacio y la sociedad en la que se genera. Parte de la idea de que el teatro, como poiesis, objeto y proceso de producción, implica la autonomía de la realidad cotidiana; es decir el teatro es un fenómeno que cambia según la época, el contexto y la sociedad particular en la que aparece.

La concepción del teatro es la conciencia que tiene el teatro de cada época que sobre la conjunción de estos elementos.

Stephani Solar García

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Concepciones del Teatro y la Actuación

El desarrollo del Arte Teatral a través de la historia ha conocido 2 formas de comunicación con el público para el logro de sus objetivos: la primera propone la inmersión psicológica (mental-emocional) del público en los acontecimientos que se narran en la acción dramática sobre el escenario. Se refiere al teatro denominado Aristotélico, por haber sido el filósofo griego quien dictara las pautas esenciales de su mecánica en la teoría de la triple unidad (de Tiempo, de Lugar y de Acción). Se conoce esta forma de comunicación de los ejecutantes con el público con el nombre de: “Teatro de la Ilusión”.

La segunda propone en cambio la observación del espectáculo, por parte del público, con una actitud objetiva y crítica, lo cual no presupone, como erróneamente se ha hecho creer, la ausencia de la emoción. Todo lo contrario, esta proposición pretende lograr en el público la emoción fundamentada en el análisis objetivo y crítico del sucedido dramático que se narra sobre el escenario. Se refiere ahora al teatro denominado Brechtiano, por deberse al dramaturgo alemán Bertolt Brecth, la proposición de esta forma de construcción del espectáculo dramático. Esta forma de comunicación teatral es conocida con el nombre de “Teatro del distanciamiento”, haciendo referencia a la distancia que el público mantiene (con su actitud objetiva y crítica) en relación con el sucedido dramático narrado en acción sobre la escena.

Aun cuando se trata de 2 formas de comunicación teatral con objetivos parcialmente contrarios (ya que no se trata de eliminar la emoción sino de llegar a ella por caminos opuestos, la inmersión y el distanciamiento), ninguna de ellas puede prescindir de una buena y creativa actuación por parte de los actores. La diferencia reside entonces, en la forma de construcción del espectáculo con los aspectos autoral, escenográfico y actoral. Baste decir que al trabajar con la técnica del distanciamiento, rompiendo la unidad del tiempo, de lugar y de acción, el autor y el escenógrafo estructuran su trabajo siguiendo las pautas brechtianas y nos las aristotélicas. De la misma manera el actor aplica dichas pautas a su método de actuación, pero no deja por ellos de utilizarlo.

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CONCEPCIONES DEL TEATRO Y LA ACTUACIÓN:

OPINIONES

Considerando las fuertes opiniones de Jean Duvignaud, Josette Féral, y Jorge Dubatti: el teatro ha sufrido fuertes transformaciones en su concepción y su relación con la sociedad.

La Poética Comparada afirma que, considerada en su territorialidad y a partir de su condición de trabajo humano, toda poética teatral se sustenta en una concepción de teatro.

Según Jorge Dubatti: “A lo largo de la historia se han configurado diversas concepciones de teatro, por lo que no todos los acontecimientos teatrales de épocas diferentes, e incluso coetáneos (en el mismo momento histórico), pueden ser pensados y abordados de la misma manera. La concepción de teatro es parte constitutiva de la poética y condiciona la base epistemológica desde la que el historiador la comprende”.

Antiguamente se creía que un buen actor era quien era capaz de memorizar grandes cantidades de texto, y decirlo con fluidez y sin errores de pie en un escenario. Pero todo esto cambia con la nueva visión de Stanislavski; el teatro y en particular actuar o accionar pasa a ser todo un entramado de acciones, emociones, pensamientos, sensaciones y voluntades; sustentados en la fe escénica, con un solo propósito: el sentido de verdad.

“Se trata de hacer y en ese hacer se va construyendo la credibilidad, el proceso se origina en otro lugar”. Es lo que menciona Jorge Eines en su libro “Hacer contra actuar” y prosigue “Ésa es la esencia de la actuación. No sirve de mucho saber de memoria un texto o entender por qué Hamlet dice «Ser o no ser, ése es el dilema». Tampoco es educarse para ser un memorizado de palabras escritas por otro y emitirlas con claridad. Lo específico de la tarea es la capacidad e modificar para ser modificado, de escuchar para ser escuchado y de mirar para ser mirado”.

Los actores que han representado a Hamlet son muchísimos (estudiantes incluidos). Sin embargo, son pocos los que se propusieron aprender con el personaje. El príncipe danés no es un muchacho que busca modos de vengar el asesinato de su padre. Hamlet es la profunda discusión ética sobre la decisión y la responsabilidad, sobre como las cuestiones internas ante los obstáculos externos chocan de manera irresistible, y cuestionan la propia existencia. El discurso de Artuad, que supone, para el teatro, la fusión entre lo técnico y lo poético, fue retomado por Grotowsky, teórico que notó el valor del cuerpo como instrumento del actor.

Para Artaud, el teatro debe ser mágico y el director un hechicero. En este contexto, el actor es el oficiante de un ritual de liberación, de un exorcismo. Debe descubrir su yo real-especie de fuerza psíquica-metafísica y enterarse de que tiene un doble. Al ser consciente de que está compuesto de dos sombras, debe entrar en el reino metafísico para descubrir su

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yo auténtico, su fuerza psíquica real. Debe ser capaz de reiniciar constantemente esta búsqueda hacia sus orígenes, de recrear su forma. Mientras el actor libera sus inhibiciones y las represiones que coartan al verdadero Yo, exorciza al inconsciente colectivo del público, generando de este modo una interacción que modifica al auditorio y a él mismo.

Hoy día el propósito artístico y la concepción de la actuación, de la obra teatral, y del teatro en sí, en palabras de Paulo Gaiger “es la que puede lograr tocar el corazón de la gente, abrir los ojos del espectador, mover a la persona de su superficialidad”. Pero cuando la estética está ausente, el discurso es vacuo o el objetivo del proceso impreciso, el propósito falla.

El teatro, a través de sus diversos géneros y formas, reflexiona y busca comprender la complejidad, las diferentes realidades, las idas y venidas de la vida humana. Investiga y revela aquello que es invisible a la rutina, que pasa inadvertidamente o es considerado ‘normal’. Si bien hoy día, en muchos otros medios, como el cine, la televisión y hasta los videos de Internet, en la opinión popular se considera que la actuación, más que veracidad y convencimiento es una mezcla de carisma y auto-promoción, yo sigo considerando que una buena actuación es la que despierta una emoción dormida e inesperada en el espectador.

A mi parecer el teatro provoca, cuestiona, sensibiliza; y la actuación evoca vidas humanas.

Silvio Martín Ramos Álvarez

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Conceptos del teatro

Hay conceptos que son fundamentales (teatralmente hablando), de estos son muy eficaces y

certeros a la hora de llevar a debate como analizar una obra o algo mucho más simple:

hablar sobre la misma.

Por ejemplo: para el final de alguna obra teatral clásica. Son dos conceptos el “final

Catástrofe” y el final “Deus ex machina” el primero, es la conclusión, cuando en las obras

clásicas se cumplía el destino del protagonista tal como estaba fijado. Y con el otro: lo

contrario ya que el protagonista se liberaba de su destino o lo cambiaba por completo, se

podría decir que era un “final feliz”. Esto es en cuanto al final de la obra, pero hay otros

más objetivos hacia los personajes es por ejemplo: la “catarsis”. Aristóteles la describe

como: “el punto culminante o clímax. Especialmente en la poesía, drama y tragedia” en

otros términos se refiere a que el personaje alcanza un punto de exaltación que lo libera

ósea lo purifica. Otro más común sería el de la “peripecia”, es uno de los más reconocidos y

más fáciles de detectar en alguna obra puesto que es: el giro inesperado de un

acontecimiento o un accidente.

Otros puntos más directos tienen que ver con el narrador que se presenta en la historia que

se narra por éste. En mi opinión personal de todos los tipos que hay, se encuentran dos que

son los más importantes o resaltables que son: el homodiegético (participa y narra) y el

autodiegético(es el protagonista de la historia).

En conclusión: al tomar en cuenta todos los conceptos que maneje en este ensayo, al hablar,

criticar, debatir etc. Se puede obtener otro perspectiva de la obra que se está manejando, yo

expuse uno de los más conocidos os significativos en mi opinión, ya que tomando en cuenta

estos conceptos se obtiene una crítica (por ejemplo) mucho más provechosa. En mi opinión

ningún observador de teatro debería dejarlos pasar.

Victor Manuel Robles

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TEATRALIDAD

“Es el teatro sin texto, es un espesor de signos y sensaciones, que se edifica en la escena a

partir del argumento escrito, esa especie de percepción ecuménica de los artificios

sensuales, gestos, tonos, distancias, sustancias, que sumergen el texto bajo la plenitud de su

lenguaje exterior. Naturalmente la teatralidad debe estar presente desde el primer germen

escrito de una obra, es un factor de creación, no de realización. No existe gran teatro sin

una teatralidad devoradora, en Esquilo, en Shakespeare, en Brecha, el texto escrito se ve

arrastrado anticipadamente por la exterioridad de los cuerpos, de los objetos, de las

situaciones, la palabra se convierte en seguida en sustancias.”

(ensayos críticos, Roland Barthes)

“Es un modo de representación o un estilo de comportamiento que se caracteriza por

acciones histriónicas, modos y mecanismos, y es por lo tanto una práctica; sin embargo,

también es un modelo interpretativo para describir la identidad psicológica, las ceremonias

sociales, las festividades comunales y los espectáculos públicos, por lo que se trata de un

concepto teórico. “

(Postlewait, 2004, 1)

ACTUACIÓN

La profesionalización de la actuación se inició en Europa en el siglo XVI; en Italia, con las

primeras compañías profesionales de Commedia dell'Arte; en Inglaterra, con las compañías

protegidas por la nobleza en tiempos de la reina Isabel en Francia, con la Comédie

Française.

Las técnicas de actuación han variado enormemente a lo largo de la historia y no siempre

de manera uniforme. En el teatro occidental clásico, los grandes actores, tendían a enfatizar

las emociones con objeto de destacar el contenido de la obra, en la comedia, el intérprete

dejaba rienda suelta a su instinto; los actores japoneses del Nō y kabuki, hacen patentes

determinados estados de ánimo por medio de gestos simbólicos o deliberadamente

exagerados.

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En el teatro moderno se ha impuesto por lo general la orientación naturalista, en que el

actor por medio de adquisición de técnicas corporales, psicológicas y del estudio de sí

mismo y del personaje, procura recrear en escena la personalidad de éste. Tal opción, es

fundamentada a partir de las enseñanzas del ruso Constantín Stanislavski 

Sin embargo, actualmente, a inicios del siglo XXI, este tipo de actuación está siendo

replanteada seriamente. La teatralidad contemporánea requiere una crítica del naturalismo

como simple reproducción del comportamiento humano, pero sin lazos con su entorno.

Actualmente ha habido grandes transformaciones del trabajo de Stanislavski siendo más

importantes las de Antonin Artaud, J. Grotowski, Étienne Decroux y Eugenio Barba. Estas

técnicas, llamadas extra cotidianas, implican una compleja síntesis de los signos escénicos.

Hasta el siglo XVII los actores sólo podían ser hombres. Se consideraba algo de mal gusto

que una mujer actuase en un escenario. Fue en los teatros de Venecia donde se produjo el

cambio que permitió a las mujeres realizar interpretaciones teatrales.

El primer actor del que se tiene conocimiento escrito fue el griego Tespis, que actuó en el

Teatro Dionisio en el año 534 a. C. En el escenario, él habló en primera persona,

interpretando de esta manera a un personaje.

Alina Leticia Cruz Sánchez

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TEATRO Y ACTUACIÓN

El teatro forma parte del grupo de las artes escénicas. Su desarrollo está vinculado con actores que representan una historia ante una audiencia. Este arte, por lo tanto, combina diversos elementos, como la gestualidad, el discurso, la música, los sonidos y la escenografía.Por otra parte, el concepto de teatro se utiliza para nombrar al género de la literatura que abarca aquellos textos pensados para su representación en escena, y también al edificio donde se representan las piezas teatrales.

Los orígenes históricos del teatro están asociados a la evolución de los rituales relacionados con la caza y con la recolección de frutos y alimentos propios de la agricultura, que desembocaron en ceremonias dramáticas a través de las cuales se rendía culto a las divinidades. Estos rituales también sentaban y reflejaban los preceptos espirituales del grupo social.

De todas formas, fue recién en la Grecia Clásica, cuando esta idea religiosa fue llevada a la perfección. Se crearon entonces las representaciones teatrales, donde la coreografía, la música, la recitación y el texto formaban un equilibrio inigualable. Entre los fundadores del teatro tal cual hoy lo concebimos se encontraron los creadores de las tragedias, tales como Esquilo, Sófocles y Eurípides, y de la comedia, género del que siempre ha resaltado Aristófanes. En dicha época tanto comedia como tragedia permitía expresar ideas políticas, sociales y religiosas, necesarias para entender el tiempo en el que se vivía.En el Antiguo Egipto (a mediados del segundo milenio antes de Cristo), por ejemplo, solían representarse dramas con la muerte y la resurrección en Osiris. Ya por entonces se utilizaban disfraces y máscaras en las dramatizaciones.A partir del Siglo XVI el teatro comenzó a alcanzar una gran popularidad en todo el mundo, surgiendo carros ambulantes que ofrecían espectáculos teatrales y anfiteatros creados con el mismo fin. En este período surgió el teatro nacional, que intentaba mostrar valores y elementos populares realzando la importancia de lo relativo a la patria. El español ocupa un lugar importante en este tipo de teatro y en él destacan las figuras de Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderón de la Barca. También en Inglaterra y Francia el teatro popular cobra gran importancia donde destacaron las obras de Shakespeare y de Corneille, Racine y Molière, respectivamente.A menudo se le llama también teatro al género literario que desarrolla las obras que serán representadas en escena e incluso a la disciplina que busca formar a los actores para desempeñarse en este u otros artes dramáticos como el cine o la televisión.El teatro tiene diversas formas, puede ser ópera, pantomima, ballet y muchas otras variantes.

A su vez, el teatro suele estar constituido por una diversidad de elementos que son necesarios a su naturaleza. Por ejemplo, el texto basado en diálogos en primera persona, aunque también una obra puede ser representada a través de la mímica o la danza, sin necesidad de texto escrito. También son fundamentales en una obra la dirección y la actuación. Otros elementos accesorios son la escenografía, el vestuario y el maquillaje.

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En términos de actuación, se pueden contar distintos métodos, como el famoso Método o método Stanislavski, por medio del cual los actores trabajan juntos para desarrollar sus habilidades en un entorno experimental. Este método fue continuado por el Actor’s Studio a cargo de Lee Strasberg. Entre sus alumnos más conocidos se encuentran Robert De Niro, Al Pacino, Marlon Brando y Dustin Hoffman.Existen distintos tipos de teatro, por ejemplo, el teatro kabuki japonés, o el teatro de marionetas, los cuales son muy distintos del teatro isabelino, e incluso del teatro de vanguardia. También pueden contarse el teatro del absurdo o el teatro de improvisación, más comunes en el siglo XX.Algunos de los dramaturgos o escritores de obras de teatro más reconocidos son William Shakespeare, Molière, Bertolt Brecht, y más recientemente, Andrew Lloyd Webber.Entre las obras más célebres se cuentan Romeo y Julieta o, por ejemplo, Cats en Broadway. A su vez, diversas obras literarias se han adaptado para ser interpretadas dramáticamente.

Elementos básicos

El teatro como se ha podido observar, constituye un todo orgánico del que sus diferentes elementos forman una parte indisoluble. Esos elementos, no obstante, poseen cada uno características y leyes propias y, en función de la época, de la personalidad del director o de otras circunstancias, es habitual que se conceda a unos u otros mayor relevancia dentro del conjunto. Estos elementos son:

Texto

Véase también: Libreto.

Las obras dramáticas se escriben en diálogos y en primera persona, en el que existe las acciones que van entre paréntesis, (llamado lenguaje acotacional)

En la tradición occidental, el texto, la obra dramática, se ha considerado siempre la pieza esencial del teatro, llamado "el arte de la palabra". Dado que, de forma más matizada, esta orientación predomina también en las culturas orientales, cabe cuando menos admitir como justificada tal primacía. A este respecto deben hacerse, no obstante, dos consideraciones: en primer lugar, el texto no agota el hecho teatral, pues una obra dramática no es teatro hasta que se representa, lo que implica como mínimo el elemento de la actuación; en segundo lugar, son numerosas las formas dramáticas arcaicas y los espectáculos modernos que prescinden por completo de la palabra o la subordinan a elementos cual la mímica, la expresión corporal, la danza, la música, el despliegue escénico.

El hecho de que la obra sólo adquiera plena vigencia en la representación determina además el carácter distintivo de la escritura dramática respecto a otros géneros literarios. La mayoría de los grandes dramaturgos de todos los tiempos, desde los clásicos griegos al inglés William Shakespeare, el francés Molière, el español Pedro Calderón de la Barca o el alemán Bertolt Brecht, basaron sus creaciones en un conocimiento directo y profundo de los recursos escénicos e interpretativos y en una sabia utilización de sus posibilidades.

Dirección

Véase también: director de teatro.

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La personalidad del director como artista creativo por derecho propio sólo se consolidó, según se apuntó anteriormente, a fines del siglo XIX. Su figura, de cualquier forma, había existido siempre, en cuanto responsable de la coordinación de los elementos que representan, desde la escenografía a la interpretación. A él corresponde, en definitiva, convertir el texto, si existe, en teatro, por medio de los procedimientos que juzgue precisos. Para inducir a la reflexión por los alemanes Bertolt Brecht y Erwin Piscator o el ascetismo del polaco Jerzy Grotowski

Actuación

Artículo principal: Actuación.

Las técnicas de actuación han variado enormemente a lo largo de la historia y no siempre de manera uniforme. En el teatro occidental clásico, por ejemplo los grandes actores, los "monstruos sagrados", tendían a enfatizar las emociones con objeto de destacar el contenido de la obra, en la comedia del arte el intérprete dejaba rienda suelta a su instinto; los actores japoneses del Nō y kabuki, hacen patentes determinados estados de ánimo por medio de gestos simbólicos, bien de gran sutileza o deliberadamente exagerados.

En el teatro moderno se ha impuesto por lo general la orientación naturalista, en que el actor por medio de adquisición de técnicas corporales y psicológicas y del estudio de sí mismo y del personaje, procura recrear en escena la personalidad de éste. Tal opción, evolucionada en sus rasgos fundamentales a partir de las enseñanzas del ruso Konstantín Stanislavski y muy extendida en el ámbito cinematográfico, no es desde luego la única y en último extremo la elección de un estilo interpretativo depende de características del espectáculo y de las indicaciones del director.

Sin embargo, actualmente, a inicios del siglo XXI, la actuación teatral con tendencia naturalista está siendo replanteada seriamente. La teatralidad contemporánea requiere una crítica del naturalismo como simple reproducción del comportamiento humano, pero sin lazos con su entorno. Actualmente ha habido grandes transformaciones del trabajo de Stanislavski siendo las más importantes Antonin Artaud,Jerzy Grotowsky Étienne Decroux y Eugenio Barba. Estas técnicas, llamadas actualmente extracotidianas implican una compleja síntesis de los signos escénicos.

Otros elementos

De forma estricta, se entiende por decorado al ambiente en que se desarrolla una representación dramática, y por escenografía, al arte de crear los decorados. Hoy en día, tiende a introducirse en el concepto de "aparato escenográfico" a todos los elementos que permiten la creación de ese ambiente, entre los que cabría destacar fundamentalmente a la maquinaria o tramoya y la iluminación.

En la antigüedad, la escenografía se hallaba condicionada a limitaciones técnicas y arquitectónicas, circunstancia que se mantuvo durante toda la Edad Media. Fue ya a fines del Renacimiento y, sobre todo, durante los siglos XVII y XVIII, cuando la escenografía comenzó a adquirir realce, gracias al perfeccionamiento de la perspectiva pictórica, que permitió dotar de mayor apariencia de profundidad al decorado, y posteriormente al desarrollo de la maquinaria teatral. En el siglo XIX, con la introducción del drama realista, el decorado se convirtió en el elemento básico de la representación. El descubrimiento de la

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luz eléctrica, en fin, dio pie al auge de la iluminación. Las candilejas, que en principio eran un elemento accesorio, se consideran poéticamente un símbolo del arte teatral.

Estrechamente vinculado con la concepción escénica, se ha hallado siempre el vestuario. En el teatro griego, la tosquedad de los decorados se compensaba por medio de máscaras —trágicas o cómicas— y las túnicas estilizadas de los actores, cuyo objeto era de resaltar el carácter arquetípico de los personajes. Durante el Barroco y el Neoclasicismo adquirieron importancia el maquillaje y elvestuario, si bien éste se empleó a menudo de forma anacrónica —se representaba por ejemplo una obra ambientada en Roma con ropajes franceses del siglo XVII hasta la aparición del realismo. En la actualidad, la elección del vestuario no es sino un elemento más dentro de la concepción general del montaje.

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PROCESOS

CREATIVOS

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PROCESOS CREATIVOS EN TEATRO

 El fenómeno de la creación teatral observado desde el punto de vista de su construcción. Los procesos creativos en diferentes áreas del hecho teatral: dramaturgia, actuación, dirección, puesta en escena, escenografía, etc. La creación artística y sus fundamentos teóricos. La creación artística desde una perspectiva histórica. Procesos creativos en artes escénicas y su vinculación con nuevas tecnologías. Experiencias de creación artística en el contexto de trabajo social, arte comunitario, etc. Procesos creativos en cine, música, plástica, literatura y demás disciplinas artísticas. Aportes de otras áreas de conocimiento al estudio

de procesos creativos (filosofía, semiótica, psicoanálisis, etc.). 

Debemos poner en práctica nuestra imaginación y creatividad, pero mientras más nos piden, menos somos capaces de dar, como afirma C. Baker. Uno de los principales problemas del actor: ‘cuanto más se piensa en lo que se está haciendo. Tanto más difícil es hacerlo’, en cuanto más claramente se haya resuelto lo que se va a hacer en escena, peor será el resultado: entre más resuelto se este, se es menos ‘flexible’ a los demás actores (es decir cuando se entra a escena a hacer que algo ocurra en lugar de dejar que algo ocurra) Cuando no se tiene un proceso, ni una metodología a seguir, cuando prima el resultado, antes que el proceso de búsqueda. Todos en el desarrollo y aprendizaje de la actuación nos enfrentamos alguna vez con este problema. ¿Por qué? Anote anteriormente la influencia de la educación y de los valores de la sociedad, lo que hace que el cuerpo y la mente olviden su capacidad de jugar y crear, enfrentando la tarea creadora de forma rígida, tratando de ‘hacer la escena’, sin mayor búsqueda de acciones, imágenes y conflictos.

Por lo tanto, el camino que se plantea es recuperar nuestra capacidad creadora, el juego, incentivando nuestro intelecto y nuestros sentidos, recuperar la “alegría de crear” como dice meyerhold; pues el arte teatral precisa de la creatividad y el actor, que es el generador del espectáculo, debe encontrar este disfrute. Es a través de la creatividad y el manejo de las leyes y normas de la técnica donde se deposita la base fundamental del arte del actor.

Davis Carlos Arenas Romero

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Procesos creativos

El proceso creativo hace referencia a las fases que se deben seguir para aplicar la creatividad y la generación de ideas para superar un reto o solucionar un problema. Este proceso no es algo sencillo ni es tampoco algo lineal, es un proceso interactivo, se considera también cíclico o recurrente pues en un solo proceso se puede recaer repetidas ocasiones en los primeros datos o tener intuiciones durante todo el proceso, el número de recurrencias a cada etapa depende de la profundidad y amplitud de la situación o problema que se aborda tanto como de la habilidad mental, conocimientos y personalidad de cada persona.

Las personas normalmente tenemos diferencias cuantitativas y cualitativas y a todos nos afectan por igual barreras que hayamos ante el proceso creativo. Las barreras más conocidas son: escasez de energía por la forma de vida que llevamos, escasez de atención y control sobre esta, escasez de disciplina o control sobre nuestra energía, escasez de proyección energética. De todas estas la más perjudicial es la falta de concentración y el control de las unidades de atención. Sin embargo actualmente es posible para todos estos problemas obtener apoyo de la “creatividad aplicada” en forma de recursos y fórmulas para estimular o amplificar el rendimiento en cada etapa.

Durante mucho tiempo las fases del proceso creativo han sido distintas, pues diferentes investigadores se han dado a la tarea de conseguir un orden correcto para la mayor eficacia de este, sin embargo no siempre han coincidido, tenemos aquí una propuesta de lo que podría ser el proceso creativo según la conjunción de las propuestas de varios autores.

Análisis del Reto creativo: En esta fase nos enfrentamos al querer generar ideas, aquí necesitaremos nuestras herramientas de análisis y observación pues con ellas halláremos como sobrellevar nuestra inquietud o solucionar nuestro problema.Generación de Ideas: Aquí buscaremos crear el mayor número de ideas posibles que nos puedan brindar satisfacción ante nuestros retos, es muy importante no juzgar las ideas en esta etapa y simplemente enfocarnos al objetivo de hallar alternativas mixtas con un fin en común.Valoración y selección de las ideas: En esta fase se utilizan criterios tanto subjetivos como objetivos para valorar y clasificar las ideas filtrando las mejores y seleccionando las que puedan ser aplicadas y/o mejoradas una vez que se ha decidido llevarlas a la práctica.

A continuación se muestran 3 de las teorías más aceptadas respecto al orden del proceso creativo:

Graham Wallas, “El arte del pensamiento” (1926): 1. Preparación: Recolección de información 2. Incubación: Etapa en la que se piensa en todas las ideas. 3. Inspiración: se encuentra la solución al problema. 4. Elaboración y verificación: terminado el acto creativo y se elabora la idea.

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Alex Osborno, “Brainstorming” 1960 1. Fase de orientación. Análisis del reto 2. Fase de preparación: recogida del material específico. 3. Análisis: se organiza y rechaza lo que no sirve. Aquí es donde se desarrolla la Tormenta de ideas. 4. Incubación. 5. Síntesis. 6. Evaluación.

Webb Young,“Técnicas de producción de ideas” (1972): 1. Recogida del material. 2. Elaboración en la mente. 3. Incubación en la mente. 4. Alumbramiento de la idea. 5. Configuración y desarrollo.

Podemos concluir según lo investigado que el proceso creativo es un acto que requiere de gran concentración y disciplina por parte de aquel que desee llevarlo a cabo, puesto que no es un proceso lineal con un método especifico y “medidas exactas” sino más bien algo completamente personal y único, ya que el llevarlo a cabo requiere de un análisis no solo de conocimientos pues recordemos que también los razonamientos y sentires individuales mostraran a cada quien la forma en que deberá desarrollar la actividad que quiere según sus habilidades, capacidades e ideales y así superar sus retos y llegar a las creaciones deseadas.

Jaime David Mendoza Portugal

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