¿ Qué es Música Clásica ? ¿ Qué es Música Clásica ?. En realidad, el término debiera corresponder únicamente a la música culta compuesta en el período clásico, de mediados del siglo XVIII hasta principios del XIX. Pero el uso lo ha extendido también a la música seria compuesta entre el medioevo y el presente. Comunmente se le llama "clásica", pero los que saben, dicen que tal nombre se debe reservar para tal música, pero sólo para la que se hizo en un tiempo determinado, que se conoce como el período clásico de la música, aquel en el que brillaron Haydn, Mozart y la primera etapa de Beethoven. Se le dice también música "culta"; pero en el concepto moderno, toda música es producto de una cultura, entendiendo por ésta, el conjunto de ideas, creencias religiosas, ciencias, artes y costumbres que forman y caracterizan el estado social de un pueblo o de una raza. Se trata de aquella que no es popular ni folklórica. Sus autores y ejecutantes han estudiado una larga carrera en escuelas especiales que se llaman conservatorios, y sus oyentes, en general, han sido inducidos a gustarla por tradición familiar, que después puede cultivarse. Lo que es definitivo, es que ha trascendido las fronteras del tiempo y el espacio. Aparte de las limitantes de no ser folklórica ni popular, la música clásica está confinada a un ámbito geográfico, el de la cultura occidental, es decir, los pueblos europeos y sus herederos culturales, primero los americanos y después algunos otros. Con el término de música clásica nos referimos a aquella creada a partir del Renacimiento y que representa el fenómeno cultural más brillante que se ha dado en la historia de la humanidad, solo comparable, por sus alcances, a la ciencia de la Europa postrenacentista. Es claro que existen otras estéticas musicales, tan valiosas como la música clásica, pero representan visiones muy diferentes del mundo. Ejemplo de esto, en nuestro tiempo, es el jazz de Norteamérica. No significa que antes del mundo clásico no haya existido la música, ya que la música es tan antigua como el propio hombre y hay manifestaciones que datan de tiempos remotos y de civilizaciones muy diversas como la egipcia, la china y la japonesa. Pues bien, los griegos de la época clásica desarrollaron en gran medida muchos campos de estudio, como las matemáticas, la filosofía,....y también la música. Para ellos la música era muy especial y por ello la tendrán muy presente en sus vidas: cantaban en bodas, funerales, nacimientos y demás ceremonias religiosas. La encontraremos siempre ligada a la poesía y a la danza. Hagamos un repaso de todas los períodos por los que atravesó esta maravillosa música !

La Edad Media La Edad Media es un periodo muy largo que se extiende desde el siglo V hasta el siglo XV. Esta etapa está encuadrada entre La Antigüedad y El Renacimiento. Hay dos hechos que los historiadores marcan como el inicio y el fin de la Edad Media, que son la Caída del Imperio Romano en el año 476 y el Descubrimiento de América en 1492. Es un período muy largo que se divide en dos etapas: La Alta Edad Media: (siglos V a X). Es una época de pobreza, llena de guerras y enfermedades, en la que la sociedad sufre constantes epidemias como la de la peste negra que asolarán toda Europa. La Baja Edad Media: (siglos XI al XV). Época de gran prosperidad económica, política y también cultural. Es la época del feudalismo, en la que el rey concede poder a algunos nobles que se convierten en terratenientes y que en ocasiones llegarán a tener más poder que el propio monarca. Aquí se desarrollarán los estilos artísticos más importantes de este periodo, que son el Románico (S. XI) y el Gótico (S. XIII) con los que llegaremos a la gran revolución musical de la época: El nacimiento de la polifonía. En la Edad Media, la Iglesia Católica se convierte en el eje fundamental de la sociedad. El canto Gregoriano, será durante gran parte de este período la música que gobernará todos los territorios, ya que en esta época, el poder y la cultura van a estar en manos de los monjes y religiosos, que se harán con el poder de una sociedad casi analfabeta. No obstante, la música profana siempre va a tener un sitio, sobre todo en la Baja Edad Media con el nacimiento de los juglares y los trovadores que actuarán en castillos, palacios, plazas o calles de cualquier lugar.

Johann Sebastian Bach

Renacimiento Con el Renacimiento da comienzo la Edad Moderna. Es un periodo que abarca los siglos XV y XVI, cronológicamente se sitúa entre la Edad Media y el Barroco. Es una etapa corta, pero de las más importantes dentro del mundo cultural y artístico. En esta época se van a dar cita personajes de la talla de Miguel Ángel, Leonardo Da Vinci, Rafael, El Greco, Cervantes, Shakespeare,...; que desarrollarán la cultura y el arte como nunca antes había ocurrido. CONTEXTO MUSICAL: Dentro del ámbito de la música se darán las siguientes características: Incremento de la cultura musical, que viene establecido por las ideas humanistas sobre la importancia de la cultura, además de por la invención de la imprenta, ya que ahora se empiezan a imprimir las primeras partituras. Desarrollo de la música profana e instrumental, también influidos por el espíritu humanista. Cada vez se crea más música de carácter no religioso y en detrimento de la música sacra. Recordemos que la iglesia había menospreciado la música instrumental, y ésta ahora experimentará un gran desarrollo. Profesionalización de los músicos: la música sigue creciendo en complejidad, como ya lo había hecho en los últimos siglos de la Edad Media. Esto obliga a los músicos a especializarse y a dedicar su vida a este arte.

Barroco Se conoce con el nombre de Barroco al periodo que va desde 1600 hasta 1750. Está encuadrado entre el Renacimiento y el Clasicismo. Los hechos musicales que encuadran esta etapa son la creación de la primera ópera "Orfeo" del italiano Claudio Monteverdi (1607) y la muerte de Johann Sebastian Bach(1750), que será el genio indiscutible de esta época. (1685-1750). Principal representante de la música alemana del período barroco tardío, que en su tiempo gozó de la admiración pública tanto como en nuestros días, por su extremada maestría como intérprete del clavecín y perfeccionado del pianoforte (piano), así como organista. De familia originalmente húngara, él nació en Eisenach Turingia, bajo el signo de Piscis. Su padre era un consumado violinista en la corte ducal de Eisenach. A la muerte de sus padres, quedó al cuidado de su hermano mayor, Juan Cristóbal Bach, quien era organista en Ohrdruf, y hacia 1700 a los 15 años, participaba ya en el coro de los niños pobres de la iglesia de San Miguel en Lüneburg, donde pudo familiarizarse con las sutilezas de la ejecución de teclados y de la composición musical, con el gran maestro Dietrich Buxtehude. En 1708 entró al servicio de los duques de Weimar, y su maestría ya resultaba asombrosa, y su carrera no se detuvo hasta su muerte.

Wolfgang Amadeus Mozart Compositor alemán (1756-1791). Niño prodigio, desde los cuatro años de edad viajó por Europa como concertista de piano y violín. Como compositor destacan las óperas Don Juan, Las Bodas de Fígaro, La flauta mágica, Cosí fan tutte, 41 sinfonías, 27 conciertos para piano y otros instrumentos, sonatas, cantatas, Requiem, Tedeum, Ave verum, etc.

CONTEXTO MUSICAL Este pensamiento barroco (razón-sentimiento) se va a hacer muy patente en el panorama musical. Así pues, en este periodo se busca una codificación de todos los parámetros musicales (ritmo, tonalidad,...) como forma de ordenar y racionalizar la música. Esto lo podemos constatar en la siguiente frase de J. P. Rameau (considerado el fundador de la moderna armonía): "...la música es una ciencia que debe disponer de unas reglas bien establecidas; dichas reglas deben derivar de un principio evidente, principio que no puede revelarse sin ayuda de las matemáticas...." Pero además, se van a crear nuevas técnicas para poder expresar de la mejor manera posible los sentimientos (monodía acompañada, contrastes tímbricos, uso de dinámicas,...). La ópera será el género que más

Clasicismo El Clasicismo es un periodo que se enmarca entre el Barroco y el Romanticismo. Suele fecharse convencionalmente entre 1750 (muerte de J.S.Bach) y 1827 (año en el que muere Beethoven). Es una etapa corta que marca la transición de la Edad Moderna a La Edad Contemporánea. CONTEXTO MUSICAL: La música irá abandonando los círculos eclesiásticos y palaciegos para desenvolverse en casas privadas de la burguesía y en espectáculos públicos. En este periodo se produce una vuelta a los ideales de la cultura clásica grecorromana, basados sobretodo en el equilibrio, la sencillez y la belleza (dejando atrás el estilo recargado del Barroco); por ello, en el resto de las artes se conoce a este periodo como "Neoclasicismo". No sucede esto con la música, ya que no pueden copiar los modelos clásicos porque no nos han llegado; sin embargo, sí van a compartir la búsqueda de la belleza y la perfección formal. Entre los precursores de la música de este periodo podemos nombrar a dos de los hijos de Bach: C.P.E. Bach y J.C. Bach, pero los tres compositores que se van a convertir en las grandes figuras de este periodo son Haydn, Mozart y Beethoven, que trabajarán en Viena, ya que ésta es considerada la ciudad más importante dentro del contexto musical.

Frédéric Chopin (1 de marzo de 1810 - 17 de octubre de 1849) es considerado el mayor compositor polaco y también un gran pianista. Nació como Fryderyk

Franciszek Chopin (Frédéric François Chopin) en Zelazowa Wola, una población del centro de Polonia, de padre francés y madre polaca. A los ocho año ya tocaba el piano con maestría y compuso sus primeras polonesas. Pronto adquirió fama de niño prodigio y más adelante se convirtió en un virtuoso del piano. A los 16 años inició sus estudios de música, primero con Joseph Elsner y a partir de 1826 en el conservatorio de Varsovia.

Romanticismo Delimitamos cronológicamente el Romanticismo entre los años 1800 y 1890, aunque hay corrientes que presentan características románticas antes de estas fechas y en algunos países se extenderá hasta bien entrado el siglo XX. Entre el Clasicismo y el Romanticismo no hay una línea divisoria estricta, sino una lenta y poco definida transición que nos permite hablar de continuidad. CONTEXTO MUSICAL: El Romanticismo es quizá la época más brillante de la historia de la música, ya que por primera vez, este arte adquiere la categoría de lenguaje privilegiado por encima del resto de las artes; la música es capaz de transmitir la verdadera esencia de las cosas. En el campo de la música también se dejan ver los ideales de libertad de la Revolución Francesa y por ello los compositores van a hacer obras sin encargo y según sus propios gustos, lo que llevará a muchos músicos a la ruina. El fundamento básico de la música romántica es "la exaltación de las pasiones"; los músicos románticos tratan, con su música, de influir en el ánimo del oyente implicándole emocionalmente. Para conseguir este propósito, el vehículo más apropiado será el piano, que se convertirá en el instrumento estrella del periodo, ya que con él se logra una atmósfera íntima. En esta época brillarán numerosos compositores, que seguirán, sobretodo en la primera parte del Romanticismo, el modelo de Beethoven, que será el compositor que sirva de enlace entre el Clasicismo y este nuevo periodo. En el Romanticismo la música va dirigida al corazón

Nació en Bonn en 1770; murió en Viena en 1827. Se le considera como la culminación de la llamada Escuela Clásica de Viena, y, como renovador de los conceptos de armonía, tonalidad y colorido instrumental, llevó a la perfección el género sinfónico. El día de su funeral, más de 20.000 vieneses acudieron a rendirle homenaje.

Erik Satie

(Honfleur, Francia, 1866-París, 1925) Compositor y pianista francés. La excentricidad, la irreverencia y una actitud dadaísta son los ingredientes que configuran la vida y la música de Satie. Sin embargo, poco dado al trabajo continuado, la disciplina y las reglas, hacia 1886 sustituyó las clases por los cabarets de Montmartre.

Siglo XX Desde el punto de vista cronológico, a la música de este periodo se le llama música contemporánea y tiene su origen en los movimientos nacionalistas del último Romanticismo que darán lugar a otras tendencias, en cierto modo continuistas, como el Impresionismo o el Expresionismo. encabezará todos los cambios y vanguardias que vayan surgiendo en el transcurso del siglo XX. CONTEXTO MUSICAL: El mundo de la música también se verá influido por ese cambio social y cultural. La música, cuyos recursos tradicionales habían sido explotados hasta la saciedad por los autores románticos, busca abrirse nuevos caminos y romper con el pasado. Gran cantidad de estilos vanguardistas musicales se irán

Arnold Schönberg (Viena, 1874-Los Ángeles, 1951) Compositor y pintor austríaco, nacionalizado estadounidense. Su vida y su obra se vieron siempre rodeadas de polémica. Compositor y pedagogo –sus alumnos Alban Berg y Anton von Webern ocupan un lugar de privilegio en la historia de la música– , fue una figura capital en la evolución de la música durante el siglo XX, aunque chocó con la incomprensión del público y la crítica de su época, poco dispuestos a aceptar la ruptura con el sistema tonal que su obra representaba. Sin embargo, es importante señalar que Schönberg nunca se consideró a sí mismo como un revolucionario, sino más bien como un eslabón más en una tradición musical que se remonta hasta Bach. El dodecafonismo, en este sentido, más que el fin de la tonalidad, suponía el intento de sistematización de un nuevo método que permitiera superar sus contradicciones. Pronto, sin embargo, su propia evolución le condujo a la conclusión de que el tradicional sistema armónico tonal se sustentaba sobre una falacia: desde el Tristán e Isolda wagneriano, los principios que definían el concepto de tonalidad se hallaban en crisis, ya que la generalidad de compositores empleaba una armonía en la que la disonancia, la excepción a la regla, no encontraba una resolución inmediata. La aparición de nuevos géneros como el jazz o el rock y sus derivados arrebatará a la música culta el protagonismo, casi exclusivo, del que había gozado durante siglos. Poco a poco se irá convirtiendo en una música de minorías, ajena al éxito y a los intereses comerciales. En la segunda mitad de siglo, la llegada de la tecnología alterará la forma de componer e interpretar la música. Por primera vez en la historia los medios electrónicos e informáticos tendrán una función importante dentro del fenómeno musical .

Cuadro cronológico de los grandes compositores

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El Tango

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El tango

Aunque sobre el tango y sus figuras son muchas las cosas que se discuten y ponen en duda, es generalmente aceptado que el tango nace en Buenos Aires a finales del siglo XIX, algunos aseguran, que nació a las orillas del Río de la Plata, compartiendo con los uruguayos la copaternidad del fenómeno. En un hecho de origen popular como el tango y, por tanto, de nacimiento evolutivo resulta imposible apuntar una fecha de nacimiento. Sin embargo, lo cierto es que la mayoría de los estudiosos coinciden en dar por buena la década de 1880 como el punto de partida de lo que entonces no era más que una determinada manera de bailar la música. La sociedad donde nace el tango escuchaba y bailaba habaneras, polkas, mazurcas y algún vals, por lo que respecta a los blancos, mientras que los negros, un 25% de la población de Buenos Aires en el siglo XIX, se movían al ritmo del candombe. Es hijo del flujo comercial mercantil entre los puertos de lengua española de La Habana (Cuba) y Buenos Aires (Argentina). El instrumento mítico, el bandoneón, no llega al tango hasta un par de décadas después de su nacimiento, en 1900 aproximadamente, sustituye a la flauta. Es posible hablar con propiedad de un elemento importante: el escenario de su nacimiento. Hay que decir que Buenos Aires era a finales del XIX una ciudad en expansión con un enorme crecimiento demográfico sustentado sobre todo en la emigración que procedía de multitud de países. Había por supuesto españoles e italianos pero no eran ajenos a esta corriente migratoria los alemanes, húngaros, eslavos, árabes, judíos… Todos ellos componían una

gran masa obrera desarraigada, pobre, con escasas posibilidades de comunicación debido a la barrera lingüística y mayoritariamente masculina, ya que eran fundamentalmente hombres en busca de fortuna , hasta el punto de que la composición natural de la población de Buenos Aires quedó totalmente descompensada, de modo que : En 25 años la cuidad duplicó su población, quedando : El 70% de los habitantes eran hombres y el 50% eran inmigrantes, donde acudían gauchos e indios procedentes de las provincias .

Observemos una fotos de Buenos Aires correspondientes al 1880

Inmigrantes en Buenos Aires

Postales anónimas Gaucho e indios patagones (Argentina, hacia 1870)

En este ambiente, se comienza a bailar en bares de poco prestigio “tugurios y lupanares” el nuevo ritmo que se asocia así desde su inicio al ambiente prostibulario, ya que eran sólo prostitutas y "camareras" las únicas mujeres presentes en las academias o perigundines. El tango se comenzó a bailar de un modo muy "corporal", provocador, cercano, explícito… de un modo socialmente poco aceptable por las clases altas, como se vería cuando, siendo ya un fenómeno emergente, el tango comenzó a salir del arrabal de su ciudad de origen y empezó a expandirse.

Hombres practicando el tango en la calle

En los primeros tiempos, cuando el tango comienza a convertirse en canción, las letras que acompañan la música son obscenas, hasta llegar a los salones del mundo occidental, el tango recorrió un curioso camino de ida y vuelta entre el Nuevo y el Viejo Continente, con una parada decisiva y brillante en París ( ciudad desprejuiciada, alegre, ciudad de la moda y el glamour) donde acudían sectores acaudalados del país. Pero su momento de gloria en el viejo continente tuvo detractores importantes, El Papa Pío X lo proscribió, el Káiser lo prohibió a sus oficiales y la revista española La Ilustración Europea y Americana hablaba del "…indecoroso y

por todos conceptos reprobable ‘tango’ No obstante, para cuando llegó la reacción la suerte estaba ya echada: el tango había triunfado . En Argentina, en la década del 30 y 40, las gran orquestas coparon la escena musical porteña, destacándose las orquestas de Aníbal Troilo, Osvaldo Pugliese, ya en los años 60 el gran músico Astor Piazzolla renovaría el tango para siempre . A lo largo del siglo, el tango siguió viviendo, nació con fuerza el tango canción que le tomó el relevo al tango baile, pero con un éxito geográficamente más restringido, el mundo, en una nueva preguerra descubrió y admiró a Carlos Gardel y al final del conflicto la supremacía de Estados Unidos desembarcó en Europa también con el swing que murió sólo para darle paso al rock.

EL LENGUAJE LUNFARDO El lunfardo es la forma de comunicación de los delincuentes que llego a popularizarse tanto hasta nuestros días. Uno de sus principales objetivos es disimular las intenciones de quienes lo practican. Dificilmente ese material humane puede producir una poesía rica, capaz de trascender al gran público. La estructura del lunfardo se nutre de la sustitución de sustantivos, verbos, adjetivos e interjecciones castellanas por términos, a los que se les cambia el significado, provenientes de otros idiomas . Un elemento auxiliar del lunfardo es el uso al revés de algunas palabras : tango es gotán, bacán es camba, cabeza es zabeca, lleca es calle, fecha es café etc. Obviamente, este "idioma" no tiene reglas fijas y muestra un enorme dinamismo . En todos estos años el tango tiene una brillante historia de auges limitados y declives relativos y una continuada vida a lo largo de la cual se ha desarrollado tanto el baile como la música hasta llegar a un nivel de sofisticación y depuración que dejan a las claras la madurez de esta manifestación que vive ya en las primeros décadas de su segundo siglo de vida .

CarlosGardel

Se cree que Carlos Gardel nació en 1880 en la ciudad de Tolouse con el nombre de Charles Romuald Gardès. Con Razzano, formó un dúo de canciones criollas. En 1917 fue el primer cantor oficial de tangos, al estrenar el tango-canción "Mi noche triste. En los años '30 ya era una figura célebre en todo el mundo, la empresa cinematográfica Paramount lo convocó para protagonizar cuatro películas, rodadas en Joinville, Francia. Entre 1934 y 1935 conquistó el mercado de Estados Unidos, cantó en radio y filmó películas muy exitosas que extendieron su fama a toda América, Murió en un accidente aéreo el 24 de junio de 1935 en Medellín Colombia.

Astor Piazzolla

Astor Piazzolla nace el 11 de marzo de 1921 en Mar del Plata en Argentina. Empieza a estudiar bandoneón en 1930, En Nueva York, Carlos Gardel lo invita a grabar varias piezas de su pelicula ¨El Día que me Quieras¨ y en 1937, comienza su carrera como bandoneonista en la orquesta de Aníbal Troilo. Luego vendrías sus grupos, El Octeto de Buenos Aires y la Orquesta de Cuerdas con los que revoluciona la música ciudadana, despertando en su contra las más despiadadas críticas. ¨ En 1969 la ¨Balada Para un Loco¨es un enorme éxito mundial. El 4 de agosto de 1990 Astor Piazzolla padeció en París una trombosis cerebral. Después de dos años de enfermedad falleció el 4 de julio de 1992 en Buenos Aires.

Roberto Goyeneche

Nació el 29 de enero de 1926 en Buenos Aires, El Polaco inicia su carrera como cantor de tangos cuando ingresa en la orquesta de Horacio Salgan en 1952 y durante nueve años como cantor de Aníbal Troilo. Pero fue sin duda Trolio el que le enseñó el secreto del modo de cantar con fraseos tan particulares. dijeron que es capaz de hacer enmudecer al público leyendo la Biblia y de emocionar a toda una sala al interpretar "La última curda". Falleció el 27 de agosto de 1997

Biografía de “ ”

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Folclore latinoamericano

Uruguay (Candombe y murga)

Brasil (Bossanova y samba )

Paraguay (Polcas y guaranias )

Bolivia ( Carnavalito y saya )

Chile ( Cueca y trote )

Ruben Rada Jaime Ross

Tom Jobim Vinicius de Moraes

FélixCardozo Mauricio Ocampo

Los Kjarkas Ernesto Cavour

Violeta Parra Víctor Jara

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Uruguay Candombe y murga

El Candombe es un ritmo proveniente de África que ha sido parte importante de la cultura uruguaya por más de doscientos años. Montevideo, capital del Uruguay fue fundada por los españoles en un proceso iniciado en 1724 y culminado en 1730.En 1750 comenzó la introducción de esclavos africanos. A principios del siglo XIX la población de origen africano en Montevideo seguramente excedía el 50% de los habitantes El Candombe es supervivencia del acervo ancestral africano de raíz Bantú traído por los negros llegados al Río de la Plata. El término, es genérico para todos los bailes de negros: sinónimo pues, de danza negra, evocación del ritual de la raza. Su espíritu musical trasunta las añoranzas de los desafortunados esclavos, que de súbito se vieron transplantados a América del Sur, para ser vendidos y sometidos a duras faenas. Eran almas doloridas, guardando incurables nostalgias del solar nativo. En época de colonia, los africanos recién llegados llamaban a sus tambores con el nombre de tangó. Con este vocablo también llamaban al lugar donde los negros realizaban sus danzas candomberas, las cuales además eran denominadas con este término. En los albores del siglo XIX, al Cabildo de Montevideo le preocupaba seriamente la realización de los candombes, a los que denominaban indistintamente "tambó" o "tangó", prohibiendo y castigando duramente a sus cultores por considerar que esta danza era un atentado a la moral pública. De esta época de celebraciones, original en Uruguay, sólo los toques se conservan y tienen su mayor manifestación en las "Llamadas" del barrio Sur y Palermo. Han conseguido preservar su memoria ancestral en el sonido del Chico, el Piano y el Repique. El ritmo del Candombe se crea al combinar tres tambores, piano, chico y repique. Cuando estos tres tambores "levantan presión", se oye algo único, que probablemente nunca escuchó antes .Las noches de carnaval nacieron a partir de que éstos se juntaban en secreto, escapándose de su encierro para bailar y parodiar a sus amos. Ellos se reunían alrededor del fuego, con el torso agachado al ritmo de tamboriles, contorsionaban sus cuerpos, saltaban y bailaban sin cesar, dando patadas al aire a pesar de las cadenas en sus pies, parodiando los latigazos que recibían, y reivindicando el anhelo de la liberación del negro rompiendo las cadenas. La murga es una critica, una propuesta, de hacer vivo el sentir de la gente como expresión popular. Usamos el escenario para los reclamos, la burla y la ironía. Nuestra función social como murgueros es, y seguirá siendo la misma que la de sus orígenes. Para doblegar la voluntad de los pueblos, siempre fue necesario arrancarles su cultura y su identidad, e imponerle otras ajenas a su modo de vivir. Por eso el decreto artero anulando los feriados de carnaval no fue casual, ya que para imponer el terror, nos quitaron hasta la alegría.

Grandes exponentes de la música popular uruguaya

Rubén Rada Jaime Ross Alfredo Zitarrosa

Brasil Bossanova y samba Bossa-nova, estilo musical de origen brasileño que surgió a fines de los años cincuenta impulsada por un grupo de estudiantes y músicos de clase media procedentes de Copacabana e Ipanema, en los barrios de Rio de Janeiro situados junto a la playa. El nombre se puede traducir como "el ritmo nuevo" o "el camino nuevo " aunque etimológicamente significa "voz nueva". Se hizo muy conocida en Brasil gracias a la grabación de "Chega de Saudade", interpretada por João Gilberto y compuesta por Antonio Carlos Jobim y Vinicius de Moraes tres de los principales exponentes de este género. No hay un consenso que reconozca la bossa-nova como un movimiento. Sin embargo, este estilo es reconocido por su importancia dentro de la historia de la música brasileña. Recogió los rasgos distintivos de la samba callejera, estridente y ardiente, para quitarle decibelios, fervor y tambores, y llevarlo a espacios más reducidos donde se pudiera escuchar en plena tranquilidad. Surgieron nuevas y sofisticadas armonías, con irregularidades que tenían una relación directa con el espíritu de la música de posguerra estadounidense, entre ellas el jazz. Las letras y la música mantenían además una estrecha relación entre sí, aunque su característica principal es el ritmo, de raíz brasileña. La bossa-nova se hizo tremendamente popular en Brasil y en otras partes de Latinoamérica, aunque su éxito internacional estuvo limitado a pequeños periodos de tiempo, como por ejemplo tras el estreno de la película Orfeo negro o con los lanzamientos de los nuevos trabajos de Stan Getz en los sesenta. Quizás la canción más conocida de la bossa-nova es "La Chica de Ipanema" (A Garota de Ipanema) de Antonio Carlos Jobim, conocida a lo largo y ancho del mundo tanto en su versión original portuguesa como en su traducción al inglés. Samba La samba, mucho antes de convertirse en uno de los géneros musicales latinoamericanos más reconocidos en todo el mundo, era una danza de la fecundidad de origen angoleno. Debe su nombre a la coreografía de dicha danza, que incluía la frotación de los ombligos (semba significa ombligo en idioma bantú). Su ritmo sincopado es acompañado por instrumentos de percusión y también por cantos en los cuales se alternan el coro y los solistas. Por su origen, está directamente vinculada con el baile, que se da generalmente en grupos que danzan en círculos o en líneas dobles, evocando las reuniones que los esclavos prófugos realizaban en la selva para venerar a sus dioses. En su versión de baile de salón en compás de 2/4, la samba se baila en parejas, que a menudo se separan para realizar algunos pasos individuales.

Grandes exponentes de la música popular brasilera

Vinicius de Moraes Carlos Jobim Joao Gilberto

Paraguay Guaranias y polcas

Guarania La guarania es un estilo folclórico de música creada en Paraguay por el músico José Asunción Flores en 1925; con el propósito de expresar el carácter del pueblo paraguayo. Así se acompañó de ritmos y melodías lentos y melancólicos para las canciones. De alguna de las canciones se deduce el carácter heroico del pueblo paraguayo. Desde su creación, la Guarania se convirtió en el fenómeno musical más importante de Paraguay del s. XX gracias a temas como Jejuí, Kerasy, Arribeño Resay, que generó inmediata aceptación y cariño. Las canciones más conocidas de Guarania son: India, Ne rendápe aju, Panambi Vera y Paraguaýpe, creadas en modo sinfónico, basadas en poemas orquestales, canciones con acompañamientos sinfónicos. La Guarania seduce a las poblaciones urbanas, pero no en el interior. Esto es debido probablemente a que la gente del interior gusta estilos más rápidos de temas, tales como la polka o el género combinado Purahéi

Jahe'o.

Polca La polca (o polka) —derivado de polaca— es una danza popular aparecida en Bohemia hacia 1830. Su forma deriva directamente del minué, con una introducción que prepara la entrada del tema y una coda que sirve de final a la obra, se toca con Tuba, Contrabajo, Clarinete y Acordeón pero algunos con Batería.

Grandes exponentes de la música popular Paraguaya

MAURICIO CARDOZO OCAMPO FÉLIX PÉREZ CARDOZO

Bolivia Carnavalito y saya

Carnavalito El simpático, movido y vistoso Carnaval o Carnavalito es una antiquísima danza colectiva que, con figuras primitivas, se bailó en América desde antes del descubrimiento; dueño de una vitalidad extraordinaria, ha perdurado a través de siglos y se practica aún hoy, de modo espontáneo, en la región noroccidental argentina y en Bolivia, tanto en sus formas antiguas como en las modernas. Es danza americana autóctona, nacida en la época prehispánica en los dominios del Inca, en tierras de ardiente sol; primitivamente se bailó como danza colectiva, sin parejas, con las pocas figuras comunes a casi todos los bailes arcaicos: rondas, filas, serpentinas, etc.; así lo vió bailar I. Aretz en el Perú, en 1942. En el siglo anterior adquirió figuras de Contradanza (baile europeo de salón, de parejas conexas, que influyó sobre muchos nativos, como el Cielito, el Pericón, la Media Caña, etc.) y luego de las Cuadrillas. Más tarde tomó figuras del Pericón moderno (espejo, jarrita, etc.), y así ha llegado hasta nosotros. Las formas primitivas del Carnavalito se practican también en Jujuy y Salta, y además en Catamarca y La Rioja.

Saya El ritmo exquisito de la SAYA identifica plenamente a Los Yungas. La Saya era interpretada en todos los acontecimientos de la comunidad expresando a traves de sentidas coplas todos sus sentimientos, tanto alegria como tristeza, tanto pedidos como quejas al patron. El canto de la Saya fue pues el eterno compa nero de los morenos y que por espacio de unos 40 a nos dejo de escucharse, siendo el 20 de octubre de 1990 en la fiesta patronal de COROICO, en que de nuevo empezamos a deleitarnos con sus sones gracias a un grupo de jovenes morenos que tuvieron la vision de reeditar la Saya ancestral, el grupo AFRO BOLIVIANO consiguio cobrar su propio espacio dentro de la cultura folklorica. El conocimiento exacto de la Saya y sus derivaciones nos muestran la riqueza de la danza y el canto. Las diferentes expresiones son muy bellas y por lo tanto debemos saber diferenciar y darles a cada una el lugar que le corresponde. Las caracteristicas de la SAYA son bien definidas. Los hombres entonan, con sus potentes voces, coplas que las mujeres repiten con bellos matices de sus voces de sopranos. Los movimientos del baile son muy cadenciosos y sensuales. Las mujeres con el porte muy erguido llevan el compas con las caderas avanzando la coreografia con pasos cortos que marcan el compas del ritmo de los bombos y regue-regues que los hombres ejecutan contorsionandose con mucha plasticidad.

Grandes exponentes de la música popular Boliviana

Ernesto Cavour Los Kjarkas

Chile Cueca y trote

Es indispensable aclarar, como suceden muchos países de Latinoamérica, la mezcla de indígenas y españoles, produjo una fusión ( mezcla ) de música, bailes, trajes y comidas. Esa herencia constituye la base del folclor nacional y de muchos países latinos. El folclor en Chile se origina alrededor del siglo XVIII en donde las alegrías populares eran siempre acompañadas de música que se interpretaba en la vihuela o guitarra, guitarrón, arpa o rabel. Los bailes españoles de la época eran el fandango, la seguidilla y el zapateo. Reconocemos como 2 estilos importantes a :

La cueca Tiene características propias, Io que la hace ser diferente a sus ritmos hermanos, como la zamba, hay que recordar que antes eran un mismo ritmo , la zamacueca, al dividirse podemos diferenciarlas porque la cueca es mas rápida, también existe la cueca nortina, que no tiene texto, solamente melodía, la cual es interpretada por instrumentos de viento, como la trompeta y la tuba con una tonalidad menor y tiene acompañamiento rítmico con bombo y caja (tambor). El hombre pone toda su alma en el baile, reflejando tanto él como la mujer, su alegría, al igual que en el resto del país. La coreografía de la CUECA NORTINA es igual que las demás y se representa --en forma más sencilla-- la conquista de la mujer por el hombre.

El trote o trotecito Las danzas nortinas tienen características notorias que se observan en las vestimentas y se palpan en la música. No hay diferencias marcadas entre un altiplánico de Argentina, Bolivia, Perú o Chile. La vestimenta es de mucho colorido y predominan las prendas de lana, ya sea de llama, vicuña o alpaca. Podemos encontrar mujeres que lievan faldas de terciopelo de colores, las que se van agregando una sobre otra. También se usa el "aguayo", cuadrado de lana que se dobla y coloca en la espalda sujeto de los hombros y prendido por delante en el pecho, con una hermosa cuchara de plata. Tanto el hombre como la mujer usan sombrero. El TROTE es un baile de pareja mixta, en el que los bailarines realizan unos pasos de igual forma que si estuvieran trotando, de ahí su nombre, avanzando y retrocediendo; tomados de ambas manos se van realizando giros para un lado y otro, sin dejar de jugar con el movimiento de los brazos. Se interpreta con gran variedad de instrumentos, incluyendo guitarra, quena, zampoña, caja, bombo, etc.

Grandes exponentes de la música popular chilena

Violeta Parra Víctor Jara

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Folclore argentino

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Folclore argentino Éste año, el estilo que nos convoca es el “ folclore argentino ”, y aunque me imagine una posible cara de

desilusión de parte de ustedes ante ésta propuesta, les puedo asegurar que si bien quizás no sea el estilo que mas les vaya a cautivar, creo que si les gusta el rock nacional, también les puede llegar a gustar nuestro folclore argentino, y no solo me refiero al mensaje de sus letras, sino a los ritmos musicales propiamente dichos, ya escucharemos mas adelante a grupos como Bersuit, Callejeros, Divididos, Piojos León Gieco como mezclan su música con nuestro folclore y no solo con nuestro folclore, también con la música latinoamericana en general (Bosanova, Candombe, Huayno etc.) como así también con el tango . Con algunos años de experiencia en la enseñanza de la música, cada vez me doy cuenta que los adolescentes pueden disfrutar de diferentes estilos musicales, es muy probable que el rock, en todas sus variables domine el gusto musical en general, pero no quiere decir que puedas encontrar material que te interese en otros estilos . Canciones como “ Argentinidad al palo, El arriero, Fantasía y realidad, Huelga de amores, Toco y me voy,

Yira y yira, Solo le pido a Dios, 5 siglos igual ” etc, nos demuestran que cuando uno escucha rock

argentino, está también escuchando tango y folclore, aunque no en su estado primitivo, sino “mezclado” o

fusionado, pero es evidente que está en nuestra sangre . No esta demás intentar definir a un estilo musical, quizás el riesgo existe en perder tiempo deduciendo si tal canción pertenece al folclore, o a algo parecido cuando lo único importante es si gusta o no, y quizás luego podríamos intentar reconocer el estilo, o que recursos estilísticos mezcló para llegar a un determinado género musical . Rrecordemos la eterna e interminable discusión sobre la música de Astor Piazzolla, uno de los músicos argentinos mas destacados y reconocidos en todo el mundo, que cuando triunfaba en todo el mundo, aquí se lo discutía diciendo que su música no era tango, donde fue maltratado por buena parte de la opinión pública como de críticos de arte y periodistas . A pesar de su indiscutible talento, de su capacidad de trabajo, de su virtuosismo como intérprete, arreglador y compositor, aquí, no solo no se le reconocía esas cualidades, sino que se lo maltrataba y marginaba, recién en sus últimos años empezó a tener un reconocimiento muy tardío . Y saben quien apoyo a Piazzolla, los rockeros, los rockeros argentinos con Charly García y Spinetta a la cabeza brindaron su apoyo a éste genial músico . Hay muchas historias de músicos de diferentes estilos que se deciden a mezclar sus músicas quizás con diferentes logros y resultados, pero es inevitable que cuando músicos tan disímiles se juntan, logran que sus públicos abran un poco mas sus mentes para entender que la música merece la pena ser escuchada una y mil veces antes de descartarla . Yo creo que ustedes están en una edad en la que hay estilos que son mas difíciles de asimilar que otros, pero escuchando con atención, “ es muy posible ” que a lo mejor podemos descubrir que podemos lograr placer escuchando música que hasta hace poco nos parecía que nada tenía que ver con nosotros . Si uno se pone a investigar sobre el folclore argentino, se encuentra con muchos investigadores “ ofendidos ” cuando escuchan la proyección que a tomado el folclore con nuevos instrumentos y nuevos artistas, por eso es necesario aclarar que el objetivo de ésta materia, es acercarte a todo tipo de folclore, del nuevo y del viejo y mostrarlo para que puedas reconocerlo y ver que es lo que te produce, para mi ése es un objetivo, y si luego hay cosas que gustan, mucho mejor, porque en todos los estilos hay artistas variadísimos, en el rock también, sino observemos a grupos que llamamos rockeros, y son tan diferentes entre si como pueden ser Bersuit, piojos, la vela puerca o Airbag, Miranda etc .

Si intentamos dar una definición de folclore podemos decir que folclore proviene de la unión de 2 vocablos de origen sajón, “ folk ” y “ clore ”, que significan pueblo y saber respectivamente , es decir “ el saber del

pueblo ” . Entendemos este saber como costumbres , ciencias , danzas , música , mitos , leyendas , fábulas , cuentos , comidas , vestimenta , etc . que representan a un pueblo , en general se presenta fuera de las grandes ciudades , en las zonas rurales , y se gesta y desarrolla por las clases populares .También carece de testimonio escrito ya que se mantiene por tradición oral y es así como mantiene su vigencia a través del tiempo . Empecemos por un concepto generalizado a la hora de describir a una obra folclórica, según los investigadores del tema, deben considerarse como folclórico aquel estilo que contenga tres aspectos fundamentales : 1/ Ser anónimo : Obras musicales que se transmiten de generación en generación aún sin saber quienes fueron sus compositores . 2/ Ser popular : (nacido de gesta acontecimiento popular); 3/ Ser tradicional : decir que tiene que haber cumplido un siglo de adaptación y aceptación en la conciencia cultural del pueblo . Podríamos decir que lo ignoto, lo que surge de leyendas o historias que tienen autores pero que se perdieron en los tiempos, de tradición oral, sin más pruebas que el saber que existe, que se recopiló de muchísimas costumbres ancestrales de las cuales no se tiene las referencias de quiénes fueron sus autores, es lo que generalmente se le llama folclore . Todo la obra musical compuesta por autores conocidos o ejecutado por instrumentos no característicos vamos a llamarlo de proyección folclórica . Ya en la actualidad , la música que catalogamos como folclórica , vamos a llamarla de proyección folclórica , ya que si bien su origen es de raíz folclórica , ya ha dejado de ser anónima, ya que fue compuesta por compositores conocidos de gran renombre, también es muy común encontrar nuevos instrumentos ligados mas a otros estilos que al mismo folclore como la batería ,el bajo , guitarra eléctrica , etc . Es el objetivo de éste año poder reconocer auditivamente y geográficamente a 6 de los estilos mas representativos y vigentes en nuestro folclore . Zamba, Chacarera, Carnavalito, Chamamé, Cueca y milonga Sureña . En primer lugar hablaremos de los2 ritmos mas importantes que dominan principalmente el centro del país y casi todas sus regiones aledañas : Zamba (Ritmo LENTO) y chacarera ( RITMO RÁPIDO), y vamos a empezar con éstos ritmos porque son los más populares y diferentes entre si, que serán ritmos guías,ritmos importantes para ser referentes para poder reconocer demás ritmos, empecemos por la estructura .

Zamba (Lento) Chacarera (rápido)

Introducción Introducción Estrofa ( con repetición en los últimos 4 compases) Estrofa Estrofa ( con repetición en los últimos 4 compases) 1° y 2° Introducción Estribillo ( con repetición en los últimos 4 compases) Estrofa 1° y 2° Introducción Estrofa Estribillo Estas dos estructuras se repiten 2 veces, los reconocemos auditivamente en las canciones por el característico grito de “ se va la primera ”, y “ segunditaaaaaaaaaa ”. Como estos ritmos provienen de las danzas, TODAS LAS ZAMBAS Y TODAS LAS CHACARERAS TIENEN LA MISMA ESTRUCTURA RECIÉN VISTA, SINO, NO SON CONSIDERADAS COMO TAL . Por ejemplo hay muchas canciones de músicos de rock con un estilo parecido al folclore, pero al no tener estas ri´gidas estructuras, se las denomina “ Aire de folclore” .

Entendamos conozcamos y ubiquemos estos 6 ritmos en el siguiente, mapa folclórico argentino :

Región central del país Estilos principales y secundarios, ubicación geográfica e instrumentación: Chacarera y zamba, gato, escondido, malambo, chaya, vidala, baguala etc . Santiago del Estero, Tucumán, La Rioja, Catamarca, parte de Córdoba ( Oeste ) y Chaco . Guitarra, Bombo, voz, caja, bandoneón, violín, quena etc . Zamba, Originalmente denominada zamacueca, nombre que parece haber dado origen a los de Zamba y Cueca ( la cueca es parecida pero un poco más rápida), es un baile lento, donde el hombre intenta seducir a la dama, fue creada, según C. Vega, en Lima (Perú), hacia 1824, con elementos aportados por los bailes de la época más el fandango español..

Chacarera Ritmo rápido y que se baila en parejas, es posible encontrarla "en Catamarca, Salta, Tucumán, Santiago del Estero, sur de Jujuy, La Rioja, Cuyo y parte de Córdoba". Las primeras composiciones pertenecen a Andrés Chazarreta y las de Manuel Gómez Carrilo . Existen dentro del estilo de la chacarera otras variantes, como el gato, escondido, chacarera doble etc.

Región Andina ( Puna )

Estilos principales y secundarios, ubicación geográfica e instrumentación: Carnavalito, Huayno, Taquirari, cueca norteña, yaraví, bailecito etc. Jujuy, Salta parte de Catamarca, La rioja y Tucumán . Guitarra, charango, quenas, sikus, bombo, caja, bandoneón, violín, etc .

Región del litoral Estilos principales y secundarios, ubicación geográfica e instrumentación: Chamamé, Rasguido doble, polca, Chamarrita, milonga, valseado etc. Entre Ríos, Corrientes y Misiones, parte de Santa fé, Formosa y Chaco . Acordeón, guitarra, arpa, violín etc .

Región cuyana Estilos principales y secundarios, ubicación geográfica e instrumentación: Cueca cuyana y gato cuyano, tonada cuyana, vals cuyano, estilo, etc. Santiago del Estero, Tucumán, La Rioja, Catamarca, parte de Córdoba ( Oeste ) y Chaco . Guitarra, mandolín, requinto, guitarrón, arpa etc ..

Región pampeana o sureña ( y región patagónica ) Estilos principales y secundarios, ubicación geográfica e instrumentación: Milonga sureña, huella, malambo, cifra, triunfo etc . Buenos Aires y La pampa, Neuquén, Santa Fe y Río Negro . Guitarra y voz . En muchos tratados y artículos no se contempla a la Patagonia como región folclórica, ya que no existe en la actualidad mucha documentación, y que es relativamente nueva su formación folclórica en general . Es muy probable que muy pronto se la incluya en el mapa folclórico musical argentino, ya que muchos poetas, músicos e intérpretes vienen trabajando en la difusión y organización de su cancionero folclórico .

Si bien éste trabajo se enfoca estrictamente a lo musical y a su reconocimiento auditivo, es importantísimo saber que éstos ritmos están ligados desde su creación a las danzas . A propósito, en la próxima hoja encontraremos un cuadro con la mayoría de las danzas argentinas y su ubicación geográfica .

Amores Baguala Bailecito Caluyo Candombe Carnavalito Chacarera Chamarrita Chamamé Chaya Chorrillero Cifra

Cielito Cogoyo Copla Cordillerana Cuando Cueca Décima Escondido Firmeza Gato Huayno Huella Jota cordobesa Kaani

Loncomeo Lorencita Malambo Marea Media caña Milonga Murga Pala-Pala Palito Payada Pericón Polca Rasguido doble Refalosa

Tango Tonada Tristecito Triunfo Valsecito criollo Vidala Vidalita Yaraví Zamba Zamba alegre

Grupos legendarios de nuestro folclore

Los hermanos Ábalos

Conforman el grupo folclórico santiagueño más conocido. Son incontables los temas de su autoría, entre los que resulta imprescindible citar: "Nostalgias santiagueñas", "De mis pagos", "Juntito al fogón", "Agitando pañuelos", "Zamba de los yuyos", "Chackay Manta", "Chacarera del Cachi Mayo", "Chacarera del rancho" etc . Hoy escuchamos estas canciones en las voces de los nocheros, la Sole y el chaqueño Palavecino

Los chalchaleros Tienen una larga y rica trayectoria que supera ya los 50 años con más de 40 discos editados, lo que los transforma en un verdadero hito en la historia de nuestra música popular, con un récord de permanencia en los escenarios difícil de igualar en el resto del mundo. Es un conjunto folclórico argentino creado en Salta en 1947. Fueron sin ninguna duda uno de los conjuntos de folclore argentino más importante de toda la historia de esa música. Su despedida de los escenarios fue un periplo de conciertos por todo el país y el mundo, inolvidable para los que tuvieron oportunidad de presenciarlo. La

llegada de Facundo Saravia le da al conjunto en 1983 un aire más renovado, y los chalchas comienzan a atraer innumerable cantidad de jóvenes a esa música. Son como dice la Zamba "Una Leyenda". Siendo sus canciones mas conocidas : Si llega a ser tucumana, Juntito al fogón, Zamba de mi esperanza, etc.

Breves biografías de músicos fundamentales del folclore argentino

Atahualpa Yupanki Héctor Roberto Chavero Aramburo nació en Pergamino en 1908 . Allí sus días transcurren entre los asombros y revelaciones que le brinda la vida rural y el maravilloso descubrimiento del mundo de la música, al que se acerca a través del canto de los paisanos y el sonido de sus guitarras con sus milongas pausadas, en el tono de do mayor o mi menor, modos utilizados por los paisanos para decir las cosas objetivas, para narrar con tono lírico los sucesos de la pampa. La etimología de este nombre la dio él mismo: (Ata: viene; Ku: de lejos; Alpa: tierra; Yupanqui: narrarás, haz de contar). Atahualpa Yupanqui estuvo exiliado en París, ciudad en la que murió. Canciones más conocidas De las aproximadamente 350 canciones de su autoría registradas oficialmente , pueden citarse: El arriero, Basta ya, Cachilo dormido, Camino del indio, Coplas del

payador perseguido(prohibida en algunos países), Los ejes de

mi carreta, Los hermanos, Luna tucumana,Piedra y

camino, grillo entre muchas otras

Mercedes Sosa

Nace en Tucumán el 9 de julio de 1935 en un hogar humilde. En 1950, a los 15 años, participa y gana en un concurso radial y una década después, comienza a ganar fama y prestigio como integrante del Movimiento del Nuevo Cancionero, una corriente renovadora del folklore junto a Armando Tejada Gómez y otros. Sus constantes trabajos con músicos reconocidos de distintos géneros la catapultó a la fama y a un reconocimiento definido v en el mundo entero, siendo la voz de Latinoamérica . Trabajó con Jorge Cafrune, Sábato, Falú, etc . En 1972 edita Hasta la victoria, un disco de canciones con alto compromiso social y político, siendo censurada y hechada del país . En 1982, regresa al país y realiza un emotivo concierto en el Teatro Opera, junto a León Gieco, Charly García, Antonio Tarragó Ros, Rodolfo Mederos y Ariel Ramírez. Mercedes Sosa logra reunir a artistas de diferentes estilos con el simple hecho de

lograr unir públicos.

Mercedes Sosa es reconocida unánimemente como una de las máximas interpretes del folclore argentino.

Eduardo Falú Nació el 7 de julio de 1923en Salta , la guitarra en esos tiempos era cosa mal vista sinónimo de vida fácil. Trabajó con artistas de la talla de Jaime Dávalos, Ernesto Sábato, Jorge Luis Borges destacándose su habilidad como guitarrista, cantante y compositor no solo de folclore, sino de música clásica . Falú comienza a desarrollar su música en Salta, más tarde en Buenos Aires, para luego conquistar y apasionar a los públicos más disímiles: América, Europa, Rusia, y Japón. En su música se advierte una marcada influencia de las melodías de su provincial natal. Salta tiene ritmos propios: El Carnavalito, el Bailecito, la Cueca y derivados de la combinación de la música india y española . Sus canciones nos relatan aspectos más universales de la humanidad: amor, muerte, soledad, coraje y la injusticia. Eduardo Falú ha creado música para más de un centenar de poemas, no sólo de Jorge Luis Borges y Jaime Dávalos, sino también de León Benarós, Manuel Castilla, Alberico Mansilla entre muchos otros.

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La historia del Rock and roll internacional

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Historia del Rock: El ritmo rebelde cumple que ya cumplió medio siglo

Bill Haley A pesar de que "oficialmente" se marca el nacimiento del rock and roll con la grabación That's all right, de Elvis Presley, históricamente tanto la música como el nombre surgieron poco tiempo antes. Para muchos historiadores, el amanecer del género se dio con la canción Rock around the clock, de Bill Haley and his comets, que fue grabada el 12 de abril de 1954 -tres meses antes que el Rey hiciera historia cuando un 5 de julio de 1954, un chofer de camioneta de 19 años de edad cambiaría el curso de la música y de la historia al entrar a un pequeño estudio de grabación en Memphis a realizar tres canciones. Entre esos tres temas que grabó un tal Elvis Aaron Presley se encontraba uno de nombre That's All Right, el cual marcaría el nacimiento no sólo de un nuevo género musical sino el de una forma de expresión artística, social y cultural, además de un estilo de vida: el rock and roll.

Elvis presley Quién iba a pensar que aquella música que fusionaba el sonido country de los blancos y el rhythm and blues de los negros, seguiría vigente 50 años después –cuando en sus inicios no le daban más allá de cinco años de vida-, y que aquél joven nacido en Tupelo, Mississippi un 8 de enero de 1935, se convertiría nada menos que en el Rey del rock, además de en la figura más importante e influyente de la música popular en el Siglo XX. A lo largo de estos 50 años, el rock ha sido dado por muerto y se ha levantado de las cenizas en varias ocasiones, pero al parecer las palabras dichas algún día por el Rey se convirtieron en una profesía: "No creo que (el rock and roll) muera alguna vez por completo, porque van a tener que hacer algo extraordinariamente bueno para que tome su lugar". Sin embargo, el hecho de considerar a Elvis como el creador, principal promotor y Rey del rock, tiene mucho que ver con su personalidad, con su voz, con su carisma y con lo que desde un inicio representó no sólo para la música sino para la cultura popular de entonces, rompiendo esquemas y trasgrediendo tradiciones morales y de conducta. Pero no todo en la década de los 50 giró en torno a Elvis, pues el rock and roll vio nacer otras figuras importantes y trascendentales a los que les tocaría escribir capítulos muy importantes en el génesis de su historia. Dentro de esa lista, que podría ser muy larga, destacan personajes básicos como Chuck Berry, Little Richard, Bo Didley, Buddy Holly, Jerry Lee Lewis, Fats Domino, Roy Orbison, Edie Cochran y The Everly Brothers, entre muchos otros. El auge de esta primera generación del rock and roll se dio hacia 1956-57, y sería el mismo Elvis el que

marcaría su decadencia cuando en 1958 se enroló en el ejército de los Estados Unidos, donde permanecería hasta 1960. Si bien a su regreso su popularidad seguía por los cielos, su música dejó de tener esa carga de rebeldía y frescura con la que se identificaron años antes los jóvenes. El rock estaba listo para sufrir su primera metamorfosis. Luego de la decadencia de los primeros ídolos del rock and roll a finales de los años 50, la estafeta la tomaron los artistas de color, quienes a principios de los 60 pusieron a bailar a todo mundo con su sonido Motown, una celebración de R&B, soul y funk. De esa oleada de artistas se recuerdan, entre muchos otros a The Supremes, The Marvelletes, The Shirelles, Marvin Gaye, Stevie Wonder y el padrino del funk, James Brown, que le dieron un nuevo sentido a la música pop con su frescura y alegría. Pero bastaría con que la década dejara pasar cuatro años para que un nuevo movimiento, con dimensiones y repercusiones tan grandes como las del nacimiento del género, se presentara. Con la llamada "invasión inglesa" la música británica se hacía presente y, como ocurriría de ahí en adelante, demostraría que a partir de ahí irían siempre un paso adelante a lo que se creara en Estados Unidos. Entonces el mundo entero vibró a ritmo de The Kinks, The Animals, The Who, The Zombies, The Shadows, The Hollies y, por supuesto, con The Beatles y The Rolling Stones, las dos bandas más importantes e influyentes en la historia del rock. La ola británica

The Animals The Beatles The Kinks The Rolling Stones The Who, En tanto, en Estados Unidos la respuesta llegaría unos años después, cuando pasada la mitad de la década el rock ácido y la psicodelia se apoderaría de la escena y traería un nuevo movimiento al rock, quizá el más trascendente y de gran repercusión social y cultural. Luego de que Bob Dylan decidiera dejar un poco el folk y electrificar su música, una gran generación de bandas estadounidenses empezaron a crear un movimiento que años más tarde, en 1969, desembocaría en la llamada “nación Woodstock”, un festival de tres días de duración que convocó a cerca de medio millón de personas. De esa generación destacan Jimi Hendrix (considerado como el mejor guitarrista de rock de todos los tiempos), Janis Joplin, The Doors, The Jefferson Airplane, The Greateful Dead, The Byrds, Country Joe & The Fish, y una serie de grupos provenientes principalmente de la Costa Oeste de los Estados Unidos. Con el Festival de Woodstock, realizado en Woodstock, Nueva York en 1969, esa generación del "peace and love" vivió su momento utópico, su punto álgido, pero a la vez marcó el inicio del fin, que ocurrió meses más tarde con el concierto gratuito que The Rolling Stones ofrecieron en Altamount, California, en donde un joven de raza negra fue cruelmente acribillado y asesinado por la pandilla de los Hell's Angels, paradójicamente contratados por los Stones para encargarse de la seguridad. El sueño había terminado. La ola Psicodélica

The Greateful Dead, Janis Joplin Jimi Hendrix The Doors The Jefferson Airplane "El sueño ha terminado". Con esta frase que se incluye en la canción God, de John Lennon, da inicio la década de los años 70 en el rock. Luego del festín experimentado en el decenio anterior, el nuevo no pintaba nada bien y desde el mismo amanecer se daban muestras de ello. Jimi Hendrix y Janis Joplin, dos símbolos de la generación de los 60, mueren en 1970 a causa de una sobredosis. En ese mismo años, Paul McCartney anuncia oficialmente la separación de The Beatles, el grupo que, como alguna vez dijera Lennon, era casi tan popular como Jesucristo. Un año más tarde, en 1971, Jim Morrison, cantante de The Doors y uno de los principales iconos visuales y sex symbols de la historia del rock, muere también de sobredosis.

Led Zeppelin Con esos malos augurios, la primera mitad de la década el rock experimenta su masificación y el establecimiento de la parafernalia visual en grandes escalas en los conciertos. Led Zeppelin reinará a lo largo de la década, y de tras de ellos vendrán The Rolling Stones y Pink Floyd, con espectáculos realmente impresionantes.

El heavy metal, el hard rock y el glam rock se apoderan del gusto de las masas a lo largo de la primera mitad de la década, por lo que grupos como Deep Purple, Black Sabbath, Queen, Kiss, Bad Company viven sus momentos de gloria. Del heavy al Glam

Deep Purple Black Sabbath Kiss Queen

Sin embargo, toda esa masificación, , parafernalia visual y, en el caso del rock progresivo, virtuosismo, aleja al rock de sus raíces callejeras y de rebeldía, por lo que los jóvenes ya no encuentran una identificación y una bandera en él. Es entonces que en los suburbios neoyorquinos surge el punk, derivado del rock que retoma esa rebeldía, acompañada con una dosis de anarquismo, hedonismo y politización, que lo convierten en otro de los momentos trascendentales en la historia del género.

El punk nace en Nueva York engendrado por los ahora míticos The Ramones, pero los ingleses The Sex Pistols lo llevan al extremo. Otras bandas de notoria trascendencia son The Clash, The Damn, Generation X, The Misfits y Black Flag. Así, mientras el rock estaba en una abismo y la música disco reinaba en las listas de popularidad, el último gran movimiento del género se hacía presente.

John Bonham, baterista de Led Zeppelin, muere por una congestión alcohólica el 25 de 1980; meses más tarde, Jimmy Page anuncia la separación del grupo. Bob Marley, máxima figura de la música reggae, muere el 11 de mayo de 1981 víctima del cáncer. The Eagles, uno de los grandes grupos de country-rock de los años 70 anuncian su separación en mayo de 1982, dicen que sólo se reunirán "hasta que el infierno se congele" (cosa que "sucedería" en la primavera de 1994, cuando se juntaron nuevamente).

La década de los 80 se caracterizó por la amplia diversidad de música en estilos, propuestas, formas y estética, gracias al nacimiento de varios subgéneros del rock (new wave, post-punk, techno, dark, electrónico, rap, breakdance, dark metal, new romantic...), que se fueron incorporando a la escena a lo largo del decenio, algunos con características masivas, en cuanto a su exposición, otros más bien subterráneos o alternativos.

Dentro de la primera mitad de la década destacaría un trío británico nacido del punk pero que había evolucionado y transformado su sonido: The Police, que con su mezcla de rock, reggae y jazz se convirtió en la mejor banda del mundo, hasta que se separaron en 1985, justo cuando experimentaban su punto más alto, artística y comercialmente hablando. U2

Ante la desintegración de The Police quienes toman la estafeta son los irlandeses de U2, que para finales de los 80 ya se habían convertido en el grupo más importante de rock del mundo, a niveles de los grandes como The Beatles, The Rolling Stones, Led Zeppelin, entre otros.

Talking Heads, Simple Minds, The Pretenders, XTC, Men an Work, Madness, The Cars, The Cure, The Smiths, Bauhaus, Depeche Mode, Tears For Fears, OMD, Pet Shop Boys, Ultravox, Duran Duran son tan sólo algunos de los muchos protagonistas de la década. Un par de años antes de que se extinguieran los 80, una banda de Los Ángeles llegaría a darle una nueva inyección de vitalidad al rock: Guns N' Roses, que con su hard rock, su apariencia entre glam y desaliñada, la personalidad de su cantante Axl Rose y su disco debut, Apettite for destruction, conquistaron el mundo entero.

Nirvana Pearl Jam

Al igual que su antecesora, la década de los 80 inicia con muertes y separaciones. John Lennon, líder y fundador de los Beatles, activista político y social es asesinado afuera de su departamento en Nueva York el 8 de diciembre de 1980. El mundo entero lo llora, la canción Imagine suena por todo el globo terráqueo y el rock y la cultura popular occidental están de luto.

Si en la década de los 80 se experimentó la diversificación, los 90 fueron el decenio de la tecnología en la música en general. La implementación de nuevas técnicas de grabación y el uso de computadoras fueron elementos que se hicieron básicos en la producción musical. Sin embargo, los 90 empezaron con lo que puede considerarse como el último gran movimiento en el rock: el grunge, que a su vez arrojaría al último mártir del género: Kurt Cobain. En una situación un tanto similar al nacimiento del punk a finales de los 70, a finales de lo 80 se empezó a gestar en Seattle un movimiento que musicalmente conjuntaba la potencia y fiereza del punk y el heavy metal, e ideológicamente transmitía un mensaje de indiferencia, introspección y aislamiento, ante lo que ocurría en la sociedad estadounidense y en el mundo en general. De ese movimiento destacaron principalmente dos bandas: Nirvana, y Pearl Jam, pero sería la primera la que marcaría a toda una generación con su tema Smells like teen spirit y su disco Nevermind, pero también por su cantante, Kurt Cobaín, que se convertiría, al igual que lo hicieran en su momento Morrison, Hendrix, Janis, en el héroe y mártir de ese momento al quitarse la vida el 5 de abril de 1994. Como respuesta, los británicos revivieron aquella oleada de Britpop de los años 60, y en esta ocasión abanderados por grupos como Oasis, Blur, Radiohead, Supergrass, Pulp, The Verve, a mediados de la década le dieron un nuevo sentido y dirección al rock. De estas bandas, Oasis y Blur fueron las que encabezaron en movimiento, pero sería Radiohead el que a finales de la década dejara uno de los testimonios más celebrados artísticamente en la historia del rock con su disco O.K. computer, en donde consiguieron un admirable equilibrio entre el uso de la tecnología con el rock en su forma básica.La década cerraría con la presencia de grupos del llamado rap metal como Korn, Limp Bizkit, Deftones, Stain, P.O.D, que a pesar de tener una gran cantidad de seguidores, principalmente en su natal Estados Unidos, no pudieron competir con el pop adolescente de Britney Spears, Backstreet Boys, Christina Aguilera, 'N Sync y similares, que se posesionaría de las listas de venta. La llegada del nuevo milenio traería consigo otro resurgimiento del rock, con grupos como The Strokes, The White Stripes, Yeah Yeah Yeahs, The Libertines, The Vines, The Hives, que retomando elementos musicales y estéticos de finales de los años 70 y principio de los 80 le regresarían la simpleza, armonía y actitud que había perdido este género que desde que nació estaba destinado a quedarse por siempre, y que ahora a sus 50 años de edad demuestra que sigue siendo un rebelde como en sus mejores años. Quizás, los recitales de Live aid, en el 85 y live 8 en el 2005, donde las figuras del rock mas representativas del mundo entero, organizados por Bob Geldof, hacen creer que, mas allá de los grupos meramente comerciales (y esto no es un delito) existe también la viva y concreta la esencia fundamental de Rock and Roll en el mundo, que es luchar contra las injusticias elevando la voz lo mas alto que se pueda, aquí hay imágenes de éstos memorables y emocionantes conciertos .

Algunas imágenes de los conciertos

1 2

3 4 5

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1/2 Bono y Paul McCartney 3/ Coldplay 4/ Bob Geldof 5/ Pink Floyd, Roger Wayers 6/ Led Zeppelin 7/Queen

Biografía de “ ”

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Historia del

Rock Nacional

Un largo y sinuoso camino desde 1967 hasta el 2008

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AÑOS 1967

Litto Nebbia Moris Pajarito Zaguri Tanguito

Año 1970

Almendra Manal Los gatos L.Gieco SuiGeneris Pedro y Pablo

Años 1980’

Los redondos Soda Stéreo Virus Sumo Baglietto Los abuelos

Años 1990’

Fito Páez Los ratones Los piojos Calamaro Bersuit La renga

Año 2000’

Babasónicos Callejeros La mancha de rolando Árbol Los cafres

Sandro y los de fuego, Sandro fue el primero que canto rock and roll en castellano en Argentina . Aunque no componía sus canciones y era una imitación de Elvis Presley, fue un suceso muy importante para lo que vendría después .

El rock llegó a la Argentina en la década del 50; como reflejo de la explosión musical que se expandía por el mundo entero. Pero ese furor ágil, rebelde y descontraído , llegaría como una nueva música de moda. El verdadero rock argentino tardaría todavía una década más en nacer. El panorama musical de la Argentina estaba gobernado por cantantes románticos. Por ese entonces el bolero todavía cubría un lugar importante en las pistas de baile y obviamente, el tango y el folklore eran herencias respetadas de otros tiempos. Como hemos leído en el capítulo sobre el rock internacional, la influencia de Elvis Presley, Bill Halley & The Comets y otros despertó en los artistas argentinos ganas de tocar rock and roll . Ya en los 60’ y con la incorporación del twist de la mano de Chubby Checker, el

género ganó más adeptos entre cantantes y músicos locales. El popular cantante romántico Sandro, con su mítica banda “Sandro y los de fuego” fue,

con sus imitaciones de Elvis Presley, el primero que hizo rock en castellano . Definitivamente, con Los Beatles a la cabeza las escalas

comenzaron a alterarse. En la Argentina, programas televisivos como "Ritmo y Juventud" y "El Club Del Clan" proclamaba la llegada de la nueva ola musical. Palito Ortega, Jhony Tedesco, Jolly land, Violeta Rivas, Nicky Jones, Chico Novarro, Lalo Fransen y varios más asumieron la vanguardia juvenil del momento, pero el cambio no pasaría por ellos.

Primer trilogía esencial del rock nacional (1970)

Almendra (primer grupo de Manal (primer trío de Los gatos (Primer hit del rock nacional Luis Alberto Spinetta) Blues en castellano ) “La balsa” vendió 200 mil discos)

Los shakers, los uruguayos aún cantaban en ingles .

Pappo, referente del blues Pedro&Pablo, música de protesta

La cofradía de la flor Solar, vivían en comunidad, toda una declaración de principios de los años 70 en contra de la sociedad de consumo .

Vox Dei, el primer grupo de rock pesado en castellano, por consejos de Spinetta .

Afiche original del primer festival de rock nacional

Afiche del festival BArock La Cofradía de la flor solar fue el primer grupo en intentar un modo de vida comunitario. Se separan casi al mismo momento Manal, los gatos y almedra. Aparece La revista PELO, exclusivamente dedicada al rock y aparecen los primeros festivales aunque ignorados por los grandes medios . Surge Vox Dei “ Presente ” al giual que el disco ” La biblia “ dejó

claro su enorme potencial. En el período 72-73 se produjo un sub-movimiento que, resistido en un principio por los propios rockeros, quizás demasiado intolerantes con Pappo a la cabeza, logró finalmente allanar el camino de la masividad: el rock acústico.

“ El rock acústico ”

Sui Generis León Gieco Raúl Porchetto Color humano, pescado Rabioso, Aquelarre, Vox Dei, Arco Iris, Alma y Vida, Moris, Litto Nebbia, Billy Bond y La Pesada del Rock And Roll, Pappo’s Blues y algunos pocos más, eran los nombres importantes del

panorama, pero la aparición del rock acústico de la mano de León Gieco, Raúl Porchetto, Miguel y Eugenio y Sui Generis modificó las estructuras musicales y amplió el horizonte.

La violencia ya era pan de todos los días en Argentina, y se trasladó también al rock. Primero fue la muerte de José Alberto Iglesias, Tanguito, que su vida terminó bajo las ruedas de un tren en Palermo en circunstancias muy confusas, como lo fue buena parte de su vida quizás . Ya en 1975, Sui Generis era el número indiscutido del rock argentino y su separación a fines de ese año

congregó una verdadera multitud en el estadio Luna Park, lo cual para muchos significó el asentamiento y reconocimiento definitivo del rock nacional en todos los ámbitos de la cultura en general . Aquí están los discos y el afiche de la película, ya que se filmó todo el recital mas algunas escenas recreadas para la ocasión, la película fue prohibida para menores de 18 años .

La junta militar que gobernó al país durante el mundial y practicó de manera cruel y cobarde el terrorismo de estado

. Serú Girán

La guerra de Malvinas

El 24 de marzo de 1976, la presidenta Isabel Perón es derrocada por un golpe militar, y el nuevo gobierno ajustaría las clavijas, ya instaladas, en el rock que como movimiento joven, pasa automáticamente a ser considerado

sospechoso. Muchos músicos eligieron exiliarse. Otros optaron por resistir. En la argentina de 1976, nadie podía sentirse seguro. El rock no era la excepción a la regla. Ya separado de Sui Generis y de la máquina de hacer pájaros, charly García arma Serú Girán, Serú Giran cambió las cosas, rescató la energía, el encanto de la canción, el fiel reflejo de una realidad agobiante, y la participación del público en los recitales. La reunión de Almendra contribuyó al replanteo de las estructuras musicales. Y el rock recuperó gran parte de su publicó. Estos últimos fueron fundamentales en la nueva tendencia que se impondría poco tiempo después : la canción contestataria. Con la última apuesta fallida del gobierno militar, se inicia la guerra de Malvinas, que provocó la inmediata censura de la música en inglés y entonces el rock argentino logró el espacio, (aunque debido a éste trágico hecho), que reclamaba y merecía desde hacía ya muchos años. Juan Carlos Baglietto fue la sorpresa de 1982, abriéndoles las puertas a músicos del interior postergados hasta el momento por el pulpo porteño. El rosarino y su banda -en la que estaban Fito Paez, Silvina Garré y Rúben goldín - bajaron a Bs. As. Y grabaron Tiempos Difíciles, un disco que lo pondría en boca de todos. Aparece en escena Alejandro Lerner .

El Comité Federal de Radiodifusión (Comfer) dio a conocer el archivo

original de las canciones y los artistas censurados entre 1978 y 1983.

Baglietto,

Fito Páez

Alejandro Lerner

Virus.

Las viudas

Los abuelos de la nada ( Con Calamaro)

Los redondos

Sumo

Curiosamente, los encargados de poner fin al auge protestón fueron unos undergrouns que tomaban la música de los ‘60 para reírse de todos: Los

Twist. Ellos gestaron toda una época que la llamada "música divertida" coparía los oídos de los adolescentes, como Virus en un principio y las viudas e hijas del roquenroll. Como contracara de esa propuesta, los músicos rosarinos surgidos de la sombra de Baglietto representaban la faceta "seria" de la escena. , Pappo, con su grupo Riff, el rock pesado se implantó como un metálico movimiento de resistencia del avance del pop. Pero el furor no duró mucho y para el ‘84, el heavy metal comenzaba a mostrar sus primeros signos de eclipsamiento. Si bien no estaba Serú Giran para liderar el panorama, la carrera solista de Charly García sirvió de parámetro para medir las nuevas tendencias. Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota hicieron brillantes recitales a partir del repertorio de su primer disco, Gulp!. Miguel Mateos y Zas pudieron diferenciarse del resto con su segundo disco Huevos, y el tercero, Tengo que parar.

Además de Patricio Rey..., Sumo era la sensación más fuerte del underground. Luca Prodan y el resto de los de Sumo parecían marcianos que habían aterrizado en Buenos Aires. Sin embargo el grupo de 1985 fue Zas, cuyo disco Rockas Vivas fue el éxito del momento. Los fabulosos cadillacs trajeron el Ska, Los pericos el reggae, el movimiento del rock nación es cada vez más masivo . Soda Stéreo exporta el rock nacional a Sudamérica . El año 87 perdió a 3 grandes referentes, Federico Moura ( virus) Luca Prodan (sumo) Miguel abuelo ( los abuelos de la nada) .

El disco de Fito record de ventas dentro del rock nacional . Charly y Spinetta son los pilares y referentes con sus carreras solistas .

Soda Stéreo sigue creciendo .

Illya Kuriaki & The Valderrama pasó de ser el grupo del " hijo de Spinetta" a tener un peso por derecho propio: Chaco, su tercer disco, el que rindió cuentas de un crecimiento. Rata Blanca y ataque77, padecieron de un éxito circunstancial, con Mujer Amante y Hacélo por mi, respectivamente. Las Pelotas y dividiso se consolidan. Los Piojos surgen en el palomar, En 1992 Serú Girán volvió a reunirse para un disco y dos recitales en River, donde juntaron 120 mil personas, récord hasta el momento Ya en los 90 La Renga pisó fuerte, Viejas Locas se consolidó con "Me Gustas Mucho" El Otro Yo tuvo su reconocimiento como el el tecno-rock de Babasónicos.

Los auténticos decadentes

Kapanga

La mosca

Pity, intoxicados

Los ritmos fiesteros se imponen, Los Auténticos Decadentes primero, Kapanga y La Mosca después -. Bersuit Vergarabat, un poco más comprometida políticamente pero también adicta a la alegría musical, editaba su primera placa en 1992. Las damas del rock, como Celeste Carballo, Fabiana Cantilo e Hilda Lizarazu, siguen conquistando con su voz. Últimamente, el desmembramiento de las grandes bandas es una constante: Por ejemplo, Sergio Rotman y Vicentico dejaron los Cadillacs, Skay Belinson se separó de Los Redondos, Bahiano ya no es la voz de los Pericos. Los más nuevos se abren camino y avanzan en búsqueda de una renovación musical, como Leo García, Dancing Mood o Miranda!. Arbol se atreve a fusionar distintos estilos, y Carajo apuesta al punk rock. Otros intentan por senderos rockeros más clásicos, como Mancha de Rolando, Intoxicados, Callejeros, Los Tipitos, Estelares, Las pastillas del abuelo, tan biónica etc etc .

Divididos Bersuit La renga

Hoy, año 2013 podemos decir que, La Renga, Bersuit y Divididos se encuentran en la cima de la masividad. Pasaron 47 años de "La balsa". De aquellos primeros recitales casi ocultos en bares o sótanos, llegamos a una etapa en la que el Rock Nacional mueve multitudes. La música que invita al pogo, al baile o a la reflexión está más viva que nunca. Y seguirá así mientras haya gente con talento que tenga algunas cosas que decir.

Biografía de “ ”

(Buscar los datos más importantes e incluir foto)

El mito de las condiciones naturales :

Basado en mi experiencia personal puedo afirmar que de cada 100 personas que emprenden el estudio de la música , vocal o instrumental , sólo una de ellas tiene super facilidad para todo .Tiene una inteligencia privilegiada ,entiende todo enseguida , nunca está distraído ,posee gran sentido rítmico y oído . Vive a mil por hora , en general es desinhibido y no tiene trabas a nivel social ,claro está que también tiene que trabajar , pero todo le resulta mucho más fácil , ahora , yo me pregunto ¿ y el 99 % restante qué ? ésos, somos los que obtenemos todo en base a esfuerzo y el trabajo . Es muy raro que un músico o cantante consagrado haya llegado tocado por la varita mágica, los que llegaron, llegaron en base a trabajo . Pero aquí vale la pena aclarar algo muy importante , en la vida del músico no todo es estudiar y practicar , porque uno se manifiesta a través de todo el cuerpo ¿ se entiende ?, ¿Cómo sonará la guitarra, el teclado, la batería, o como se enfrentará al público un cantante que tiene el cuerpo contracturado, que camina rígidamente y está bloqueado por miles de inhibiciones ? . Toda nuestra actitud corporal-mental es lo que conforma al propio sonido , esto es algo que con los años se va mejorando , pero en lo que siempre está presente el sello de fábrica , algo tan personal como tu propia voz , como tu modo de ser . Entonces aprendamos del 1% , trabajemos , pero ojo ¡ nada que ver con la disciplina militar ! esa que ahoga la individualidad y la creatividad , hablo del trabajo ordenado, constante y eficiente, algo que no es imposible de lograr pero hay que generarlo . Yo arriesgaría decir que es imposible que a alguien no le guste cantar , o tocar algún instrumento, cantar es un hecho tan natural , que tanto hemos disfrutado y hecho en recitales , canchas ,cumpleaños , fogones y también en la clase , ahora ¿ es fácil cantar ? acá vienen 2 aclaraciones muy importantes que darán claridad al objetivo de ésta unidad . Quiero hablar de la timidez , la vergüenza y el miedo a equivocarse en público , rasgos muy comunes a la hora de querer mostrar como cantamos , aunque sea entre amigos o gente conocida , ahora , aclaremos algo , realmente la música ¿ nos gusta? Seguro que sí , a quién no le gusta una banda o al menos una canción entonces ¿ porque nos cuesta intentar mostrar algo que nos gusta ? ¡Cuántas veces nos ha pasado que desistimos hacer algo que quisiéramos porque nos da vergüenza , o nos sentimos capaces de realizar determinado trabajo !. Quizás esta bueno detenerse y pensar en que en nuestra escuela tenemos oportunidades de cantar y tocar en vivo, ¿ no te gustaría tocar o cantar en algún acto o muestra? O quizás la pregunta que corresponde sería ¿ no te gustaría no sentir miedo , liberarte de toda vergüenza y tocar o cantar delante de mucha gente las canciones que tanto escuchás en tu casa o con tus amigos ? yo me atrevo a decir si, casi afirmaría que el 90% de la clase estaría dispuesto a participar en dichas actividades , de hecho , muchos me han hablado de lo que les gusta los actos que se realizan en vivo en la escuela , pero que no se siente capacitados para afrontar esas producciones , les aclaro algo , si tenés en claro que tenes ganas podés realizar cualquiera de éstas actividades , para eso contas con todo mi apoyo y el de la escuela , y en última instancia , vale la pena intentar y si no te gusta el resultado por lo menos habrás tenido una experiencia más y sabrás mas que cosas te gustan y que no . ¿ Cualquiera puede cantar ? , por supuesto que sí, aunque la constancia y la práctica nos asegurarán mejores resultados, de esa manera todos , pero absolutamente todos lo podemos realizar . Pero para ir terminando esta introducción , es necesario aclarar que todos , sin excepción , todos ustedes pueden cantar bien , repito todos , y cuanto más puedan entender éstas consignas y mejoremos la respiración y el cuidado de nuestra garganta les aseguro que ésta será una experiencia muy gratificante , mucha suerte .

AÑOS 1967

Litto Nebbia Moris Pajarito Zaguri Tanguito

Año 1970

Almendra Manal Los gatos L.Gieco SuiGeneris Pedro y Pablo

Años 1980�

Los redondos Soda Stéreo Virus Sumo Baglietto Los abuelos

Años 1990�

Fito Páez Los ratones Los piojos Calamaro Bersuit La renga

Año 2000�

Babasónicos Callejeros La mancha de rolando Árbol Los cafres

Sandro y los de fuego, Sandro fue el primero que canto rock and roll en castellano en Argentina . Aunque no componía sus canciones y era una imitación de Elvis Presley, fue un suceso muy importante para lo que vendría después .

El rock llegó a la Argentina en la década del 50; como reflejo de la explosión musical que se expandía por el mundo entero. Pero ese furor ágil, rebelde y descontraído , llegaría como una nueva música de moda. El verdadero rock argentino tardaría todavía una década más en nacer. El panorama musical de la Argentina estaba gobernado por cantantes románticos. Por ese entonces el bolero todavía cubría un lugar importante en las pistas de baile y obviamente, el tango y el folklore eran herencias respetadas de otros tiempos. Como hemos leído en el capítulo sobre el rock internacional, la influencia de Elvis Presley, Bill Halley & The Comets y otros despertó en los artistas argentinos ganas de tocar rock and roll . Ya en los 60� y con la incorporación del twist de la mano de Chubby Checker, el

género ganó más adeptos entre cantantes y músicos locales. El popular cantante romántico Sandro, con su mítica banda �Sandro y los de fuego� fue,

con sus imitaciones de Elvis Presley, el primero que hizo rock en castellano . Definitivamente, con Los Beatles a la cabeza las escalas

comenzaron a alterarse. En la Argentina, programas televisivos como "Ritmo y Juventud" y "El Club Del Clan" proclamaba la llegada de la nueva ola musical. Palito Ortega, Jhony Tedesco, Jolly land, Violeta Rivas, Nicky Jones, Chico Novarro, Lalo Fransen y varios más asumieron la vanguardia juvenil del momento, pero el cambio no pasaría por ellos.

Primer trilogía esencial del rock nacional (1970)

Almendra (primer grupo de Manal (primer trío de Los gatos (Primer hit del rock nacional Luis Alberto Spinetta) Blues en castellano ) �La balsa� vendió 200 mil discos)

Los shakers, los uruguayos aún cantaban en ingles .

Pappo, referente del blues Pedro&Pablo, música de protesta

La cofradía de la flor Solar, vivían en comunidad, toda una declaración de principios de los años 70 en contra de la sociedad de consumo .

Vox Dei, el primer grupo de rock pesado en castellano, por consejos de Spinetta .

Afiche original del primer festival de rock nacional

Afiche del festival BArock

La Cofradía de la flor solar fue el primer grupo en intentar un modo de vida comunitario. Se separan casi al mismo momento Manal, los gatos y almedra. Aparece La revista PELO, exclusivamente dedicada al rock y aparecen los primeros festivales aunque ignorados por los grandes medios . Surge Vox Dei � Presente � al giual que el disco � La biblia � dejó

claro su enorme potencial. En el período 72-73 se produjo un sub-movimiento que, resistido en un principio por los propios rockeros, quizás demasiado intolerantes con Pappo a la cabeza, logró finalmente allanar el camino de la masividad: el rock acústico.

� El rock acústico �

Sui Generis León Gieco Raúl Porchetto Color humano, pescado Rabioso, Aquelarre, Vox Dei, Arco Iris, Alma y Vida, Moris, Litto Nebbia, Billy Bond y La Pesada del Rock And Roll, Pappo�s Blues y algunos pocos más, eran los nombres importantes del

panorama, pero la aparición del rock acústico de la mano de León Gieco, Raúl Porchetto, Miguel y Eugenio y Sui Generis modificó las estructuras musicales y amplió el horizonte.

La violencia ya era pan de todos los días en Argentina, y se trasladó también al rock. Primero fue la muerte de José Alberto Iglesias, Tanguito, que su vida terminó bajo las ruedas de un tren en Palermo en circunstancias muy confusas, como lo fue buena parte de su vida quizás . Ya en 1975, Sui Generis era el número indiscutido del rock argentino y su separación a fines de ese año

congregó una verdadera multitud en el estadio Luna Park, lo cual para muchos significó el asentamiento

y reconocimiento definitivo del rock nacional en todos los ámbitos de la cultura en general . Aquí están los discos y el afiche de la película, ya que se filmó todo el recital mas algunas escenas recreadas para la ocasión, la película fue prohibida para menores de 18 años .

La junta militar que gobernó al país durante el mundial y practicó de manera cruel y cobarde el terrorismo de estado

. Serú Girán

La guerra de Malvinas

El 24 de marzo de 1976, la presidenta Isabel Perón es derrocada por un golpe militar, y el nuevo gobierno ajustaría las clavijas, ya instaladas, en el rock que como movimiento joven, pasa automáticamente a ser considerado

sospechoso. Muchos músicos eligieron exiliarse. Otros optaron por resistir. En la argentina de 1976, nadie podía sentirse seguro. El rock no era la excepción a la regla. Ya separado de Sui Generis y de la máquina de hacer pájaros, charly García arma Serú Girán, Serú Giran cambió las cosas, rescató la energía, el encanto de la canción, el fiel reflejo de una realidad agobiante, y la participación del público en los recitales. La reunión de Almendra contribuyó al replanteo de las estructuras musicales. Y el rock recuperó gran parte de su publicó. Estos últimos fueron fundamentales en la nueva tendencia que se impondría poco tiempo después : la canción contestataria. Con la última apuesta fallida del gobierno militar, se inicia la guerra de Malvinas, que provocó la inmediata censura de la música en inglés y entonces el rock argentino logró el espacio, (aunque debido a éste trágico hecho), que reclamaba y merecía desde hacía ya muchos años. Juan Carlos Baglietto fue la sorpresa de 1982, abriéndoles las puertas a músicos del interior postergados hasta el momento por el pulpo porteño. El rosarino y su banda -en la que estaban Fito Paez, Silvina Garré y Rúben goldín - bajaron a Bs. As. Y grabaron Tiempos Difíciles, un disco que lo pondría en boca de todos. Aparece en escena Alejandro Lerner .

El Comité Federal de Radiodifusión (Comfer) dio a conocer el archivo

original de las canciones y los artistas censurados entre 1978 y 1983.

Baglietto,

Fito Páez

Alejandro Lerner

Virus.

Las viudas

Los abuelos de la nada

( Con Calamaro)

Los redondos

Sumo

Curiosamente, los encargados de poner fin al auge protestón fueron unos undergrouns que tomaban la música de los �60 para reírse de todos: Los

Twist. Ellos gestaron toda una época que la llamada "música divertida" coparía los oídos de los adolescentes, como Virus en un principio y las viudas e hijas del roquenroll. Como contracara de esa propuesta, los músicos rosarinos surgidos de la sombra de Baglietto representaban la faceta "seria" de la escena. , Pappo, con su grupo Riff, el rock pesado se implantó como un metálico movimiento de resistencia del avance del pop. Pero el furor no duró mucho y para el �84, el heavy metal comenzaba a mostrar sus primeros signos

de eclipsamiento. Si bien no estaba Serú Giran para liderar el panorama, la carrera solista de Charly García sirvió de parámetro para medir las nuevas tendencias. Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota hicieron brillantes recitales a partir del repertorio de su primer disco, Gulp!. Miguel Mateos y Zas pudieron diferenciarse del resto con su segundo disco Huevos, y el tercero, Tengo que parar.

Además de Patricio Rey..., Sumo era la sensación más fuerte del underground. Luca Prodan y el resto de los de Sumo parecían marcianos que habían aterrizado en Buenos Aires. Sin embargo el grupo de 1985 fue Zas, cuyo disco Rockas Vivas fue el éxito del momento. Los fabulosos cadillacs trajeron el Ska, Los pericos el reggae, el movimiento del rock nación es cada vez más masivo . Soda Stéreo exporta el rock nacional a Sudamérica . El año 87 perdió a 3 grandes referentes, Federico Moura ( virus) Luca Prodan (sumo) Miguel abuelo ( los abuelos de la nada) .

El disco de Fito record de ventas dentro del rock nacional . Charly y Spinetta son los pilares y referentes con sus carreras solistas .

Soda Stéreo sigue creciendo .

Illya Kuriaki & The Valderrama pasó de ser el grupo del " hijo de Spinetta" a tener un peso por derecho propio: Chaco, su tercer disco, el que rindió cuentas de un crecimiento. Rata Blanca y ataque77, padecieron de un éxito circunstancial, con Mujer Amante y Hacélo por mi, respectivamente. Las Pelotas y dividiso se consolidan. Los Piojos surgen en el palomar, En 1992 Serú Girán volvió a reunirse para un disco y dos recitales en River, donde juntaron 120 mil personas, récord hasta el momento Ya en los 90 La Renga pisó fuerte, Viejas Locas se consolidó con "Me Gustas Mucho" El Otro Yo tuvo su reconocimiento como el el tecno-rock de Babasónicos.

Los auténticos decadentes

Kapanga

La mosca

Pity, intoxicados

Los ritmos fiesteros se imponen, Los Auténticos Decadentes primero, Kapanga y La Mosca después -. Bersuit Vergarabat, un poco más comprometida políticamente pero también adicta a la alegría musical, editaba su primera placa en 1992. Las damas del rock, como Celeste Carballo, Fabiana Cantilo e Hilda

Lizarazu, siguen conquistando con su voz. Últimamente, el desmembramiento de las grandes bandas es una constante: Por ejemplo, Sergio Rotman y Vicentico dejaron los Cadillacs, Skay

Belinson se separó de Los Redondos, Bahiano ya no es la voz de los Pericos. Los más nuevos se abren camino y avanzan en búsqueda de una renovación musical, como Leo García, Dancing Mood o Miranda!. Arbol se atreve a fusionar distintos estilos, y Carajo apuesta al punk rock. Otros intentan por senderos rockeros más clásicos, como Mancha de

Rolando, Intoxicados, Callejeros, Los Tipitos, Estelares, Las pastillas del

abuelo, tan biónica etc etc .

Divididos Bersuit La renga

Hoy, año 2013 podemos decir que, La Renga, Bersuit y Divididos se encuentran en la cima de la masividad. Pasaron 47 años de "La balsa". De aquellos primeros recitales casi ocultos en bares o sótanos, llegamos a una etapa en la que el Rock Nacional mueve multitudes. La música que invita al pogo, al baile o a la reflexión está más viva que nunca. Y seguirá así mientras haya gente con talento que tenga algunas cosas que decir.

Biografía de � �

(Buscar los datos más importantes e incluir foto)

La historia

del Rock and roll internacional

Historia del Rock: El ritmo rebelde cumple que ya cumplió medio siglo

Bill Haley A pesar de que "oficialmente" se marca el nacimiento del rock and roll con la grabación That's all right, de Elvis Presley, históricamente tanto la música como el nombre surgieron poco tiempo antes. Para muchos historiadores, el amanecer del género se dio con la canción Rock around the clock, de Bill Haley and his comets, que fue grabada el 12 de abril de 1954 -tres meses antes que el Rey hiciera historia cuando un 5 de julio de 1954, un chofer de camioneta de 19 años de edad cambiaría el curso de la música y de la historia al entrar a un pequeño estudio de grabación en Memphis a realizar tres canciones. Entre esos tres temas que grabó un tal Elvis Aaron Presley se encontraba uno de nombre That's All Right, el cual marcaría el nacimiento no sólo de un nuevo género musical sino el de una forma de expresión artística, social y cultural, además de un estilo de vida: el rock and roll.

Elvis presley Quién iba a pensar que aquella música que fusionaba el sonido country de los blancos y el rhythm and blues de los negros, seguiría vigente 50 años después �cuando en sus inicios no le daban más allá de cinco años de vida-, y que aquél joven nacido en Tupelo, Mississippi un 8 de enero de 1935, se convertiría nada menos que en el Rey del rock, además de en la figura más importante e influyente de la música popular en el Siglo XX. A lo largo de estos 50 años, el rock ha sido dado por muerto y se ha levantado de las cenizas en varias ocasiones, pero al parecer las palabras dichas algún día por el Rey se convirtieron en una profesía: "No creo que (el rock and roll) muera alguna vez por completo, porque van a tener que hacer algo extraordinariamente bueno para que tome su lugar". Sin embargo, el hecho de considerar a Elvis como el creador, principal promotor y Rey del rock, tiene mucho que ver con su personalidad, con su voz, con su carisma y con lo que desde un inicio representó no sólo para la música sino para la cultura popular de entonces, rompiendo esquemas y trasgrediendo tradiciones morales y de conducta. Pero no todo en la década de los 50 giró en torno a Elvis, pues el rock and roll vio nacer otras figuras importantes y trascendentales a los que les tocaría escribir capítulos muy importantes en el génesis de su historia. Dentro de esa lista, que podría ser muy larga, destacan personajes básicos como Chuck Berry, Little Richard, Bo Didley, Buddy Holly, Jerry Lee Lewis, Fats Domino, Roy Orbison, Edie Cochran y The Everly Brothers, entre muchos otros. El auge de esta primera generación del rock and roll se dio hacia 1956-57, y sería el mismo Elvis el que marcaría su decadencia cuando en 1958 se enroló en el ejército de los Estados Unidos, donde permanecería hasta 1960.

Si bien a su regreso su popularidad seguía por los cielos, su música dejó de tener esa carga de rebeldía y frescura con la que se identificaron años antes los jóvenes. El rock estaba listo para sufrir su primera metamorfosis. Luego de la decadencia de los primeros ídolos del rock and roll a finales de los años 50, la estafeta la tomaron los artistas de color, quienes a principios de los 60 pusieron a bailar a todo mundo con su sonido Motown, una celebración de R&B, soul y funk. De esa oleada de artistas se recuerdan, entre muchos otros a The Supremes, The Marvelletes, The Shirelles, Marvin Gaye, Stevie Wonder y el padrino del funk, James Brown, que le dieron un nuevo sentido a la música pop con su frescura y alegría. Pero bastaría con que la década dejara pasar cuatro años para que un nuevo movimiento, con dimensiones y repercusiones tan grandes como las del nacimiento del género, se presentara. Con la llamada "invasión inglesa" la música británica se hacía presente y, como ocurriría de ahí en adelante, demostraría que a partir de ahí irían siempre un paso adelante a lo que se creara en Estados Unidos. Entonces el mundo entero vibró a ritmo de The Kinks, The Animals, The Who, The Zombies, The Shadows, The Hollies y, por supuesto, con The Beatles y The Rolling Stones, las dos bandas más importantes e influyentes en la historia del rock. La ola británica

The Animals The Beatles The Kinks The Rolling Stones The Who, En tanto, en Estados Unidos la respuesta llegaría unos años después, cuando pasada la mitad de la década el rock ácido y la psicodelia se apoderaría de la escena y traería un nuevo movimiento al rock, quizá el más trascendente y de gran repercusión social y cultural. Luego de que Bob Dylan decidiera dejar un poco el folk y electrificar su música, una gran generación de bandas estadounidenses empezaron a crear un movimiento que años más tarde, en 1969, desembocaría en la llamada �nación Woodstock�, un festival de tres días de duración que convocó a cerca de medio millón de personas. De esa generación destacan Jimi Hendrix (considerado como el mejor guitarrista de rock de todos los tiempos), Janis Joplin, The Doors, The Jefferson Airplane, The Greateful Dead, The Byrds, Country Joe & The Fish, y una serie de grupos provenientes principalmente de la Costa Oeste de los Estados Unidos. Con el Festival de Woodstock, realizado en Woodstock, Nueva York en 1969, esa generación del "peace and love" vivió su momento utópico, su punto álgido, pero a la vez marcó el inicio del fin, que ocurrió meses más tarde con el concierto gratuito que The Rolling Stones ofrecieron en Altamount, California, en donde un joven de raza negra fue cruelmente acribillado y asesinado por la pandilla de los Hell's Angels, paradójicamente contratados por los Stones para encargarse de la seguridad. El sueño había terminado. La ola Psicodélica

The Greateful Dead, Janis Joplin Jimi Hendrix The Doors The Jefferson Airplane "El sueño ha terminado". Con esta frase que se incluye en la canción God, de John Lennon, da inicio la década de los años 70 en el rock. Luego del festín experimentado en el decenio anterior, el nuevo no pintaba nada bien y desde el mismo amanecer se daban muestras de ello. Jimi Hendrix y Janis Joplin, dos símbolos de la generación de los 60, mueren en 1970 a causa de una sobredosis. En ese mismo años, Paul McCartney anuncia oficialmente la separación de The Beatles, el grupo que, como alguna vez dijera Lennon, era casi tan popular como Jesucristo. Un año más tarde, en 1971, Jim Morrison, cantante de The Doors y uno de los principales iconos visuales y sex symbols de la historia del rock, muere también de sobredosis.

Led Zeppelin Con esos malos augurios, la primera mitad de la década el rock experimenta su masificación y el establecimiento de la parafernalia visual en grandes escalas en los conciertos. Led Zeppelin reinará a lo largo de la década, y de tras de ellos vendrán The Rolling Stones y Pink Floyd, con espectáculos realmente impresionantes.

El heavy metal, el hard rock y el glam rock se apoderan del gusto de las masas a lo largo de la primera mitad de la década, por lo que grupos como Deep Purple, Black Sabbath, Queen, Kiss, Bad Company viven sus momentos de gloria. Del heavy al Glam

Deep Purple Black Sabbath Kiss Queen

Sin embargo, toda esa masificación, , parafernalia visual y, en el caso del rock progresivo, virtuosismo, aleja al rock de sus raíces callejeras y de rebeldía, por lo que los jóvenes ya no encuentran una identificación y una bandera en él. Es entonces que en los suburbios neoyorquinos surge el punk, derivado del rock que retoma esa rebeldía, acompañada con una dosis de anarquismo, hedonismo y politización, que lo convierten en otro de los momentos trascendentales en la historia del género.

El punk nace en Nueva York engendrado por los ahora míticos The Ramones, pero los ingleses The Sex Pistols lo llevan al extremo. Otras bandas de notoria trascendencia son The Clash, The Damn, Generation X, The Misfits y Black Flag. Así, mientras el rock estaba en una abismo y la música disco reinaba en las listas de popularidad, el último gran movimiento del género se hacía presente.

John Bonham, baterista de Led Zeppelin, muere por una congestión alcohólica el 25 de 1980; meses más tarde, Jimmy Page anuncia la separación del grupo. Bob Marley, máxima figura de la música reggae, muere el 11 de mayo de 1981 víctima del cáncer. The Eagles, uno de los grandes grupos de country-rock de los años 70 anuncian su separación en mayo de 1982, dicen que sólo se reunirán "hasta que el infierno se congele" (cosa que "sucedería" en la primavera de 1994, cuando se juntaron nuevamente).

La década de los 80 se caracterizó por la amplia diversidad de música en estilos, propuestas, formas y estética, gracias al nacimiento de varios subgéneros del rock (new wave, post-punk, techno, dark, electrónico, rap, breakdance, dark metal, new romantic...), que se fueron incorporando a la escena a lo largo del decenio, algunos con características masivas, en cuanto a su exposición, otros más bien subterráneos o alternativos.

Dentro de la primera mitad de la década destacaría un trío británico nacido del punk pero que había evolucionado y transformado su sonido: The Police, que con su mezcla de rock, reggae y jazz se convirtió en la mejor banda del mundo, hasta que se separaron en 1985, justo cuando experimentaban su punto más alto, artística y comercialmente hablando. U2

Ante la desintegración de The Police quienes toman la estafeta son los irlandeses de U2, que para finales de los 80 ya se habían convertido en el grupo más importante de rock del mundo, a niveles de los grandes como The Beatles, The Rolling Stones, Led Zeppelin, entre otros.

Talking Heads, Simple Minds, The Pretenders, XTC, Men an Work, Madness, The Cars, The Cure, The Smiths, Bauhaus, Depeche Mode, Tears For Fears, OMD, Pet Shop Boys, Ultravox, Duran Duran son tan sólo algunos de los muchos protagonistas de la década. Un par de años antes de que se extinguieran los 80, una banda de Los Ángeles llegaría a darle una nueva inyección de vitalidad al rock: Guns N' Roses, que con su hard rock, su apariencia entre glam y desaliñada, la personalidad de su cantante Axl Rose y su disco debut, Apettite for destruction, conquistaron el mundo entero.

Nirvana Pearl Jam

Al igual que su antecesora, la década de los 80 inicia con muertes y separaciones. John Lennon, líder y fundador de los Beatles, activista político y social es asesinado afuera de su departamento en Nueva York el 8 de diciembre de 1980. El mundo entero lo llora, la canción Imagine suena por todo el globo terráqueo y el rock y la cultura popular occidental están de luto.

Si en la década de los 80 se experimentó la diversificación, los 90 fueron el decenio de la tecnología en la música en general. La implementación de nuevas técnicas de grabación y el uso de computadoras fueron elementos que se hicieron básicos en la producción musical. Sin embargo, los 90 empezaron con lo que puede considerarse como el último gran movimiento en el rock: el grunge, que a su vez arrojaría al último mártir del género: Kurt Cobain. En una situación un tanto similar al nacimiento del punk a finales de los 70, a finales de lo 80 se empezó a gestar en Seattle un movimiento que musicalmente conjuntaba la potencia y fiereza del punk y el heavy metal, e ideológicamente transmitía un mensaje de indiferencia, introspección y aislamiento, ante lo que ocurría en la sociedad estadounidense y en el mundo en general. De ese movimiento destacaron principalmente dos bandas: Nirvana, y Pearl Jam, pero sería la primera la que marcaría a toda una generación con su tema Smells like teen spirit y su disco Nevermind, pero también por su cantante, Kurt Cobaín, que se convertiría, al igual que lo hicieran en su momento Morrison, Hendrix, Janis, en el héroe y mártir de ese momento al quitarse la vida el 5 de abril de 1994. Como respuesta, los británicos revivieron aquella oleada de Britpop de los años 60, y en esta ocasión abanderados por grupos como Oasis, Blur, Radiohead, Supergrass, Pulp, The Verve, a mediados de la década le dieron un nuevo sentido y dirección al rock. De estas bandas, Oasis y Blur fueron las que encabezaron en movimiento, pero sería Radiohead el que a finales de la década dejara uno de los testimonios más celebrados artísticamente en la historia del rock con su disco O.K. computer, en donde consiguieron un admirable equilibrio entre el uso de la tecnología con el rock en su forma básica.La década cerraría con la presencia de grupos del llamado rap metal como Korn, Limp Bizkit, Deftones, Stain, P.O.D, que a pesar de tener una gran cantidad de seguidores, principalmente en su natal Estados Unidos, no pudieron competir con el pop adolescente de Britney Spears, Backstreet Boys, Christina Aguilera, 'N Sync y similares, que se posesionaría de las listas de venta. La llegada del nuevo milenio traería consigo otro resurgimiento del rock, con grupos como The Strokes, The White Stripes, Yeah Yeah Yeahs, The Libertines, The Vines, The Hives, que retomando elementos musicales y estéticos de finales de los años 70 y principio de los 80 le regresarían la simpleza, armonía y actitud que había perdido este género que desde que nació estaba destinado a quedarse por siempre, y que ahora a sus 50 años de edad demuestra que sigue siendo un rebelde como en sus mejores años. Quizás, los recitales de Live aid, en el 85 y live 8 en el 2005, donde las figuras del rock mas representativas del mundo entero, organizados por Bob Geldof, hacen creer que, mas allá de los grupos meramente comerciales (y esto no es un delito) existe también la viva y concreta la esencia fundamental de Rock and Roll en el mundo, que es luchar contra las injusticias elevando la voz lo mas alto que se pueda, aquí hay imágenes de éstos memorables y emocionantes conciertos .

Algunas imágenes de los conciertos

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1/2 Bono y Paul McCartney 3/ Coldplay 4/ Bob Geldof 5/ Pink Floyd, Roger Wayers 6/ Led Zeppelin 7/Queen

Biografía de “ ”

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Folclore latinoamericano

Uruguay (Candombe y murga)

Brasil (Bossanova y samba )

Paraguay (Polcas y guaranias )

Bolivia ( Carnavalito y saya )

Chile ( Cueca y trote )

Ruben Rada Jaime Ross

Tom Jobim Vinicius de Moraes

FélixCardozo Mauricio Ocampo

Los Kjarkas Ernesto Cavour

Violeta Parra Víctor Jara

Uruguay Candombe y murga El Candombe es un ritmo proveniente de África que ha sido parte importante de la cultura uruguaya por más de doscientos años. En 1750 comenzó la introducción de esclavos africanos. A principios del siglo XIX la población de origen africano en Montevideo seguramente excedía el 50% de los habitantes. En época de colonia, los africanos recién llegados llamaban a sus tambores con el nombre de tangó. De esta época de celebraciones, original en Uruguay, sólo los toques se conservan y tienen su mayor manifestación en las "Llamadas" del barrio Sur y Palermo.

Grandes exponentes de la música popular uruguaya Rubén Rada Jaime Ross Alfredo Zitarrosa

Brasil Bossanova y samba Bossa-nova, estilo musical de origen brasileño que surgió a fines de los años cincuenta impulsada por un grupo de estudiantes y músicos de clase media procedentes de Copacabana e Ipanema, en los barrios de Rio de Janeiro situados junto a la playa. El nombre se puede traducir como "el ritmo nuevo" o "el camino nuevo " aunque etimológicamente significa "voz nueva". Se hizo muy conocida en Brasil gracias a la grabación de "Chega de Saudade", interpretada por João Gilberto y compuesta por Antonio Carlos Jobim y Vinicius de Moraes tres de los principales exponentes de este género. Samba La samba, mucho antes de convertirse en uno de los géneros musicales latinoamericanos más reconocidos en todo el mundo, era una danza de la fecundidad de origen angoleno. Debe su nombre a la coreografía de dicha danza, que incluía la frotación de los ombligos (semba significa ombligo en idioma bantú).

Vinicius de Moraes Carlos Jobim Joao Gilberto

Paraguay Guaranias y polcas La guarania es un estilo folclórico de música creada en Paraguay por el músico José Asunción Flores en 1925; con el propósito de expresar el carácter del pueblo paraguayo. Así se acompañó de ritmos y melodías lentos y melancólicos para las canciones. De alguna de las canciones se deduce el carácter heroico del pueblo paraguayo. Desde su creación, la Guarania se convirtió en el fenómeno musical más importante de Paraguay del s. XX

Grandes exponentes de la música popular Paraguaya MAURICIO CARDOZO OCAMPO FÉLIX PÉREZ CARDOZO

Carnavalito El simpático, movido y vistoso Carnaval o Carnavalito es una antiquísima danza colectiva que, con figuras primitivas, se bailó en América desde antes del descubrimiento; dueño de una vitalidad extraordinaria, ha perdurado a través de siglos y se practica aún hoy, de modo espontáneo, en el norte argentino, en Bolivia, Norte de Chile y Perú .

Saya El ritmo exquisito de la SAYA identifica plenamente a Los Yungas. La Saya era interpretada en todos los acontecimientos de la comunidad expresando a través de sentidas coplas todos sus sentimientos, tanto alegría como tristeza, tanto pedidos como quejas al patrón.

Grandes exponentes de la música popular Boliviana

Ernesto Cavour Los Kjarkas

Chile Cueca y trote Es indispensable aclarar, como suceden muchos países de Latinoamérica, la mezcla de indígenas y españoles, produjo una fusión ( mezcla ) de música, bailes, trajes y comidas. Esa herencia constituye la base del folclore nacional y de muchos países latinos. Reconocemos como 2 estilos importantes a :

La cueca Tiene características propias, Io que la hace ser diferente a sus ritmos hermanos, como la zamba, hay que recordar que antes eran un mismo ritmo , la zamacueca, al dividirse podemos diferenciarlas porque la cueca es mas rápida, también existe la cueca nortina, que no tiene texto, solamente melodía,

El trote o trotecito El TROTE es un baile de pareja mixta, en el que los bailarines realizan unos pasos de igual forma que si estuvieran trotando, de ahí su nombre, avanzando y retrocediendo; tomados de ambas manos se van realizando giros para un lado y otro, sin dejar de jugar con el movimiento de los brazos. Se interpreta con gran variedad de instrumentos, incluyendo guitarra, quena, zampoña, caja, bombo, etc.

Grandes exponentes de la música popular chilena Violeta Parra

Violeta Parra ,fue una cantautora, pintora,

escultora, bordadora y ceramista chilena,

considerada una de las folcloristas más

importantes de América y fundadora de

la música popular de su país.

Su trabajo inspiró a muchos artistas

quienes continuaron con su tarea de rescate

de la música del campo chileno .

Víctor Jara Cantautor chileno. Fue también director teatral, investigador del folclore y de los instrumentos indígenas, actor, dramaturgo y libretista, pero alcanzó la mayor trascendencia como compositor y cantante popular. Asesinado cobardemente por la dictadura militar en el año 73, su música es recordada por calidad y compromiso con su pueblo .

Biografía de “ ”

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¿ Qué es Música Clásica ? ¿ Qué es Música Clásica ?. En realidad, el término debiera corresponder únicamente a la música culta compuesta en el período clásico, de mediados del siglo XVIII hasta principios del XIX. Pero el uso lo ha extendido también a la música seria compuesta entre el medioevo y el presente. Comunmente se le llama "clásica", pero los que saben, dicen que tal nombre se debe reservar para tal música, pero sólo para la que se hizo en un tiempo determinado, que se conoce como el período clásico de la música, aquel en el que brillaron Haydn, Mozart y la primera etapa de Beethoven. Se le dice también música "culta"; pero en el concepto moderno, toda música es producto de una cultura, entendiendo por ésta, el conjunto de ideas, creencias religiosas, ciencias, artes y costumbres que forman y caracterizan el estado social de un pueblo o de una raza. Se trata de aquella que no es popular ni folklórica. Sus autores y ejecutantes han estudiado una larga carrera en escuelas especiales que se llaman conservatorios, y sus oyentes, en general, han sido inducidos a gustarla por tradición familiar, que después puede cultivarse. Lo que es definitivo, es que ha trascendido las fronteras del tiempo y el espacio. Aparte de las limitantes de no ser folklórica ni popular, la música clásica está confinada a un ámbito geográfico, el de la cultura occidental, es decir, los pueblos europeos y sus herederos culturales, primero los americanos y después algunos otros. Con el término de música clásica nos referimos a aquella creada a partir del Renacimiento y que representa el fenómeno cultural más brillante que se ha dado en la historia de la humanidad, solo comparable, por sus alcances, a la ciencia de la Europa postrenacentista. Es claro que existen otras estéticas musicales, tan valiosas como la música clásica, pero representan visiones muy diferentes del mundo. Ejemplo de esto, en nuestro tiempo, es el jazz de Norteamérica. No significa que antes del mundo clásico no haya existido la música, ya que la música es tan antigua como el propio hombre y hay manifestaciones que datan de tiempos remotos y de civilizaciones muy diversas como la egipcia, la china y la japonesa. Pues bien, los griegos de la época clásica desarrollaron en gran medida muchos campos de estudio, como las matemáticas, la filosofía,....y también la música. Para ellos la música era muy especial y por ello la tendrán muy presente en sus vidas: cantaban en bodas, funerales, nacimientos y demás ceremonias religiosas. La encontraremos siempre ligada a la poesía y a la danza. Hagamos un repaso de todas los períodos por los que atravesó esta maravillosa música !

La Edad Media La Edad Media es un periodo muy largo que se extiende desde el siglo V hasta el siglo XV. Esta etapa está encuadrada entre La Antigüedad y El Renacimiento. Hay dos hechos que los historiadores marcan como el inicio y el fin de la Edad Media, que son la Caída del Imperio Romano en el año 476 y el Descubrimiento de América en 1492. Es un período muy largo que se divide en dos etapas: La Alta Edad Media: (siglos V a X). Es una época de pobreza, llena de guerras y enfermedades, en la que la sociedad sufre constantes epidemias como la de la peste negra que asolarán toda Europa. La Baja Edad Media: (siglos XI al XV). Época de gran prosperidad económica, política y también cultural. Es la época del feudalismo, en la que el rey concede poder a algunos nobles que se convierten en terratenientes y que en ocasiones llegarán a tener más poder que el propio monarca. Aquí se desarrollarán los estilos artísticos más importantes de este periodo, que son el Románico (S. XI) y el Gótico (S. XIII) con los que llegaremos a la gran revolución musical de la época: El nacimiento de la polifonía. En la Edad Media, la Iglesia Católica se convierte en el eje fundamental de la sociedad. El canto Gregoriano, será durante gran parte de este período la música que gobernará todos los territorios, ya que en esta época, el poder y la cultura van a estar en manos de los monjes y religiosos, que se harán con el poder de una sociedad casi analfabeta. No obstante, la música profana siempre va a tener un sitio, sobre todo en la Baja Edad Media con el nacimiento de los juglares y los trovadores que actuarán en castillos, palacios, plazas o calles de cualquier lugar.

Johann Sebastian Bach

Renacimiento Con el Renacimiento da comienzo la Edad Moderna. Es un periodo que abarca los siglos XV y XVI, cronológicamente se sitúa entre la Edad Media y el Barroco. Es una etapa corta, pero de las más importantes dentro del mundo cultural y artístico. En esta época se van a dar cita personajes de la talla de Miguel Ángel, Leonardo Da Vinci, Rafael, El Greco, Cervantes, Shakespeare,...; que desarrollarán la cultura y el arte como nunca antes había ocurrido. CONTEXTO MUSICAL: Dentro del ámbito de la música se darán las siguientes características: Incremento de la cultura musical, que viene establecido por las ideas humanistas sobre la importancia de la cultura, además de por la invención de la imprenta, ya que ahora se empiezan a imprimir las primeras partituras. Desarrollo de la música profana e instrumental, también influidos por el espíritu humanista. Cada vez se crea más música de carácter no religioso y en detrimento de la música sacra. Recordemos que la iglesia había menospreciado la música instrumental, y ésta ahora experimentará un gran desarrollo. Profesionalización de los músicos: la música sigue creciendo en complejidad, como ya lo había hecho en los últimos siglos de la Edad Media. Esto obliga a los músicos a especializarse y a dedicar su vida a este arte.

Barroco Se conoce con el nombre de Barroco al periodo que va desde 1600 hasta 1750. Está encuadrado entre el Renacimiento y el Clasicismo. Los hechos musicales que encuadran esta etapa son la creación de la primera ópera "Orfeo" del italiano Claudio Monteverdi (1607) y la muerte de Johann Sebastian Bach(1750), que será el genio indiscutible de esta época. (1685-1750). Principal representante de la música alemana del período barroco tardío, que en su tiempo gozó de la admiración pública tanto como en nuestros días, por su extremada maestría como intérprete del clavecín y perfeccionado del pianoforte (piano), así como organista. De familia originalmente húngara, él nació en Eisenach Turingia, bajo el signo de Piscis. Su padre era un consumado violinista en la corte ducal de Eisenach. A la muerte de sus padres, quedó al cuidado de su hermano mayor, Juan Cristóbal Bach, quien era organista en Ohrdruf, y hacia 1700 a los 15 años, participaba ya en el coro de los niños pobres de la iglesia de San Miguel en Lüneburg, donde pudo familiarizarse con las sutilezas de la ejecución de teclados y de la composición musical, con el gran maestro Dietrich Buxtehude. En 1708 entró al servicio de los duques de Weimar, y su maestría ya resultaba asombrosa, y su carrera no se detuvo hasta su muerte.

Wolfgang Amadeus Mozart Compositor alemán (1756-1791). Niño prodigio, desde los cuatro años de edad viajó por Europa como concertista de piano y violín. Como compositor destacan las óperas Don Juan, Las Bodas de Fígaro, La flauta mágica, Cosí fan tutte, 41 sinfonías, 27 conciertos para piano y otros instrumentos, sonatas, cantatas, Requiem, Tedeum, Ave verum, etc.

CONTEXTO MUSICAL Este pensamiento barroco (razón-sentimiento) se va a hacer muy patente en el panorama musical. Así pues, en este periodo se busca una codificación de todos los parámetros musicales (ritmo, tonalidad,...) como forma de ordenar y racionalizar la música. Esto lo podemos constatar en la siguiente frase de J. P. Rameau (considerado el fundador de la moderna armonía): "...la música es una ciencia que debe disponer de unas reglas bien establecidas; dichas reglas deben derivar de un principio evidente, principio que no puede revelarse sin ayuda de las matemáticas...." Pero además, se van a crear nuevas técnicas para poder expresar de la mejor manera posible los sentimientos (monodía acompañada, contrastes tímbricos, uso de dinámicas,...). La ópera será el género que más

Clasicismo El Clasicismo es un periodo que se enmarca entre el Barroco y el Romanticismo. Suele fecharse convencionalmente entre 1750 (muerte de J.S.Bach) y 1827 (año en el que muere Beethoven). Es una etapa corta que marca la transición de la Edad Moderna a La Edad Contemporánea. CONTEXTO MUSICAL: La música irá abandonando los círculos eclesiásticos y palaciegos para desenvolverse en casas privadas de la burguesía y en espectáculos públicos. En este periodo se produce una vuelta a los ideales de la cultura clásica grecorromana, basados sobretodo en el equilibrio, la sencillez y la belleza (dejando atrás el estilo recargado del Barroco); por ello, en el resto de las artes se conoce a este periodo como "Neoclasicismo". No sucede esto con la música, ya que no pueden copiar los modelos clásicos porque no nos han llegado; sin embargo, sí van a compartir la búsqueda de la belleza y la perfección formal. Entre los precursores de la música de este periodo podemos nombrar a dos de los hijos de Bach: C.P.E. Bach y J.C. Bach, pero los tres compositores que se van a convertir en las grandes figuras de este periodo son Haydn, Mozart y Beethoven, que trabajarán en Viena, ya que ésta es considerada la ciudad más importante dentro del contexto musical.

Frédéric Chopin (1 de marzo de 1810 - 17 de octubre de 1849) es considerado el mayor compositor polaco y también un gran pianista. Nació como Fryderyk

Franciszek Chopin (Frédéric François Chopin) en Zelazowa Wola, una población del centro de Polonia, de padre francés y madre polaca. A los ocho año ya tocaba el piano con maestría y compuso sus primeras polonesas. Pronto adquirió fama de niño prodigio y más adelante se convirtió en un virtuoso del piano. A los 16 años inició sus estudios de música, primero con Joseph Elsner y a partir de 1826 en el conservatorio de Varsovia.

Romanticismo Delimitamos cronológicamente el Romanticismo entre los años 1800 y 1890, aunque hay corrientes que presentan características románticas antes de estas fechas y en algunos países se extenderá hasta bien entrado el siglo XX. Entre el Clasicismo y el Romanticismo no hay una línea divisoria estricta, sino una lenta y poco definida transición que nos permite hablar de continuidad. CONTEXTO MUSICAL: El Romanticismo es quizá la época más brillante de la historia de la música, ya que por primera vez, este arte adquiere la categoría de lenguaje privilegiado por encima del resto de las artes; la música es capaz de transmitir la verdadera esencia de las cosas. En el campo de la música también se dejan ver los ideales de libertad de la Revolución Francesa y por ello los compositores van a hacer obras sin encargo y según sus propios gustos, lo que llevará a muchos músicos a la ruina. El fundamento básico de la música romántica es "la exaltación de las pasiones"; los músicos románticos tratan, con su música, de influir en el ánimo del oyente implicándole emocionalmente. Para conseguir este propósito, el vehículo más apropiado será el piano, que se convertirá en el instrumento estrella del periodo, ya que con él se logra una atmósfera íntima. En esta época brillarán numerosos compositores, que seguirán, sobretodo en la primera parte del Romanticismo, el modelo de Beethoven, que será el compositor que sirva de enlace entre el Clasicismo y este nuevo periodo. En el Romanticismo la música va dirigida al corazón

Nació en Bonn en 1770; murió en Viena en 1827. Se le considera como la culminación de la llamada Escuela Clásica de Viena, y, como renovador de los conceptos de armonía, tonalidad y colorido instrumental, llevó a la perfección el género sinfónico. El día de su funeral, más de 20.000 vieneses acudieron a rendirle homenaje.

Erik Satie

(Honfleur, Francia, 1866-París, 1925) Compositor y pianista francés. La excentricidad, la irreverencia y una actitud dadaísta son los ingredientes que configuran la vida y la música de Satie. Sin embargo, poco dado al trabajo continuado, la disciplina y las reglas, hacia 1886 sustituyó las clases por los cabarets de Montmartre.

Siglo XX Desde el punto de vista cronológico, a la música de este periodo se le llama música contemporánea y tiene su origen en los movimientos nacionalistas del último Romanticismo que darán lugar a otras tendencias, en cierto modo continuistas, como el Impresionismo o el Expresionismo. encabezará todos los cambios y vanguardias que vayan surgiendo en el transcurso del siglo XX. CONTEXTO MUSICAL: El mundo de la música también se verá influido por ese cambio social y cultural. La música, cuyos recursos tradicionales habían sido explotados hasta la saciedad por los autores románticos, busca abrirse nuevos caminos y romper con el pasado. Gran cantidad de estilos vanguardistas musicales se irán

Arnold Schönberg (Viena, 1874-Los Ángeles, 1951) Compositor y pintor austríaco, nacionalizado estadounidense. Su vida y su obra se vieron siempre rodeadas de polémica. Compositor y pedagogo �sus alumnos Alban Berg y Anton von Webern ocupan un lugar de privilegio en la historia de la música� , fue una figura capital en la evolución de la música durante el siglo XX, aunque chocó con la incomprensión del público y la crítica de su época, poco dispuestos a aceptar la ruptura con el sistema tonal que su obra representaba. Sin embargo, es importante señalar que Schönberg nunca se consideró a sí mismo como un revolucionario, sino más bien como un eslabón más en una tradición musical que se remonta hasta Bach. El dodecafonismo, en este sentido, más que el fin de la tonalidad, suponía el intento de sistematización de un nuevo método que permitiera superar sus contradicciones. Pronto, sin embargo, su propia evolución le condujo a la conclusión de que el tradicional sistema armónico tonal se sustentaba sobre una falacia: desde el Tristán e Isolda wagneriano, los principios que definían el concepto de tonalidad se hallaban en crisis, ya que la generalidad de compositores empleaba una armonía en la que la disonancia, la excepción a la regla, no encontraba una resolución inmediata. La aparición de nuevos géneros como el jazz o el rock y sus derivados arrebatará a la música culta el protagonismo, casi exclusivo, del que había gozado durante siglos. Poco a poco se irá convirtiendo en una música de minorías, ajena al éxito y a los intereses comerciales. En la segunda mitad de siglo, la llegada de la tecnología alterará la forma de componer e interpretar la música. Por primera vez en la historia los medios electrónicos e informáticos tendrán una función importante dentro del fenómeno musical .

Cuadro cronológico de los grandes compositores

Biografía de “ ”

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CUESTIONARIO DE TEORÍA DE LA MÚSICA 1/ ¿qué es una escala ? 2/ ¿ que es melodía ? 3/ ¿ que es un acorde ? 4/ ¿ que es el pentagrama ? 5/ ¿ que son las notas ? 6/ ¿ que son las figuras ? 7/ ¿ que son los silencios ? 8/ ¿ que son los compases ?

Si bien hemos aprendido lo básico de la lectura musical “tradicional” (partitura

con figuras y silencios), es difícil leer canciones con el nivel de complejidad que

habitualmente lo hacemos en clase, por eso utilizaremos el sistema que

últimamente nos trajo muy buenos resultados donde hay que tener en cuenta lo

siguiente. Utilizaremos como ejemplo la canción “Navidad”.

Sol Que

MiMiMi---------MiMiMi-------Mi Mi

Navidad navidad Hay Re jar

Do Te Fes

En este ejemplo podemos ver bien claro 2 datos importantes a tener en cuenta, el

primero son las

Altura de las notas:

La nota más aguda de ésta melodía es Sol, la nota Do, es la más grave de la

melodía sencillamente porque está más abajo.

Duración de las notas:

Las primeras 3 notas, son tres Mi, que al estar una al lado de la otra y no tener

línea suenan juntas, pero el tercer Mi dura más simplemente porque tiene una

línea que extiende un poco más, probá cantando la canción y te vas a dar cuenta

(navidaaaad).

Las otras notas Mi Sol Do Re Mi, tienen la misma duración, por eso

no tienen línea, sigue una después de otra aunque la altura sea distinta. No dudes

nunca en preguntar si hay algo que no entendés, muchísima suerte!.

¿Qué es la

melódica?

La melódica es un instrumento de viento, similar al acordeón o la armónica, presenta un teclado en la

parte superior que produce sonido sólo al soplar a través de una boquilla ubicada en un extremo del

instrumento. Este instrumento fue inventado por Höhner en la década de 1950 o de 1960, empresa que

patentó y popularizó su nombre. Usualmente su teclado es de dos o tres octavas. Y no todas empiezan

en la misma nota, algunas empiezan en Fa, otras en Do etc . La melódica tiene una boquilla y una

manguera que se conecta al instrumento por donde se sopla y se obtiene el sonido, es importante saber

soplar com fuerza o muy despacio según

Ubiquemos las notas de la melódica en el pentagrama

Es necesario saber que las notas muchas veces las vamos a encontrar no por

su nombre, sino por una letra que las identifique, por lo tanto:

Do C, Re D, Mi E, Fa F, Sol G, La A, Sol G, La A, Si B.

Las notas en el ukelele y en el pentagrama

Acordes en el ukelele

Las notas en la flauta y en el pentagrama

Las notas en la armónica y en el pentagrama

La batería

La batería es uno de los instrumentos más atractivos de la música moderna y sin duda el más

visual de todos los que comparten escenario en un concierto de pop-rock, la importancia de

la batería a la hora de interpretar una canción es fundamental y el valor recae en la capacidad

del músico en saber entender la dinámica y la intensidad, (volumen y velocidad) que requiere

la canción.

La batería es un instrumento voluminoso, extraño y atractivo, que desempeña un papel

fundamental en muchas de los grupos que seguramente escuchas. A continuación, veremos

la partes de una batería para que perdamos el miedo a sentarnos por primera vez en una y

experimentar algo tan único como adictivo.

Esto es una batería estándar:

A veces, tocar un instrumento rítmico parecería más fácil que tocar un instrumento que

pueda hacer notas y acordes, pero tocar la batería implica un trabajo donde el baterista debe

tener un buen sentido del ritmo, gran coordinación con todo el cuerpo, relajarse y dejarse

llevar por el ritmo del resto de los músicos. Primero que vamos a aprender es a llevar un

ritmo parejo con el bombo y redoblante, luego agregamos los platillos rítmicos, el Hit Hat, y

después el RIDE, luego el platillo de corte, el CRASH, usado mucho cuando terminamos un

redoble o fills, por último los toms 1 y 2 y el tom de pie llamado vulgarmente Chancha

intentando lograr redobles o fills. Paciencia que con esfuerzo y sobre todo constancia los

resultados no tardarán el llegar .

Acá tenemos un blog donde podrás descargar y ver junto con tu familia

y amigos muchos cuadernillos y videos que utilizamos en clase.